4th Sign Of The Apocalypse – “All The Children Love 4th Sign Of The Apocalypse”

Post-industrial onírico

Old Europa Café- Febrero de 2013 – post industrial OECD 172

Chapter 1. A Dream Within A Dream

Chapter 2. Tick Tick

Chapter 3. Ascending The River

Chapter 4. Bob

Chapter 5. God This Looks Like Paradise

Chapter 6. Be Careful

Chapter 7. I Was Really Scared

Chapter 8. On February 10th

Chapter 9. A Bird In The House

Chapter 10. She Was Happy There

Chapter 11. The Warmth Of The Blanket Still Scratches Me

Chapter 12. Beautiful Ruins

Bryin Dall es un nombre familiar dentro del género post-industrial. Conocido por haber trabajado con artistas como Genesis P-Orrigde o por formar parte de Hirsute Pursuit, hoy nos adentramos en uno de los pocos discos de su proyecto en solitario 4th Sign Of The Apocalypse. Su segundo lanzamiento, “All The Children Love 4th Sign Of The Apocalypse”, es un perfecto ejemplo de post-industrial colmado de eclecticismo y experimentación que abraza la esencia de conjuntos como Coil o artistas como Boyd Rice.

4th Sign Of The Apocalypse es un proyecto que ha podido pasar completamente desapercibido para muchos de los acólitos del género post-industrial. Sin embargo, esta circunstancia no se encuentra correspondida con la calidad de su obra, ya que Bryin Dall, alma máter del conjunto, no para de plantear perspectivas acústicas altamente originales y heterogéneas utilizando una variada paleta de recursos sonoros dispuestos en escala de grises.

Posiblemente, All The Children Love 4th Sign Of The Apocalypse”, la segunda de sus propuestas editoriales, es la más recomendable para dar a conocer a este intrigante conjunto. Doce temas que se articulan a base de capítulos desemparejados e independientes, logran aunarse para conformar un disco desconcertante que no deja de transformarse. Paisajes estructurados en su gran mayoría sobre secuencias cíclicas que sirven de andamiaje para el crisol de elementos tanto melódicos como disonantes con los que 4th Sign Of The Apocalypse dota de una personalidad extraordinaria a sus composiciones. La esencia oscura y brumosa se encuentra suspendida sobre la totalidad de las canciones, manifestándose con intensidad en “A Bird In The House”, donde un registro vocal narrado se encarga de dibujar situaciones que un encofrado acústico no puede parar de enturbiar. Igualmente resulta necesario recomendar propuestas tan interesantes como “She Was Happy There”.

Dentro de las influencias que han podido nutrir a este proyecto o los paralelismos estilísticos que se pueden detectar, es necesario situar a Coil como banda de referencia, fundamentalmente si atendemos a cortes como el citado en última instancia, en donde se recrean ambientes muy parecidos a los cosechados durante la primera década del nuevo siglo por los británicos. All The Children Love 4th Sign Of The Apocalypseevoca esa esencia sin atender al plagio, suscitando nuevas sensaciones.

Old Europa Café editó ese trabajo en formato CD limitado a trescientas copias hace ya siete años, y desde entonces no ha perdido frescura ni originalidad.

Hoy es un buen momento para comprobarlo.

Fernando O. Paíno

Llyn Y Cwn – “Dinorwic”

Yuxtaposición de paisajes

Cold Spring - Junio de 2020 - dark ambient - CSR286CD

Dyffryn

Garrett

Allt Ddu

Bryn Glas

Llwybr Llynog

Braich

Vivian

Ben Powell vuelve a sorprendernos con su proyecto Llyn Y Cwn. Este maestro del dark ambient acaba de presentar “Dinorwic”, una nueva oferta en la que se desarrollan impactantes paisajes sonoros a partir de matrices recogidas en las zonas rocosas del norte de Gales.

Llyn Y Cwn añade una nueva entrega a su ya sugerente y particular discografía. Este genial compositor de música ambiental oscura es conocido por desarrollar planteamientos sonoros partiendo de grabaciones de campo registradas en lugares inhóspitos localizados en Gales.

Si ya con su anterior lanzamiento Twll Du(19) disfrutamos de una experiencia realista y profunda, ahora en Dinorwic vamos a hallar un planteamiento similar desde una perspectiva completamente diferente.

Powell no ha abandonado su esquema creativo, sino que ha decidido ampliarlo, desarrollando nuevos enfoques basados en registros acústicos que son capturados en zonas dominadas por los paisajes puramente naturales o, en su defecto, con escasa incidencia antrópica.

Precisamente, y en el caso que hoy nos ocupa, esa presencia del hombre en contextos de difícil adaptación se hace notable. Dinorwic recrea en sus siete cortes las distintas posiciones topográficas de la cantera de Dinorwic, formada en su mayoría por rocas de pizarra. Evidentemente, y debido a la gran utilidad de esta roca metamórfica y a las posibilidades de transformación energética que ofrece el entorno, la presencia sonora de máquinas pertenecientes a una central hidroeléctrica ubicada en el núcleo de la montaña está presente en el mosaico acústico que configura gran parte de los temas de este disco, enriqueciendo la estética global a la vez de encargarse de plantear nuevas perspectivas dentro del esquema estilístico del proyecto.

Dinorwic llama la atención por su gran equilibrio acústico y su sólida producción. Registrado en el interior de un ruz originado en el flanco del anticlinal de Elidir Fawr, Powell no duda en grabar esos sonidos emitidos por la naturaleza y vestirlos con distintos efectos para dar a luz unos paisajes realmente estremecedores. Un álbum que no tiene nada que envidiar a muchos de los trabajos del gran padre de este género, Lustmord, tanto en forma como en contenido.

Por lo que podemos ir comprobando, la pretensión de Llyn Y Cwn es gestar una colección de trabajos que describan por medio del sonido distintos emplazamientos geográficos en los que es prácticamente inviable el desarrollo de la vida social humana.

Dinorwic ha sido presentado por el sello británico Cold Spring en digipak de seis paneles que son aprovechados para exponer documentación gráfica de las distintas zonas en las que ha sido recogida la materia prima necesaria para confeccionar este increíble disco.

Fernando O. Paíno

TSIDMZ – “The Aeon Of ThuleSehnsucht”

Revisando el pasado, escribiendo el futuro

GH Records - Enero de 2020 - neofolk - GH 143 CD 

TSIDMZ es un acrónimo de “ThuleSehnsucht In Der MaschinenZeit”; no obstante, todo el mundo conoce a este proyecto italiano bajo el nombre de ThuleSehnsucht. Tras cerca de veinte años de carrera, el proyecto revisa parte de sus éxitos y añade nuevas propuestas en “The Aeon Of ThuleSehnsucht”, un compendio imprescindible para los amantes del neofolk y el primer marcial.      

TSIDMZ ha ido ofertando trabajos muy interesantes dentro de la estela neofolk durante los últimos años. Con una discografía que supera la decena de títulos y un estilo directamente influido por los nombres angulares del primer destello de este género, el proyecto comandado por Solimano Mutti nos ofrece una suerte de recopilatorio aderezado con temas inéditos de la mano de los sellos GH Records y Twilight.  

La propuesta no es nada desdeñable, ya que se plantea como una oportunidad perfecta para todos aquellos que, por una circunstancia u otra, no conocían el genio creativo de este artista. The Aeon Of ThuleSehnsucht recoge una completísima y amplia selección de cortes, nada menos que 17 propuestas en un solo CD. En ellas descubriremos temas emblemáticos que ya aparecieron en álbumes anteriores publicados por sellos tan relevantes como Old Europa Cafe o SkullLine, como es el caso de “Ost Und West” o “Beasts, Men And Gods”, entre otras propuestas.

En lo referente al contenido, el disco comienza estupendamente, paralizándonos por completo al sonar un corte tan hermético y taxativo como “Tempi Ultimi”, que puede evocar vagamente la presión encapsulada en aquel “The Wall Of Sacrifice” de Death In June. Este no es el único guiño que el italiano tiene hacia el artista británico, la antes citada “Beasts, Men And Gods” hereda esa genética de DIJ que después un sinfín de emuladores calcaron fehacientemente hasta hacer de ella un movimiento. Además de esto, la estética musical se acerca a la de otros músicos como David Tibet de Current 93, sobre todo si atendemos al corte en el que colabora el conjunto polaco Horologium, “Ota Benga”. En él se intenta encontrar una identidad directa con el sonido más característico de Tibet.

Otra gran parte de cortes exploran horizontes sonoros salpimentados por la belicosidad y las guerras del siglo pasado, pudiéndonos recordar a conjuntos como Predella Avant, algún momento Sophia, o The Protagonist. “Ewigkeit Im Saltarello”, su octavo corte, esconde una melodía que rememora indefectiblemente el comienzo de “Aion” (90) de Dead Can Dance, evocando ese mítico “Saltarello”.  

Uno de los aspectos más destacables de The Aeon Of ThuleSehnsucht es su capacidad de hacer de biografía en lo referente a la innumerable cantidad de colaboradores que se han acercado al artista con el objetivo de crear. Conviene revisar el nutrido elenco de artistas, ya que es tan extenso que hablar de él, aunque coparía la atención de muchos lectores, también agotaría el espacio de esta reseña.  

The Aeon Of ThuleSehnsucht ya está disponible en las tiendas de ambos sellos. Para los oyentes residentes en el viejo continente recomendamos la opción ofertada por GH Records.  

Fernando O. Paíno.    

Richard Ramirez – “Bleeding Headwound”

Salvaje y triturador

           Old Europa Cafe - 2020 - noise - OECD 279

Atomic Distortions / Left Eye

Spinal Amputation

Old Europa Cafe rescata uno de los primeros trabajos del tejano Richard Ramirez coincidiendo con el veinticinco aniversario de su publicación original. Ramirez es, en opinión de muchos, uno de los mayores representantes del sonido noise a nivel mundial. “Bleeding Headwound” destella por su cariz raspante e intransigente, ruido amenazador que asalta con fiereza.

Al igual que sucedía con “Torturous Chapter” de Black Leather Jesus, otro de los muchos proyectos de este artista norteamericano conocido bajo el nombre de Richard Ramirez, el sello italiano que apostó por la edición en casete de sus primeros trabajos, Old Europa Café, rescata esta documentación acústica descatalogada desde hace más de 20 años para redescubrirla en otro formato diferente al de la edición primigenia. Bleeding Headwound (1995) es presentado ahora en formato CD, aspecto que supone una gran oportunidad en lo referente a la accesibilidad de esta obra, ya que debido a su escasez y la constante demanda del público, ha estado alcanzando precios desorbitantes en las páginas de venta y subasta.

Adentrarse en este disco es toparse con un terror frío, serio y colmado de hieratismo. Ramirez imagina patrones sonoros saturados y enfermos, envueltos en filtros de pedal, que salpican cacofonías extremas en mutación inestable, llegando en los momentos más estáticos a rozar el harsh noise wall. Bleeding Headwound nos oferta contextos repletos de agonía, siguiendo el esquema planteado por el artista durante principios de los noventa, momento en el que su producción musical se reproducía vertiginosamente, mientras los proyectos paralelos en los que Ramirez se involucraba iban en la misma dinámica de proyección exponencial.

A diferencia del formato original, el sello italiano ha optado por dimensionar el contenido de este disco de una manera distinta a la planteada en un primer momento: Sus dos primeros temas, “Atomic Distorsions” y “Left Eye” han sido englobados en un mismo corte, mientras que “Spinal Amputation” se presenta independiente, siguiendo el esquema de distribución de caras de la cinta.

El artwork se respeta de forma parcial, manteniendo la iconografía pero modificando el diseño, mientras que el contenido gráfico que escondía la casete ahora es reflejado en la contraportada el digipak.

El sonido global se ha mejorado de forma notoria gracias a la labor de masterización que se ha llevado a cabo, enfatizando la rudeza de unas disonancias que ya de por sí resultaban escalofriantes.

Esta nueva edición de Bleeding Headwound ha sido limitada a trescientos ejemplares y ya se encuentra disponible en la página de Old Europa Cafe.

Fernando O. Paíno

Folkstorm – “Nihil Total”

Rotundo y destructivo

Old Europa Cafe - Octubre de 2019 - power electronics - OECD 188

Nihil Total

Where I’m From

Lifeless

Where The Sun Don’t Shine

Death Comes Crawling

Brandtal

Homage

No Empathy

Spiritual Despise

Folkstorm es la representación musical más agresiva de Henrik Nordvargr Björkk. Este genio sueco del ruido regresa a Old Europa Café con “Nihil Total”, nueve cortes enclaustrados en ira y efervescencia disonante.

Suecia es una de las cunas más señeras en lo que respecta al sonido industrial, y Nordvargr es con toda seguridad uno de los artistas más laureados de todos los tiempos dentro de este género. Este polifacético artista lleva labrando una multidisciplinar carrera dentro del ruido con sus distintos proyectos, entre los que destacan Mz412 o Anima Nostra. Folkstorm es su encarnación más visceral y potente. Bajo este nombre Nordvargr engendra sus composiciones más raspantes e intransigentes, y ahora presenta nuevo material de la mano del sello que lo dio a conocer, Old Europa Cafe.

Nihil Total está estructurado por nueve propuestas en las que este antemural norteño desarrolla artillería sónica rebosante de aspereza y abrasión. Para ello no duda en recurrir a sintetizadores analógicos que se fusionan con voces imperativas y samples extraídos de distintas grabaciones. El resultado es un trabajo directo, punzante y salvaje, bastante más relajado en acometividad acústica si lo comparamos con anteriores propuestas como Victory Or Death (2000) o Folkmusik (2005), si embargo este rasgo estético no incide directamente en el instinto desbocado de Folkstorm, que consigue dirigir un discurso aplastante en el que la diversidad de sensaciones es una constante dentro de los espacios conceptuales en los que enclaustra al oyente.

El trabajo abre sus puerta con el corte que da título al disco, “Nihil Total”, donde Henrik nos deja claro que en este terreno solo se habla de power electronics. Una base de ritmo oscilado sirve de sustrato para enraizar un discurso que evoca los mejores momentos de algunos cortes de su propuesta debut, Information Blitzkrieg (1999). Por su parte, “Lifeless” es una de las declaraciones más rotundas de degradación ruidista de los últimos tiempos. Nordvargr empapa un paisaje devastado por la desolación con voces fracturadas e incisivas. El tema que le sigue, “Where The Sun Don’t Shine” es posiblemente la mejor de las ofertas que esconde este esperado nuevo disco de Folkstorm. Aprovechando su genética puramente rítmica, en él se juegan voces encofradas en el pulso, generando de esta forma un tema dinámico a la vez que magnético. “Spiritual Despise” cierra este sobresaliente lanzamiento de la mejor de las maneras en las que un disco de industrial extremo puede hacerlo.

Nihil Total ha sido publicado en formato CD por el sello que ha visto nacer y desarrollarse a esa faceta del universo Nordvargr, Old Europa Cafe. Ha sido limitado a 300 ejemplares y viene protegido por un digipak de seis paneles.

Fernando O. Paíno

Vesperal – “Wasteland”

Una daga en el corazón

Steelwork Maschine - Junio de 2019 - neofolk - SMR 017

Enclore & Jouvence I

Dagger In The Heart

The Poacher

Wasteland

Crawl And Suffocate

Enclore & Jouvence II

Dices

From The Deads

Birth

Sacred Contemporary Chant

Can You Hear The Ghosts

Enclore & Jouvence III


El conjunto francés Vesperal nos sorprende con “Wasteland”, su último trabajo publicado por el sello Steelwork Maschine. Neofolk en absoluta transición. Una inteligente fórmula en la que se fusiona la pasión, el temperamento y unas melodías cautivadoras.

Vesperal no es un conjunto que goce de extrema relevancia dentro del campo neofolk, la causa de ello es sin lugar a dudas el poco tiempo que esta banda francesa lleva militando; sin embargo, su último lanzamiento titulado Wasteland actúa como garante a la hora de alzar a este conjunto dentro de la cabecera de propuestas más recomendables de la última década en el ámbito neofolk.

Doce cortes dan forma a un álbum perfecto dentro de la temática en la que se encuadra. Vesperal consigue rescatar la esencia del neofolk más puro para lavarle la cara y configurar un estilo muy personal e identitario en el que se combinan retazos de heavenly voices con experimentación y arte sonoro. El influjo de bandas como Death In June es más que palpable, sobre todo si atendemos a las líneas de guitarras acústicas, o a temas tan geniales como el que da título al álbum. Resulta muy reconfortante encontrarse con bandas como esta, que logran aportar una nueva perspectiva a un género que ha sido asfixiado a base de plagios a las bandas seminales que le dieron nombre. Vesperal consigue ofrecernos algo nuevo y parcialmente original, complementando sus composiciones con una nutrida selección de instrumentos y una inteligente fórmula cargada de fluctuación e intensidades.

Todos sus temas merecen un acalorado aplauso, pero si tuviésemos que seleccionar los más relevantes, resultaría inexcusable mencionar la elegancia depositada en “Crawl And Suffocate”, que evoca los mejores momentos vocales de King Dude, pero a la vez impacta por su heterogeneidad compositiva, que no para de oscilar en tempo y estructura.

Sacred Contemporary Chant” es otra de las joyas ocultas de este vinilo. Una dulce y emotiva tonada prácticamente desnuda de voces que expresa su naturaleza en tan solo dos minutos.

Dices” es otro de los grandes aciertos del disco. De esencia potente y acometedora, la tonada cabalga segura de sí misma hasta el ecuador de su vida, donde nos descubre preciosas complementaciones melódicas que se adaptan perfectamente a la musculatura acústica.

Wasteland ha sido publicado por la casa francesa Steelwork Maschine en formato LP y casete. Recomendamos el primero de ellos por su cuidada edición: el vinilo ha sido prensado en tonalidades marmóreas, consiguiendo una estética ejemplar.

Fernando O. Paíno

Colossloth – “Plague Alone”

Encontrando el equilibrio

Cold Spring – Mayo de 2020 – experimental/industrial - CSR277CD 

Little Cups Of Grace

Dies Infaustus

Naked Blooded & Witched

Plague Alone

Scylla Is Rising

Silt

A Fuse Like This Has To Be Lit

Colossloth nos presenta su sexto trabajo en estudio. “Plague Alone” se eleva como un compendio de sensaciones contrastadas en las que transige el industrial más rudo con la ambientación de carácter sibilino. Un gran triunfo de este artista británico.

Wooly Woolaston dirige el timón y es el único tripulante del buque de ataque llamado Colossloth. El proyecto comenzó su andadura allá por el año 2008, y desde entonces ha sabido evolucionar adecuadamente, ofreciéndonos viajes acústicos cargados de distorsiones y estrépitos cacofónicos.

Plague Alone es el título que recibe este trabajo. Lo primero que sorprende en relación con sus anteriores ofertas editoriales es el planteamiento del disco: En él fluctúan constantemente las intensidades, comenzando con declaraciones ruidistas para derivar en ambientación etérea. Esta fórmula de implicación estética es repetida en los siete cortes que vertebran el disco, ofreciéndonos en cada uno de ellos un juego de plasticidades acústicas único. Gracias a ello, la progresión del trabajo se hace muy llevadera, el disco avanza con mucho dinamismo, sin miedo a caer en las redes del tedio o la indefinición. Woolaston nos plantea una suerte de laberinto sonoro por el que el oyente camina desconfiando de su propia orientación. Los recodos acústicos que el artista nos expone no dejan de sorprendernos, sin embargo la genética que presenta el cuerpo actúa como una suerte de loop eterno que puede generar una diversidad de opiniones dependiendo del oyente que lo juzgue.

En nuestro caso, sostenemos que esta es una de las mejores obras de Colossloth hasta la fecha, ya que logra sostener la fiebre industrial a base de texturas ferruginosas y expansivas para terminar diluyéndose en el escepticismo acústico proferido por un conjunto de notas de guitarra. Una estructura mesmerizante a la vez que convincente que envuelve al disco, dotándole de un encanto único y unas propiedades claramente cíclicas.

Entre los cortes que más brillan, podemos destacar el que da nombre al propio trabajo, “Plague Alone”. Realmente en él se condensa de manera ejemplar todo el esquema que es desarrollado con más detenimiento a lo largo del álbum. Éste, al igual que el resto de cortes, se ofrece exento de voz, detalle que dota de una cierta introspección a la totalidad del CD.

Plague Alone, ha sido publicado por el sello británico Cold Spring, al igual que sus dos anteriores lanzamientos. Se presenta en formato CD y viene protegido por un digipak. La portada se muestra exenta de figuración alguna para exponer en su lugar una serie de degradaciones sobre las que se eleva el nombre del proyecto.

Plague Alone puede ser considerado uno de los mayores triunfos de Colossloth. No lo pases por alto.

Fernando O. Paíno

Ordo Rosarius Equilibrio / Trepaneringsritualen – “Nature Seeking Equilibrium (War 4 The Principle Of Balance)”

 

Dibujando el pasado 

4-estrellas

Equilibrium Music – 2020 – neofolk/post-industrial - EQM044

 

El sello portugués Equilibrium Music publica un sencillo compartido por dos titanes suecos de la escena underground: Ordo Rosarius Equilibrium y Trepaneringsritualen. En él se revisa el clásico corte de ORE, “Nature Seeking Equilibrium (War 4 The Principle Of Balance)”, consiguiendo unas perspectivas ejemplares.

 

Hace ya más de veinte años de la publicación de uno de los temas más emblemáticos y potentes de Ordo Rosarius Equilibrio, Nature Seeking Equilibrium (War 4 The Principle Of Balance).

El susodicho complementaba una de las caras del famoso single en siete pulgadas y picture disc que Cold Meat Industry lanzó en aquel momento de pleno apogeo editorial de finales de los noventa. El corte original, que ya de por sí llamaba la atención, ha quedado un tanto trasnochado al escuchar la nueva versión planteada por Tomas Pettersson.

En esta ocasión, aunque se respeta íntegramente tanto la cadencia como la estructura de la pieza, se le añaden aderezos de grabaciones de campo, mientras que la voz alcanza un énfasis que el corte original vislumbraba desde lejos. Las percusiones se encuentran reforzadas, dotándolo de una energía extra, y las líneas melódicas discurren con más dinamismo que en la propuesta base; por lo que podemos colegir sin dificultad que ORE ha logrado reactivar un tema mítico posando sobre él el manto de la experiencia, que solo es otorgado el paso del tiempo.

 

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Por su parte, Thomas Martin Ekelund reinterpreta el corte de una forma tribal, mucho más esquemática, minimalista, ruda y salvaje. El escaso romanticismo que Pettersson quiso plasmar en la propuesta original es aplastado por el hieratismo vocal de Trepaneringsritualen, ofreciéndonos una pieza carente de aderezos que suscita frialdad y presión. Las percusiones se lanzan como bolas de fuego sobre muros de piedra, desatando tensión y terror. El planteamiento del artista para con el tema se adecua perfectamente a los cánones de su proyecto, y Ekelund no duda en mostrárnoslo, huyendo de los paralelismos evidentes o la clonación compositiva.

Equilibrium Music no ha escatimado en recursos a la hora de publicar este sencillo: Nada menos que tres versiones distintas en diferentes colores de vinilo, todas ellas limitadas a 222 ejemplares. La edición y el diseño justifican el resultado de esta propuesta.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

 

 

 

Government Alpha – “Affective Imagery”

Dislocando el sonido

5_Estrellas

Abhorrent Creation Tapes – Mayo de 2020 – noise - ACT001

 
Stridor

Invisible Area

Eternal Signals

Apnea

Sacred Tree

Obstructions

In Equilibrium

Pale Idolum

Transience

 

Government Alpha es uno de los proyectos más salvajes de noise que ha gestado Japón. Y. Yoshida nos ofrece en su último lanzamiento “Affective Imagery” nueve cortes repletos de histeria y presión destructiva. Una impactante bofetada ruidista que no te dejará indiferente.

 

Hace ya más de un cuarto de siglo que Yasutoshi Yoshida comenzó a lucubrar pesadillas sonoras cargadas de disonancias y exasperación en las que masas de ruido se aplastan unas a otras conformando un sonido en constante transformación, y es que si por algo se caracteriza el sonido de Government Alpha es por ese horror vacui sonoro que quema todo el silencio que pueda albergar un disco. Yoshida es un maestro de la cacofonía y las modulaciones, creando texturas increíbles que se yuxtaponen sin parar en un intento heraclitano de constante transformación.

El sello francés liderado por Pascal Blaud, Abhorrent Creation Tapes, no ha perdido la oportunidad de incluir dentro de su catálogo a este genio nipón. Affective Imagery es el nombre que recibe este último trabajo, y realmente hablamos de una de las obras más apisonadoras y destructivas que ha dado el año 2020.

 

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El disco está ensamblado por nueve cortes que continúan una estela argumental sólida y hermética. Yoshida no deja de sorprendernos desde el primer segundo: Todo comienza con un sonido resquebrajado que va evolucionando hacia una hecatombe acústica en la que lo dionisíaco reina de forma autócrata. El hilo conductor de todo el disco es puro ruido en continua mutación. Paradójicamente, los cánones de orden de Government Alpha se establecen dentro de una apoplejía acústica desbocada pero a su vez perfectamente calculada. Yoshida es consciente en todo momento de lo que quiere alcanzar, y eso es perfectamente apreciable al degustar este increíble trabajo, ya que las medidas de variabilidad en lo referido a la intensidad estética y las texturas sonoras que contiene el álbum son fantásticas, haciendo de él algo dinámico, a pesar de estar trabajando con cacofonías. Temas como “Eternal Signals”, “Pale Idolum” o “Sacred Tree” nos muestran esa genialidad compositiva que caracteriza a Government Alpha. Furia ruidista que no tiene nada que envidiar a trabajos de C.C.C.C, Merzbow o Masonna.

Affective Imagery ha sido publicado en formato CD. Se han fabricado 500 ejemplares, por lo que te recomendamos hacerte con una copia cuanto antes.

 

https://abhorrentcreationtapes.bandcamp.com/album/government-alpha-affective-imagery

 

Fernando O. Paíno

Horologium – “Earthbound”

De vuelta a las trincheras

5_Estrellas

Old Europa Café – Marzo de 2008 – martial industrial - OECD 107

 

Introduction: Dionysus Vs. Apollo

Elegy For The Mediocre, Lesson To The Worthy

The Return Of The Sun

Nasz Wieczny Śmiech

The Watchers (Between The Ages)

The Immoralist Creed

Kazanie Ogniste III

Untitled

 

Hoy rescatamos “Earthbound”, uno de los trabajos capitales dentro de la discografía de Horologium. Puro martial industrial cargado de tensión con el que se consigue evocar fragmentos perdidos pertenecientes a las contiendas bélicas del siglo pasado.

 

La primera década de este nuevo siglo estuvo plagada de grandes bandas que desarrollaron un incipiente género que se empezaba a conocer con el nombre de martial folk. Muchas fueron las formaciones que se encargaron de nutrir este género a base de nuevas y geniales propuestas. Una de estas bandas fue, sin lugar a dudas, Horologium, y Earthbound (08) es considerado uno de sus trabajos más destacables dentro de este esquema estético.

Grzegorz Siedlecki, natural de Polonia, es la cabeza pensante que se esconde tras el nombre de Horologium. Siedlecki decidió con Earthbound dar un paso más dentro de su trayectoria creativa. Tras cuatro trabajos previos en los que se intercalaban grandes dosis de ambientación con tonadas netamente reflexivas, algunas de ellas en colaboración con otros artistas tan geniales como Moljebka Pvlse, el artista polaco nos sorprendió con un disco centrado en un contexto puramente bélico. Sus ocho cortes están cargados de samples pertenecientes a retazos sonoros del siglo pasado que son ensamblados de manera muy acertada, creando ambientes tan opresivos como vibrantes. Esta fórmula es heredada de los primeros trabajos de Albin Julius bajo el nombre de Der Blutharsh; de hecho, una considerable parte de Earthbound puede evocarnos esa magnificencia enterrada del genio austriaco, sobre todo si atendemos a la cadencia de los cortes y la plasticidad de los recursos utilizados. La aportación personal de Horologium en Earthbound es complementar estas estructuras acústicas con discursos verbales proferidos tanto por voces femeninas como masculinas, aspecto que aporta mucha vitalidad al conjunto de temas que aquí se presentan. Earthbound destella por su acometividad y su gran impulso estético, intimidándonos con implacables juegos de percusiones que nos invitan a disfrutar de uno de los mejores ejemplos de martial folk de la época.

 

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Merece la pena destacar cortes como “The Return Of The Sun” o “The Immoralist Creed”, ambos vestidos por vocales de mujer que se encargan de dinamizar las composiciones, otorgándolas un merecido toque de distinción.

Aunque Horologium continuó dando a luz trabajos muy valorables tras la edición de Earthbound, hemos creído conveniente hacer un guiño a una obra capital dentro de la oferta musical de este proyecto polaco. Fue editado en formato CD por la casa italiana Old Europa Café y todavía se encuentra disponible en el catálogo del sello.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

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