Noxvox – “Niedowidzenia”

Ensamblando el clasicismo con la modernidad

Rage In Eden – Julio de 2017 – Neoclassical /Post-industrial – RAGE118

Kensho

Dal

Biały szum

Luna

Kamień w wodę

Niedowidzenia

Siewca

Pokuszenie

Noc wyschniętej rzeki

Noxvox es una nueva propuesta surgida desde Polonia que nos ofrece una interesante fusión de estilos, hilando el neoclásico con un post-industrial muy depurado cercano al tecno que consigue otorgar un inusitado dinamismo, el cual dota de gran flexibilidad a los nueve temas encargados de vertebrar este disco.

Noxvox es un torbellino de sensaciones bien halladas. La dinámica compositiva se descubre como algo yuxtapuesto y firme, ofreciéndonos multitud de variaciones en un mismo tema, aspecto que ensalza el genio creativo del artista, así como su gran capacidad para fundir distintas sensaciones en una misma atmósfera. Uno de los aciertos de este combo es el solemne timbre de su vocalista y compositor, Andrzej Kryszpin, que se amolda a la perfección dentro de unas composiciones heterogéneas y altamente dinámicas.

Otro de los puntos fuertes es su romanticismo escarificado. Niedowidzenia rezuma pasión y sentimiento teñido de negro. Una alternativa altamente recomendable para todos los seguidores de bandas como Cocteau Twins, Dead Can Dance, Coil o Les Fragments De La Nuit. Resulta muy complicado encuadrar a esta banda, ya que la cohesión de géneros llevada a cabo está tan bien planteada que se solidifica al instante, generando algo único e insoportablemente atractivo.

Entre los temas más señeros de Niedowidzenia podemos remarcar el sentimiento depositado en su tercer corte, “Biały Szum”, el cual evoluciona lentamente hacia una melodía marcada por las cajas de ritmos para desmenuzarse de forma progresiva en un mar de notas calmadas. La belleza del piano que describe a “Kamień w Wodę” es prácticamente inefable, abriendo paso a cantos pausados y expansivos que rescatan la esencia de los primeros trabajos de Dead Can Dance. Tampoco conviene pasar por alto canciones como «Pokuszenie«, perfecta para las pistas de baile. Andrzej Kryszpin consigue dejarnos bien claro que estilos tan contrapuestos como el experimental electrónico y el neoclásico no tienen por qué estar enfrentados, otorgándonos una demostración magistral de sensibilidad y técnica.

El sello polaco Rage In Eden, la reencarnación de la ya desaparecida y conocida por muchos War Office Propaganda, ha sido el encargado de publicar un disco que se desmarca sensiblemente del resto de ofertas de su catálogo. Un álbum pensado para satisfacer en la misma medida a un amante del tecno que a un acólito de los instrumentos de cámara.

Fernando O. Paíno

13 septiembre, 2017 0

Nytt Land – “Fimbulvinter”

Recreando la mitología escandinava

Cold Spring – Enero de 2017 – Folk // Música tradicional - CSR234CD

Dauði Balder (Völuspá, 31-35)

Gullinkambi (Völuspá, 42-44)

Ár Var Alda (Helgakviða Hundingsbana I, 1-4)

Fimbulvinter

Gjallarhorni (Völuspá, 46-48)

Fenris Kinder (Völuspá, 40-41)

Hittusk Æsir (Völuspá, 7-10)

Sal Sér Hon Standa (Völuspá, 64-66)

Surtr Ferr Sunnan (Völuspá, 52,57)

Bróðurbana Sínum (Hávamál, 89-91)

The Last War

Winter Day

El quinteto ruso Nytt Land nos descubre los secretos encerrados en la música tradicional desarrollada en la zona septentrional del viejo continente. Rituales nórdicos dotados de melodía y equilibrio. Fimbulvinter es un recorrido hacia la fuerza de las primeras culturas europeas.

Dentro del groso de bandas que intiman con los sonidos tradicionales de corte folk y nórdico, Nytt Land consigue destacar por su singular carácter. El conjunto ruso regresa al páramo editorial con un excelente trabajo, Fimbulvinter, doce temas que sorprenden por su cuidada composición y su variada instrumentación, mucha de ella automanufacturada.

El estilo de Nytt Land puede recordarnos al desarrollado por conjuntos tan laureados como Wardruna, algunos trabajos de Om o los propios Trobar de Morte. De talante serio pero colmado de romanticismo, este quinteto desarrolla temas repletos de arengas a guerra, amor a la naturaleza y respeto al Creador, fundamentándose en el tronco de la mitología nórdica, más concretamente de la Edda mayor, una serie de poemas medievales islandeses cultivados durante la primera mitad del siglo XIII.

La mayor parte de los temas que estructuran Fimbulvinter nos ofrecen un estilo cargado de cadencia y belleza ornamentado a base de robustas percusiones, flautas que no cesan en ningún momento de regalarnos melodías independientes cuya finalidad es fusionarse en tempo a la estructura principal, enriqueciendo el resultado del sonido. Una vez más, la voz de Natalya Pakhalenko se alza como el emblema más identificativo del conjunto, endulzando tos temas y dotándolos de una gran personalidad, en contraste con la numerosa cantidad de cantos difónicos que se funden en su espectro, y que otorgan un singular y mágico éter en el que se envuelven todas y cada una de las tonadas.

La totalidad de nombres que identifican a las canciones de este disco, así como sus letras, están cantadas en islandés clásico. Fimbulvinter encierra cortes tan enigmáticos y admirables como “Gullinkambi”, que se presenta con paisajes sonoros cargados de bruma y misterio para dejar paso a gaitas, rabeles, y golpes de tambor repletos de potencia que logran configurar cautivadoras sonoridades, atrapándonos en el medievo más desconocido.

Otro gran gema es “Hittusk Æsir”, una tonada en la que la voz de Natalya pasa a nutrir los coros, siendo la de Anatoly Pakhalenko la encargada de dirigir y dosificar la fuerza. Cantos armónicos son fundidos a golpe de martillo con un sinfín de instrumentación ancestral, logrando una estabilización acústica absolutamente encomiable.

Fimbulvinter ha sido publicado por uno de los sellos referentes del panorama underground británico, Cold Spring. Se presenta en un elegante digipak de seis paneles, obviando la disposición de imágenes en la portada.

Fernando O. Paíno

10 septiembre, 2017 0

Juan Antonio Nieto & Javier Piñango – “Two Unfocused Cardinal Points”

Diseccionando el abismo

Marbre Negre – Noviembre de 2016 - Experimental /Noise / Dark Ambient - MN053

Sudden Danger

Sultry Night

An Eyeless Ghost

Moments In Never

From A Bitter Sky

On Sorrow Fathered

Dos artistas referenciales dentro de la música surgida a raíz de la década de los ochenta en nuestro país, Juan Antonio Nieto y Javier Piñango, unen sus fuerzas para sorprender con un dechado perfecto de experimentación, cacofonías y frialdad. Two Unfocused Cardinal Points nos muestra las metas alcanzables por medio de la experiencia.

Juan Antonio Nieto y Javier Piñango son dos nombres que pueden pasar por alto a los ojos de un neófito musical. Sin embargo, hablamos de dos personalidades remarcables dentro de la historia sonora de nuestro país. El primero de ellos ha formado parte de las filas de Aviador Dro de forma ocasional, consolidando su carrera artística en la banda tecno hispana Alphaville -Sí, los de «La Escalera«, no los del «Big In Japan«-. Por su parte, Javier Piñango lleva demostrando nervio ruidista desde su andadura junto a Los Cerdos, una banda de punk alternativo tan cambiante como magnética surgida a principios de los noventa. Lo que juntos han hecho dista mucho de lo realizado por separado años atrás. Ambos terminaron escorándose hacia la música abstracta durante el decurso del nuevo siglo, editando jugosos discos en solitario. Two Unfocused Cardinal Points rescata esa personalidad individual de cada uno de ellos, fusionándose para generar un microcosmos sonoro que supura expectación, misterio e inmensidad.

Definir la música de este proyecto es verse en la necesidad de referenciar a bandas como Nurse With Wound, SleepResearch Facility, el primer Lustmord, Brian Eno o Deathprod. El dúo tiene un poco de todos ellos sin llegar a asemejarse a ninguno en concreto. Lo que está claro es que hablamos de un impactante viaje sonoro en el que infinidad de paisajes abstractos se adhieren a nuestra imaginación, comportándose como sueños velados. Sus seis cortes son una demostración de maestría y buen gusto. Cada uno de ellos se centra en un subgénero concreto dentro de la nueva experimentación cultivada por medio de sintetizador analógico.

Recomiendo verdaderas maravillas como el corte que cierra el disco, “On Sorrow Fathered”, en el que el conjunto nos transmite su pasión por el ruido inexpresivo y las texturas inconsistentes y perturbadoras. No obstante, Two Unfocused Cardinal Points está colmado de buenos momentos. La totalidad de sus cortes comprenden una duración que circunda los diez minutos, y en ellos podemos encontrar absolutamente de todo: Yuxtaposición surrealista en “Sudden Danger”, Abstracción onírica en “Sultry Night” o Una premeditado y sutil acercamiento a la música cósmica en “From A Bitter Sky”. En resumen, el CD no tiene desperdicio alguno. Hablamos de un disco que merece ser prensado en vinilo, que consigue engrandecer la cartera de bandas disonantes que representan a nuestro país a escala internacional.

Marbre Negre ha tenido la genial iniciativa de publicar este manual acústico. La única pega es su escasísima tirada, ya que tan sólo se han realizado cien ejemplares.

Two Unfocused Cardinal Points puede definirse como una oferta irresistible para todo amante del experimental de calidad. No desaproveches la oportunidad de acercarte a él.

Fernando O. Paíno

7 septiembre, 2017 0

Echoes Of Yul – The Healing Sessions

Un sonido diferente

Zoharum - Junio de 2017 – post rock / experimental - ZOHAR 143-2

Children of the Marketplace

Aiming Point

All Right

Melt

La Chèvre

Lifeboat

Suffer Here

Glued

Cut

Shedding

Sweep

Enjoy the Crash

The Rust

Echoes Of Yul destaca por gestar un sonido propio que amalgama infinidad de estilos dispares entre sí. Son capaces de andamiar el sonido a base de post-rock pesado y condimentarlo con altas dosis de experimental. The Healing Sessions contiene una colección de revisiones pertenecientes a su celebérrimo The Healing.

El proyecto polaco capitaneado por Michał Śliwa nos ofrece un nuevo punto de vista acerca de uno de sus álbumes más laureados, The Healing. El artista no quiso desaprovechar la oportunidad de dar a conocer otras facetas más ambientales de los temas que configuraban este disco, y ni corto ni perezoso decidió publicar una casete limitada a pocos ejemplares en la que se incluía el sugerente repertorio. Zoharum ha convenido en relanzar esta genialidad, ya que una vez escuchado resulta muy difícil escoger entre la vivacidad del primigenio o la lisergia incandescente de lo que ahora comentamos.

The Healing Sessions revisa de manera mucho más pausada y acústica la cimentación de The Healing, añadiendo temas inéditos que quedaron fuera de este álbum por falta de espacio, y reconceptualizaciones incendiarias, como pueden ser “Melt”, “Glued” o “Enjoy the Crash”. Aunque a simple vista pueda despistar un poco, Śliwa bautizó a los cortes de forma distinta a los que aparecen en The Healing, renombrándolos más tarde de cara a su publicación.

A pesar de que a priori puede echar para atrás el hecho de hacerse con un disco de demos, éstas no desmerecen ni en calidad de producción, ni en intensidad y genio creativo. Se trata simple y llanamente de una perspectiva mucho más agresiva y ocasionalmente misteriosa, hallando grandes ejemplos en temas como “Cut”, donde el post-rock se vuelve pesado y raspante. Sin embargo en ningún momento pierde el ardor experimental que hace de este proyecto algo distanciado del resto de bandas. Recomendamos “La Chèvre” o la longeva “Enjoy the Crash” para acercarse al espíritu tardo psicodélico con el que Śliwa alimenta su genio creativo.

Zoharum ha limitado este lanzamiento a únicamente trecientas copias, ya sea por su carácter de pseudorareza o por el hecho de haber sido publicado previamente en otro formato. Se presenta en un digipak de tres paneles y su portada, al igual que la música, nos regala una nueva perspectiva del diseño original.

Fernando O. Paíno

4 septiembre, 2017 0

Los Esmiz – “Dos Mares, Un Paraíso”

Encañizando el sonido

Contubernio Records – Agosto de 2017 – Experimental – CRLP089L

El Verano Que Nos Gustaría Tener

La Patrulla Águila

469

Hanoi Wok Buffet Mediterráneo

Vacaciones En La Manga (Reprise)

47º9’S 126º43’W

Camino Del Sol Con Síndrome Postvacacional

Calbanque

La Marea

Holoturias

Regreso a…

Vacaciones en La Manga

La Patrulla Águila (Reprise)

Hace Mucho Calor En Magaluf

Camino Del Sol Con Síndrome Postvacacional (Reprise)

El dúo madrileño Los Esmiz presentan bajo su propio sello, Contubernio Records, Dos Mares, Un Paraíso, un trabajo que logra equilibrar la melodía con la experimentación, configurando recreaciones acústicas del cordón litoral que configura La Manga murciana.

Contubernio Records es uno de los sellos más fértiles y prolíficos del panorama experimental español. En esta ocasión, la casa independiente madrileña nos sorprende con la edición en CD de Dos Mares, Un Paraíso, el último trabajo del dúo madrileño Los Esmiz. Este conjunto está formado por Santi Plagio, gloria viva del sonido disonante creado en la capital del reino y responsable de combos como Plagiarism Is Art, Ruido y Tortura o Comunión y Liberación; y Tomás, su hermano carnal. Como todos podemos colegir si demasiada dificultad, el nombre de la banda es un guiño carpetovetónico a la agrupación británica más influyente de la historia: The Smiths. Juntos han creado un tríptico sonoro en el que se fusionan visiones opuestas que logran complementarse íntimamente, generando un sopesado equilibrio entre la música cósmica, el mínimal y la experimentación más lisérgica.

“Mar Mayor” es su primera segmentación, y está compuesta por seis cortes que fraternizan con los ritmos embrionarios y los pedales de efectos. Su segundo tema, “La Patrulla Águila”, se alza como la propuesta más sólida y bailable del repertorio, desconstruyendo el sonido hasta gestar verdaderas genialidades experimentales como las planteadas en “47º9’S 126º43’W”, un corte hipnótico que nos transporta a contextos inhóspitos y volátiles.

El estrato intermedio, “Mar Menor”, se ensambla con otros seis temas pincelados a base de eclecticismo. “Camino Del Sol Con Síndrome Postvacacional” -una realidad para muchos- recrea, emulando en cierta forma el hieratismo lírico del primer P-Orridge, la mecánica rutinaria que engrana la vuelta a la actividad laboral. “Calbanque” es otro gran ejemplo de experimental bien planteado, acercándose por instantes a esquemas sonoros presentes en facetas de Coil como Time Machines. “La marea” rescata el esquema punzante y cadencioso que suele caracterizar al estilo de Plagio, una tonada fría e incisiva que genera un indefectible magnetismo. Recomiendo no pasar por alto su décimo primer título “Regreso a…”, en el que el ritmo se enrosca a base de ecos y reverberaciones, esgrimiendo la improvisación como arma de ataque. La corona es otorgada a “Vacaciones En La Manga”, en el que Plagio y Tomás nos regalan una bofetada enladrillada a base de positivismo de polígono chungo.

Su tercera parte, “Paraíso”, se encarga de revestir las posibilidades creativas del conjunto, mostrándonos dos versiones alternativas de sus cortes más emblemáticos, “La Patrulla Águila” y “Camino Del Sol Con Síndrome Postvacacional”, y un tema extra “Hace Mucho Calor En Magaluf”.

Los Esmiz son una de las propuestas más prometedoras del catálogo de Contubernio, no solo por su nervio improvisatorio e imaginativo, sino también por su libertad compositiva y su gran variedad estilística.

https://contuberniorecords.bandcamp.com/album/mar-mayor-crep085

https://contuberniorecords.bandcamp.com/album/mar-menor-crep088

Fernando O. Paíno

2 septiembre, 2017 0

Krzysztof Penderecki – “Kosmogonia”

Rescatando a los maestros del miedo

Cold Spring – Julio de 2017- Experimental / Clásica - CSR238CD

Kosmogonia

De Natura Sonoris II

Anaklasis

Fluorescences

1974. Corrían aquellos tiempos en los que Philips era una de las más respetadas discográficas de música experimental y concreta. Penderecki sorprendía al mundo por su elocuente capacidad para generar atmósferas enrarecidas y angustiantes. Responsable de bandas sonoras como El Exorcista o El Resplandor, Kosmogonia recoge una espectacular muestra del genio compositivo de este singular polaco.

Creo que, en nuestro foro interno, todos sabemos que la banda sonora es uno de los elementos fundamentales a la hora de condicionar a un espectador cuando ve una película de suspense o terror. Krzysztof Penderecki causó auténtico furor durante las décadas de los setenta y ochenta gracias a su admirable capacidad a la hora de ilustrar paisajes acústicos en los que infinidad de instrumentos son formulados con una sola intención: Generar miedo. Este profesor de polaco de composición musical ha sido catalogado como uno de los referentes más meritorios dentro de este campo, participando en bandas sonoras de películas tan exitosas como El Resplandor, Shutter Island o El Exorcista. Largometrajes en los que la música juega un papel decisivo de cara a la ambientación contextual.

Uno de los trabajos más tenebrosos y aconsejables de Penderecki es Kosmogonia. Este disco vio la luz en los albores de los años setenta, y fue motivo de fantásticas críticas y varias reediciones. Lo que en él se incluye son cuatro cortes maléficos e inficionados en los que este genio de la arquitectura musical consigue desarrollar verdadera agonía y tensión a base de un ejército de instrumentos de orquesta y la incursión del silencio como eterno aliado. El resultado es algo realmente impresionante que ha servido de referente a multitud de bandas posteriores centradas en el dark ambient, neoclasical oscuro y martial folk. Temas como el que abre este CD y que bautiza al álbum, “Kosmogonia”, logran disipar cualquier resquicio de duda respecto al inefable potencial compositivo de Penderecki. No conviene perder de vista el resto de cortes, ya que se complementan unos a otros en estrecha reciprocidad, pudiendo destacar “Anaklasis” o “Fluorescences” como auténticos cruceros por el Aqueronte.

Cold Spring no ha perdido la oportunidad de rescatar del olvido este espectacular trabajo, engalanándolo como se merece: Kosmogonia ha sido reeditado en formato digipak de seis paneles, además respeta la portada original de Philips, lo que aún lo hace más sugerente. El aliciente extra se esconde en la impresionante masterización que Martin Bowes ha llevado a cabo, enfatizando muchos detalles que en la edición original quedaron ocultos debido a los limitados medios de producción.

Kosmogonia puede considerarse uno de los cimientos de la música experimental oscura. No tardes en descubrirlo.

Fernando O. Paíno

22 agosto, 2017 0

Scumearth & Error Humano – «Bacteriology»

Abstracción ruidista


Marbre Negre – Julio de 2017 – Noise / Experimental – MN058

Scumearth – Protozoa

Error Humano – Vibrio Cholerae // Naegleria Fowleri

Marbre Negre acaba de publicar una casete de lujo en la que participan dos nombres capitales dentro del ruido: Scumearth y Error Humano. Una colección de ambientes rectilíneos y asfixiantes que recibe por nombre Bacteriology.

Una vez más se vuelve a demostrar que los sellos hispanos no tienen nada que envidiar a los del resto de países en lo que a producción ruidista extrema se refiere. El sello catalán Marbre Negre ha publicado recientemente una casete compartida por dos proyectos que cultivan la opresión cacofónica de forma equilibrada y directa: Scumearth y Error Humano. El primero de ellos, comandado por Alonso Urbanos, cuenta con una dilatada trayectoria musical y una prolífica discografía, habiendo colaborado con artistas de la talla de KK Null. En la primera de las caras, Scumearth desarrolla un corte expansivo y ambiental, rebosante de drones y ruido tamizado en el que se va adhiriendo toda una paleta de efectos disonantes que dotan de plasticidad al mismo, haciendo de él algo muy vistoso y dinámico. “Protozoa” puede entenderse como un perfecto dechado de noise ambiental inclinado hacia la oscuridad que se ensambla magistralmente en la línea estilística del proyecto madrileño, aportando una faceta más introspectiva y lúgubre.

Por la segunda cara, el dúo de Méjico Error Humano nos ofrece dos cortes colmados de dinámicas salvajes y agresivas, desarrollando una improvisación ruidista en la que el exceso de disonancias funciona igual que un muro de hormigón antes de reventar, soportando una presión superior a la tolerada, generando sensaciones altamente opresoras e inconsistentes. “Naegleria Fowleri” es un patrón perfecto para entender la desbordante potencia de este grupo residente en DF.

Bacteriology es una apuesta segura para los adeptos al extremo más experimental del noise, desde Merzbow o Masonna hasta la oscuridad de Sistrenatus. No solo por su ejemplar contenido, sino también por su continente: Se ha editado en formato casete, limitado a únicamente 35 ejemplares. La presentación es otro de los puntos fuertes, ya que se ha utilizado una portada de acetato sobre la que el propio Urbanos ha ideado un espectacular diseño minimalista y conceptual, convirtiendo a la misma en un objeto de coleccionismo.

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/bacteriology

Fernando O. Paíno

20 agosto, 2017 0

Urze De Lume – «Vozes Na Neblina»

Recuperando la esencia lusitana

Eqvilibrivm Music – Marzo de 2017 – Neofolk - EQM029

Vozes Na Neblina I

Quando As Nuvens Escurecem

Vozes Na Neblina II

Outono Eterno

Dentro del cada vez más conocido neofolk ibérico, Urze de Lume destaca por su marcada sensibilidad musical y buen hacer melódico. Equilibrium music presenta “Vozes Na Neblina”, cuatro embriagadores cortes que nos hacen viajar al pasado.

El llamado folk ibérico es un movimiento que con el paso de los años va cobrando fuerza y notoriedad. Cada vez son más las bandas que, auspiciados por la memoria histórica de su tierra, deciden rendir culto a la misma por medio de la música. Urze de Lume es un ejemplo perfecto. Este cuarteto lisbonense recrea la belleza natural enterrada en el recuerdo lusitano, moldeando melodías dulces y apaciguadoras exentas de voz, tal y como podemos descubrir en cortes de la talla de “Quando As Nuvens Escurecem” o “Outono Eterno”, articulados a base de guitarras acústicas y alimentados con percusiones ancestrales y llamadas de cuerno. Los instrumentos de cuerda frotada juegan un papel fundamental, dominando la dinámica sonora con armonía y sabor al pasado, tal y como muestra “Outono Eterno”, tonada con la que este mini CD se cierra, y que puede evocar grandes momentos de bandas como Blood Axis.

Los otros dos cortes que componen Vozes Na Neblina reciben el mismo nombre que el álbum que las alberga, estos se comportan de forma completamente opuesta a los anteriores, ofreciéndonos poco más de un minuto de spoken word en portugués, las voces son proferidas por unos de los conjuntos más representativos del folk ibérico, Árnica.

Eqvilibrivm es un sello que sobresale por su marcado catálogo de bandas y su concienzudo trabajo de edición, haciendo de sus lanzamientos un dechado de elegancia. Vozes Na Neblina ha visto la luz en dos ediciones diferentes, una de ellas limitada a cincuenta ejemplares en la que se añade un corte de tronco de árbol en el que se ha grabado el nombre del conjunto, además de una postal firmada por los cuatro miembros.

Vozes Na Neblina es una propuesta perfecta para adentrarse en el mundo eterno de Urze de Lume.

Fernando O. Paíno

19 agosto, 2017 0

Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand – “Sucht & Ordnung”

Intimando con el rock psicodélico

WKN – Noviembre de 2016 – post-rock/gothic/stoner - WKN49

Untitled

Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand es la reencarnación de uno de los proyectos más emblemáticos y cambiantes de la nueva música. Un grupo que sabe definirse a sí mismo y para el que sobran las categorizaciones. Sucht & Ordnung es su última propuesta.

Si alguien todavía no sabe que Albin Julius es un maestro de la composición y el eclecticismo musical, o es que no ha seguido de cerca su carrera, o no le ha mostrado la suficiente atención. Der Blutharsch es un proyecto que ha sabido reinventarse a sí mismo distanciándose de patrones y etiquetas; es puro amor a la música, es vivir el sonido. Desde los vestigios de The Moon Lay Hidden Beneath a Cloud este proyecto austriaco ha sabido renacer constantemente fluctuando en estilo, marcando improntas propias que han terminado convirtiéndose en subvertientes aisladas. Ante un catálogo tan variado es normal experimentar discrepancias a la vez que admiración. Lo que está claro es que Der Blutharsch es una de las bandas más influyentes de la música independiente actual, no solo por su gran disposición estilística, sino por su originalidad y su constante evasión del convencionalismo.

En el año 2011, Julius decide rebautizar esta agrupación ampliando su significación: Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand inaugura un nuevo concepto tanto musical como actitudinal, ofreciéndonos una perspectiva más emparejada con el primer rock y la psicodelia de los setenta.

Sucht & Ordnung es su última propuesta. Está compuesto por tres temas eminentemente acústicos en los que de manera ocasional interviene la voz de Marthynna, la cual puede evocar vagamente el timbre de Alzbeth, cofundadora de TMLHBAC; sin embargo, poco tiene que ver esta triada musical con los temas de su primer grupo. Lejos quedó el martial punitivo y la oscuridad medieval. Sucht & Ordnung nos ofrece cortes apuntillados por las guitarras eléctricas y las baterías que describen al rock psicodélico.

Una vez más, y como viene siendo común desde el principio de su andadura artística, Julius ha decidido obviar el título de los cortes, pensando de nuevo que el acotar semánticamente una obra puede restar parte de la expresividad que contiene la misma. Lo que está claro es que los tres temas que moldean este disco abrazan de una forma u otra la esencia death rock de conjuntos como 45 Grave o Voodoo Church, a la vez que simpatizan estrechamente con algunos momentos de Queens of Stone Age o Good Speed You, Black Emperor!, aportando un estilo muy peculiar y característico que añade un matiz dulzón y malevolente.

Este trabajo ha sido publicado en distintos formatos y ediciones, pasando por el casete, CD y vinilo. El sello encargado de editarlo ha sido el propio de Julius, WKN, destinado desde el principio de su existencia y de manera exclusiva a albergar su discografía.

Fernando O. Paíno

15 agosto, 2017 0

Umbrage – “Vile/Bile”

Nitrato de Amonio

Marbre Negre – Enero de 2017 – Drone / Power electronics - MN055

Vile/Bile

Umbrage es como el nitrato de amonio: aparentemente inofensivo, pero al juntarse con otros elementos, terriblemente devastador. Este dúo gallego nos presenta una casete atestada de saturaciones, disonancias y contextos asfixiantes. Media hora de opresión sin mesura.

En Galicia también se hace ruido, y además del bueno. Este dúo coruñés nació hace unos años como consecuencia de la necesidad por parte de sus miembros de focalizar las detonaciones sonoras que el metal extremo era incapaz de albergar en sus composiciones. De esta forma, sus dos integrantes MS y F, comenzaron a urdir pensamientos e intenciones con la malsana finalidad de engendrar una bestia incontenible que ha tomado forma bajo el nombre de Umbrage.

Los directos de Umbrage son verdaderamente incendiarios. Tuve la oportunidad de disfrutar de uno de ellos en el primer certamen del festival catalán Death Cult Rising y la verdad es que consiguen quitar el hipo. Enfundados en cuero negro y pasamontañas, la pareja atacó sin consideración alguna a los asistentes, regalando una buena amalgama de alaridos y saturaciones.

El sello catalán Marbre Negre se ha fijado en ellos de cara a la publicación de una casete en la que se recoge una muestra perfecta de la vehemencia disonante que caracteriza a esta banda. Vile/Bile contiene un único tema de casi media hora en el que se da rienda suelta a drones infectados por la saturación. A ellos se anexan todo tipo de fluctuaciones acústicas distorsionadas que otorgan cierto dinamismo al corte, que a su vez se ve reforzado por ocasionales cadencias percusivas. En estilo pueden recordar a los genios del caos The Grey Wolves, en esencia a ZFK, y en actitud a Con-Dom.

La cara B esconde una perspectiva distinta del corte principal, ya que éste se representa invertido, es decir, disfrutamos de lo mismo pero de forma diferente, apreciando nuevas angulaciones sonoras que lo hacen diferir de la propuesta original.

Vile/Bile sorprende por su edición. Se ha presentado en formato casete, y viene protegido por una funda de cartón que salvaguarda a la clásica caja de plástico. Su tirada se ha visto limitada a únicamente 36 ejemplares, convirtiéndola de esta forma en una pieza de coleccionismo que desatará los deseos de los amantes del descontrol extremo. Una magnífica oferta que nos demuestra el buen hacer en la Península dentro del parámetro ruidista.

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/vile-bile

Fernando O. Paíno

13 agosto, 2017 0