Jowisz / H.ø.s.t – “Ages of Determination”

Evocando la guerra

3_estrellas

 

Spatha Production - Marzo de 2019 - martial/dark ambient - SP03

 

 

The Franco-Prussian War

A Child of Strasbourg

All Rats Know the Dance of Bayonets

Bad Omen

Siege 1944

Niedobschütz 1945

Wolfpack

 

Jowisz y H.ø.s.t proponen un trabajo compartido repleto de ambientes marciales en asociación directa con melodías lentas y telares de abstracción. “Ages of Determination” condensa la esencia luctuosa de estos dos proyectos polacos.

 

Polonia es un país en el que las bandas de martial industial tienen buen calado. Jowisz y H.ø.s.t son dos proyectos que comparten gustos, estilo e influencias, expresándolas cada uno a su manera.

En el caso de Jowisz, el artista recrea paisajes sonoros por medio del cut and paste de samples, emparejados con estructuras marciales que se sumergen en tintes de industrial. Las cuatro propuestas que esta banda encierra en el CD son rotundas y oscuras. Están atravesadas por la esencia de la guerra, y en ellas se confeccionan contextos ennegrecidos que se iluminan con apuntes vocales. Jowisz es partidario de idear melodías magnéticas de talante oscuro y decadente con las que es fácil verse atrapado y poder hacerse una idea de lo que su discografía esconde. “All Rats Know The Dance Of Bayonets” puede ser una de las ofertas más apetitosas de este repertorio.

 

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Para H.ø.s.t el dark ambient es un ingrediente mucho más referido. Sus títulos, al igual que los de Jowisz, invitan al recuerdo de periodos y escenarios de contextos bélicos. H.ø.s.t se encarga de ambientarlos de forma muy personal: no duda en dibujar un escenario acústico donde reina la quietud y la sensación de desamparo. “Wolfpack” posiblemente sea el tema de esta selección con el que el artista consigue consagrarse. En él se disparan líneas de drone ambiental y etéreo que sufren oscilaciones en un ejercicio lento y sinuoso, conformando una materia acústica lúgubre.

Ages of Determination” ha sido presentado en CD por el sello polaco Spatha Production, con el que Jowisz lanzó anteriormente un larga duración, Trench Rat’s Banquet. Ha sido limitado a cien unidades y presentado en caja de plástico.

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Viviseccionando a Miguel Souto

Miguel Souto es una de las cabezas visibles más representativas del sonido experimental extremo en España. Responsable de un buen número de proyectos entre los que destellan Sudaria o Lacrimi si Sfinti, este gallego nos cuenta el cómo y el por qué de su música. 

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¿Podrías hablarnos un poco de tu trayectoria musical? ¿Cómo y por qué comenzaste a hacer música? ¿Qué te llevó a escorarte hacia el experimental oscuro?

Mis inicios en la música no encierran ningún misterio y son como los de cualquier otro. Sobre los 14-15 años empecé a tocar la guitarra. Estuve yendo a clases durante cosa de un año, pero allí me aburría bastante y seguí por mi cuenta. Convertirlo en una rutina era demasiado tedioso para mí, y además detestaba el rollo de aprenderte canciones de otros, etc. Me recuerdo componiendo cosas desde el principio. Compuse mucha basura.

Toqué la guitarra, el bajo y grité en distintas bandas montadas con chavales de mi zona. Aunque no me entusiasma cantar, por A o por B acababa siempre asumiendo yo ese rol. Mi primera banda sonaba a una quimera extraña y pobre de punk, grunge y heavy. Luego toqué la guitarra con unos chavales que querían hacer algo al estilo Guns n’ Roses. No duró mucho tiempo. Estuve un tiempo tocando primero el bajo y luego la guitarra en una banda de thrash llamada Implosion. También metía algunas voces. Luego formamos Kill As One. Empezó como una banda thrash pero tocamos palos muy diversos hasta que nos asentamos en una especie de black/thrash/death y nos cambiamos el nombre a Arkaik Excruciation. Kill As One pasó por muchas fases, entre ellas una en la que no parábamos de dar conciertos, y otras menos activas. Sobre 2012-2013 estuve un tiempo tocando con chavales que estudiaban Sonido conmigo en una banda en la que mezclábamos algo así como sludge, hardcore y screamo que habíamos bautizado como Río Bravo y le pusimos la etiqueta muy seria de western screamo.

Durante los inicios de Arkaik Excruciation me di cuenta de que podía hacer cosas yo solo, y que esa forma de operar también tenía su encanto. Me empecé a enfrascar con cosas que nunca había hecho… Nacieron proyectos como Scythe o TDA. Empecé a conectar cacharros unos a otros, me compré una grabadora que pronto llené con grabaciones de campo. Mis intereses musicales se empezaron a abrir cada vez más, y descubrí gente que hacía cosas que nunca hubiera imaginado. Realicé muchas pruebas y saqué mucho material, quizá, montonero. Todo esto fue derivando poco a poco en la idea de hacer música con mi propio nombre. Una idea que al principio no me gustaba mucho pero que cada vez se hacía más atractiva. Creo que al final fue una buena elcección. Supongo que esto que acabo de contar explica mi deriva “experimental” (si es que esta etiqueta sigue teniendo validez hoy en día). Por otra parte, esa “oscuridad” que mencionas supongo que tiene que ver con mi bagaje en el metal extremo.

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Eres un artista que trabaja de forma paralela en varios proyectos, además de cultivar tu faceta en solitario. Háblanos un poco de todo ello.

Siguiendo un poco con lo anterior debo añadir que es siempre todo un tanto espontáneo. Dedico poco tiempo a planear y el máximo posible a actuar. Cuando planeas te pierdes en un limbo de reflexiones e ideas que puede que nunca se lleguen a llevar a cabo. Dedico más tiempo a hacer música que a cualquier otra cosa. Enviar promos me da pereza y me siento sucio al promocionarme y contactar con sellos. No es nada moral ni de ética underground ni nada por el estilo. Es una sensación que no controlo. Supongo que será el síndrome del impostor ese del que tanto se habla ahora o algo así. Solo que sin fama, sin éxito, sin dinero y sin nada de nada. En fin, compaginar proyectos no se me hace difícil, no tengo que hacer tal cosa. No tengo que compaginar nada. Hago siempre las cosas según vienen. No obstante, debo admitir que cada vez tengo menos tiempo del que me gustaría para la música y es una pena. Tengo mucho material decente sin editar y otro tanto sin terminar.

Tu sonido resulta fantástico, entre otras muchas razones, porque logra subsumirnos en estados de presión y asfixia. ¿Qué es lo que te lleva a idear música tan extremadamente personal de forma angustiosa y febril?

No lo sé. Como te digo es siempre todo bastante espontáneo y supongo que tendrá mucho que ver con mi forma de ser. Muchas veces me absorbe la idea de crear algo monótono, con poco cambio y emotividad cero. Cenizo, hecho sin pasión. Y supongo que eso puede acabar derivando en lo que mencionas. Me gustan las cosas con poco cambio. La idea de un torrente o flujo musical constante el cual puede ser extendido durante horas en bucle en cualquier tipo de espacio con el objetivo de alterarlo, cambiarlo, creando un espacio de realidad divergente –y no tanto un artificio–; un organismo vivo a través de la música, el espacio y las personas que deciden situarse allí e interactuar y recibir esas coordenadas espaciales y auditivas, sea de forma activa o pasiva. En esta línea, la referencia más clara podría ser el disco de Lacrimi și Sfinți. Quizá esto que cuento y de la forma en la que lo cuento suena demasiado cerebral pero no lo es. Como decía, suele ser bastante espontáneo. Soy una persona algo impulsiva creando. Cuando tengo una idea y empiezo a perseguirla, no puedo parar. Supongo que mi forma de sonar dice algo sobre mí.

A la hora de elegir y trabajar: ¿te decantas por lo digital o lo analógico?

No soy ningún purista pero me encanta el equipo analógico, es más sensitivo. Sea como fuere no tengo mucho equipo, ni analógico ni digital. Trabajo con poco. No por decisión activa, sino por falta de pasta.

Uno de mis trabajos favoritos de tu repertorio es tu colaboración con Miguel A. García, The Lurking Fear. Un disco que no he parado de disfrutar desde que tuve la ocasión de descubrirlo. ¿Cómo surgió esta alianza con Miguel?

Todo el mérito es de Mikel. Él me pasó un montón de material que había grabado (te estoy hablando de unos cuantos gigas de material excelente) y yo lo fui seleccionando, editando, mezclando… Cuando empezó a tomar forma se lo pasé… Añadimos más capas cada uno y discutimos ideas hasta que se llegó a una versión final. Personalmente es un disco que me gusta mucho, me alegra que tengas esa impresión. Adelanto que hay dos temas por ahí, descartados del disco, que puede que vean la luz en formato cinta, puede que con una tercera mano añadiendo más capas a la formula.

¿Tienes a la vista algún concierto para este 2019?

El pasado 26 de enero Àlex de III Arms me organizó un concierto en Barcelona con Noir Noir y Gyakusatsu, más una exposición de grabados de la maravillosa Sara García Pérez en la sala Meteoro. Por el momento no hay más conciertos planeados para este año.

¿Cuál es tu opinión acerca del panorama industrial en nuestro país? Crees que la música independiente de experimentación ruidista está consiguiendo hacerse hueco dentro del mainstream, o que todavía sigue siendo considerada la oveja negra de la familia?

No tengo una opinión marcada, ni me paro mucho tiempo a pensar en esas cosas. Cualquier cosa que te pueda decir pecará de ambivalente.

Mi sello, Anoxia Records, nació un poco con la idea de tratar de mover esta música en otros círculos más allá del ruido extremo. Una estupidez por mi parte. Además, llevo bastante tiempo dudando sobre el sentido de seguir insistiendo en sacar trozos de plástico (muy bonitos eso sí) con música grabada encima que acabarán en el cajón de 4 colegas y poco más. No sé ni siquiera si tiene sentido seguir haciendo música. De hecho lo dudo bastante. Pero al final acabas cayendo, no puedes evitarlo. La distinción entre alta cultura y la baja cultura me parece una estupidez. La palabra “contracultura” me produce urticaria y las barreras de género, estilo, etc. me parecen de otra época. Pero da igual la visión que tenga sobre las cosas, las cosas son como son y siempre voy a estar limitado por quien soy y mis capacidades. Supongo que sí que hay algo así como “mainstream” aunque odie esa división. Es estúpido pensar que la popularidad de algo pueda definir su forma y su contenido. Lo triste es, que pese a estúpido, es así. Y eso es prueba de lo idiotizados que estamos. Se nos ha enseñado lo que es música y lo que no. Hemos absorbido como “naturales” todo tipo de abstracciones formales, y hemos olvidado los ruidos de nuestro día a día. Aún encima, casi todas las bandas suenan iguales, da igual el género o su estatus (mainstream o underground). Y no creo que yo sea una excepción ni mucho menos.

Háblanos de tus influencias. ¿Cuáles son tus discos de mesilla de noche?

Como te decía, vengo del metal extremo y supongo que este bagaje influye de alguna manera en mi producción más “experimental”. El salto del metal a territorios más experimentales no se produjo en ningún momento de forma lineal o arborescente ni de forma instantánea. Fue un salto lento y sutil que se movía en todas las direcciones. Mis influencias filosóficas y formales a la hora de crear ruido incluyen artistas y autores como John Cage, Eliane Radigue, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young, Else Marie Pade, SPK, Skullflower, la filosofía elaborada por los filósofos franceses Deleuze y Guattari, los textos de Sade, Bataille, Artaud, Panero, Pizarnik, Agustini, Cioran, Ligotti, Mainländer o Sylvia Plath. Y aunque intento que todo esto no me limite, supongo que siempre están ahí.

¿Planeas algún lanzamiento en los próximos meses?

Si todo va bien, sí. Unos cuantos. Para bien o para mal. El primero será una cinta titulada “Lilith” con tres piezas para piano y electrónica que sacaré con Anoxia. También sacaré con mi sello una cinta a Damien De Coene que promete bastante. Serán ediciones especiales y limitadas.

Tube Tentacles & Guilty C – “Split”

 

Ponderación caótica

4-estrellas

 

Mattoid Records - Enero de 2015 - noise - mr-015

 

Es hora de repasar un trabajo que esputa ira, descontrol y vehemencia, utilizando el sonido como código de ataque. Dos maestros del ruido, uno de ellos hispano, Tube Tentacles; y el otro nipón, Guilty C. conforman un álbum fusionado por la vorágine.

 

Dentro de la amplia paleta de posibilidades que la música experimental electrónica expone, Tube Tentacles y Guilty C no han dudado en decantarse por el caos sonoro más enfermizo y espontáneo, aquel que nace de la inconsciencia natural y se muestra candente y directo.

Tube Tentacles es un proyecto madrileño que en sus más de cinco años de existencia ha planteado contextos enfermizos y tiránicos en los que el ruido se manifiesta de forma vívida y salvaje. Enrique Garoz, más conocido como Kike Kaos, es su responsable directo. Un artista que no se anda por las ramas a la hora de expresar sus pretensiones, regalándonos temas cargados de arsénico en los que las líneas de drones se enfrentan entre sí para gestar una suerte de ponderación caótica.

En esta entrega compartida el madrileño ataca con tres temas sofocantes. Sin lugar a dudas, “Resurrection”, su segunda propuesta, es la que se lleva la palma. Una explosión directa de ruido nuclear que va ganando complexión hasta invadirlo todo.

Tampoco conviene perder de vista “The Beast Must Die”, un corte que nace desdibujado con la intención de crecer a base de cacofonías en constante oscilación. Su talante es febril y lisérgico, un claro ejemplo del impactante estilo de este músico madrileño.

 

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Por su parte, Guilty Connector puede ser considerado un héroe del ruido. Este japonés ha colaborado con un sinfín de artistas encasillados dentro de la etiqueta noise, como son Contagious Orgasm, Bastard Noise o Richard Ramirez. El nipón nos muestra una avalancha de sensaciones infectadas por el desorden. Puros mosaicos ruidistas en los que el oyente queda perdido. Si su primera propuesta, “Obssesed Wind”, nos deja entrever lo que se avecina, “Gyunubin Eyes”, se muestra directa, sinuosa y explícita.

Todo el repertorio fue grabado durante el 2014 y lanzado al mercado un año más tarde, por lo que no hablamos de una novedad. Sin embargo, cabe reseñar esta obra no sólo por su genial contenido, sino también por su lujosa presentación. Ofertado en CD con una limitación de trescientos ejemplares, el disco fue encofrado en una caja de cartón impresa con tinta plateada, consiguiendo una estética única.

Si todavía no conoces alguno de estos dos proyectos, todavía estás a tiempo de disfrutarlos y hacerte con una de estas preciadas copias.

 

https://mattoid.bandcamp.com/album/split-2

 

Fernando O. Paíno

Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand – “Wish I Weren’t Here”

Cosechando un sonido desafiante

5_Estrellas

 

WKN - Marzo de 2019 - post-rock/garage/psicodelia - WKN55

 

 

Evil

Wish I Weren’t Here

All One

Make Me See The Light

Just Because I Can

My Soul Rests Free

Forgotten

He Is Here

O Lord

 

Albin Julius y el resto de componentes que forman Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand nos ofrecen una nueva colección de temas enérgicos y enigmáticos marcados por el elixir del post-rock, el garage y la psicodelia oscura. “Wish I Weren’t Here” rescata la fuerza del polifacético conjunto austriaco.

 

Hacía tiempo que Der Blutharsch no nos conquistaba con un disco netamente convincente, pero en esta ocasión podemos decretar que Wish I Weren’t Here muestra todos los ingredientes necesarios para granjearse el éxito. Nueve cortes en los que prepondera la esencia del post-rock y la psicodelia, haciendo acopio del estilo planteado en anteriores ofertas como What Makes You Pray (2017) o Sucht & Ordnung (2016), pero intensificando la aspereza y la dinámica de las propuestas, a la vez que se añade una magistral dosis de electrónica oscura que, en algunos momentos, nos recuerda vagamente a aquella pasada y misteriosa etapa de The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud. Un trabajo altamente ecléctico con el que Julius ha sabido alcanzar un sonido desafiante.

 

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El álbum da inicio con “Evil”, corte con el que desde el primer minuto de escucha sabemos que lo que el austriaco nos va a ofrecer en esta ocasión tiene buen peso y nivel. En él se genera una suerte de atmósfera con genética stoner marcada por la lobreguez sobre la que Marthynna clava textos taxativos. El buen sabor de boca sigue alimentándose con el corte que da nombre al trabajo, “Wish I Weren’t Here”, posiblemente, uno de los más caliginosos de todo el disco. Comienza con un esquema de sombras para ganar complexión y firmeza según va desarrollándose. “All One” se encarga de certificar lo que ya sospechábamos, y es que Der Blutharsch se está marcando uno de los mejores discos de su nueva etapa. “Make Me See The Light” bebe largos tragos de psicodelia y el garage de los setenta, sin embargo el tema sabe engarzarse a su propia esencia para saludar desde lejos al Fun House de los Stooges sin llegar a darse un abrazo.

My Soul Rests Free” establece momentos en los que reina la divagación mezclada con enredaderas de ruido. Marthynna invoca la plasticidad lírica de Nico con la intención de definir un tema claramente fabuloso. Otros cortes como “He Is here” se cimentan en los ritmos electrónicos para vestirse de percusión y notas de cuerda, ofreciéndonos una decoración acústica agridulce a la vez que maldita. “O Lord” cierra el repertorio mientras se gana nuestra más sincera confianza, y es que este nuevo trabajo de Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand quiere resistirse a abandonar el equipo de música en el que se ha pinchado.

 

Wish I Weren’t Here es la quincuagésima quinta referencia de WNK, y como es costumbre de la discográfica, ha sido lanzado en distintos formatos, entre los que destaca el vinilo con colores para todos los gustos.

 

https://derblutharsch.bandcamp.com/

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Die Selektion + Fatamorgana

Indypendientes - 9 de marzo Madrid - Wurlitzer Ballroom

 

Desde su nacimiento, allá por principios de la segunda década del nuevo siglo, Die Selektion han sabido manejar un estilo ecléctico y convincente en el que se funden distintas tendencias de la vertiente independiente en Alemania gestada durante los años ochenta; como son el industrial, EBM y el post-punk, sobre todo si atendemos a la prominencia de la trompeta como instrumento directivo dentro de sus temas. Saben crear contextos ácidos y dinámicos colmados de nervio y ritmo en pleno entendimiento con el público.

 

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La banda debutó en el sello griego Fabrika Records con un larga duración homónimo, para pasar a trabajar poco tiempo después con la factoría Aufnahme + Wiedergabe, donde ha continuado publicando el resto de su material.“Deine Stimme Ist Der Ursprung Jeglicher Gewalt” (2017) ha sido su último y laureado disco, valedor de reediciones y excelentes críticas. La banda ha estado visitando gran parte de Europa en los últimos años, y ahora Indypendientes los trae a Madrid acompañados por el dúo de electrónica oscura Fatamorgana.

 

https://www.ticketea.com/entradas-concierto-die-selektion-fatamorgana-en-madrid/

 

 

Lazharus – “Cernunnos: El Señor Del Bosque”

Atrapados en el bosque

5_Estrellas

 

Pure Reactive Records - Enero de 2019 - experimental/doom/noise - SR.023

 

Psicogeometría

Bardo

SCAP El Símbolo Compensador

 

Lazharus es un trío madrileño que opta por ejemplificar la presión y el desasosiego por medio del sonido. Su música es inflamable y venenosa. Complementa la plasticidad del doom y la experimentación con el ruido más enfermizo. Su último disco, “Cernunnos: El Señor del Bosque”, es toda una delicia.

 

Para los pueblos celtas, hace ya muchos años, Cernunnos representaba la imagen de un dios que habitaba en los fríos bosques. Este, como cualquier divinidad adscrita a esta mitología, era una deidad fuerte, resuelta y valerosa. Su ontología refiere el espíritu de los animales más poderosos de la zona, y su sola presencia conseguía intimidar hasta al más denodado. Se solía encarnar con una mezcla de forma humana y cérvida, portando en su cabeza una impactante cornamenta. Es por ello que la banda ha decidido utilizar la imagen de este bello animal en analogía directa con el título de su nuevo trabajo.

Cernunnos: El Señor del Bosque supone la cuarta entrega de este conjunto hispano conformado por grandes genios de la escena industrial madrileña, pudiendo destacar dentro de él artistas tan señeros como Kike Kaos, Iván Román o Sergio Albert. Lo que Cernunnos nos ofrece son tres temas en los que la experimentación, las percusiones programadas y las líneas de bajo se entrelazan con la intención de gestar algo auténticamente maldito. Tres cortes poseedores de un espíritu envilecido.

 

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Su primer corte, “Psicogeometría”, son más de veinte minutos de divagaciones cercanas al doom metal y el industrial más puro, pudiendo referenciar el sonido de bandas como Khost o Tenhornedbeast como algo cercano a ese estilo triturador. Su segunda propuesta, “Bardo”, es mucho más rítmica y directa, aderezada con voces resquebrajadas y portadora de furia y altas dosis de descontrol. Una maravilla que encanalará a los amantes del caos sonoro. Finalmente, “SCAP El Símbolo Compensador”, tiene un poco de todo, desde experimentación abstracta a lo Godspeed You! Black Emperor, para derivar en una suerte de apoplejía sonora mucho más afín al sonido dominante del grupo. Todo ello finaliza con unos maravillosos samples de la entrevista mantenida a Beth Thomas, esa encantadora niña psicópata que quería pasar por cuchillo a toda su familia.

Por esto y mucho más podemos concluir que Cernunnos: El Señor del Bosque es una auténtica maravilla de la música experimental extrema.

Si todavía no conoces a Lazharus, estás tardando. La banda ya está planteando conciertos de cara a la presentación de este trabajo. Os mantendremos informados de ello.

https://lazharus.bandcamp.com/

 

Fernando O. Paíno

Mz.412 – “Svartmyrkr”

Una obra excelsa

5_Estrellas

Cold Spring - Febrero de 2019 - black industrial/dark ambient - CSR257LP

 

Äntra Helstraffet

Öppna Hegrind

Codex Mendacium

Ulvens Broder

Helblar

Ulvens Bleka Syster

Burn Your Temples, True Change

She Who Offers Sorrow

We Are Eternal

Lokastafr Ablaze With The Thorns Of Death

 

Coincidiendo con el treinta aniversario de la banda más emblemática de black industrial, Mz. 412, Cold Spring pone sobre la mesa “Svartmyrkr”, el nuevo trabajo de este trío sueco. Su contenido reafirma la esencia maldita del conjunto, aportando un brutal decálogo de propuestas que brillan por su marcada tensión, en las que se esbozan atmósferas donde se respira la agonía gestada en el inframundo.

Mz . 412 es un conjunto que nos tiene acostumbrados a los desequilibrios y las esperas, pero cuando estas acaban sabemos que han valido la pena. Prueba de ello la encontramos en Svartmyrkr, el último larga duración de este conjunto sueco pionero de la música industrial oscura. Trece años después de la publicación de Infernal Affairs (2006), los dueños de la oscuridad ruidista vuelven a sorprendernos con un disco magnífico que presenta todos y cada uno de los elementos que caracterizan el sonido que les ha hecho famosos. Ritmos marciales, facetas experimentales en las que preponderan las disonancias, melodías hecatómbicas, presión incontenible y voces del otro mundo. Un disco que se muestra fiel a sus predecesores, pero que a su vez nos expone ese perfeccionamiento estilístico que sus componentes han ido ganando con el paso de los años.

 

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Una de las razones que más nos inclinan a pensar que el elepé es una obra maestra es su marcada variedad de perspectivas sonoras. El grupo no cae en el tedio de la composición fácil, si no que elucubra un variadísimo catálogo de horizontes musicales que van cambiando sin parar y se saben ensamblar entre sí, haciendo de este álbum algo muy vistoso. Se equilibra ejemplarmente el dark ambient con esquemas rítmicos, algo que Mz. lleva haciendo durante gran parte de su carrera; sin embargo, en Svartmyrkr todos los recursos utilizados se juegan con mimo y una extrema elegancia, teniendo como objetivo el definir sueños envueltos en sangre y angustia.

Aunque el álbum ha sido planteado como un bloque sólido de principio a fin, vale la pena destacar capítulos tan geniales como “Öppna Hegrind” o “Helblar“. No conviene pasar por alto la delicadeza de “Burn Your Temples, True Change”, donde las melodías de guitarra se encargan de tejer mantos que descansan sobre líneas de ruido. Este corte compensa y rebaja el peso estilístico aportado durante todo el disco, regalándonos un poco de quietud. La gema de este foco de furia se encuentra en “She Who Offers Sorrow”. Aplastante y demoledora, rescata el elixir depositado en aquellos dorados años noventa.

Como era lógico, Cold Spring ha realizado un variado repertorio de ediciones, destacando la prensada en vinilo. Se ha lanzado una tirada especial en disco rojo limitada a 412 copias, además de la negra estándar, el formato CD, y también casete; este último publicado por el sello americano Cloister Records. Su portada nos evoca al Hombre de Mimbre de la icónica Wicker Man (1973) de Robin Hardy.

Presenciamos un nuevo triunfo de Mz. 412. Svartmyrkr es otro disco ejemplar que eleva al podio a este conjunto sueco.

 

 

Fernando O. Paíno

Javier Pinango y David Area – “Drôle de Guerre”

Atmósferas de hierro y desolación

4-estrellas

 

Marbre Negre - Octubre de 2018 - experimental - MN085

 

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Javier Pinango y David Area plantean en “Drôle de Guerre” un sinfín de panoramas acústicos marcados por sensaciones glaciales y desesperanzadoras. Siete perspectivas intrínsecas en las que distintas líneas de drone se entrelazan para dar forma a historias sonoras marcadas por la introspección.

 

Drôle de Guerre es como un sueño turbio, híbrido, y desconcertante. Un sueño en blanco y negro. De esos en los que temes perder la orientación y el rumbo de las cosas. Es experimentación oscura gestada a base de líneas de sintetizador monofónico, vestidas con frecuencias de forma y osciladores programados en distintas escalas que saben compenetrarse entre sí, teniendo como finalidad el contarnos historias angustiosas mientras se utiliza el sonido como código.

Pura y genial improvisación que, paradójicamente, se muestra implacable en su devenir. Y es que Javier Pinango y David Area no se han andado con beneplácitos de ninguna clase a la hora de esgrimir sus sintetizadores. Han creado lo que han considerado oportuno, y eso les hace ser todavía más grandes.

 

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Drôle de Guerre es una escalofriante colección de sentimientos marcados por el nihilismo y la postmodernidad. Siete episodios en los que no se manifiestan voces. Siete capítulos de ambientación brumosa y fabril. Sus temas se presentan sin título alguno, y ese detalle nos da más información de lo que parece a simple vista. Y es que si por algo se caracteriza esta manifestación experimental es por su marcado cariz de espontaneidad. Un amante del sonido que ofrece el clásico sintetizador MS20 disfrutará sobremanera del contenido de este disco.

El sello catalán Marbre Negre se ha decantado por publicar esta propuesta en CD, un formato poco usual para una casa que se caracteriza por su gran registro de referencias en casete.

 

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/dr-le-de-guerre

 

Fernando O. Paíno

Kælan Mikla + Some Ember

Promotor: Indypendientes - Martes 12 de febrero de 2019, 21:30 Wurlitzer Ballroom (calle de las Tres Cruces, 12. 28013 Madrid) -Entrada: 17€ anticipada - 20€ Taquilla.

 

 

A estas alturas de la historia, casi todos consumidores de música oscura conocen a Kælan Mikla, un trío de mujeres surgidas de las gélidas tierras finlandesas que desarrolla una música minimalista y colmadamente oscura en la que preponderan las líneas de sintetizadores, cajas de ritmos y cadenciosas notas de bajo. Hasta el propio Robert Smith, líder de The Cure, se ha sentido fascinado por su encanto. Prueba de ello lo constata el hecho de contar con ellas como parte del repertorio de bandas que dio forma al exitoso Meltdown Festival, celebrado en Londres el año pasado.

 

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Kælan Mikla son una auténtica experiencia en directo. Sus temas destacan por un conmensurado equilibrio melódico de espíritu umbrátil, combinado con voces delicadas que se adaptan magistralmente al brumoso andamiaje musical que logran plantear. En esta ocasión nos visitan para presentar su último trabajo, el celebrado Nótt eftir nótt, un disco que ha cosechado excelentes críticas por la prensa independiente a nivel internacional, y que desarrollarán en gran medida este martes 12 de febrero en la sala Wurlitzer Ballroom de Madrid. Además, vienen acompañadas por el dúo californiano de dreampop, Some Ember.

Una cita inexcusable en la que podrás disfrutar de la magia oscura de este aquelarre finlandés.

 

Puntos de venta: Escridiscos, Rara Avis, Diskpol, Ticketea

 

 

 

 

 

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