Miguel A. García & Miguel Souto – “The Lurking Fear”

Encerrado en la incertidumbre

5_Estrellas

 

Anoxia Records - Junio de 2017 - experimental/noise - estertor001

 

Trioptesmeae

Unknown Kadath

Hidátide

The Lurking Fear

 

Dos promesas del panorama noise hispano, Miguel Souto y Miguel A. García, se han puesto de acuerdo para configurar un trabajo marcado por la presión industrial y los contextos inhóspitos. “The Lurking Fear” emerge como un disco excelente.

 

Hay ocasiones en las que, cuando contemplas un lanzamiento sin todavía haberlo escuchado y chequeas los artistas que lo realizan, sabes de antemano que éste no te defraudará. Miguel Souto y Miguel A. García se están labrando de forma progresiva un respetado espacio dentro de los nombres más representativos del industrial oscuro realizado dentro de este país. El primero de ellos es conocido por su excelente proyecto Sudaria, del que hace poco hablamos en NOmelody. Por su parte, Miguel A. García ha gestado distintos planteamientos sonoros entre los que destaca Black Earth. Estos dos talentos norteños no han dudado un segundo en trabajar mano a mano con la intención de vertebrar un disco opresivo, salvaje e inteligente; cincelado por la abstracción.

 

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The Lurking Fear está estructurado por cuatro temas en los que se plantean contextos asfixiantes donde los drones juegan un papel fundamental. El estilo de esta pareja puede recordarnos en esencia al presentado por el ya desaparecido John Watermann, sobre todo si atendemos a discos como el siempre impactante Calcuta Gas Chamber (1993). La formulación de este tipo de álbumes es siempre genial, ya que en ella se alterna la quietud sonora con infinidad de contingencias acústicas que otorgan un gran dinamismo a todas las tonadas, haciendo de ellas algo mutable e interesante.

Sin duda alguna, The Lurking Fear es un trabajo sobresaliente. Esto se debe en gran medida a su magistral ecualización. Gracias a ella el disco logra adquirir una complexión volumétrica ejemplar, consiguiendo encerrarnos dentro de una esfera de incertidumbre. No hay más que atender a temas como “Unknown Kadath” para percatarse de la elegancia que desprende el conjunto.

Como colofón destacamos el tema que da nombre al disco, “The Lurking Fear”, veinte minutos de divagación experimental que sirven de ejemplo perfecto para ilustrar el maquiavélico planteamiento acústico que este disco ofrece. Para su realización se ha utilizado una vistosa paleta de instrumentos, desde batería hasta metalófonos, pasando por sintetizadores y violines.

The Lurking Fear ha sido publicado en formato CD por la discográfica independiente Anoxia Records. Su tirada ha sido limitada a únicamente doscientos ejemplares.

Si eres un amante del experimental oscuro, hazte un favor y escucha esta maravilla.

 

 

Fernando O. Paíno

SONOLOGYST – “Silencers (The Conspiracy Theory Dossiers)”

Contactos con el más allá

5_Estrellas

 

Cold Spring - Abril de 2018 - experimental/dark ambient - CSR253CD

 

 

Singularity

Monotape

Nocturnal Anomalies

Deep Black Programs

Silencers

Close Circuit

Anamorfismo

Infrared

Secret Societies. The Kennedy Speech

NASA Classified Tapes

 

El proyecto italiano Sonologyst plantea en su último lanzamiento, Silencers (The Conspiracy Theory Dossiers), un entramado sonoro en el que predomina la experimentación de talante oscuro y abstracto. Un apasionante viaje por las premisas que nos guían a la vida en otros planetas.

 
Raffaele Pezzella es la mente pensante que da forma a Sonologyst, un proyecto que pese a haber comenzado su planteamiento durante los setenta del siglo pasado, no ha publicado propuestas físicas hasta entrada esta última década. Cold Spring se ha fijado en su desconcertante y misterioso estilo. Un sonido cargado de aristas acústicas y mantos sonoros que tienen por finalidad conformar verdaderos ejemplos de experimentación.

El disco recoge diez inquietantes temas que tienen como inspiración y común denominador los contactos llevados a cabo con los llamados hombres de negro. Hablamos de intriga y misterio, de información secreta y de vida en el más allá.

 

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Sonologyst nos propone un disco calmado, parcialmente melódico, tal y como podemos discernir en “Deep Black Programs”, su cuarta propuesta. El influjo del dark ambient planteado por iconos como Lustmord, Inade o Bad Sector es algo inexcusable es esta nueva entrega. No obstante, Silencers (The Conspiracy Theory Dossiers) sobresale por su cuidada manipulación del sonido, mimando las texturas con estilo y elegancia.

Una de las canciones que destaca por su genial efecto mesmerizante es “Close Circuit”, en la que las disonancias en forma de trémulos drones empiezan a alternarse generando un brutal mantra sonoro, el resultado es algo genial e hipnótico, cercano en cierta manera a la sensación que te produce escuchar el Soliloquy for Lilith (1988) de Nurse With Wound. Como podemos comprobar, la temática planteada por Sonologyst se enclaustra en la abstracción acústica más pura, encomendándose con el silencio de forma habitual, aspecto que le hace ganar un fantástico toque espaciotemporal que dota de volumen al sonido.

Aunque hablamos del octavo disco de la banda, lo cierto es que no ha sido hasta este año cuando un sello de peso, como es el caso de Cold Spring, ha puesto las cartas sobre la mesa con la intención de prensar en soporte físico y planteando una generosa tirada. El resultado ha tomado forma de digipak. Viene acompañado de un libreto en el que se desarrolla la temática inspiradora del disco, razón por la cual aconsejamos compartir lectura con escucha para poder disfrutar aún más de todas las perspectivas que se presentan en Silencers (The Conspiracy Theory Dossiers).

 

https://coldspring.bandcamp.com/album/silencers-csr253cd

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

 

Conversaciones con Stupor Mentis

Hace muy poco tiempo que “Ad Extirpanda”, el primer trabajo de Stupor Mentis, ha salido al mercado. Su resultado es realmente fabuloso para tratarse de un debut, y en NOmelody hemos querido indagar más acerca de este dúo galo. Esto es lo que nos han contado:

 

¿De qué manera nació Stupor Mentis?

STUPOR MENTIS es una reunión “humana” primero. Nos conocimos en 2012, y muy rápido sentimos la necesidad de compartir más que nuestros cepillos de dientes. Estábamos felices de habernos conocido, pero nuestras heridas personales seguían supurando, y comprendimos que la música sería nuestra salida. Una forma de sublimar la fealdad de nuestros respectivos miedos. Canté aquí y allá desde hace muchos años, mi instrumento fue bastante encontrado.
Nicolas tocó la batería unos años antes, pero dado que solo teníamos 2 años en este proyecto, tiene que comenzar a aprender y usar M.A.O. -música programada por ordenador- (¡y yo también!). Además, queríamos establecernos como dúo. Lo primero que teníamos que hacer era equiparnos en consecuencia, y luego aprender cómo utilizar las máquinas para crear música. Nos llevó mucho tiempo. En 2016 nació nuestro primer álbum “In Memoriam”.

 

¿Por qué Stupor Mentis? ¿Cuál es el significado de vuestro nombre?

Este término latino se refiere a este estado especial del “no ser” mental, caracterizado por una suspensión completa de actividades intelectuales; luego, transportado fuera de uno mismo. Todos, al menos, una vez en nuestra vida experimentamos este estado: el asombro / shock: el cerebro está sobrepasado, no hay reflexión posible, no tienes más control sobre nada, “tú eres” sin ser. Es fascinante! un estado tan extraño! Y luego, ¡ja! En pocos segundos todo se recupera en el camino, el cerebro se reconecta, su mente analítica lo supera, y vuelves a convertirte nuevamente en “alguien”.

 

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¿En qué te inspiras para hacer tu música?

AUDREY: Me inspiran tanto las músicas muy construidas, como la música / ópera clásica, así como la música más ambiental, las músicas “menos reflexivas”. Me gusta mucho la música de bandas sonoras.
La literatura, la poesía y el misticismo también son una gran fuente de inspiración. Naturaleza, animales … todo lo cual me aleja de mi condición humana.
NICOLAS: Tengo un amplio espectro de audición, desde el black metal hasta el ambient oscuro puro, a través de la música dark wave, darkfolk, industrial y clásica. También leo mucho. El cine y algunas películas también suelen inspirarme, especialmente aquellas que dan paso a una forma de introspección (Stanley Kubrick, David Lynch).

 

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¿Cuál es vuestra visión del estado del mundo que os rodea?

AUD: En el mejor de los casos, diría que el ser humano es, en su mayoría, un imbécil a gran escala que no ve más allá de la punta de su nariz; que cuando quiere algo, lo usa sin precaución, se satisface a sí mismo un período de tiempo rápido con lo que adquiere, luego se aburre y desea más … El ser humano se da vuelta en círculos, involucrado por los deseos que él mismo construye.
De este estado conmovedor surgen todos los problemas que conocemos: desastres ecológicos, sobreconsumo, guerras, injusticias de todo tipo.
Creo que los hombres siempre actúan de la misma manera, desde tiempos inmemoriales.
La naturaleza humana está hecha así. Una civilización se sigue, nace, crece y luego desaparece. Sin embargo, algo cambió con la Revolución Industrial: la velocidad con la que el hombre destruye el planeta.
Sin embargo, hay un pequeño porcentaje de personas, que es muy consciente de todo esto y que mantienen “derechos” en la tormenta. Las personas que tienen principios distintos a su auto satisfacción, las personas que reflexionan, que se ven como son, las cosas como son.
En mis días buenos, me gusta pensar que la existencia de estas personas tiene algo lírico, casi artístico en nuestro desorden ambiental.
NICO: El estado del mundo no me interesa más que eso. Prefiero distanciarme de estas consideraciones. De todas formas, los humanos tienen una tendencia a la autodestrucción, principalmente a la falta de visión a largo plazo amplificada por una vaga percepción de la mente. La creatividad artística me permite utilizar mi energía haciendo cosas mucho más interesantes que participar en este loco rol de carrera en el que el 99% de la humanidad parece revolcarse.

 

Si tuvierais que quedaros con un instrumento, ¿cuál sería?
AUD: Mi voz.
NICO: El piano.

 

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en vivo?

Todavía no hemos tocado en vivo porque no estábamos preparados para ello. Ahora estamos listos. Debutaremos en el “Nuits Dark-Ritual” el 4 y 5 de agosto en Thoix (Francia).
En términos generales, un show en vivo es un desafío: lograr la atención del público, superar la duda para poder transmitir una emoción cruda, y finalmente que los aspectos técnicos no perturben este propósito preciso. El rendimiento se compensa cuando la energía empleada logra hacer vibrar a alguien.

 

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La solemnidad sonora que impregna vuestras canciones es fascinante. ¿De dónde viene esta inspiración?

Nuestra música es el resultado de la elaboración de nuestras emociones que peleaban incesantemente entre ellas, como niñas descorteses. La música está ahí para poner en orden este sangriento desastre interno, y dejar que estas emociones se expresen y no se repriman para que no puedan ser dañinas. Ninguna emoción, tan oscura como pueda ser, debe eclipsarse para vivir de una manera absoluta. Este enfoque es casi más espiritual que musical, de hecho, la música es la manera en la que todo esto toma forma. Finalmente, se asemeja un rito expiatorio y purificador; eso quizás explicaría el lado solemne / hierático de nuestra música.

 

Fernando O. Paíno

 

Umbrage – “Umbrage”

Nihilismo y destrucción

3_estrellas

 

Auto producido - Octubre de 2016 - industrial/dark ambient - None.

 

I

II

III

 

Los nihilistas Umbrage son una formación misteriosa y opresiva que destaca dentro del catálogo de bandas del industrial peninsular. Los coruñeses presentaron su primera maqueta hace unos años, y en NOmelody no podíamos pasarla por alto.

 

 

Umbrage es un dúo que no deja indiferente a un seguidor el industrial experimental. Sus composiciones son densas, oscuras, cargadas de presión y toxicidad. Perfectas para generar contextos incómodos y asfixiantes. El conjunto gallego formado por F y MS es poseedor de una exigua pero vibrante discografía, entre la que destella esta propuesta. Hoy atendemos su primer trabajo, considerado como maqueta, el selftitled Umbrage.

Este CD está repleto de cargas acústicas negativas y perfilado a base de sonidos opacos y raspantes en los que el tiempo se tiñe de negro sepulcral y el optimismo se deshace como la nieve en primavera. Umbrage configura un contexto netamente ambiental, exento de figuración vocal, en el que un nutrido repertorio de sonidos distorsionados se van enraizando en el espacio hasta dibujar horizontes repletos de apocalípsis. El recurso de guitarras enjuagadas por distorsión da lugar a un interesante manto de presión que sirve de complemento a gran parte de los cortes que andamian el disco. Un desconcertante tríptico sonoro en el que los escapes disonantes reinan de forma autócrata. Su estilo es primitivo, raspante, espontáneo y lúgubre, de sabor macabro y apático. Ese es el talante de Umbrage, un combo que sabe sacar lo mejor de sí mismo en sus directos y que no se anda con complacencias de ninguna clase.

 

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Evidentemente, hablamos de los comienzos de la banda; y como todos sabemos, los comienzos nunca son fáciles. Para deleitarse con Umbrage recomendamos encarecidamente escuchar trabajos como “Vile/Bile” (2017). No obstante este selftitled es una guía perfecta para descubrir la orientación estética de este misterioso proyecto.

Su titada fue autoproducida en 2016 de forma casera, a la espera de tomar forma de manera oficial. No obstante, todavía es posible obtener algún ejemplar en la página de la banda.

Desestimar la efectividad malevolente de Umbrage es un error imperdonable. No tardes en descubrirlos.

 

 

Fernando O. Paíno

NDE – “United”

Un dulce relleno de arsénico

4-estrellas

 

Cold Spring - marzo de 2018 - power electronics - CSR247CD

 

 

I

II

III

IV

V

VI

VII

VIII

IX

 

 

NDE vuelve a sorprendernos con una ingente descarga de ruido. Ritmos lavados con distorsión, voces resquebrajadas al más puro estilo Whitehouse. Furia y presión acústica mucho más desbocada que en sus dos anteriores lanzamientos. Un caramelo relleno de arsénico.

 

Hacía tiempo que no sabíamos nada de este dúo belga. Sus componentes, Bart Piette y Mürnau, nos han demostrado en estos nueve años de actividad con el sello británico Cold Spring cómo hacer un power electronics sobrecargado de presión que se adereza con voces incendiarias. Near Death Experience es una banda única, directa, salvaje y rotunda. Su último trabajo, United, está vertebrado por nueve células sonoras rellenas de malas intenciones. Ritmos en bucle se desarrollan de forma lineal alternando intensidades y fluctuando en gravedad gracias a un registro de voces indómitas.

Si en anteriores discos como Kampfbereit (2012) la banda hacía eco de un influjo marcado por la esencia de black metal, ahora en United nos vamos a encontrar un estilo parcialmente renovado, mucho más directo. La banda ha evolucionado hasta crear una estética sonora propia en la que se puede distinguir claras influencias de otros artistas. En estructura acústica andan cerca de la severidad rítmica de Hypnoskull, sobre todo si atendemos a trabajos como el clásico Ffwd>Burnout! (1999), a esta sólida base de cemento se le implementan delirantes cargas vocales que nutren de odio y malevolencia a sus nueve propuestas, una vez más exentas de título. Posiblemente, United sea el mejor trabajo que NDE hayan realizado hasta la fecha.

 

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Entre la plétora de cortes que el CD nos ofrece podemos resaltar dos como favoritos: Uno es el encargado de abrir el trabajo. En él se nos deja muy claro cuáles son las intenciones expuestas en United. Desenfreno acústico, fuego de metralla directo al pecho. Un uppercut sin miramientos directo a la zona que más te duele. Brillante. Cabe resaltar a su vez la ejemplar continuación expuesta en su segundo tema, muy cercana en esencia destructiva a los planteamientos de Bennett y Best a principios del nuevo siglo.

La otra gema es la séptima propuesta. En ella se condensa de forma maravillosa los atributos que dan forma al disco. Ritmos incendiarios, voces irreverentes con coqueteos al metal extremo, saturaciones hecatómbicas y delirio absoluto.

Una vez más Cold Spring ha utilizado el formato CD para lanzar esta sugerente propuesta. Su portada nos muestra a soldados avanzando por la nieve, preparados para la carga directa.

NDE recrudece su intransigencia sonora en United. Salvajismo y agresión irresistibles.

 

 

Fernando O. Paíno

Ruido hispano en Japón

 

Tres de las referencias musicales más señeras del panorama noise español, Brutalomanía, Gyakusatsu y Tube Tentacles,  viajaban a Japón hace un par de meses con la intención de embarcarse en una desenfrenada batería de conciertos por distintas ciudades del país del sol naciente. En NOMelody no hemos querido perder la oportunidad de entrevistarles para saber cómo fue la experiencia, e indagar de qué manera se vive el noise en uno de los sitios en los que este movimiento tomó forma. 

 

 

¿Cómo surgió la idea de tocar en Japón?
Brutalomanía – El alma máter de la idea fue Kike, que ya llevaba años elucubrándolo y nos lo propuso en un buen momento. Yo, personalmente, siempre había tenido la ilusión de ir a Japón ya que me atrae mucho su cultura y siempre me ha gustado mucho el noise nipón.

Tube Tentacles – Llevaba varios años intentando ir. Allí conozco a mucha gente. Con varios de ellos tengo splits, y ellos tenían ganas de verme en persona ya después de tanto tiempo hablando. No me apetecía hacer un viaje tan largo solo, y se me ocurrió la idea de liar a Oscar y a Lolo; y, por lo que vi, no fue difícil convencerles.

Gyakusatsu – Kike llevaba mucho tiempo pensando en ello y me lo comentó. Empezamos a darle vueltas, pero sin concretar nada, y el tiempo pasaba y pasaba. Un día me dijo de proponérselo también a Lolo, y le dije que encantado. Una tarde sin más nos decidimos y compramos los billetes de avión, ya no había vuelta atrás…

 

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Brutalomanía

 

 ¿Cuántas fechas tuvisteis y en qué ciudades actuasteis?

Tube Tentacles – Hubo seis fechas. Tres en Tokyo, una en Osaka, una en Fukuoka y otra en Oita.

 

 

 

¿Con qué bandas compartisteis escenario?

Tube Tentacles – Compartimos escenario con muchos artistas. Fue un gran honor tocar con Hiroyuki Chiba, Government Alpha, Scum, Spaceship Airguitars, Peppies, Tentak, Nobuhiro Okahashi, DJ Speedfarmer, Shayne Bowden, Okazaki, Yuretsuzukeru, Solmania Slur, Disgunder, Letters, Our Wrongs, Final Exit, Cecilia, Asocial Terror Fabrication, Napalm Death is Dead, Space Grinder, y colaboraron en nuestros directos Scum, Shota Izawa (Wolf Creek) y Ucchy (Cunts).

 

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Gyakusatsu

 

¿Cómo veis el panorama noise en uno de los países pioneros de este género?
Brutalomanía – Pues lo menos que se puede decir es “envidiable”. Desde luego se lo curran mucho, con todo lo que hacen son muy serios, y eso se nota. Son muy activos, ya que había conciertos continuamente; y muy implicados, puesto que eran capaces de perder dinero alquilando un local sólo con tal de organizar conciertos y pasar el día entre amigos. También me gustó que muchos de los conciertos se organizaran por la tarde y fueran puntuales, además del ambiente tan sociable que se generaba.

Gyakusatsu – La cantidad de bandas que hay y que aquí no se conocen y hacen un ruido brutal. Solo en Tokio hay conciertos prácticamente cada día. Los locales disponen de unos equipos de sonido acojonantes y como no podía ser de otra manera, como todo lo que hace esta gente, son muy profesionales. Si hacen algo lo hacen a conciencia sin dejar nada al azar. Es envidiable la escena que tienen, y mira que yo aquí en Barcelona no me puedo quejar pero ni de lejos nos acercamos a lo que tienen ellos tanto en cantidad como en calidad, en calidad quizás sí, aquí también tenemos excelentes proyectos.

Tube Tentacles – Es un no parar. Yo me perdí varios conciertos porque no me llegaba el dinero para semejante actividad. Es gratificante estar allí y saber que puedes ver a todos ellos tocando en un mes, como si fuera algo normal… y lo es.
Lástima que tengas que recorrer medio mundo para poder ver eso teniendo en España grandes artistas también, y a los que apenas se les da la posibilidad de expresar sus inquietudes a través del ruido.

 

¿Qué fue lo más sorprendente de Japón?
Brutalomanía – La buena educación y amabilidad de los japoneses, la gran cantidad de gente por la calle y en las estaciones casi a cualquier hora, el orden y esmero que ponían en todo, los inodoros con taza con calefacción y chorrillo de agua templada para limpiar las zonas íntimas, los termostatos digitales para regular grado a grado el agua de las duchas, el tamaño reducido de las viviendas, un DJ con camiseta de NAPALM DEATH pinchando y mezclando pop con disco, funk y metal, la edad tan avanzada con la que aún seguían trabajando, la cantidad de pequeños comercios que había, la limpieza de las calles, los bocadillos de noodles, los zumos de uva y aloe vera con uvas enteras, la cantidad de música que tenían en las tiendas de discos, que una japonesa supiera español y nos diera amablemente indicaciones por la calle, lo caro que era todo, la comida lo buena que estaba, y que gente de allí que llevaba sus años en el noise no conocieran a Dissecting Table… y muchas más cosas…. no había un día que no me sorprendiera por algo.

Tube Tentacles – Yo creo que todo lo que ves en esa sociedad te sorprende, o más bien te descuadra viniendo de donde venimos. Su orden, su educación y todas esas simples cosas a las que no estás acostumbrado a ver en tu día a día… pero lo que más me sorprendió es su nivel de contaminación y uso de plásticos. Es demencial.

Gyakusatsu – El orden que tienen, la limpieza, la eficacia. Por poner un ejemplo: el metro de Tokio en hora punta, los vagones van increíblemente llenos y en cambio no se escucha nada, el móvil está prohibido para hacer llamadas y lo tienes que llevar silenciado, y por supuesto, lo respetan.

 

 

 

 

¿Alguna anécdota curiosa que señalar?
Brutalomanía – La noche que nos vimos en Fukuoka buscando hotel entré en un hotel capsule y me pareció todo muy extraño. Era sólo para hombres, todos con el mismo pijama, pasillos con camas enclaustradas en las paredes a tres niveles. A nosotros nos querían alojar en unas camas que habían alineado en un pasillo. No me pareció muy apetecible, la verdad, jaja!

Gyakusatsu – Nada más llegar a Tokyo, Kike se perdió por unas horas y fue todo muy estresante, pero al final todo acabó bien, jejeje. La cara de la mayoría del público al finalizar mi primera actuación en Japón, a veces realizo espectáculos un poco salvajes y en esta ocasión, para concretar más, aparte de los cortes por los brazos y cuerpo Kike se ensañó con el látigo. Resumiendo, que me dio una paliza terrible, y eso mientras intentaba seguir con el concierto, Tuve morados casi una semana.

Tube Tentacles – Efectivamente, el primer día me perdí en una de las estaciones más transitadas de Tokyo y estuve vagando un par de horas con las maletas. En Fukuoka nos quedamos sin lugar para dormir después de tocar y nos mandaron a uno de los barrios más bizarros de la ciudad a buscar hotel. Por supuesto que salimos escopetados de allí. O cosas tan locas como beber como si no hubiera un mañana en el primer bolo que dimos y no acordarnos de nada al día siguiente, jajajaja.

 

 

 

 

¿Tenéis pensado regresar?

Gyakusatsu – Eso sin dudarlo. A tocar me encantaría, pero seguramente la próxima vez sea solo de turismo, se me quedaron muchas cosas por ver y me gustaría pasar una temporada en Tokyo.
Brutalomanía – Por supuesto, fue una experiencia para repetir.
Si volviera me gustaría hacer más colaboraciones y grabaciones con gente de allí, no necesariamente conciertos, en locales de ensayo sería genial, ya que disfruté mucho en el último concierto con la colaboración que hice con Shota Izawa (Wolf Creek).

Tube Tentacles – Yo estaría encantado de volver. Pero ya con las cosas mejor preparadas. Este viaje fue un poco improvisado en base a lo que nos íbamos encontrando. Ahora sabemos más o menos cómo funciona todo allí, y eso ayuda bastante.

 

Fernando O. Paíno

Noisesculptor/Mono Canibal – “Split”

Compartiendo agonía

4-estrellas

 

Marbre Negre - Noviembre de 2017 - experimental/noise/dark ambient - MN067

 

Noisesculptor – In The Salt Mine And Your

Mono Canibal – Cadáver la Posibilidad

Mono Canibal – Carnicosovar

 

Dos proyectos tan abstractos como inquietantes estrechan la mano en un lanzamiento propuesto por Marbre Negre. Noisesculptor y Mono Canibal configuran una casete indómita y muy convincente. Alta calidad experimental.

 

Marbre Negre sigue descubriéndonos bandas fascinantes que enriquecen la escena experimental oscura. En esta ocasión, la casa catalana opta por lanzar una casete limitada a únicamente treinta ejemplares en la que se dan cita dos proyectos etéreos y altamente experimentales. El primero de ellos, Noisesculptor, es simpatizante de las texturas embarazosas y los paisajes sobrecargados de presión.

En la primera cara de esta cinta sin título podemos disfrutar de “In The Salt Mine”, una pieza magistralmente ejecutada de más de veinte minutos de duración en la que una bien nutrida paleta de registros sonoros se intercala eficazmente para generar horizontes acústicos lavados por el desasosiego. Ocasionalmente se añaden líneas rítmicas que hacen rotar al tema hacia una perspectiva distinta, sin embargo prevalece la urdimbre experimental que define a las composiciones de Róbert Sipos. Esa viabilidad de cambio hace de este corte algo muy vistoso acústicamente hablando, introduciéndonos en una vorágine sonora de la que es difícil escapar.

 

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Por la cara B vamos a encontrar dos propuestas de una banda que, a pesar de su corta andadura, está pegando fuerte dentro de los contextos disonantes. Mono Canibal sale de Elche para demostrarnos su intrínseca malevolencia musical. “Cadáver la Posibilidad” se entronca en percusiones sólidas y aplastantes para avanzar destruyéndolo todo a su paso. El tema no tiene desperdicio, es una inteligente mixtura de dark ambient y death industrial adornado con una suerte de alternancias que se anclan en compás, a las que se les adhiere jugosas líneas melódicas. Singular y efectivo, muy recomendable para amantes de Mz 412 y Cyclobe.

Carnicosovar” se encarga de reafirmar la sepulcral oscuridad del grupo ilicitano. Aquí todo se ve recrudecido, haciendo combustionar el oxígeno con la intención de triturar almas. Texturas lustmorianas muy a lo “Heresy” vestidas a base de drones y salpimentadas con mil y una contingencias desconcertantes, desde rotundos golpes de percusión hasta disonancias de corto alcance que otorgan una lustrosa distensión de firmeza. Así da gusto escuchar dark ambient. Mono Canibal nos ofrece una elegante demostración de terror acústico en sus casi doce minutos de tema.

Esta casete compartida es una pieza altamente recomendable debido a su escasa producción y a su altísima calidad. Si todavía estás a tiempo de alcanzarla, no dudes en hacerlo.

 

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/untitled-album-2

 

Fernando O. paíno

 

 

 

 

 

Wind Atlas – “An Edible Body”

 

Trascendencia sonora

5_Estrellas

 

Gradual Hate Records - Enero de 2018 - pop/industrial/mínimal/darkwave - GH137CD

 

Desertor

Shedding Light

Ruins

An Edible Body

Under These Waters

Herencia De Jade

Camino De La Cruz

En La Cruz

To Clarice

How To Liquify

 

El cuarteto catalán Wind Atlas vuelve a darnos una lección de originalidad y brillantez. Si su anterior trabajo “Lingua Ignota” nos ofrecía una colección atmósferas turbadas por la esencia del pop oscuro y el medieval, ahora en An Edible Body apuestan por el ritmo y las estructuras post-industriales.


Wind Atlas no tiene un trabajo que pueda hacer desmerecer al contrario. El estilo de este conjunto catalán es mutable a la vez que consistente, y sus composiciones saben ganarse el aplauso de la crítica gracias al elegante planteamiento que muestran.
 

Si su anterior propuesta, Lingua Ignota (2015) se encargó de enamorar a los fans de Dead Can Dance gracias a temazos como “Ecdisis”, en los que la banda supura ese indescifrable halo presente en el self titled de 1984, ahora con An Edible Body se decantan por crear ritmos más cercanos a la pista de baile en los que el post-industrial coquetea abiertamente con el minimal.

An Edible Body es potente y rotundo. Diez temas que gozan de una estética cuidada, manteniendo líneas acústicas en constante angulación, acompasadas por cajas de ritmos y refuerzos de percusión de inclinación industrial.

 

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El disco empieza a ganar mucha fuerza a partir de su tercer tema, “Ruins”, donde se propone una plasticidad sonora muy cercana a la plétora de bandas fichadas por 4AD durante los ochenta, así de los londinenses Línea Áspera. Guitarras emparentadas con el primer gótico saben encajar dentro de fórmulas melódicas de sintetizador, elaborando planteamientos convincentes y atractivos. “Under These Waters” se asienta en el minimal para edificar un tema absolutamente fantástico, a mi juicio el mejor de todo el disco. La voz Andrea P. Latorre suena rasgada y hierática, y sabe entenderse a la perfección con la dinámica de ritmos sólidos y tajantes que el corte encierra.

Quién nos iba a decir que a día de hoy alguien pudiera inspirarse en la figura de San Juan de la Cruz, ese místico del siglo XVI que ostenta el primer puesto de vida y obra repleta de interesantísimas anécdotas, dejando en segundo lugar a su coetánea Santa Teresa, para elaborar un tema. “En La Cruz” nos recuerda ese inexcusable influjo vocal de Lisa Gerard, mostrándonos una colección de exquisitos cantos.

Tampoco conviene pasar por alto el corte con el que se despide el disco, “How To Liquify”, muy al estilo de Cocteau Twins y de nuevo encerrado en el aura de los ochenta.

An Edible Body ha sido grabado en Estados Unidos por Sean Ragon, el responsable de los Cult Of Youth, y su ejemplar resultado es más que apreciable en la textura del sonido, regalándonos un trabajo preciso y cuidado.

El disco ha salido en dos formatos y por dos sellos distintos, B.F.E se ha encargado de los vinilos y GH Records del CD, que cuenta con una genial edición en digipak muy recomendable.

 

 

Fernando O. Paíno

 

CRONICA TÉCNICA. INDUSTRIAL & NOISE FROM MADRID 1981-1991

Una Biblia del experimental disonante acuñado en Madrid

5_Estrellas

 

Geometrik Records - Enero de 2018 - industrial/experimental - GR2142

 

 

A1 ORFEON GAGARIN-Not is possible landing (4.08)

A2 ORFEON GAGARIN-Gulag (3.36)

A3 UVEGRAF-10.000 Visiones del Dr.Castroviejo (4.56)

A4 FUNERAL SOUVENIR-Místenkový Vuz / Hydrant (6.57)

B1 MIGUEL A. RUIZ-Entre Séres Térmicos (3.04)

B2 FUNERAL SOUVENIR-Es wird zerbrechen (2.37)

B3 MIGUEL A. RUIZ–Excerpt from “SNIP” original soundtrack (5.20)

B4 TÉCNICA MATERIAL-Union Carbide (3.31)

B5 ORFEON GAGARIN-Kedrmusik III (5.12)

C1 UVEGRAF-Refractiva Ocular Expto nº1 (5.17)

C2 FUNERAL SOUVENIR-Feria del Flanger (5.26)

C3 MIGUEL A.RUIZ-Brain Velocity (4.16)

C4 FUNERAL SOUVENIR-Succo di Gravidanza (3.58)

D1 TÉCNICA MATERIAL-Túnel (3.15)

D2 FUNERAL SOUVENIR-Kaninchen und Wein (4.35)

D3 LA OTRA CARA DE UN JARDÍN-La otra cara de un jardín (4.43)

D4 LUIS MESA-Hot wheels (4.11)

D5 LA OTRA CARA DE UN JARDÍN-Ein Mensch muss ein Instrument spielen (1.21)

 

 

El renombrado sello Geometrik Records pone sobre la mesa un doble recopilatorio en vinilo donde podremos encontrar interesantísimas propuestas del industrial primerizo en la capital del reino hispano. Crónica Técnica es una bomba cargada de gratas sorpresas.

 

1981-1991. Diez años fundamentales para la evolución de un estilo que, en su momento, era objeto de atención solo para unos pocos, pero que hoy en día desata el interés de una gran masa de amantes de los sonidos rizados y fabriles.

Lo que Geometrik Records ha desarrollado en este genial prontuario no tiene precio. El sello madrileño ha conseguido llevar a cabo una espectacular labor arqueológica y de selección de material perteneciente a los primeros pasos del movimiento industrial madrileño. Por aquel entonces, la mayoría de las bandas de este estilo solo contaban con la autoedición, o como mucho, la aceptación de pequeños sellos como Ortega y Cassette. Es por ello que Crónica Técnica se alza como una pieza imprescindible para descubrir muchas bandas que en su momento solo conocían los más avezados.

 

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Este doble álbum resulta increíble por muchas razones. La más importante de todas es la plantilla de bandas que en él se expone, contando nada menos que con Miguel A. Ruiz, Orfeón Gagarin, los siempre geniales La Otra Cara De Un Jardín, o Funeral Souvenir, entre otras. Dentro de esta inquietante oferta, los temas seleccionados guardan esa esencia primigenia gestada durante estas dos décadas, muchos de ellos exhiben esa esencia fabril y cadenciosa que representa el sonido de los pioneros de este género en España, Esplendor Geométrico. En otras ocasiones podemos descubrir auténticas perlas de experimentación oscura en plena conexión con el dark ambient, un estilo que empezaba a concebirse a nivel mundial por aquel entonces. No hay más que escuchar la propuesta de Funeral Souvenir, “Succo di Gravidanza”, para darse cuenta del vórtice oscuro en el que somos introducidos sin comerlo ni beberlo.

Otra de las razones que hacen grande a este trabajo es su espectacular sonido. Resulta fascinante comprobar la impagable labor de Miguel A. Ruiz a la hora de remasterizar cortes que fueron grabados en más de una ocasión de manera precaria y casera. Ruiz ha sabido sacarles el máximo rendimiento a estas casetes, ofertándonos una altísima fidelidad sonora que solo merece el vinilo como soporte.

El último de los motivos que encumbra este recopilatorio es su presentación. Ésta ha corrido cargo de Alonso Urbanos, uno de los mejores diseñadores de nuestro país, responsable de la última tanda de portadas de Esplendor Geométrico.

Crónica Técnica es una propuesta exquisita que ensalza el listón de Geometrik. Ha sido limitado a 500 ejemplares, y se han realizado dos ediciones, una de ellas en vinilo de color y con una tirada aún más escasa. Ambas vienen acompañadas de un libreto en formato folio en el que se narra de manera pormenorizada la actividad empresarial a pequeña escala del industrial más desconocido de nuestro país.

 

 

Fernando O. Paíno

 

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