Zeni Geva & Steve Albini – “Maximum Implosion”

Furia indómita

4-estrellas

 

Cold Spring - Octubre de 2018 - metal/grindcore/noise - CSR260CD

 

 

Autobody

Shirushi

Intercourse

Angel

Nai-Ha

Terminal Hz

Kettle Lake

Painwise

CD2    All Right, You Little Bastards!

I Want You

New Flesh

Autobody

Godflesh

Guystick Bodie

Angel

Kettle Lake

Painwise

Total Castration

Bigman Death

The Model

I Hate You

 

Steve Albini y Zeni Geva estrecharon las manos con la intención de gestar un trabajo incendiario, aplastante, salvaje y tajante. Si hubiese que definir su estilo, estaríamos cerca del Ruido mezclado con grindcore. Tan sutil como suena. “Maximum Implosion” es un disco sorprendente y adictivo.

 

A principios de los noventa, dos talentos tan dispares entre sí como son Zeni Geva y Steve Albini llegaron a ponerse de acuerdo para conformar un disco único, potente y salvaje como es el directo All Right, You Little Bastards! (1993). El trabajo no se dejaba encuadrar fácilmente dentro de los lindes de la categorización. Su sonido resquebrajado e indomable se codeaba con géneros cercanos al metal y al ruido, llamando la atención de multitud de seguidores de ambos estilos de música. Cold Spring rescataba en 2018 esa alianza perdida para ofrecernos Maximum Implosion, un espectacular prontuario en el que se ofertan temas editados en un doble LP titulado Nai-Ha/ Superunit (1996) y el ya citado directo del conjunto.

Zeni Geva es un proyecto multidisciplinar y genuinamente ecléctico. Sus dos componentes, Tatsuya Yoshida y Kazuyuki Kishino han apostado desde el principio de sus carreras por los sonidos más extremos. Simplemente hay que atender a proyectos en solitario como K.K. Null o Ruins Alone para percatarse de ello. Por su parte, Steve Albini no necesita presentación. Este pilar de la producción musical ha trabajado con gente tan representativa como Psychic TV, Pixies o Nirvana. Casi nada. Su intachable reputación ha sido forjada ha base de trabajos impecables que han pasado a la historia de la música actual.

 

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Escuchar Maximum Implosion es percatarse de la infinidad de influjos y conocimiento que estos artistas arrastran a sus espaldas. Nada más arrancar “Auto- Body” una detonación de rabia metal se cierne sobre el oyente. Resulta curioso percatarse de la constante fluctuación estilística que se desarrolla en el disco, abarcando desde el grindcore hasta guiños al thrash, todo ello escoltado por un telón de ruido impermeable que esta presente en todos y cada uno de los cortes de este trabajo. La potencia depositada en cortes como “Angel” o “Terminal HZ” nos hace rememorar grandes momentos del sonido de bandas como los primeros Swans o los siempre impactantes The Locust. Un álbum indómito que no se anda por las ramas. Su primer CD aglutina lo comentado más dos temas de un EP de Zeni Geva editado a mediados de los noventa conocido con el nombre de Superunit. Por su parte, el segundo CD expone la comentada actuación realizada en las ciudades japonesas de Osaka y Tokio durante el año 1992. En ella podemos disfrutar del ácido sabor que desprenden estos maestros cuando recrean sus composiciones en vivo.

Como guinda del pastel recomiendo encarecidamente escuchar la versión realizada al clásico “The Model” de los Kraftwerk. Además cuenta con una portada diseñada por el polifacético artista Alonso Urbanos.

https://coldspring.bandcamp.com/album/maximum-implosion-csr260cd

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Pylar – “Orýgenes”

Brillante, camaleónico, desconcertante y enfermizo

4-estrellas

 

GH Records - Noviembre de 2018 - post rock/experimental/ritual - GH 140 CD

 

 

Pylares

El primer signatario ante el Arcano

La Gran Luminaria

El más anciano de los errantes

¡Alzaos, oh, puertas eternas!

El secreto de las sendas

 

Pylar es una de las ofertas más singulares e insólitas del panorama independiente hispano. Su estilo es mutable e inconsistente. Saben moverse gracilmente entre el metal y el experimental para gestar un estilo muy particular que abraza subgéneros como el doom y el post-rock de talante oscuro y cabalístico. Todo ello y nada de eso. Pylar son únicos en su especie, y “Orýgenes” se encarga de constatarlo.

 

Si creías que, a estas alturas, una banda patria no sería capaz de dejarte con la boca abierta, ha llegado el momento de que descubras a Pylar. Este conjunto andaluz se ha ido ganando el respeto del público y la crítica durante estos últimos cinco años gracias a trabajos tan remarcables como La Gran Obra ( 2016) o Pyedra (2016), en los que ha dejado claro que establecer un hilo conductor en su sonido resulta harto complejo. La banda no se anda con estereotipos, es más, huye de ellos con el fin de gestar un estilo brillante y camaleónico, siempre desconcertante y enfermizo.

Dentro del misticismo que indefectiblemente les rodea, Orýgenes quizá sea la propuesta más turbadora de su discografía. En ella se recogen nada menos que las demos de lo que por aquellos primeros años de la segunda década del nuevo siglo basculaba entre un trío y un cuarteto. Lo que se encierra en este impactante CD publicado por la discográfica valenciana GH Records es cuanto menos epatante: una mezcla idónea de ocultismo, melodías aplastantes y atmósferas viciadas por el desconcierto y la angustia. Canciones que se sostienen en el malestar y la expectación alimentada por el propio oyente, cólicos convertidos en sonido. Pura aflicción solidificada.

 

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El trabajo abre sus puertas con “Pylares”, un tema cuyo cometido queda más que claro: certificar que la banda no se anda con complacencias estéticas. Emana solemnidad y frío. La férrea dirección unilineal de sus percusiones nos introduce en una marcha marcial que en alguna ocasión rememora momentos de Rosa Crvx. Vale la pena detenerse en temas de la talla de “La Gran Luminaria”, una acongojante maldición acústica de talante reduccionista -si en lo que a composición melódica nos referimos-, que hará salivar a los seguidores de los primeros trabajos de Ain Soph. Pero si buscas emociones fuertes, recomendamos no pasar por alto su cuarta propuesta, “El más anciano de los errantes” pura divagación musical que se torna en auténticas pesadillas en las que el silencio es acuchillado a base de golpes de piano. La sangre brota en forma de palabras engullidas por su propia reverberación. Algo realmente magistral.

Orýgenes se despide de la misma forma que se dio a conocer, y no es otra que trastocando hasta al más escéptico. Si en ¡Alzaos, oh, puertas eternas! descubrimos sin problema alguno esa matriz post-rockera de la que hablábamos al principio de este análisis, en el corte que clausura el disco “El secreto de las sendas”, vamos a hallar algo muy parecido a los Cluster de 1972, sobre todo si nos acercamos a cortes como “Nabitte”, en el que se desarrollaba un contexto tan indigesto y embarazoso como el que ahora Pylar nos descubre en estas primeras demos.

Orýgenes es un disco imprescindible tanto para entender la trayectoria de Pylar como para descubrir a este magnífico conjunto sevillano.

 

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/or-genes

 

Fernando O. Paíno

She Spread Sorrow – “Mine”

“Mine”: La obra maestra de She Spread Sorrow

4-estrellas

 

Cold Spring - Octubre de 2018 - dark ambient/experimental - CSR231CD

 

Crushed On The Pillow

Lust

On The Bank Of The River

Mine

Straight Back

Blue Monsoon

Mild Homily

 

Posiblemente “Mine” sea la obra maestra de She Spread Sorrow. Un disco que condensa ingentes cantidades de profundidad, misterio, magia y ruido. Todo ello ejecutado de forma muy eficaz. Horizontes cargados de bruma y elegancia. Evidentemente, merecía su reedición.

 

She Spread Sorrow es ante todo un proyecto que rebosa misterio y parsimonia por partes iguales. La intención de Alice Kundalini es situarte en las profundidades del subconsciente, mostrándote sueños rotos por miedos escondidos. El resultado es sólido y convincente. Lo más apreciable de todo es esa capacidad que tiene la artista a la hora de plantear mantos de sonido densos pero dinámicos sobre los que la voz avanza a su gusto. Una voz que sabe otorgar unos matices estéticos que dotan a los cortes de personalidad y atractivo.

 

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Mine es a mi parecer el gran triunfo de She Spread Sorrow. Un disco que sabe ser refinado a la vez que umbrío. En el que se plantean telares repletos de imágenes abstractas urdidas a base de sonido. Su consecución de cortes resulta brillante, ya que el contexto que en él se va desarrollando muta de forma progresiva, ofreciéndonos una infinidad de planteamientos cargados de desasosiego ontológico.

A diferencia del resto de sus trabajos, en Mine se consigue una fórmula perfecta en lo referente a la dosificación de intensidades y sonido, lo que dota al álbum de una personalidad sin precedentes. No hay más que saborear detenidamente “Crushed On The Pillow” para darse cuenta que lo que Kundalini quiere ofrecernos está lejos de mostrarse complaciente. She Spread Sorrow apuesta sin miedo por una experimentación industrial oscura alimenta por la esencia ritual que sabe desarrollar a la perfección. “Lust”, “On The Bank Of The River” o el propio “Mine”, nos ofrecen una perspectiva genial de lo que She Spread Sorrow es capaz de idear.

Esta nueva reedición de Cold Spring ha llevado a efecto tras agotar la tirada en vinilo que ofertaba el caño pasado, incluye dos temas extras que no hicieron acto de presencia en la tirada original. “Blue Monsoon” y “Mild Homily” nos amplían el repertorio de Mine sin desmerecer en absoluto la selección original.

El CD ha sido presentado en formato digipak de seis paneles que son adornados con fotos de Kundalini. Un disco que no debes perderte si eres amante de proyectos como Puce Mary, The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud, Coil o Grouper.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

CONTROL – “Live Assault”

El pabellón de castigo del Infierno

4-estrellas

 

Misanthrope Studio - Junio de 2012 - power electronics - MS025

 

Vexation

Removal

The Survival Of It All

Natural Selection

Force It To The End

World Of Lies Part II

Your Flesh

 

Hay pocas cosas más potentes y viscerales al mismo tiempo que ver a Control en directo, y “Live Assault” lo fiscaliza con creces. Uno de los mejores testimonios registrados en el que se muestra la furia de este clásico del power electronics estadounidense.

 

Si no hace mucho presentábamos uno de los últimos lanzamientos de Control, su celebrado Blood Will Rain (2018), hoy le toca el turno a su puesta en práctica: Live Assault supone la certificación conductual de una de las bandas más enérgicas y salvajes del industrial estadounidense.

Presenciar un directo de Control implica disfrutar de un cúmulo de sensaciones alimentadas por la tensión. Los decibelios invaden la sala hasta que la presión termina solidificándose. Hasta el color negro muere. Thomas Garrison aparece solo, rodeado de un arsenal de sintetizadores, modulares y pedales, con la sanguinaria intención de desatar el caos por medio de la música. Ese telar sonoro repleto de angulosidades afiladas se ve acrecentado por un tajante juego vocal que se encarga de dotar de espíritu las estructuras que se allí se plantean. El resultado final es algo parecido al pabellón de castigo del propio Infierno. Garrison toma la forma de un demonio para engullirse al público por medio del sonido.

 

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Live Assault recoge una actuación llevada a cabo en el festival Tonwellen-Konferenz de Erlangen, Alemania. En su repertorio se exponen muchos y buenos ejemplos de su primer material. Discos como The Means To And End (2005), Natural Selection (2003) o World Of Lies (2006) patentaron un estilo en el que los loops consiguen alcanzar perspectivas insospechadas, sonidos punzantes y riadas de distorsión. Después de escuchar temas de la talla de “Your Flesh”, “Removal” o “World Of Lies” en riguroso directo, disiparás todas tus dudas sobre hasta qué punto es posible definir la angustia. Pocos artistas consiguen gestar un juego de texturas tan sólido, cadente y al mismo tiempo fluctuante como Garrison lo hace, y todo ello se justifica en este testimonio planchado en CD.

Live Assault es un ejemplo de buen hacer ruidista que no queríamos pasar por alto en NOmelody. Un disco que vio la luz hace ya varios años y del que todavía se puede encontrar eventualmente alguna que otra copia a la venta en los conciertos que el artista celebra. Si este fuera tu caso, no lo dudes y hazte con ella: solo existen 50 ejemplares.

 

https://control-exsanguinate.bandcamp.com/album/the-means-to-an-end

 

Fernando O. Paíno

Earthen – A Cold Spring Sampler

 

Repasando lo mejor de Cold Spring

5_Estrellas

 

Cold Spring Records - Noviembre de 2018 - varios géneros - CSR250CD

 

I

  1. MERZBOW / GENESIS BREYER P-ORRIDGE ‘A Perfect Restraint’ (3:20)
    from ‘A Perfect Pain’ CD/LP (CSR23CD/LP)
    2. SHE SPREAD SORROW ‘Escape’ (4:25)
    from ‘Midori’ CD (CSR251CD)
    3. PENNY RIMBAUD ‘Act 5’ (2:12)
    from ‘Oh Magick Kingdom CD (CSR259CD)
    4. NDE ‘VII’ (4:23)
    from ‘United’ CD (CSR247CD)
    5. SONOLOGYST ‘Singularity‘ (4:30)
    from ‘Silencers’ CD (CSR253CD)
    6. NYTT LAND ‘Nordur / Yule Song’ (6:26)
    from ‘Oðal’ CD (CSR249CD)
    7. DET KÄTTERSKÄ FORBUND ‘Sacred Grounds’ (4:44) from ‘Lidaverken Part I’ LP (CSR265LP)
    8. PSYCHIC TV ‘Dead Cat (Telepathic Edit)’ (4:39)
    exclusive edit from ‘Kondole / Dead Cat’ 2CD+DVD (CSR246CD)
    9. KHOST ‘Redacted, Repressed, Recalcitrant’ (5:37)
    from ‘Governance’ CD (CSR237CD)
    10. LEFT HAND RIGHT HAND ‘Rise And Fall’ (5:43)
    from ‘Biting The Hands That Bleed You’ CD (CSR254CD)
    11. THE NEW BLOCKADERS ‘Live At Sonic City (Excerpt)’ (3:04)
    from ‘Live At Sonic City’ CD+DVD (CSR261CD)
    12. THE TELESCOPES ‘The Desert In Your Heart’ (3:59)
    from ‘Stone Tape’ CD (CSR267CD)
    13. VIVIANKRIST ‘Silent Soul’ (5:50) from ‘Morgenrøde’ CD (CSR268CD)
    14. ILPO VÄISÄNEN ‘Kivi Ja Kataja’ (4:31)
    forthcoming TBA
    15. COIL ‘Spastiche (Trumpo)’ (3:50)
    exclusive track for Cold Spring

    II

    1. MZ. 412 ‘Ulvens Broder’ (5:39)
    from ‘Ulvens Broder’ 10” (CSR248EP) & ‘Svartmyrkr’ CD/2LP (CSR257CD/LP)
    2. ANNI HOGAN feat LYDIA LUNCH ‘Blue Contempt’ (3:04)
    from ‘Lost In Blue’ CD/LP (CSR266CD/LP)
    3. XERXES THE DARK ‘Longing To Return’ (6:02)
    from VA ‘Visions Of Darkness (In Iranian Contemporary Music)’ 2CD (CSR242CD)
    4. SHIFT ‘To Rid Them All And To Wash Their Filth From My Body (Edit)’ (3:32)
    from ‘Abandon’ CD (CSR236CD)
    5. JOTUNSPOR ‘Solartjuven’ (5:14)
    from ‘Gleipnirs Smeder’ CD (CSR244CD)
    6. MAYUKO HINO ‘Faintainhead (Excerpt)’ (4:17)
    from ‘Lunisolar’ CD (CSR245CD)
    7. ZENI GEVA & STEVE ALBINI ‘Autobody’ (6:12)
    from ‘Maximum Implosion’ 2CD (CSR260CD)
    8. C.3.3. ‘Movement II (Radio Edit)’ (4:07)
    from ‘Ballad Of Reading Gaol – The Cacophonietta’ CD (CSR255CD)
    9. COMMON EIDER, KING EIDER ‘The Dark Winter (Excerpt)’ (3:37)
    from ‘Shrines For The Unwanted, Respite For The Cast Aside’ CD (CSR243CD)
    10. SOFT ISSUES ‘Bleak Magic’ (5:04)
    from ‘Soft Issues’ CD/LP (CSR262CD/LP)
    11. COLOSSLOTH ‘Lain Inert’ (2:35)
    from ‘Heathen Needles’ CD (CSR235CD)
    12. COIL + ZOS KIA + MARC ALMOND ‘Baptism Of Fire’ (4:25)
    from ‘How To Destroy Angels’ CD/LP (CSR263CD)
    13. TUNNELS OF ĀH ‘Kosmiglot (Edit)’ (5:16)
    from ‘Charnel Transmissions’ CD (CSR256CD)
    14. BARRY ADAMSON + PAN SONIC + THE HAFLER TRIO ‘The Hymn Of The 7th Illusion (BBC Mix)’ (5:37)
    special mix for the BBC, from ‘The Hymn Of The 7th Illusion’ 12” (CSR241LP)

 

Un año más, la casa británica Cold Spring realiza un fantástico prontuario revisando todo lo publicado durante este año y finales del anterior. En esta ocasión la oferta editorial ha sido amplia, y Earthen ha sido lanzado en doble CD a un precio especial.

 

2018 ha sido un año nutrido de buenas propuestas para Cold Spring, una de las casas británicas que apuesta firmemente por estilos como el industrial, power electronics, dark ambient, o folk oscuro. Y es que muchas han sido las gratas sorpresas que nos hemos llevado en estos últimos doce meses, y todas ellas vienen recogidas en este recopilatorio que actúa un poco de memoria editorial.

Lo más destacable de Earthen, es que al tratarse de un compendio, la diversidad de estilos en una constante que se presenta inalterable de principio a fin, y que nos deja ver el eclecticismo de esta respetable discográfica. Ya son 250 propuestas materializadas en formato físico, y el sello no ha perdido la oportunidad de celebrarlo por todo lo alto.

 

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Earthen da comienzo con la reedición de una de las primeras referencias que Cold Spring publicase al principio de su andadura, y es nada menos que esa fantástica y desconcertante experimentación que Genesis P-Orridge y Merzbow llevasen a cabo en A Perfect Restrain. A partir de ahí, no paramos de celebrar la presencia de bandas que han dado tanto que hablar durante el 2017 y este 2018, como son She Spread Sorrow, Nytt Land, Mz 412 –cuyo E.P. Ulvens Broder ha sido una de las mejores sorpresas de este ya casi terminado año-, o los siempre alabados Coil. Además, exclusivamente para este recopilatorio se ha contado con un tema inédito de la ya desaparecida formación: una revisión del “Spastiche” de Backwards.

Este doble CD es una fantástica oportunidad para descubrir todo lo que se ha cocido en Cold Spring y sorprenderse con ello. Desde Khost hasta el titánico Common Eider, King Eider, que nos dejó fascinados con el inigualable Shrines For The Unwanted, Respite For The Cast Aside, y que, indefectiblemente, fue reeditado a los pocos meses por el sello inglés. Tampoco de ha pasado por alto la presencia de un disco tan especial como la nueva faceta de How To Drestroy Angels, en el que se incluía un extracto de los primeros conciertos llevados a cabo por Coil con nada menos que Marc Almond a la voz. La revisión del “Baptism Of Fire” de Zos Kia es de lo mejorcito que encierra el disco, y contamos con ella en esta edición. Y es que podríamos no parar de enumerar bandas, ya que Earthen encierra nada menos que veintinueve proyectos distintos.

Ha sido editado en doble CD y protegido por una doble funda de cartón. Su tirada ha sido limitada a 4000 ejemplares, por lo que no tienes excusa para hacerte con uno de ellos. Un regalo para animar tus frías navidades.

 

 

Fernando O. Paíno

Damien De Coene – “Springtime Depravity”

 

Telares de sonido 

4-estrellas

 

Marbre Negre - Junio de 2018 - wall noise - MN079

 

Marbre Negre da a conocer un recién nacido artista que no duda en experimentar con los aspectos más herméticos y opresivos del sonido: el wall noise. Coene estrena “Springtime Depravity”, un trabajo fundido en el estatismo y la introspección.

 

La música es un arte que puede dar mucho de sí dependiendo del autor que la ejecute y del receptor que la consuma. En ella podemos encontrar infinidades de formulaciones diferentes, y dependiendo de su estética sonora hablaremos de estilos y géneros.

Imaginemos por un momento que la música quisiese contarnos que no tiene nada que contarnos sobre sí misma… pues bien, ese soliloquio sonoro, impermeable e intransigente, es el harsh noise wall, también conocido en nuestro idioma como muros de ruido. Este es el estilo por el que Damien De Coene siente una especial predilección, ejecutando tejidos acústicos firmes y consistentes que se expanden de manera uniforme en el tiempo.

Es muy importante asimilar la conceptualización del harsh noise wall para poder comprenderlo. En analogía con el arte contemporáneo, sería como hablar del suprematismo de Malévich o de las abstracciones más osadas de Tàpies. En estos estilos la estética se muestra exenta de dinamismo para ofrecernos una exposición pura en la que se describe de forma nítida el matiz ornamental, que son en este caso las propias características del sonido en sí, las genuinamente identificativas, las que le hacen diferir del resto.

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Los ejemplos de sonido expuestos en Springtime Depravity nos adentran con facilidad en esa exposición de texturas acústicas exentas de dinamismo. De Coene expone cinco ejemplos de horizontalidad sonora, cada uno de ellos transfigurado de manera específica según el antojo del autor. Resulta cuanto menos curioso que el artista haya utilizado para presentar su trabajo un fragmento de una obra impresionista. El impresionismo, o mejor dicho, la teoría del impresionismo, nos viene de perlas para describir el políptico sonoro inserto en Springtime Depravity. Si atendemos a la serie de representaciones al óleo que Claude Monet ejecutó a lo largo de 1894 sobre la catedral de Rouen, podríamos entender mejor la ontología implícita en este estilo de música, y por supuesto en este trabajo en concreto. Al igual que Monet, lo que De Coene pretende exponernos en su obra es la importancia de la visión del espectador en detrimento a la estructura del concepto que se muestra. El autor parte del sonido como golpe acústico para mostrarnos a lo largo de las cinco pistas que envuelven esta casete distintas facetas de éste, consiguiendo mutar nuestra asimilación frente al mismo.

Como suele pasar con los músicos que cultivan el noise wall, De Coene no puede parar de sacar discos. En este ya casi finalizado 2018 ha publicado un buen puñado de ellos, siendo Springtime Depravity uno de los más interesantes. La casete ha sido publicada por Marbre Negre y está a punto de agotarse.

 

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/springtime-depravity

 

 

Fernando O. Paíno

Death In June – “ESSENCE!”

La “Esencia” de Death In June

5_Estrellas

 

NER - Noviembre de 2018 - neofolk - BAD VC 18

 

Welcome To Country

God A Pale Curse

The Trigger

Snipers Of The Maidan

The Humble Brag

Going Dark

The Dance Of Life – To Shoot A Valkyrie

No Belief

The Pole Star Of Eden

What Will Become Of Us?

My Florida Dawn

 

Llevábamos tiempo esperando este momento. Death In June presenta nuevo material después de ocho largos años de silencio compositivo. “Essence!” se muestra fresco, renovado y vitalista. Evoca aquellos momentos de gloria que encumbraron al proyecto, combinados con la última dinámica acústica de Douglas Pearce. Un disco que será bien recibido tanto por fans como por neófitos de la banda.

 

Nada menos que 38 años nos separan de la creación de una de las formaciones más importantes del movimiento underground de las últimas décadas. Death In June es un proyecto que ha ido variando tanto de estilo como de componentes a lo largo de su carrera, siendo Douglas P. el único miembro fijo, y militando esta propuesta en solitario desde la edición de The World That Summer (1986). Pues bien, lo que hoy anunciamos es un paso más dentro de la magnífica senda editorial de Death In June. En palabras del propio Douglas: “Han transcurrido 4 años desde su creación. Las 11 nuevas canciones se grabaron durante el pasado invierno, entre junio y agosto de 2018. He tratado de mantener, capturar y expresar la verdadera ‘esencia’ de Death In June.” Y la verdad es que Pearce ha logrado lo que se proponía.

 

“Essence captura el elixir patente en grandes obras como son But, What Ends When The Symbols Shatter? (1992) o Rose Clouds Of Holocaust (1995) sobre todo en lo referente al armazón instrumental y a la estructura de líneas de sonido. Ejemplos de ello los hallamos en cortes como “God A Pale Curse”, donde casi se pueden palpar los destellos de aquellos dorados años noventa. No obstante, Pearce parece no desdeñar esa cadencia lírica que fue cimentando en The Rule Of Thirds (2008), y que queda presente en casi todos los temas de este nuevo disco.

 

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Otro de los aspectos que hacen grande a Essence! es su heterogeneidad. Cada tema que contiene el álbum es planteado desde una perspectiva única, aspecto que le aporta un gratificante dinamismo. En esta ocasión Douglas ha decidido fusionar distintos retazos pertenecientes a diversos puntos de su carrera para recrear cortes que en cierta manera evocan esa esencia a la que hace referencia el artista. Desde The Guilty Have No Pride (1983) hasta el delicado Peaceful Snow (2010), los once temas que vertebran Essence! presentan cierta genética perteneciente a distintos momentos de la andadura musical de Death In June. Pearce ha querido hacer algo muy personal de este disco, y sin lugar a dudas lo ha conseguido.

 

Destacar temas favoritos me parece una osadía, pero si tuviera que elegir, marcaría como corte estrella “The Trigger”. Posiblemente la razón que me lleva a ello sean esos acordes que saludan desde lejos a ese magnífico “Heaven Street” de 1982.

 

Essence! saldrá a la venta el 30 de noviembre, y cuenta con todo tipo de ediciones en todos los formatos, incluyendo el casete. Algunas son más limitadas que otras, por lo que si eres un coleccionista de la banda te sugerimos que reserves ya tu ejemplar.

 

 

Fernando O. Paíno

La “Esencia” de DEATH IN JUNE saldrá a la venta el 30 de noviembre.

Solo faltan dos días para que ESSENCE!, el último disco de DEATH IN JUNE, salga oficialmente a la venta. Mientras tanto, Douglas P. nos desvela los distintos formatos y ediciones en los que se editará esta última propuesta del indiscutible emblema del sonido neofolk. Tras ocho años de silencio en lo que respecta a nuevo material, DEATH IN JUNE regresa con energías renovadas para ofrecernos un trabajo único que encapsula la naturaleza más intrínseca del proyecto. Un disco que no defraudará a sus fans y que dentro de poco analizaremos en NOmelody.

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Abattoir & Satori – “Megaloschemos”

Tenebrismo experimental

5_Estrellas

 

GH Records - Agosto de 2018 - dark ambient/ noise - GH 138 CD

 

 

Dos genios de las disonancias extremas como son Abattoir y Satori vuelven a trabajar mano a mano para moldear un disco inconmensurable. Dark ambient intenso generosamente salpimentado con todo tipo de especias ruidistas.

 

Hay momentos en los que dos artistas saben entenderse a la perfección. Cuando esto sucede, normalmente salen frutos maravillosos, cargados de genio y excelsitud. Un caso digno de ejemplificación es el que hoy nos ocupa: Abattoir y Satori son dos proyectos emblemáticos dentro de la experimentación oscura. Satori es conocido por su longeva andadura dentro de estos páramos musicales. Dave Kirby lleva activo desde finales de los ochenta, publicando discos icónicos dentro del ruido en escala de grises. Ha trabajado con infinidad de artistas, además de editar joyas tan remarcables como Contempus Mundi (2008) o Kanashibari (2008). Por su parte, Lorenzo Abattoir es un músico italiano que ha sabido destacar por su genio dentro de la abstracción extrema. Ambos proyectos hallaron el entendimiento hace unos años, materializándolo en su primer lanzamiento compartido Aether (2017), un magistral ejemplo cargado de desolación electroacústica. Tras el buen recibimiento de este CD, el sello hispano GH Records se interesó por la trayectoria de esta alianza, editando una continuación impactante: Megaloschemos. Siete temas que actúan de la misma forma que los pecados capitales en los que se conjugan retazos del medievo con atmósferas opresivas, combinadas de manera muy eficaz con eventuales pulsos de percusión encarnada en forma de distorsiones. Kirby vuelve a dejarnos claro que se encuentra en plena forma compositiva, y el hecho de trabajar con otros artistas le aporta una burbuja creativa que le ayuda a refrescar su ingenio.

 

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En Megaloschemos vamos a encontrar una constante variabilidad de sensaciones, todas ellas perfiladas por el desconcierto y la expectación. Abattoir y Satori saben jugar con texturas ásperas y embarazosas con la finalidad de moldear un disco oscuro en esencia que sabe destellar gracias a su ejemplar ejecución y a los continuos cambios de intensidad que presenta. Sin lugar a dudas, este es uno de los puntos más acertados de Megaloschemos. Esa heterogeneidad inherente en el álbum hace que se digiera con mucho placer, enterrando la monotonía para ofrecernos un vistoso catálogo de actitudes sonoras. Grandes ejemplos del contenido de este CD los encontraremos en “Adrastus” o “Hermetism”, en donde se logra combinar el ritual con bases simbióticas de ruido y oscuridad.

GH Records ha editado esta segunda propuesta conjunta en formato CD, y ha sido limitada únicamente a 300 ejemplares. Hablamos de un trabajo que no puede faltar en la discografía de un amante del tenebrismo experimental o el power electronics opaco. Si todavía no lo has escuchado, no pierdas el tiempo y chequea el enlace que te adjuntamos a continuación.

 

 

Fernando O. Paíno

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