Desmultiplicando la extraterritorialidad

 

AM NOT es una de las grandes sorpresas que la música industrial ha recibido en los últimos años. Nos hemos puesto en contacto con Tamon Miyakita, alma mater del proyecto, para que nos hable un poco acerca del trasfondo conceptual que encierra su último trabajo Extraterritoriality, seis cortes presentados en una casete repleta de perfectos ejemplos de post-industrial con tintes power electronics. Un impactante trabajo publicado por Unrest Productions.

 

 

 

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¿Cuál es el enfoque que esconde Extraterritoriality? ¿Por qué has elegido ese término para presentar el trabajo?

La “extraterritorialidad” sirve para referirse a una especie de estado de excepción o inmunidad diplomática, generalmente otorgada a diplomáticos; por lo que es una especie de “estado” que permite a una persona trascender la jurisdicción legal, o ser como un extraño con derechos excepcionales en el extranjero. Aquí he intentado aplicar el concepto sobre la influencia y el control extranjero más allá de las fronteras físicas.

La cara A trata sobre el Reino Unido y su crisis actual.

Por un lado, está la fantasía de que Gran Bretaña consigue escapar con el fin de transformarse en algo más grande, y cómo esto se ha convertido en una especie de religión o mera manía para algunos. También se expone el poder que tiene Inglaterra entre los estados más pequeños del Reino Unido (Gales, Escocia, Irlanda), su profunda influencia, y de qué forma se mantiene.

Una vez vi un documental sobre expatriados británicos que viven en España. Un anciano salía diciendo algo como: “los británicos nunca serán extranjeros vayan donde vayan”, Esta declaración describe perfectamente el pensamiento general: se han otorgado una especie de jurisdicción global. El mundo es suyo. Eso es más o menos de lo que tratan las dos primeras pistas ,“Cleansing Violence” y “Better Together”.

Ever get the feeling you’ve been cheated” es más sobre la extrañeza de la situación en la que se encuentra el Reino Unido. La atrofia, el colapso de la razón y la pérdida de dirección. Los samples que he utilizado para hacer el tema son del golpe kirsty mcoll pop “Una Nueva Inglaterra “. Los ralenticé, mezclándolos con otras muestras de voz sacadas de un documental de la década de 1970 sobre la inmigración a las áreas de clase trabajadora blanca. Supongo que se trata más bien de un cierto tipo de clase inglesa de mentalidad pequeña, y cómo esta gente no ha cambiado nada.

 

 

 

Me pareció distinguir en el último sample de este tema –Ever get the feeling you’ve been cheated“- la voz de Johnny Rotten diciendo en forma de despedida esa misma frase a su público en el último concierto que Sex Pistols dio en USA antes de separarse en 1978…

Johnny Rotten… Él mismo es pro brexit, y precisamente utilicé el sample al que te refieres para señalar que todos han sido engañados por algo, ya sea un sueño nacionalista o el derecho a elegir lo contrario.

 

 

¿Cómo describirías el sonido de AM NOT en este nuevo trabajo?

No estoy seguro de cómo definir el sonido global en este trabajo. Como dije recientemente en una entrevista, no veo límites en lo referente al estilo que debemos llevar: La música industrial trata sobre una cierta forma de explorar ideas y acercarse al sonido y la imagen. Esta cinta está destinada a complementar la casete anterior, Incursions (2018), que publicó el sello Zaetraom, y pretende atar algunos cabos sueltos, y ampliar a su vez un poco algunos de los aspectos que su contenido esconde. Cuenta también con una revisión de “Come Home“, uno de los cortes encerrados en el LP que Tesco Organisation editase hace un par de años.

El rema que cierra Extraterritoriality es bastante sencillo, utilicé un sample del Dalai Lama en el que hablaba de la absurda situación que vive el estado chino, el cual le ordena reencarnarse en respuesta de propio Estado, anunciando que no volverá nuevamente después de que su cuerpo muera. Con ejemplos de este tipo podemos más que apreciar el tremendo hambre de poder de China, un hambre que atraviesa hasta lo más trascendental.

 

 

 

 

Unrest Productions: Indagando en la matriz del ruido.

Hoy charlamos con Martin, cabeza visible de Unrest Productions, un sello que poco a poco va ganando fuerza y respeto dentro de la plétora de discográficas más representativas del sonido industrial. Queríamos saber más sobre él, y no hemos dudado en preguntar a Martin acerca de su obra editorial. 

 

 

 

¿Cómo nació la idea de crear Unrest Productions?
Unrest nace del fracaso de un sello que llevábamos colectivamente un grupo de amigos en Malmö, la ciudad de la que soy originalmente. Estuve en contacto con Institut en ese momento, así que ambos empezamos a crear Unrest. Institut abandonó la música por completo y yo continué ejecutándola por mi cuenta.
Todo ello fueron los primeros pasos de Unrest. Nadie sabía o se preocupaba mucho por SHIFT, y ponderé los beneficios a largo plazo a la hora de tomar el control de las riendas yo mismo. No solo para presentar SHIFT de una manera seria y profesional, sino también para poder extenderlo a otras personas y proyectos serios. Me llevó algunos años de búsqueda antes de que surgiera un listado sólido de bandas.

En el Reino Unido durante aquel momento había mucho movimiento noise, y un power electronics simbólico un tanto extraño, pero casi nada genuinamente industrial. Todo esto había coexistido con cierta inquietud durante algunos años, pero el 2009/2010 se produjo un cambio de dirección. Decidí modificar la dinámica y centrarme en este género más despreciado. Ahora, diez años más tarde, hay tenemos un buen catálogo de bandas.
¿Cuál es tu idiosincrasia editorial?

Trabajar con artistas nuevos y, a menudo, totalmente desconocidos. Ha sido sorprendentemente fácil encontrar calidad en esta máxima. Una vez que Unrest fue ganando reputación como un sello que toma en serio a los nuevos artistas, las manifestaciones de alta calidad siguieron presentándose. En lugar de ser uno de los muchos sellos que siguen buscando nombres establecidos para crear su currículum, opté por relaciones de trabajo a largo plazo con nuevos proyectos, y hemos crecido juntos. ¡Unrest ha traído mucha sangre nueva al género industrial y estoy muy orgulloso de ese logro!

 

 

 

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KEVLAR

 

¿Qué le pides a un grupo que publique Unrest?
1. Ser amable. ¡Muy importante! No tengo tolerancia para los gilipollas. (risas)

2. Que sea dedicado, tenga enfoque y trabaje duro.

Si no fallan esas dos premisas, las posibilidades se abren.

También me producen una cierta urticaria las personas que me “ofrecen” su proyecto industrial o de PE, que también tienen un proyecto de metal oscuro, un proyecto lateral oscuro, otro de cold wave, y así sucesivamente. Joder que Quiero luchadores leales, no mercenarios! (risas)

Defiende algo, elige una posición, únete a la pandilla por la que estás dispuesto a matar o morir por acabar con la mediocridad. Porque si no lo haces, eso es lo que sucederá y no quiero el hedor de tu podrido cadáver creativo en mi sien.
Dentro del power electronics, ¿a qué le darías más prioridad, trabajar en un estudio o presentaciones en vivo?
En primer lugar, no tengo tanto interés en la llamada ola power electronics. Considero Unrest un sello industrial ante todo. Sé que las líneas de subgéneros musicales a veces son borrosas, pero es una distinción importante y un factor fundamental para diferenciar a Unrest de la mayoría de sellos. Continuamos con la tradición desde donde comenzó con Leichnschrei de SPK y asistimos a un renacimiento a través de bandas como Genocide Organ y otros alemanes durante los años 90 y hasta la década de 2000. En lo que a mí respecta, llevamos el listón hacia adelante desde el momento en el que se quedó sin vapor, en torno al cambio de milenio.

Regresando de nuevo a tu pregunta, los dos aspectos son diferentes, y presentan distintos desafíos. Ambos son importantes, pero eso no quiere decir que tengo un conflicto con un proyecto que no toque en vivo. ABSCHEU, por ejemplo, no lo hace, y no es menos importante . Esa es mi perspectiva como cabeza de Unrest.

Como SHIFT imprimo la misma importancia en ambos. En este momento SHIFT no está activo en directo, y el trabajo de estudio es lento e irregular. Sin embargo, eso está a punto de cambiar en el próximo año. Las cosas se están gestando aquí en el Reino Unido,  y hay necesidad de una respuesta.
¿Cuál es su opinión sobre el mercado y el consumo de este tipo de música en formato físico? ¿Hay suficiente demanda para mantener un sello discográfico?
La inestabilidad se financia y, a veces, tiene el exceso suficiente para cubrir otras cosas: comprar equipos para los artistas o pagarles, organizar eventos, cubrir viajes y alojamiento, etc. Teniendo en cuenta mi falta de interés en las conversaciones en general o la resistencia a diluir las cosas para atraerlas, diremos que no están naturalmente arraigadas en el género industrial. No me puedo quejar,  la popularidad podría ser mayor si me centrara en el synthpop o techno, o lo que sea que esté de moda en este momento, pero desprecio este tipo de estilos musicales. La vida es aburrida, vamos al trabajo, absorbemos la mierda (tanto física como mentalmente). Es un medio de supervivencia y, como la mayoría de las personas, lo acepto como una compensación por una existencia más cómoda, pero no hay necesidad de hacerlo dentro de tu creatividad. Mi creatividad no es un medio para ganarme la vida, por lo que no hay necesidad de comprometerse.

 

 

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SHIFT

 

 

¿Cuál es tu opinión sobre el movimiento industrial actual?
No veo un movimiento, veo pequeñas unidades autónomas diferentes, pero similares a las nuestras en todo el mundo, y algunas de ellas son amigos nuestros y colaboradores. No hay necesidad de citarlos, ellos saben quiénes son. Algunas personas nos siguen descartando, nos declaran irrelevantes, muertos, y sin embargo seguimos adelante. No tengo la intención de detenerme o disminuir la velocidad.
Unrest sigue prosperando. Todo ello en un país generalmente hostil a lo industrial, pero también operamos desde nuestro propio enclave autónomo y no prestamos mucha atención a lo que sucede afuera. Ciertamente no estamos controlados por el exterior, vivimos de acuerdo con nuestras propias reglas y esa es la belleza de todo esto. No queremos ninguna de las trampas ofrecidas a otros géneros. No hay una carrera que considerar, así que no hay necesidad de preocuparse por haber molestado a la policía, que es la norma en nuestro hemisferio occidental, especialmente si trabajas dentro del llamado sector de la cultura. Sucede fácilmente y muy rápido ahora. El verdadero industrial está libre de todo eso y, por lo tanto, suena más creativo.
El género industrial es por su propia naturaleza un arma de colisión con la sociedad y sus normas actuales. Siempre se encargó de causar contrariedad, lo que es un aspecto muy importante. Una visión dura de la vida, la humanidad y la existencia en general. No perder esto es absolutamente vital. A veces me pregunto cómo la generación más joven envuelta en algodón a la que han vendido el mito de la igualdad se desenvolverá dentro de este contexto. Hay mucho trabajo para las generaciones futuras, pero requerirá una gran cantidad de desprogramación. Espero que no seamos el final del camino.

 

 

 

¿Cómo ves el futuro de Unrest?
Hay grandes cambios por delante y se anunciarán cuando sea el momento adecuado.

Hay nuevos lanzamientos de STAB ELECTRONICS, y ABSCHEU, BLACK INSIGNIA y KEVLAR están a punto de ver la luz. Tal vez también lo nuevo de SHIFT, pero no estoy seguro de en qué momento exactamente. Hemos empezado a organizar eventos en vivo más pequeños aquí en el Reino Unido, y hay un par de fechas cerradas en el extranjero. Veremos por cuánto tiempo funcionan las cosas!

 

Viviseccionando a Miguel Souto

Miguel Souto es una de las cabezas visibles más representativas del sonido experimental extremo en España. Responsable de un buen número de proyectos entre los que destellan Sudaria o Lacrimi si Sfinti, este gallego nos cuenta el cómo y el por qué de su música. 

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¿Podrías hablarnos un poco de tu trayectoria musical? ¿Cómo y por qué comenzaste a hacer música? ¿Qué te llevó a escorarte hacia el experimental oscuro?

Mis inicios en la música no encierran ningún misterio y son como los de cualquier otro. Sobre los 14-15 años empecé a tocar la guitarra. Estuve yendo a clases durante cosa de un año, pero allí me aburría bastante y seguí por mi cuenta. Convertirlo en una rutina era demasiado tedioso para mí, y además detestaba el rollo de aprenderte canciones de otros, etc. Me recuerdo componiendo cosas desde el principio. Compuse mucha basura.

Toqué la guitarra, el bajo y grité en distintas bandas montadas con chavales de mi zona. Aunque no me entusiasma cantar, por A o por B acababa siempre asumiendo yo ese rol. Mi primera banda sonaba a una quimera extraña y pobre de punk, grunge y heavy. Luego toqué la guitarra con unos chavales que querían hacer algo al estilo Guns n’ Roses. No duró mucho tiempo. Estuve un tiempo tocando primero el bajo y luego la guitarra en una banda de thrash llamada Implosion. También metía algunas voces. Luego formamos Kill As One. Empezó como una banda thrash pero tocamos palos muy diversos hasta que nos asentamos en una especie de black/thrash/death y nos cambiamos el nombre a Arkaik Excruciation. Kill As One pasó por muchas fases, entre ellas una en la que no parábamos de dar conciertos, y otras menos activas. Sobre 2012-2013 estuve un tiempo tocando con chavales que estudiaban Sonido conmigo en una banda en la que mezclábamos algo así como sludge, hardcore y screamo que habíamos bautizado como Río Bravo y le pusimos la etiqueta muy seria de western screamo.

Durante los inicios de Arkaik Excruciation me di cuenta de que podía hacer cosas yo solo, y que esa forma de operar también tenía su encanto. Me empecé a enfrascar con cosas que nunca había hecho… Nacieron proyectos como Scythe o TDA. Empecé a conectar cacharros unos a otros, me compré una grabadora que pronto llené con grabaciones de campo. Mis intereses musicales se empezaron a abrir cada vez más, y descubrí gente que hacía cosas que nunca hubiera imaginado. Realicé muchas pruebas y saqué mucho material, quizá, montonero. Todo esto fue derivando poco a poco en la idea de hacer música con mi propio nombre. Una idea que al principio no me gustaba mucho pero que cada vez se hacía más atractiva. Creo que al final fue una buena elcección. Supongo que esto que acabo de contar explica mi deriva “experimental” (si es que esta etiqueta sigue teniendo validez hoy en día). Por otra parte, esa “oscuridad” que mencionas supongo que tiene que ver con mi bagaje en el metal extremo.

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Eres un artista que trabaja de forma paralela en varios proyectos, además de cultivar tu faceta en solitario. Háblanos un poco de todo ello.

Siguiendo un poco con lo anterior debo añadir que es siempre todo un tanto espontáneo. Dedico poco tiempo a planear y el máximo posible a actuar. Cuando planeas te pierdes en un limbo de reflexiones e ideas que puede que nunca se lleguen a llevar a cabo. Dedico más tiempo a hacer música que a cualquier otra cosa. Enviar promos me da pereza y me siento sucio al promocionarme y contactar con sellos. No es nada moral ni de ética underground ni nada por el estilo. Es una sensación que no controlo. Supongo que será el síndrome del impostor ese del que tanto se habla ahora o algo así. Solo que sin fama, sin éxito, sin dinero y sin nada de nada. En fin, compaginar proyectos no se me hace difícil, no tengo que hacer tal cosa. No tengo que compaginar nada. Hago siempre las cosas según vienen. No obstante, debo admitir que cada vez tengo menos tiempo del que me gustaría para la música y es una pena. Tengo mucho material decente sin editar y otro tanto sin terminar.

Tu sonido resulta fantástico, entre otras muchas razones, porque logra subsumirnos en estados de presión y asfixia. ¿Qué es lo que te lleva a idear música tan extremadamente personal de forma angustiosa y febril?

No lo sé. Como te digo es siempre todo bastante espontáneo y supongo que tendrá mucho que ver con mi forma de ser. Muchas veces me absorbe la idea de crear algo monótono, con poco cambio y emotividad cero. Cenizo, hecho sin pasión. Y supongo que eso puede acabar derivando en lo que mencionas. Me gustan las cosas con poco cambio. La idea de un torrente o flujo musical constante el cual puede ser extendido durante horas en bucle en cualquier tipo de espacio con el objetivo de alterarlo, cambiarlo, creando un espacio de realidad divergente –y no tanto un artificio–; un organismo vivo a través de la música, el espacio y las personas que deciden situarse allí e interactuar y recibir esas coordenadas espaciales y auditivas, sea de forma activa o pasiva. En esta línea, la referencia más clara podría ser el disco de Lacrimi și Sfinți. Quizá esto que cuento y de la forma en la que lo cuento suena demasiado cerebral pero no lo es. Como decía, suele ser bastante espontáneo. Soy una persona algo impulsiva creando. Cuando tengo una idea y empiezo a perseguirla, no puedo parar. Supongo que mi forma de sonar dice algo sobre mí.

A la hora de elegir y trabajar: ¿te decantas por lo digital o lo analógico?

No soy ningún purista pero me encanta el equipo analógico, es más sensitivo. Sea como fuere no tengo mucho equipo, ni analógico ni digital. Trabajo con poco. No por decisión activa, sino por falta de pasta.

Uno de mis trabajos favoritos de tu repertorio es tu colaboración con Miguel A. García, The Lurking Fear. Un disco que no he parado de disfrutar desde que tuve la ocasión de descubrirlo. ¿Cómo surgió esta alianza con Miguel?

Todo el mérito es de Mikel. Él me pasó un montón de material que había grabado (te estoy hablando de unos cuantos gigas de material excelente) y yo lo fui seleccionando, editando, mezclando… Cuando empezó a tomar forma se lo pasé… Añadimos más capas cada uno y discutimos ideas hasta que se llegó a una versión final. Personalmente es un disco que me gusta mucho, me alegra que tengas esa impresión. Adelanto que hay dos temas por ahí, descartados del disco, que puede que vean la luz en formato cinta, puede que con una tercera mano añadiendo más capas a la formula.

¿Tienes a la vista algún concierto para este 2019?

El pasado 26 de enero Àlex de III Arms me organizó un concierto en Barcelona con Noir Noir y Gyakusatsu, más una exposición de grabados de la maravillosa Sara García Pérez en la sala Meteoro. Por el momento no hay más conciertos planeados para este año.

¿Cuál es tu opinión acerca del panorama industrial en nuestro país? Crees que la música independiente de experimentación ruidista está consiguiendo hacerse hueco dentro del mainstream, o que todavía sigue siendo considerada la oveja negra de la familia?

No tengo una opinión marcada, ni me paro mucho tiempo a pensar en esas cosas. Cualquier cosa que te pueda decir pecará de ambivalente.

Mi sello, Anoxia Records, nació un poco con la idea de tratar de mover esta música en otros círculos más allá del ruido extremo. Una estupidez por mi parte. Además, llevo bastante tiempo dudando sobre el sentido de seguir insistiendo en sacar trozos de plástico (muy bonitos eso sí) con música grabada encima que acabarán en el cajón de 4 colegas y poco más. No sé ni siquiera si tiene sentido seguir haciendo música. De hecho lo dudo bastante. Pero al final acabas cayendo, no puedes evitarlo. La distinción entre alta cultura y la baja cultura me parece una estupidez. La palabra “contracultura” me produce urticaria y las barreras de género, estilo, etc. me parecen de otra época. Pero da igual la visión que tenga sobre las cosas, las cosas son como son y siempre voy a estar limitado por quien soy y mis capacidades. Supongo que sí que hay algo así como “mainstream” aunque odie esa división. Es estúpido pensar que la popularidad de algo pueda definir su forma y su contenido. Lo triste es, que pese a estúpido, es así. Y eso es prueba de lo idiotizados que estamos. Se nos ha enseñado lo que es música y lo que no. Hemos absorbido como “naturales” todo tipo de abstracciones formales, y hemos olvidado los ruidos de nuestro día a día. Aún encima, casi todas las bandas suenan iguales, da igual el género o su estatus (mainstream o underground). Y no creo que yo sea una excepción ni mucho menos.

Háblanos de tus influencias. ¿Cuáles son tus discos de mesilla de noche?

Como te decía, vengo del metal extremo y supongo que este bagaje influye de alguna manera en mi producción más “experimental”. El salto del metal a territorios más experimentales no se produjo en ningún momento de forma lineal o arborescente ni de forma instantánea. Fue un salto lento y sutil que se movía en todas las direcciones. Mis influencias filosóficas y formales a la hora de crear ruido incluyen artistas y autores como John Cage, Eliane Radigue, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young, Else Marie Pade, SPK, Skullflower, la filosofía elaborada por los filósofos franceses Deleuze y Guattari, los textos de Sade, Bataille, Artaud, Panero, Pizarnik, Agustini, Cioran, Ligotti, Mainländer o Sylvia Plath. Y aunque intento que todo esto no me limite, supongo que siempre están ahí.

¿Planeas algún lanzamiento en los próximos meses?

Si todo va bien, sí. Unos cuantos. Para bien o para mal. El primero será una cinta titulada “Lilith” con tres piezas para piano y electrónica que sacaré con Anoxia. También sacaré con mi sello una cinta a Damien De Coene que promete bastante. Serán ediciones especiales y limitadas.

Adentrándonos en Regard Extrême

 

 

Regard Extrême es uno de los iconos del nuevo sonido post-industrial francés de los noventa. Su carrera es brillante e intensa, y eso lo constata todos y cada uno de los trabajos que Fabien Nicault ha publicado a lo largo de estos años. En NOmelody estábamos deseosos de conocer mejor al artista, y no hemos perdido la oportunidad de charlar con él para descubrir de primera mano los porqués de este elogiable proyecto. 

 

 

Regard Extrême surge a principios de los noventa. ¿Qué te animó a crear el proyecto?

 

Siempre he sido un apasionado de la música. Cuando era joven, iba a descubrir maravillas entre los vinilos de 78 rpm de mi abuelo. Luego aprendí música clásica tocando el piano y también solía escuchar las listas de éxitos. A los 18 años, cuando el movimiento de la radio privada retumbó en Francia, descubrí la música Underground. Pasé horas en pequeñas tiendas de discos que por aquel entonces todavía abundaban en Francia. También solía escuchar programas de radios underground. En este momento no teníamos ningún ordenador o Internet. La piratería no existía. Luego organicé un programa de radio dedicado a la música que oía, pero cuando las bandas comenzaron a mezclar el estilo clásico y los sonidos modernos, finalmente sentí el deseo de componer, de expresarme en la música.

 

 

La música de Regard Extrême es una simbiosis de varios géneros: ambient, toques neoclásicos y esencia marcial. ¿Cuáles fueron tus influencias a la hora de definir tu estilo?

 

Al comienzo, por supuesto, tenía muchas influencias: a menudo música oscura y fría, basada en sintetizadores, bajo, caja de ritmos, voces oscuras. O música poderosa y bailable. Me encantó la mezcla de potentes sintetizadores y guitarras distorsionadas.

Fui extremadamente influenciado por las bandas de las etiquetas “PIAS”, “Crammed Discs”, “Les disques du crepuscules”, “Antler Records”, “Danceteria”, “4AD”, “Factory rec”, pero también había música minimalista y contemporánea que era muy importante.

Cuando comencé, mi estilo no estaba definido conscientemente. Comencé con improvisaciones que con el tiempo me llevaron a un cierto estilo basado en lo que disfruté jugando y componiendo. Cuando vuelvo a escuchar el primer casete no estoy seguro de reconocer el estilo de Regard Extrême.

 

 

 

Tu segundo trabajo, Die Weiße Rose, se desarrolla en colaboración con Les Joyaux de la Princesse. ¿Cómo surgió esa alianza? ¿Cómo se lleva el trabajar con Erik?

 

Nos conocimos en “Radio Beton”. De hecho, vivimos en la misma ciudad. También tocamos juntos, y pasamos buenas tardes como todos los estudiantes jóvenes. Al mismo tiempo, seguí el comienzo de sus actividades como LJDLP. Yo comencé un poco más tarde con Regard Extrême. Erik siempre me había alentado y parecía disfrutar mi música. Un día me ofreció participar en este proyecto. Me interesaba el tema y componer con alguien más era una experiencia nueva, una oportunidad para compartir. Pensé que conocernos haría las cosas más fáciles, lo que llegó a ser el caso.

 

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Fabien Nicault

 

 

Tu carrera ha sido constante, pero espaciada en el tiempo. ¿Cuál es el trabajo de toda tu discografía al que tienes más afecto?

 

No es fácil elegir entre esos trabajos en los que he pasado tanto tiempo y gasté tanta energía. En general, la última pieza en la que trabajé es realmente la mejor para mí. Permanece dentro de mí durante un tiempo hasta que comienzo otro proyecto. Por otro lado, tengo un oído crítico que me hace querer mejorar.

 

 

 

Si tuvieras que elegir un sintetizador, ¿cuál sería?

 

No soy experto en sintetizadores. Tuve una Sampler Workstation durante mucho tiempo antes de usar los ordenadores. Ahora, si tuviera que comprar un sintetizador, elegiría un “Yamaha CS-10”. Es el primero usado por Neon Judgment, y les dio este increíble sonido durante sus primeras producciones.

De hecho, compuse una canción con este tipo de sonidos hace veinte años, pero nunca la he grabado.

 

 

 

¿Cuál es su perspectiva sobre el mundo actual?

 

No muy favorable. Si la vida en La Tierra ha mejorado para algunos, siempre va en detrimento de otros. El hombre ha demostrado mucha informalidad y no parece ser consciente del daño que está haciendo en el planeta, siempre en busca de poder y ganancias. Esto conducirá a desastres ecológicos. Una mitad de la población mundial vive a expensas de la otra, y la otra mitad quiere imitarla. Las naciones intervienen de acuerdo con los intereses geoestratégicos. Las multinacionales dictan sus leyes a las naciones. Sueñan con un mundo de consumidores estándar. Su cerebro ha sido vaciado para que no tengan una conciencia política, y solo piensen en distraerse. Es la nivelación de las culturas. Es un futuro triste el que mi opinión se ve.

 

 

 

The Odyssey es tu último trabajo. Un excelente registro de canciones, por cierto. Este ha sido hecho en colaboración con Dark Awake. Cuéntanos un poco cómo resultó la realización del álbum y si fue muy complicado conciliar ideas entre diferentes músicos.

 

Me alegra que te guste nuestro CD. Este proyecto ha sido una experiencia gratificante y el resultado es lo que podría esperar. Dark Awake se puso en contacto conmigo para proponerme trabajar en un proyecto en común. Así que nos conocimos y después de pensar y discutir el concepto que podíamos elegir, acepté la aventura. Internet y las herramientas informáticas actuales permiten una colaboración bastante fácil entre artistas distantes. Una vez que acordamos el tema, comenzamos e intercambiamos nuestras composiciones para permitir que el otro agregue su parte y dé su opinión o haga sugerencias. De esta manera enriquecemos nuestras piezas. Todos pudieron expresar su opinión en voz baja y la mayoría de las veces tomamos en cuenta los comentarios. Todo esto se hizo de manera simple, y fue muy emocionante esperar a que la otra parte le devolviera la pieza modificada.

 

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¿Tienes un concierto planeado en las próximas fechas?

 

No hay concierto planeado en este momento. Sin embargo, estoy trabajando en un proyecto de concierto para el próximo año. Esto queda por confirmar.

 

 

Usted que ha vivido la escena postindustrial desde su resurgimiento en la década de los noventa, ¿Cómo definirías el panorama independiente actual? ¿Te quedas con lo que ya has vivido o prefieres lo que queda por venir?

 

Lamentablemente, no tengo mucho tiempo para seguir seriamente la escena independiente. Tiendo a anclarme en las viejas bandas de los 90. Por supuesto, a veces algunos grupos que escucho en Internet llaman mi atención por su calidad. Por lo tanto, no puedo dar una opinión sobre el panorama independiente en general. Pero al contrario de lo que esperábamos, la llegada de Internet no parece facilitar las cosas a las bandas. Sin embargo, les permitió acercarse a sus fans.

 

 

 

Si tuvieras que mantener un registro favorito, ¿cuál sería?

 

Difícil elección. Mantendría dos álbumes. Un primero de los 90: Front 242 – Official Version. El poder que esconde este disco es increíble. Los samples se encajan con precisión, las bases rítmicas son extremadamente complejas y abrumadoras. Los estados de ánimo del sintetizador traen el lado trágico y las voces refuerzan la agresividad. Una obra maestra del EBM.

El segundo es uno más reciente: Gaë BolgRéquiem. Éste es para mí el mejor álbum de la banda, teniendo en cuenta su trabajo en las voces y las melodías. Actualmente es mi disco marcial neoclásico de cabecera.

 

 

 

 

Fernando O. paíno

Conversaciones con Stupor Mentis

Hace muy poco tiempo que “Ad Extirpanda”, el primer trabajo de Stupor Mentis, ha salido al mercado. Su resultado es realmente fabuloso para tratarse de un debut, y en NOmelody hemos querido indagar más acerca de este dúo galo. Esto es lo que nos han contado:

 

¿De qué manera nació Stupor Mentis?

STUPOR MENTIS es una reunión “humana” primero. Nos conocimos en 2012, y muy rápido sentimos la necesidad de compartir más que nuestros cepillos de dientes. Estábamos felices de habernos conocido, pero nuestras heridas personales seguían supurando, y comprendimos que la música sería nuestra salida. Una forma de sublimar la fealdad de nuestros respectivos miedos. Canté aquí y allá desde hace muchos años, mi instrumento fue bastante encontrado.
Nicolas tocó la batería unos años antes, pero dado que solo teníamos 2 años en este proyecto, tiene que comenzar a aprender y usar M.A.O. -música programada por ordenador- (¡y yo también!). Además, queríamos establecernos como dúo. Lo primero que teníamos que hacer era equiparnos en consecuencia, y luego aprender cómo utilizar las máquinas para crear música. Nos llevó mucho tiempo. En 2016 nació nuestro primer álbum “In Memoriam”.

 

¿Por qué Stupor Mentis? ¿Cuál es el significado de vuestro nombre?

Este término latino se refiere a este estado especial del “no ser” mental, caracterizado por una suspensión completa de actividades intelectuales; luego, transportado fuera de uno mismo. Todos, al menos, una vez en nuestra vida experimentamos este estado: el asombro / shock: el cerebro está sobrepasado, no hay reflexión posible, no tienes más control sobre nada, “tú eres” sin ser. Es fascinante! un estado tan extraño! Y luego, ¡ja! En pocos segundos todo se recupera en el camino, el cerebro se reconecta, su mente analítica lo supera, y vuelves a convertirte nuevamente en “alguien”.

 

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¿En qué te inspiras para hacer tu música?

AUDREY: Me inspiran tanto las músicas muy construidas, como la música / ópera clásica, así como la música más ambiental, las músicas “menos reflexivas”. Me gusta mucho la música de bandas sonoras.
La literatura, la poesía y el misticismo también son una gran fuente de inspiración. Naturaleza, animales … todo lo cual me aleja de mi condición humana.
NICOLAS: Tengo un amplio espectro de audición, desde el black metal hasta el ambient oscuro puro, a través de la música dark wave, darkfolk, industrial y clásica. También leo mucho. El cine y algunas películas también suelen inspirarme, especialmente aquellas que dan paso a una forma de introspección (Stanley Kubrick, David Lynch).

 

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¿Cuál es vuestra visión del estado del mundo que os rodea?

AUD: En el mejor de los casos, diría que el ser humano es, en su mayoría, un imbécil a gran escala que no ve más allá de la punta de su nariz; que cuando quiere algo, lo usa sin precaución, se satisface a sí mismo un período de tiempo rápido con lo que adquiere, luego se aburre y desea más … El ser humano se da vuelta en círculos, involucrado por los deseos que él mismo construye.
De este estado conmovedor surgen todos los problemas que conocemos: desastres ecológicos, sobreconsumo, guerras, injusticias de todo tipo.
Creo que los hombres siempre actúan de la misma manera, desde tiempos inmemoriales.
La naturaleza humana está hecha así. Una civilización se sigue, nace, crece y luego desaparece. Sin embargo, algo cambió con la Revolución Industrial: la velocidad con la que el hombre destruye el planeta.
Sin embargo, hay un pequeño porcentaje de personas, que es muy consciente de todo esto y que mantienen “derechos” en la tormenta. Las personas que tienen principios distintos a su auto satisfacción, las personas que reflexionan, que se ven como son, las cosas como son.
En mis días buenos, me gusta pensar que la existencia de estas personas tiene algo lírico, casi artístico en nuestro desorden ambiental.
NICO: El estado del mundo no me interesa más que eso. Prefiero distanciarme de estas consideraciones. De todas formas, los humanos tienen una tendencia a la autodestrucción, principalmente a la falta de visión a largo plazo amplificada por una vaga percepción de la mente. La creatividad artística me permite utilizar mi energía haciendo cosas mucho más interesantes que participar en este loco rol de carrera en el que el 99% de la humanidad parece revolcarse.

 

Si tuvierais que quedaros con un instrumento, ¿cuál sería?
AUD: Mi voz.
NICO: El piano.

 

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en vivo?

Todavía no hemos tocado en vivo porque no estábamos preparados para ello. Ahora estamos listos. Debutaremos en el “Nuits Dark-Ritual” el 4 y 5 de agosto en Thoix (Francia).
En términos generales, un show en vivo es un desafío: lograr la atención del público, superar la duda para poder transmitir una emoción cruda, y finalmente que los aspectos técnicos no perturben este propósito preciso. El rendimiento se compensa cuando la energía empleada logra hacer vibrar a alguien.

 

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La solemnidad sonora que impregna vuestras canciones es fascinante. ¿De dónde viene esta inspiración?

Nuestra música es el resultado de la elaboración de nuestras emociones que peleaban incesantemente entre ellas, como niñas descorteses. La música está ahí para poner en orden este sangriento desastre interno, y dejar que estas emociones se expresen y no se repriman para que no puedan ser dañinas. Ninguna emoción, tan oscura como pueda ser, debe eclipsarse para vivir de una manera absoluta. Este enfoque es casi más espiritual que musical, de hecho, la música es la manera en la que todo esto toma forma. Finalmente, se asemeja un rito expiatorio y purificador; eso quizás explicaría el lado solemne / hierático de nuestra música.

 

Fernando O. Paíno

 

Ruido hispano en Japón

 

Tres de las referencias musicales más señeras del panorama noise español, Brutalomanía, Gyakusatsu y Tube Tentacles,  viajaban a Japón hace un par de meses con la intención de embarcarse en una desenfrenada batería de conciertos por distintas ciudades del país del sol naciente. En NOMelody no hemos querido perder la oportunidad de entrevistarles para saber cómo fue la experiencia, e indagar de qué manera se vive el noise en uno de los sitios en los que este movimiento tomó forma. 

 

 

¿Cómo surgió la idea de tocar en Japón?
Brutalomanía – El alma máter de la idea fue Kike, que ya llevaba años elucubrándolo y nos lo propuso en un buen momento. Yo, personalmente, siempre había tenido la ilusión de ir a Japón ya que me atrae mucho su cultura y siempre me ha gustado mucho el noise nipón.

Tube Tentacles – Llevaba varios años intentando ir. Allí conozco a mucha gente. Con varios de ellos tengo splits, y ellos tenían ganas de verme en persona ya después de tanto tiempo hablando. No me apetecía hacer un viaje tan largo solo, y se me ocurrió la idea de liar a Oscar y a Lolo; y, por lo que vi, no fue difícil convencerles.

Gyakusatsu – Kike llevaba mucho tiempo pensando en ello y me lo comentó. Empezamos a darle vueltas, pero sin concretar nada, y el tiempo pasaba y pasaba. Un día me dijo de proponérselo también a Lolo, y le dije que encantado. Una tarde sin más nos decidimos y compramos los billetes de avión, ya no había vuelta atrás…

 

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Brutalomanía

 

 ¿Cuántas fechas tuvisteis y en qué ciudades actuasteis?

Tube Tentacles – Hubo seis fechas. Tres en Tokyo, una en Osaka, una en Fukuoka y otra en Oita.

 

 

 

¿Con qué bandas compartisteis escenario?

Tube Tentacles – Compartimos escenario con muchos artistas. Fue un gran honor tocar con Hiroyuki Chiba, Government Alpha, Scum, Spaceship Airguitars, Peppies, Tentak, Nobuhiro Okahashi, DJ Speedfarmer, Shayne Bowden, Okazaki, Yuretsuzukeru, Solmania Slur, Disgunder, Letters, Our Wrongs, Final Exit, Cecilia, Asocial Terror Fabrication, Napalm Death is Dead, Space Grinder, y colaboraron en nuestros directos Scum, Shota Izawa (Wolf Creek) y Ucchy (Cunts).

 

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Gyakusatsu

 

¿Cómo veis el panorama noise en uno de los países pioneros de este género?
Brutalomanía – Pues lo menos que se puede decir es “envidiable”. Desde luego se lo curran mucho, con todo lo que hacen son muy serios, y eso se nota. Son muy activos, ya que había conciertos continuamente; y muy implicados, puesto que eran capaces de perder dinero alquilando un local sólo con tal de organizar conciertos y pasar el día entre amigos. También me gustó que muchos de los conciertos se organizaran por la tarde y fueran puntuales, además del ambiente tan sociable que se generaba.

Gyakusatsu – La cantidad de bandas que hay y que aquí no se conocen y hacen un ruido brutal. Solo en Tokio hay conciertos prácticamente cada día. Los locales disponen de unos equipos de sonido acojonantes y como no podía ser de otra manera, como todo lo que hace esta gente, son muy profesionales. Si hacen algo lo hacen a conciencia sin dejar nada al azar. Es envidiable la escena que tienen, y mira que yo aquí en Barcelona no me puedo quejar pero ni de lejos nos acercamos a lo que tienen ellos tanto en cantidad como en calidad, en calidad quizás sí, aquí también tenemos excelentes proyectos.

Tube Tentacles – Es un no parar. Yo me perdí varios conciertos porque no me llegaba el dinero para semejante actividad. Es gratificante estar allí y saber que puedes ver a todos ellos tocando en un mes, como si fuera algo normal… y lo es.
Lástima que tengas que recorrer medio mundo para poder ver eso teniendo en España grandes artistas también, y a los que apenas se les da la posibilidad de expresar sus inquietudes a través del ruido.

 

¿Qué fue lo más sorprendente de Japón?
Brutalomanía – La buena educación y amabilidad de los japoneses, la gran cantidad de gente por la calle y en las estaciones casi a cualquier hora, el orden y esmero que ponían en todo, los inodoros con taza con calefacción y chorrillo de agua templada para limpiar las zonas íntimas, los termostatos digitales para regular grado a grado el agua de las duchas, el tamaño reducido de las viviendas, un DJ con camiseta de NAPALM DEATH pinchando y mezclando pop con disco, funk y metal, la edad tan avanzada con la que aún seguían trabajando, la cantidad de pequeños comercios que había, la limpieza de las calles, los bocadillos de noodles, los zumos de uva y aloe vera con uvas enteras, la cantidad de música que tenían en las tiendas de discos, que una japonesa supiera español y nos diera amablemente indicaciones por la calle, lo caro que era todo, la comida lo buena que estaba, y que gente de allí que llevaba sus años en el noise no conocieran a Dissecting Table… y muchas más cosas…. no había un día que no me sorprendiera por algo.

Tube Tentacles – Yo creo que todo lo que ves en esa sociedad te sorprende, o más bien te descuadra viniendo de donde venimos. Su orden, su educación y todas esas simples cosas a las que no estás acostumbrado a ver en tu día a día… pero lo que más me sorprendió es su nivel de contaminación y uso de plásticos. Es demencial.

Gyakusatsu – El orden que tienen, la limpieza, la eficacia. Por poner un ejemplo: el metro de Tokio en hora punta, los vagones van increíblemente llenos y en cambio no se escucha nada, el móvil está prohibido para hacer llamadas y lo tienes que llevar silenciado, y por supuesto, lo respetan.

 

 

 

 

¿Alguna anécdota curiosa que señalar?
Brutalomanía – La noche que nos vimos en Fukuoka buscando hotel entré en un hotel capsule y me pareció todo muy extraño. Era sólo para hombres, todos con el mismo pijama, pasillos con camas enclaustradas en las paredes a tres niveles. A nosotros nos querían alojar en unas camas que habían alineado en un pasillo. No me pareció muy apetecible, la verdad, jaja!

Gyakusatsu – Nada más llegar a Tokyo, Kike se perdió por unas horas y fue todo muy estresante, pero al final todo acabó bien, jejeje. La cara de la mayoría del público al finalizar mi primera actuación en Japón, a veces realizo espectáculos un poco salvajes y en esta ocasión, para concretar más, aparte de los cortes por los brazos y cuerpo Kike se ensañó con el látigo. Resumiendo, que me dio una paliza terrible, y eso mientras intentaba seguir con el concierto, Tuve morados casi una semana.

Tube Tentacles – Efectivamente, el primer día me perdí en una de las estaciones más transitadas de Tokyo y estuve vagando un par de horas con las maletas. En Fukuoka nos quedamos sin lugar para dormir después de tocar y nos mandaron a uno de los barrios más bizarros de la ciudad a buscar hotel. Por supuesto que salimos escopetados de allí. O cosas tan locas como beber como si no hubiera un mañana en el primer bolo que dimos y no acordarnos de nada al día siguiente, jajajaja.

 

 

 

 

¿Tenéis pensado regresar?

Gyakusatsu – Eso sin dudarlo. A tocar me encantaría, pero seguramente la próxima vez sea solo de turismo, se me quedaron muchas cosas por ver y me gustaría pasar una temporada en Tokyo.
Brutalomanía – Por supuesto, fue una experiencia para repetir.
Si volviera me gustaría hacer más colaboraciones y grabaciones con gente de allí, no necesariamente conciertos, en locales de ensayo sería genial, ya que disfruté mucho en el último concierto con la colaboración que hice con Shota Izawa (Wolf Creek).

Tube Tentacles – Yo estaría encantado de volver. Pero ya con las cosas mejor preparadas. Este viaje fue un poco improvisado en base a lo que nos íbamos encontrando. Ahora sabemos más o menos cómo funciona todo allí, y eso ayuda bastante.

 

Fernando O. Paíno

El retorno de CRISIS

 

Crisis es una de las bandas menos nombradas de punk británico que surgieron a finales de los setenta. La agrupación tuvo un importante tirón en su breve vida, pero la notoriedad se desvaneció durante muchos años hasta que la distribuidora británica World Serpent decidiera dedicarles un recopilatorio a finales de los noventa, el ahora cotizado “We Are All Jews And Germans”. Todavía recuerdo como si fuese ayer el brutal desconocimiento que había a principios de siglo acerca de esta banda. Yo los descubrí gracias a Death In June, y soñaba con cruzar palabra con alguien que, al igual que yo, disfrutase de la genialidad de este combo británico de punk rock. Afortunadamente, hoy se han convertido en todo un fenómeno social, y aprovechando la fluctuante y coyuntural oleada de atención que ahora se les presta, el conjunto capitaneado por Tony Wakeford retoma su actividad para embarcarse en una serie de conciertos por varios países de Europa. Indypendientes los traerá próximamente a Madrid, y en NOmelody aprovechamos la ocasión para charlar con Tony y aclarar algunas dudas pendientes.

 

 

Crisis comienza su andadura musical en 1975, cuando Douglas Pearce conoce a Tony Wakeford … ¿Podrías decirnos cómo fue ese primer encuentro?

Fue en un autocar de trabajo (la aburrida ciudad de Londres que nos dio The Jam) yendo a una selección en Londres. Como éramos los únicos menores de 40 años y sin barbas, empezamos a hablar…

¿Cuáles fueron vuestras principales influencias al crear Crisis?

Claramente políticas. Fue un vehículo para promover una visión política y para corromper a los niños pop. Supongo que fue algo moderadamente exitoso en este aspecto.

Cuéntanos tu experiencia al tratar con John Peel y grabar el EP “Alienation”.

Bueno, recuerdo que estaba esperando afuera de Portland Place con Doug, y quiero recordar que le entregamos nuestra demo. Lo siguiente que me viene a la cabeza es que estábamos en esos increíbles estudios en Maidavale grabando una sesión.

 Crisis se descompuso por primera vez debido a las disparidades ideológicas en 1978. ¿Cuéntame más sobre esta situación?

Lo hicieron ellos. Doug y yo fuimos impulsados ​​a crear Crisis por la perspectiva política principalmente; los demás,  por menos o nada en absoluto. Esa siempre iba a ser delgada línea roja que atravesó la banda a lo largo de su existencia.

La vida de Crisis fue corta pero intensa. ¿Podrías resumirla en un par de oraciones?

Peleas, drogas, sentadillas, conciertos, más peleas…

 

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¿Cuál fue la razón principal por la que decidisteis deshacer Crisis?

Cuando Luke se fue para unirse a Theatre Of Hate, Doug y yo nos dimos cuenta de que los dos estábamos muy cansados y que no teníamos la suficiente energía para encontrar un músico que lo reemplazara.

Gran parte de los componentes de Crisis marcharon hacia otras bandas que con el tiempo alcanzarán mucha notoriedad en su momento, como lo fue Theatre Of Hate. ¿Cómo contactasteis con Leagas y decidís crear Death in June?

Conocí a Patrick en un concierto. Se presentó y decidí unirme a uno de sus proyectos, Runners From 84. Cuando Doug y yo decidimos continuar trabajando juntos, Pat se convirtió en el pilar perfecto.

¿Por qué reformar Crisis y volver a dar conciertos?

No estoy seguro. ¿Una sed insaciable de socialismo mundial? ¿Un viejo idiota triste en una desesperada y embarazosa crisis de la mediana edad? O simplemente disfruto tocando el bajo mientras me sorprendo de la increíble reacción de los viejos fans de la banda y los jóvenes descubriendo nuestras canciones.

¿Planeas preparar un nuevo álbum o quieres seguir con lo que ya tienes hecho?

En estos momentos somos un proyecto en vivo. Doug ha hecho un buen trabajo manteniendo las grabaciones originales disponibles. Estamos lanzando un disco oficial de nuestro concierto en París. Las canciones originales ya están disponibles si la gente las quiere. Tenemos un par de temas nuevos, pero no estoy muy seguro de hacia dónde se dirigen. El tiempo dirá.

 

 

Fernando O. Paíno

 

Esplendor Geométrico: Buceando en la cabeza de los pioneros del industrial hispano

 

Nada menos que treinta y seis años nos separan del lanzamiento de Necrosis en la Poya, el primer sencillo del conjunto español que inauguró la historia de la música industrial en este país: Esplendor Geométrico. NOmelody Magazine se acerca a uno de sus miembros seminales, Arturo Lanz, en busca de respuestas acerca de los orígenes y la trayectoria de la banda. Dentro de unas semanas el ahora dúo nos presentará en directo su último trabajo Fluida Mekaniko, rodando por las ciudades de Madrid y Barcelona.

 

 

¿Por qué razón decidís escindiros de Aviador Dro para crear algo como Esplendor Geométrico?

Fue un problema de entendimiento personal. Cuando tienes 16 o 17 años los egos son muy fuertes, y más en esos años de efervercescencia juvenil.

Una vez creado Esplendor Geométrico, tardamos algunos meses en tener definido lo que queríamos hacer. Al principio, había temas que podrían haber sido del Aviador Dro, aunque un poco más minimalistas.

 

¿Cómo describirías la evolución de Esplendor Geométrico?

No hay mucha evolución. Depende mucho de los instrumentos o programas que utilicemos. De lo analógico a lo digital, de lo digital a la computerización, y de ahí a la utilización de apps…

 

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En todos estos años habéis recorrido casi la totalidad del planeta. ¿Cuál es el concierto más anecdótico que habéis dado?

Los de Japón son muy intensos. Y en Madrid muy cercanos. En todos hay siempre anécdotas. No podría destacar ninguno.

 

¿Qué bandas te sirvieron de influencia para crear Esplendor Geométrico?

Las encuadradas en el primer movimiento industrial: Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire SPK.

 

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¿Crees que la agresividad es algo indispensable en la música industrial?

Creo que no somos agresivos, al contrario, lo que hacemos en música para entrar en lo mas íntimo del ser. Cada uno reacciona en ese lugar de diferentes formas. La agresividad puede ser una de ellas. En mi caso es la conexión con el presente.

 

¿Cómo describirías tu música?

Máquina-herramienta.

 

Esta es la tercera ocasión que actuáis en Madrid de la mano de Indypendientes. ¿Actuar en casa es mejor que hacerlo en el extranjero?

Es mas familiar. Madrid y Barcelona son dos grandes ciudades con gente encantadora que disfruta de la vida, y por lo tanto, de EG.

The Vomit Arsonist: Una nueva cuna repleta de caos y ruido sepulcral

 

The Vomit Arsonist es una de las nuevas promesas más punteras del panorama death industrial actual. Poseedor de un legado discográfico aplastante y tortuoso, Andrew Grant, único responsable de este proyecto norteamericano, nos cuenta el cómo y el porqué de su banda.

 

¿De qué manera llegó a nacer The Vomit Arsonist? ¿Fue algo fortuito o metódicamente deliberado?
Yo era joven y quería probar algo diferente. Me habían presentado a artistas locales del género industrial cuando era un adolescente. En ese momento, este tipo de música era casi completamente desconocida para mí, pero yo estaba extrañamente fascinado por ella, y quería ver si podía hacerlo. Los resultados iniciales fueron terribles, pero lo mantuve en marcha, y durante la última década aproximadamente, se transformó en la miserable bestia que es hoy. Ahora es muy diferente.

 

¿Qué te llevó a utilizar el nombre de The Vomit Arsonist? ¿Pretende transmitir alguna idea o connotación?
El nombre no significa nada, es una tontería por el bien de las tonterías. Y por lo general evoca una respuesta disgustada o, si no otra cosa, extrañamente intrigada de la gente, que me parece divertida. Ojalá hubiera una historia más interesante detrás de él. Si me preguntas si el proyecto en sí tiene un mensaje, o una postura .. entonces no, realmente no. Si se enfoca en términos absolutos, se trata de las emociones humanas más negativas, sobre todo las cosas que experimento y siento a diario . Enfermedad mental, desesperanza, futilidad, vacío, miedo, ansiedad.

 

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¿En qué se fundamentan tus influencias musicales dentro del panorama death industrial ?
Aproximadamente la mitad de mi inspiración para seguir haciendo esto proviene de artistas que admiro: cineastas, músicos, escritores. La otra parte es basada en la personalidad, supongo. Estoy influenciado por mis propias ansiedades, mi propia depresión y mis propias inseguridades. Si mi vida va bien, me resulta más difícil escribir o grabar música. Puedo hacerlo, pero tengo que trabajar más, no acaba de derramar. Por supuesto, cuando las cosas van mal, la musa está ahí, pero me falta la motivación …

Estoy tratando de separarme de la música tanto como pueda mientras todavía estoy creando algo que me parece personal y significativo. Puede ser desalentador, a veces.

 

¿Qué opinas del mundo que nos nutre?
Completa puta desesperanza. Realmente no entiendo cómo alguien podría tener una perspectiva positiva sobre la vida en absoluto, y mucho menos con la forma en que las cosas son ahora, pero tengo cero esperanza para el futuro. Simplemente no veo cómo es posible. Durante los últimos 8 meses o así, he fluctuado de estar desesperadamente deprimido a furiosamente enojado sobre el estado del mundo. Miro situaciones tanto en América como en el extranjero y no veo soluciones. Las líneas en la arena se dibujaron hace mucho tiempo, ahora la gente en ambos lados está actuando. Sólo va a haber una salida … y no sé muy bien lo que es… pero sé que a nadie le va a gustar. Personalmente, he estado tratando de tomar el enfoque absurdo y nihilista y solo reírme tanto como pueda. A veces es todo lo que puedes hacer para evitar que te vuelvas loco.

 

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¿Cuál es tu artefacto favorito a la hora de hacer ruido?
Korg MS20. Recibí la mini versión el año pasado y se convirtió en mi sintetizador principal para casi todo. Un sonido tan grande, tan versátil. No me puedo ver deshaciéndome de él.

 

¿Qué aspectos positivos y negativos encuentras en el hecho de actuar en directo?
Tocar en vivo siempre resulta extraño para mí. Me gusta bastante, y siempre lo espero hasta que llega el momento de actuar. Tengo muy malos ataques de ansiedad y eventualmente me empiezo a cuestionar por qué estoy haciendo esto, si vale la pena para mí, si vale la pena para alguien más, si nadie realmente le importa una mierda… por lo que a menudo es una experiencia incómoda. Es algo realmente extraño, porque he estado actuando delante de la gente durante más de la mitad de mi vida. Para responder a tu pregunta, la mejor parte es cómo me siento después de que ha terminado. Se siente algo parecido a como cuando un peso aplastante se ha levantado de tus espaldas -aunque sólo temporalmente-.

 

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