The Telescopes – “Stone Tape”

Cómo hacer hablar a una roca

4-estrellas

 

Cold Spring - Septiembre de 2019 - experimental/post-rock - CSR267CD

 

Become The Sun

The Speaking Stones

The Desert In Your Heart

Everything Must Be

Silent Water

Dead Inside

The Living Things (Session)

 

Los británicos The Telescopes se vuelcan sobre la experimentación fría y reflexiva en un disco que explora “La teoría de la cinta de piedra”. Siete paneles acústicos en los que se intercalan temas rítmicos con divagaciones sonoras.

 

The Telescopes tiene una profunda marca dentro del rock psicodélico británico. El proyecto de Stephen Lawrie lleva activo desde 1987. Amantes incondicionales de sonidos cercanos a The Jesus And Mary Chain, The Velvet Underground o My Bloody Valentine, el grupo continúa desarrollando una suerte de shoegaze en el que el ruido convive amablemente con ritmos mesmerizantes y ambientes ideados para atrapar. La marcada individualidad de la banda es el motor que les ha hecho continuar adelante, sorteando las modas y los cambios de aire, razón por la que no han dudado en trabajar con multitud de sellos distintos a lo largo de su carrera.

 

Lo que hoy presentamos es una reedición en formato CD realizada por la discográfica británica Cold Spring a su décimo lanzamiento en estudio, Stone Tape (2017). Un disco en el que el de Burton ha querido transmitir algo tan oscuro y profundo como contundente, equilibrando los toques de psicodelia con proyecciones de ruido. El resultado de todo esto es un post-rock consistente y sopesado con carácter y personalidad. Una obra que certifica el genio del conjunto, además de asentar su calidad musical. Stone Tape es uno de los discos más profundos e intimistas de toda la trayectoria de The Telescopes, un álbum que sorprende por su talante gélido y sibilino.

Y es que el peso de la esencia de bandas de mediados de los setenta está más que presente en canciones como “The Living Things”, un corte en directo de nada menos que trece minutos que no tuvo cabida en la edición vinilo, en el que se desarrollan atmósferas cerradas y potentes que podrían enamorar tanto a un seguidor de The Brian Jonestown Massacre como a uno de In Camera.

Sin embargo, no todo son ritmos marcados. “The Speaking Stones”, cuyo título nos habla un poco sobre la teoría expuesta por Thomas Charles Lethbridge en 1961 que además se encarga de dar nombre al álbum, nos sume en una indefinición experimental envuelta en nubes negras. Conviene a su vez prestar mucha atención a tonadas tan rotundas como “The Desert In Your Heart”. Por su parte, deconstrucciones sonoras de gran calidad como “Everything Must Be” nos recuerdan que la personalidad de Stephen Lawrie es un laberinto de difícil salida.

 

 

Fernando O. Paíno

Escupemetralla – “Quiero Ser Guitarra De Esplendor Geométrico, 1994 / 25 Años De Paz, Remezclas 2019”

Una visión caleidoscópica

5_Estrellas

 

Novak - Diciembre de 2019 - experimental/industrial - NVK078

 

Varios artistas. (Consultar enlace anclado a los pies del texto)

 

Escupemetralla puede ser considerado uno de los pilares más firmes de la música experimental de nuestro país. Este dúo formado en las postrimerías de los ochenta presenta un trabajo compartido por diferentes artistas en el que se revisa mayoritariamente el tema que da nombre al disco: “Quiero ser guitarra de Esplendor Geométrico”.

Uno de los grandes puntos a favor que presenta un trabajo de características prontuarias es el hecho de exponer un eclecticismo creativo sobre una idea concreta. De esta manera, podemos apreciar sin problemas es perspectivismo conceptual que puebla y hace mundo al mundo. El dúo catalán Escupemetralla ha tenido en cuenta esto a la hora de plantear un doble CD recopilatorio en el que se dan cita un elenco de grandes artistas cuyo objetivo principal es exponer su propia postura acerca de varios de los cortes que dan forma al repertorio musical del conjunto barcelonés.

 

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El origen del tema “Quiero Ser Guitarra de Esplendor Geométrico” puede hallarse en un recopilatorio publicado durante el año 1994 que recibió el nombre de Noise Club 1. En él se plantea un corte bien andamiado que respeta una estructura de cadencia y fluctuación cercana a la música comercial, pero tocada por la varita del desenfreno. Algo que Escupemetralla no suele sembrar en sus campos conceptuales.

Tomando este patrón como referencia, y reciclando un lema tan poco esperanzador como es “25 Años de Paz” -auspiciado por la dictadura franquista con el fin de elogiar una falsa situación de concordia social de más de dos décadas tras la finalización de uno de los episodios más trágicos de la historia de nuestro país, la Guerra Civil- Escupemetralla ha contactado con artistas punteros de la escena underground tanto nacional como internacional con la intención de revisar sus planteamientos originales. Desde Rapoon, que se marca un corte puramente experimental, muy próximo al dark ambient, pasando por los icónicos Macromassa, para desembocar en O Paradis o los propios Esplendor Geométrico, que también aportan su grano de arena con una interpretación tribal y cíclica exenta de voz. Asimismo se incluye la versión original de Escupemetralla, y dos remezclas confeccionadas por el propio conjunto en las que se diseminan nuevas perspectivas sobre un corte tan icónico y delirante como el ahora que nos ocupa.

Este compendio es una excelente oportunidad para redescubrir la potencia creativa de un conjunto de artistas que han nutrido durante las últimas décadas el ámbito de la música experimental. El sello catalán Novak ha vuelto a realizar un trabajo excepcional en lo que respecta a presentación. La portada del disco nos muestra un ejemplo de la arquitectura funcionalista y brutalista que nutrió la década de los sesenta y setenta en Barcelona. Una etapa en la que finalmente se sacrifica el arte a favor de la practicidad.

 

https://novakrecs.bandcamp.com/album/quiero-ser-guitarra-de-esplendor-geom-trico-1994-25-a-os-de-paz-remezclas-2019

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Ordre Etern – “Revolució Soterrada”

Removiendo huesos húmedos

4-estrellas

 

Màgia Roja - Junio de 2015 - power electronics - MR011

 

Imperi

Natura

Futur

Foc

Metropolis

Desig

Defensa

 

Aplastante y subversivo. El último trabajo del combo catalán Ordre Etern nos lanza granadas de mano confeccionadas a base de disonancias, furia y lobreguez en estado de oxidación. “Revolució Soterrada” ha sido diseñado para rasgar las paredes de tu conciencia.

 

Dentro de la beligerancia sonora peninsular, el proyecto catalán Ordre Etern ocupa uno de los primeros puestos. Este conjunto nació de las cenizas de una banda anterior conocida con el nombre de Qa’a. Sus dos componentes, Víctor Hurtado y Yarei Molina decidieron juntarse con un tercer miembro, Chris Haslam, también amante del ruido y la perversión sonora en todas sus facetas. En poco tiempo Ordre Etern comenzó a dar su primeros frutos. Sonidos sepultados sobre el rigor industrial más inflexible, en plena combinación con reflejos de percusión y líneas de cuerda.

Vamos a encontrar buenos ejemplos de esta alianza sonora en cortes como “Natura”, que manifiesta de forma incondicional su cimbreante calma, sosteniendo una tensión subrepticia alimentada por intermitentes notas de guitarra sobre las que los sintetizadores visten el casi extinto silencio con secuencias resquebrajadas. Un catálogo de exasperaciones vocales en catalán dotan de espíritu a un tema ya de por sí inclemente. Otros cortes como “Futur” están enterrados en sendas cíclicas de cacofonías insondables sobre las que los ritmos de percusión marcial saben hacerse un hueco.

 

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Metropolis” es uno de los temas más trituradores de todo el disco; un sólido conjunto de agonía vocal envuelta en reverberaciones se alía con una potente y firme percusión, apisonando lo que encuentra a su paso. Sin embargo, no todo es indomable violencia sonora en Revolució Soterrada. Ordre Etern sabe conjugar temas en los que la esperanza se muestra prácticamente interfecta y aprovechar la coyuntura para ensalzar la agonía existencial. “Defensa” es el tema encargado de cerrar el LP, y además cumple este cometido.

Revolució Soterrada ha sido publicado por el sello catalán Màgia Roja en colaboración con Tesla Tapes. Podemos elegir entre tres colores distintos de vinilo. El más limitado de todos ellos es el blanco, del cual solo se han prensado 66 ejemplares. Le sigue un espectacular color verde transparente que ya consta agotado, y la edición estándar en vinilo negro, limitada a 325 unidades.

Si eres de los que piensan que el power electronics es un género atrofiado por sus propias dimensiones conceptuales, Ordre Etern está aquí para hacerte cambiar de opinión.

 

 

Fernando O. Paíno

Garazi Gorostiaga – “Irauten”

El final del universo

5_Estrellas

 

Electric Reaction Records - Noviembre de 2017 - experimental - ER019

 

Aiene

Ilun Nahia

Nekea

Oi Gaua

Suga ar

Alu

Mihura

Ertz

Larrutan

Aitari

 

Garazi Gorostiaga diseña un producto marcado por los campos sonoros etéreos y oníricos. Experimental expansivo en el que esta artista bilbaína expone su propia visión sobre el mundo.

 

La creatividad artística es una virtud que no todos poseen. Garazi Gorostiaga no solo la tiene, sino que también sabe cómo utilizarla.

Esta bilbaína lleva ideando esquemas sonoros marcados por los sonidos industriales y dark ambient desde el año 2016, y lo que hoy reseñamos, Irauten, es una de su primeras muestras al público.

Este CD limitado únicamente a veinte copias nos ofrece una perspectiva muy personal e intimista sobre cómo utilizar el sonido con el fin de reflejar la abstracción de una manera inteligible. Sus diez cortes oscilan entre la divagación eidética y la representación ambiental de texturas organizadas en diferentes estratos sonoros, dando lugar a paisajes que hablan por sí solos sin necesidad de articular palabras. La artista logra transmitirnos una significación conceptual muy acertada, cercana a sus pretensiones, y esto, entre otras muchas cosas, hace de este CD algo delicioso.

 

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La urdimbre de líneas utilizadas son muy cercanas al drone en la mayoría de los diez casos, aspecto que escora el disco hacia la quietud y el inmovilismo. No obstante, Garazi sabe salvar este problema ofertando una constante alternancia de lanzas sónicas magistralmente ensambladas con distintos matices estéticos, aspecto que produce una interesante fractura dentro de la preconcebida linealidad que a priori se preveía.

Otro aspecto muy sugerente de Irauten es su conceptualización global. El disco actúa como una sólida molécula en la que sus átomos se mantienen firmes, engarzados entre sí de forma incondicional. Garazi apuesta por un sentimiento de sobriedad elegante con ciertos destellos de mágica expectación, y logra crear algo tan efectivo como suasorio. La bilbaína sabe cómo huir del mainstream con la intención de ofertar algo íntegro y concluyente que ejecuta con eterna fruición.

Desgraciadamente, la edición física de Irauten se agotó hace ya algún tiempo. El disco se presentaba dentro de una bolsa de plástico transparente con zip. Dentro de ella se adjuntaba una pequeña insert en A5 y una pegatina con el logo del proyecto.

Desde NOmelody esperamos que este soberbio ejemplo de ambientación oscura vuelva a ser reeditado en algún formato. Mientras tanto, os adjuntamos un enlace para que podáis deleitaros.

 

https://eclecticreactionsrecords.bandcamp.com/album/er019-garazi-gorostiaga-irauten

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

SPK – “Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)”

 

Así es como suena una obra maestra

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre de 2019 - post-industrial - CSR274

 

Invocation (To Secular Heresies)

Palms Crossed In Sorrow

Romanz In Moll (Romance In A Minor Key)

In The Dying Moments

In Flagrante Delicto (Introduction)

In Flagrante Delicto

Alocasia Metallica

Necropolis

The Garden Of Earthly Delights

 

 

“Zamia Lehmanni – Songs Of Byzantine Flowers” es considerado por muchos un disco icónico dentro del género post-industrial. En él SPK desarrolla un estilo único con el que se distancia del sonido raspante y áspero de sus primeros lanzamientos para declinarse por los ritmos étnicos y rituales, combinados con destellos nacidos de los sintetizadores.

 

No en vano, se dice de SPK que posiblemente sea el conjunto más brillante surgido durante la primera etapa del movimiento industrial, y la verdad es que resulta muy complicado refutar este juicio de valor.

 

El grupo comandado por Graeme Revell surgió a finales de los setenta en Australia desafiando el sonido punk con un estilo hirsuto, hiriente y enloquecido en el que se fundían los sintetizadores con todo tipo de distorsiones y ritmos generados por cualquier objeto que encontrasen por el camino. Resulta realmente fantástico poder deleitarse viendo algún concierto de esa primera etapa, en la que sus fluctuantes miembros aporrean con extrema violencia bidones, muelles y todo tipo de planchas de metal con la intención de crear una atmósfera sobrecogedora.

 

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Sin embargo, SPK no inmovilizó su ideario creativo, nada más lejos de la realidad. Graeme Revell apostó a mediados de los ochenta por distanciarse de la acometividad disonante para generar discos mucho más calmados y espirituales en los que se creaba una atmósfera turbia y ennegrecida. Y, posiblemente, esa fue la mejor decisión que este neozelandés pudo haber tomado en su vida, ya que este nuevo sonido le abrió las puertas de cara a la producción de bandas sonoras para películas de alta producción. Zamia Lehmanni presenta una importancia capital dentro de la discografía de la banda por que fue, por así decirlo, la carta de presentación que el artista utilizó para dar a conocer su nuevo estilo. Un disco que se adelanta a su tiempo y del que beberán muchos grupos post-industriales de la década venidera. Desde su lanzamiento en 1986, este trabajo ha gozado de excelentes críticas y varias reediciones, todas ellas agotadas por derecho propio.

 

El cuerpo del disco nos muestra una profunda introspección en los sonidos rituales y medievales, jugando con la esencia neoclásica de una forma auténticamente ejemplar. La selección de instrumentos, así como la producción de los mismos, resulta absolutamente admirable. Solo es necesario escuchar una vez esta obra maestra para percatarse de ello. Y no está de más justificar la etimología de esta valoración, ya que antiguamente se consideraba “obra maestra” a todo trabajo realizado por un “maestro”, aquel que era ejemplo a seguir por todos los que adentraban en los secretos de cualquier gremio. Y, sin lugar a dudas, Graeme Revell puede ser definido como uno de los mayores representantes del sonido industrial en todas sus facetas.

 

Deconstruir o analizar las nueve canciones que componen Zamia Lehmanni supone en cierta manera correr el riesgo de apocarlas. Tan solo recomendaré una cosa: si no has tenido el placer de escuchar este disco, estás tardando demasiado; y las excusas ya no son válidas, porque el sello británico Cold Spring ha decidido reeditarlo en varias ediciones distintas en formato vinilo y CD.

Zamia Lehmanni es una de las columnas más sólidas y bellamente talladas del entorno post-industrial.

 

 

 

Fernando O. Paíno

Basarabian Hills – “Groping In A Misty Spread”

Atravesando la bruma

4-estrellas

COD music - Noviembre de 2018 - dark ambient - COD17

 

Morning Hoarfrost

Groping In A Misty Spread

Snowflakes

Crows

 

Surgidos de la acusada orografía moldava, Basarabian Hills plantea en “Groping In a Misty Spread” cuatro cortes dominados por la quietud ambiental en los que podemos descubrir escuetas reminiscencias emparentadas con el black metal.

 

 

Basarabian Hills es un ejemplo más de aquella enigmática transición que, ocasionalmente, algunas bandas que cultivaban sonidos black metal experimentaron, declinando su estilo hacia campos más etéreos y melódicos.

Posiblemente, y para no rizar demasiado el rizo, el ejemplo más arquetípico de esta derivación estilística lo encontraríamos en el soberbio Filosofem (1995) de Burzum, donde se emparejaban tonadas estrictamente ásperas y punzantes con otras más melódicas y calmadas, demostrando de esta forma que la potencialidad creativa de un conjunto no debe ser encerrada en un único estilo por miedo a provocar una muerte por asfixia.

 

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Groping In a Misty Spread es un disco centrado claramente en la experimentación ambiental de corte melódico. Hablamos de cuatro canciones con una línea argumental bastante similar entre sí en las que se plantean rutas melódicas realizadas a base de sintetizador.

La idea del conjunto ha sido combinar la oscuridad con un cierto romanticismo bucólico que nos evoca de forma directa la naturaleza más inhóspita. Las formas vocales pasan al olvido, aunque logran manifestarse de manera muy puntual en forma de suspiros y otro tipo de estructuras carentes de significación semántica. Hablamos de un disco perfecto para acompañar a los momentos de sosiego en donde la oscuridad hace acto de presencia de forma comedida y elegante.

Su publicación original tuvo lugar en el año 2016, y ha gozado de distintas reediciones. La que hoy presentamos ha sido realizada por primera vez en formato CD, potenciando en cierta forma la calidad de sonido que albergaba el disco. Para ello la casa rusa Der Schwarze Tod, focalizada en la publicación de bandas de black metal, ha unido sus fuerzas con una discográfica bastante más ecléctica en lo que a estilos musicales se refiere, como es COD music, para resucitar la estela nigromántica encapsulada en este álbum.

 

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/groping-in-a-misty-spread

 

Fernando O. Paíno

 

“Вароша”

 

 

Un homenaje al conflicto de Chipre



UIS - Julio de 2019 - post-industrial - sr

 

H.C.N – Divide Et Impera

Jericho Trumpet – Mortyrium

Ajuleg & Irm – Турецкий Марш

Arbeitsunfall – Intrusion

Black Spring – Poem No2

Kerem Ergener – Kahpe

Ультраполярное Вторжение – Старые Ножи Ещё Остры

Matriarchy Roots – Призраки Прошлого

Qamat is-sa’atu – Османская Пощечина

Grёzoblazhenstvie – Заживо

Faintin’ Goats – Head Back

Krrau – Μολὼν λαβέ

Grim Machine – Lapithos

Theotokos – Psalm 33

Blue Dervish – Ένωσις

 

Вароша es un trabajo en el que se dan cita distintos artistas y formaciones provenientes de países como Grecia, Rusia, Italia, Turquía o Chipre, y que tiene como finalidad homenajear el cuarenta aniversario de aquella truculenta disputa territorial sucedida en la isla de Chipre.

La etapa descolonizadora acontecida durante el ecuador del siglo XX ha sido uno de los episodios más traumáticos de cara a la redefinición de la identidad nacional de ciertos territorios y sus habitantes, implicando, cómo no, tanto cultura como religión. Chipre presentó uno de los casos más paradigmáticos de este proceso descolonizador, un desarrollo tortuoso que todavía no ha quedado del todo solucionado a pesar del paso del tiempo y los intentos reformadores. El título de este trabajo, Вароша, hace referencia al distrito de  la ciudad chipriota de Famagusta, situada en la República Turca del Norte de Chipre, que fue invadida por los turcos en 1974.

El sello ruso UIS no ha pasado por alto la oportunidad de rendir un merecido homenaje a este conflicto en una casete recopilatoria que recoge temas de bandas con inclinaciones post-industriales.

 

 

El trabajo comienza con la abstracción ambiental de tinte industrial ideada por H.C.N en su tema “Divide Et Impera” para continuar con ofertas escoradas hacia el sonido de los primeros Der Blutharsch, como sucede con Jericho Trumpet en su corte “Mortyrium”. Evidentemente, las reminiscencias folks hacen acto de presencia en plena fusión con sintetizadores, presentadas por los rusos Ajuleg & Irm en su corte “Турецкий Марш”.

Sorprende igualmente la inclusión de proyectos más inclinados hacia tendencias como el Dub que son salpicadas de flujo industrial y representadas por Arbeitsunfall con su tema “Intrusion”, uno de los más interesantes de todo el compendio.

Las bandas que ponen el punto final a la primera cara, Black Spring, Kerem Ergener, Ультраполярное Вторжение y Matriarchy Roots tienen en común el gusto por los temas raspantes y hieráticos en los que se pondera el industrial más clásico con exacerbaciones power electronics y líneas de spoken words.

La segunda cara mantiene candente ese nervio ecléctico, combinando bandas de industrial rítmico como Qamat is-sa’atu o Grёzoblazhenstvie con otras cercanas al cyber punk industrial, destacando la presencia del proyecto italiano Faintin’ Goats que participa con su convincente “Head Back”.

Agrupaciones como Krrau o Grim Machine plantean sus temas desde una perspectiva más historicista, recurriendo a la memoria del país para rendir culto a distintos personajes que han forjado leyendas dentro de él. Conviene destacar igualmente el proyecto de dark ambient Theotokos, al igual que la perspectiva EDM lanzada por el multiinstrumentista ruso Alexey Nozhnov en su proyecto Blue Dervish.

 

Вароша es una fantástica oportunidad para descubrir bandas que tienen mucho que ofrecer dentro de los lindes del segmento industrial.

 

https://uislabel.bandcamp.com/album/uis-11

 

Fernando O. Paíno

Coil – “Stolen & Contaminated Songs”

Reencarnando clásicos

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre 2019 - experimental - CSR276

 

 

Futhur

Original Chaostrophy

Who’ll Tell?

Omlagus Garfungiloops

Inkling

Love’s Secret Domain

Nasa-Arab

Who’ll Fall?

The Original Wild Garlic Memory

Wrim Wram Wrom

Corybantic Ennui

Her Friends The Wolves

Light Shining Darkly

 

Stolen & Contaminated Songs es un trabajo que la desaparecida banda británica Coil ideó íntegramente como fondo de rescate de versiones descartadas y cortes infrecuentes pertenecientes a su anterior lanzamiento Love’s Secret Domain (1991). Un disco inquietante que nos otorga una perspectiva completamente diferente sobre canciones que cimentaron las bases de la experimentación y el movimiento acid de los noventa.

 

 

El sello británico Cold Spring es una vez más el encargado de aunar material infrecuente o desaparecido de una de las bandas más relevantes de música experimental de las últimas décadas. Stolen & Contaminated Songs fue un trabajo que originalmente solo se comercializó en formato CD, utilizando a la ya desaparecida distribuidora World Serpent como canal de difusión.

 

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Al parecer, ni Balance ni Christopherson –aunque durante esta etapa también se encontraban dentro del barco Danny Hyde y Stephen Thrower- quisieron desechar las matrices de ensayo de una colección de cortes que con el paso del tiempo se convertirían en referentes inexcusables de la música experimental, y es por ello que el disco vio la luz tan solo un año después de que lo hiciese Love’s Secret Domain. Este modus operandi de Coil no era algo novedoso, ya que el grupo decidió hacer algo parecido con Gold Is The Metal (1987), incluyendo en él una colección de temas descartados pertenecientes al clásico Horse Rotorvator (1986)

Stolen & Contaminated Songs supone un ejemplo perfecto de la inconmensurable creatividad de este elenco de artistas. Cómo y de qué forma Coil sabe estructurar mil y un mundos acústicos de la más diversa índole en los que distintas técnicas y estilos se dan cita.

El disco, a diferencia de la obra seminal, es casi totalmente instrumental, auque eventualmente se cuenta con registros líricos. Un álbum para perderse en ensoñaciones tan bizarras como impactantes. Ejemplos de la maestría encerrada en Stolen & Contaminated Songs podemos hallarlos en cortes como “Nasa Arab”, uno de mis favoritos si tuviese que evaluar la producción discográfica de Coil a nivel global. También merece la pena deleitarse con “Omlagus Garfungiloops” o la abstracción encapsulada en “Wrim, Wram, Wrom”.

Cold Spring ha decidido hacer un gran favor a los miles de fans de este conjunto, ya que por primera vez Stolen & Contaminated Songs ha sido reeditado en formato vinilo, presentado en varias versiones en las que difiere el color de los discos. Actualmente todas ellas se encuentran agotadas con la única excepción de la estándar en vinilo negro.

No pierdas la oportunidad de completar tu discografía de Coil con gemas como esta.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Nemuer – “Urdarbrunnr”

El pozo de Urd

5_Estrellas

Autoproducido - octubre de 2019 - dark folk - sr

 

Ymir’s Death

Snýsk Jörmungandr

Hel

Binding of Fenrir

Odin’s Quest for Wisdom

Freyr’s Lovesickness

Naglfar (Waltz of the Dead)

Heimdallr Blows Gjallarhorn

Yggdrasil Trembles

The Allfather Dies

Thor’s Final Battle

Surtr’s Flames

 

El proyecto checo Nemuer engrandece su legado editorial con una impresionante propuesta bajo el brazo. “Urdarbrunnr” perfila un folk pagano oscuro y contundente, repleto de guiños a la brujería y recreaciones acústicas de contextos bucólicos a media noche. Otro disco excelente de este cuarteto.

Nemuer es un conjunto que, desde su formación en 2014, ha tenido muy claro cuál era la perspectiva que quería definir y cómo debía presentarla. La banda apuesta por recrear atmósferas místicas en las que la magia y la brujería tienen mucho que decir. El uso de instrumentación pagana y voces cavernosas tanto masculinas como femeninas, aporta al resultado un sabor desafiante y amargo que les hace destacar, posicionándose dentro del estilo marcado por conjuntos como Wardruna, The Moon And The Nightspirit o Heilung, pero sin perder de vista a bandas más referenciales, como pueda ser Dead Can Dance.

El secreto de esta fórmula radica en la marcada cadencia de percusión atávica, fundamentada en timbales y tambores de piel de cuero. Las baquetas se encargan de fracturar de forma impasible el silencio, marcando ritmos muy firmes que son ideados de la misma manera que las rutas medievales, con un objetivo fijo al que conduce la fe. Sin embargo, las creencias de Nemuer se encuentran más escoradas hacia la naturaleza y lo animista que hacia lo metafísico. La banda expone el misticismo ancestral que encierra el origen de las primeras sociedades de una manera ejemplar. Logran recrear horizontes musicales muy aptos en donde las historias de mitos olvidados por el hombre vuelven a tomar forma.

 

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Tras tres colosales trabajos previos que analizaban desde las primeras creencias hasta algún relato de Lovecraft, este proyecto checo nos vuelve a sorprender con una propuesta rotunda, mucho más oscura que las anteriores. Urdarbrunnr está constituido por doce temas en los que reina el misterio y la energía. Las melodías se han oscurecido mucho más, haciendo de temas como “Hel” o “The Allfather Dies” auténticas delicias de música épica. Urdarbrunnr destaca por su pureza acústica y su ejemplar planteamiento compositivo, creando temas únicos que destellan por su inefable lobreguez.

Al igual que ocurrió con sus anteriores discos, Nemuer apuesta por la autoedición en CD. Urdarbrunnr ha sido presentado en formato digipak y viene acompañado de un libreto de doce páginas, una dedicada a cada corte del disco.

Desde NOmelody te animamos a descubrir a Nemuer si todavía no lo has hecho. Convendrás con nosotros en que hablamos de una de las mejores ofertas de folk oscuro a nivel internacional.

https://nemuer.bandcamp.com/album/ur-arbrunnr

 

Fernando O. Paíno

 

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