Futuro de Hierro – “Costumbres y Medidas”

Óxido rítmico

 Màgia Roja - 2020 - industrial - MR026 

Cada vez más cerca

Construir – Destruir

Costumbres y medidas

Las fuerzas grises (nos están rodeando)

Futuro de Hierro acomete de nuevo con un impactante E.P. a sus espaldas. “Costumbres y Medidas” reúne cuatro temas salvajes y rítmicos en los que las distorsiones y los latigazos sonoros se entrelazan creando un potente y magnético efectismo. 

Cuatro años nos separan de Paso en el Vacío, el primer elepé del proyecto catalán Futuro de Hierro. Víctor Hurtado Torres, responsable de esta empresa de destrucción acústica, apuesta por el uso de ritmos punzantes que decide vestir con ruido áspero, desgarrando cualquier atisbo de paz que pueda existir en tu interior. Las cuatro propuestas que se exhibieron en aquel impactante disco, lograron abrir una senda turbia que debía ser continuada en algún momento. 

Pues bien, ese momento ha llegado, y parece que Hurtado no ha cejado en su empeño de retorcer de forma paroxística las cadencias sonoras, fragmentando las notas una a una, dejándolas secar al sol con la intención de otorgarlas una mayor aspereza. El desasosiego vocal que incrusta sobre el sonido hace que los dos pares de nuevos cortes que estructuran Costumbres y Medidas sean, si cabe, mucho más hirientes que los aportados en su trabajo debut. 

Cada vez más cerca” se presenta con una bofetada. Su mensaje es tan directo como el esquema rítmico que lo acompaña. “Construir-destruir” añade una nueva carga de efervescencia disonante mientras Víctor nos evoca el sentido cíclico de la naturaleza que encierra la actividad humana. 

Costumbres y Medidas”, tema que además bautiza al disco, expone un recurso de cadencia detumescente muy psicodélico y pesimista a partes iguales sobre el que nace la infecciosa lírica del artista. “La base de la música es la magia” -asegura en su letra-, y razón no le falta. 

Las fuerzas grises” aporta un punto y final muy contundente que sabe dignificar al resto de aportaciones. Distorsiones en espiral se aparean con una caja de ritmos que no tarda en ofrecernos derivaciones contorsionadas. Quizá este sea el corte más cohesionado dentro de una aproximación a la electrónica de consumo popular, aunque no por ello puede ser tildado de accesible. 

El sello catalán Magia Roja ha trabajado en estrecha unión con otras casas neerlandesas como Gooiland Elektro o Enfant Terrible con el fin de editar este trabajo en vinilo. No te escapes sin escucharlo.

Fernando O. Paíno

Poupees Electriques – “Électriques!”

Angulaciones eléctricas

Geometrik - Mayo de 2021 - minimal/industrial - GR2151

Connectivité

Resistivité

Semi-conducteur

Impédance

Polarité

Magnétisme

Accumulateur

CD2

Semimagnetismo

Semi-conducteur (Abraxas Dopage Remix)

Impédance

Accumulateur

Bad Connection

Resistivityless (Meatless Remix)

Allumage de l’Accumulateu

Poupees Electriques logra proyectar un nuevo estilo mucho más minimalista y rítmico que el presentado en su anterior trabajo “JET – Nuclear Fusion Device”, delineando temas impactantes base de golpes de ruido y fluctuaciones sonoras. Siete nuevos cortes para el disco principal, al que se añaden otras siete propuestas en un segundo disco extra donde artistas nacionales de la talla de Esplendor Geométrico aportan su interpretación sobre la obra de este espectacular conjunto. 

Si JET – Nuclear Fusion Device, el disco con el que Poupees Electriques se presentaba al mundo, ya dejaba clara la inmensa calidad ejecutiva y compositiva que el por aquel momento trío albergaba, ahora en Électriques! vamos a sorprendernos con una nueva y particular perspectiva mucho más rítmica y minimalista. Cadencias pausadas que sustentan cuerpos acústicos conformados por disonancias, drones y destellos de ruido blanco, todo ello deudor de un sonido netamente analógico de estética fría y apática, seleccionado y ensamblado con mimo y precisión. 

Carlos Arillo y Elia Martín han sabido dar un paso adelante con la conceptualización de esta nueva obra, aportando una visión mucho más definida, menos experimental, donde el orden y la matemática imperan sobre la improvisación. Ruido y ritmo logran conciliarse de forma magistral, acercándonos temas tan sorprendentes como introspectivos y turbadores. “Connectivité”, con el que da comienzo el disco, es toda una declaración de intenciones que condensa la idea que va a ser desmultiplicada a continuación en sus seis propuestas posteriores. Electriques! apuesta por la simplificación y el efectismo estético, consiguiendo resultados muy personales que encajan a la perfección dentro del cariz del sello que lo publica, la casa madrileña Geometrik Records. Vale la pena detenerse a degustar cortes como “Impédance” o “Magnétisme”, donde la yuxtaposición de recursos acústicos resulta envidiable, trabajando con una nutrida paleta de alternancias disonantes. 

El CD que acompaña al principal presenta siete interpretaciones de cortes realizados por artistas cercanos al conjunto, como pueden ser Esplendor Geométrico, que apuesta por una interpretación de “Magnétisme” que lleva implícita la firma de la casa, Orfeón Gagarin aportando un remix de “Impédance”, o una increíble proyección de “Bad Connection” cercana a la experimentación oscura realizada por Microplex.

Électriques! se postula como una de las mejores ofertas de minimalismo industrial en lo que va de año, no pierdas la oportunidad de descubrirlo. 

Fernando O. Paíno

Himukalt – “Knife Through The Spine”

Rabia y fuego

Cold Spring - Marzo de 2021 - power electronics - CSR289CD

Nude On Beach

Staggered, Crushed

I’m Afraid

Be Sure Of Your Diagnosis (Version)

Social Anxiety #1

Want You To See Me (The Voyeur Tapes #10)

Social Anxiety #2

The American Redhead

La carrera editorial de Himukalt explosionó de forma salvaje hace cinco años. Desde aquel momento, el proyecto personal de Ester Kärkkäinen no ha dejado de presentar nuevos y continuados lanzamientos que se fundamentan en sonidos afines a la electrónica extrema. Himukalt araña el academicismo compositivo con la intención desgarrar el sonido de forma intransigente, ofreciendo una suerte de collages acústicos en los que la cacofonía es la reina de la fiesta. 

Knife Through The Spine fue publicado por la emblemática casa estadounidense Malignant records durante el 2018, agotando las doscientas copias de su prensaje en vinilo en poco tiempo. Ha sido durante este año 2021, y debido en gran medida al incremento de su notoriedad, cuando otro sello emblemático del sonido industrial como es Cold Spring ha decidido rescatar este perturbador trabajo con la intención de remasterizarlo y presentarlo en formato CD. 

Knife Through The Spine encierra ocho cortes hundidos en el hermetismo y la presión industrial. La dinámica acústica de Himukalt se basa en la yuxtaposición de estructuras disonantes, conformando una urdimbre de fluctuaciones ruidistas que no llegan a desemparentarse de una matriz hierática y tajantemente sombría. Kärkkäinen recorta y esputa voces salpicadas por la distorsión con las que exorna las tonadas que ocasionalmente pueden recordar a otras reinas del alarido como Puce Mary. La artista no duda en aplicar un reduccionismo compositivo inflexible que se retuerce en una actitud apática e intransigente con la intención de sacudir notas repletas de odio.

Sorprende la inusitada agresividad que se ha inyectado en la totalidad de sus cortes, pudiendo resaltar ”I’m Afraid” o la paroxística “The American Redhead” como dos de sus más cruentas propuestas. Hablamos de un power electronics escorado hacia el sonido de la escuela de los primeros años noventa, pero que, sin embargo, sabe añadir más dinamismo a sus composiciones que en lo que por aquellos años se nos ofrecía, zigzagueando sin parar, aplicando un manierismo compositivo que le hace relucir por su extrema crudeza, y que tiene como único objetivo desestabilizar al oyente. 

Otro rasgo muy apreciable de Knife Through The Spine es la nutrida paleta de recursos acústicos que presenta el trabajo, y es que dentro de la amalgama de sonidos distorsionados que encierra este álbum descubrimos una inteligente y variadísima colección de texturas que son ensambladas de la mejor de las maneras posibles, buscando crear temas tan impermeables como rotundos. 

Si todavía no conoces Himukalt, esta es tu oportunidad. Cold Spring acerca al público europeo sonidos que, hasta la fecha, han sido difíciles de conseguir dentro del viejo continente. Knife Through The Spine no puede ser pasado por alto por un seguidor del género power electronics.

Fernando O. Paíno

Westwind – “Despair”

Himnos de guerra

Steelwork Maschine - Marzo 2021 - Martial/Industrial - SMR022

Westwind da un paso adelante con la publicación de “Despair”. Seis cortes en los que se presenta una ambientación netamente marcial colmada de tensión y dramatismo. Ideal para amantes de Death In June o los primeros Dernière Volonté. 

Westwind lleva más de dos décadas cultivando un estilo que estuvo muy en boga durante los albores de este nuevo siglo, el martial folk. El conjunto galo ha profundizado consecuentemente en el desarrollo de este género, ofreciéndonos buenas muestras en trabajos como The Bunker (2002) o el aclamado Ravage (2008). Este 2021 nos ha traído una nueva entrega física en la que se dan cita un conjunto de cortes carentes de título en los que se condensa una presión desmesurada de sabor belicista. 

Despair esconde temas de naturaleza instrumental que bien nos pueden evocar esos primeros momentos de Dernière Volonté o la taxatividad moral de Predella Avant. Cortes en los que el paso firme del tambor marca el discurso instrumental sobre el que melodías cargadas de dramatismo dan cuerpo y forma a historias que desean ser narradas. No obstante, Westwind no se encierra en un esquema estéticamente inquebrantable, ya que de forma ocasional opta por añadir sintetizadores que aportan melodías cercanas al synth pop consiguiendo resultados muy consistentes. El segundo tema de la cara B del vinilo es un perfecto ejemplo de ello: en él podemos comprobar esa sólida alianza de matices que logran un resultado perfecto. 

La canción encargada de cerrar el disco nos esconde una grata sorpresa. Precedida por ruidos atonales que clausuran la tonada anterior, unas voces de radio dan la bienvenida a los familiares samples de violín que configuran “Despair”, uno de los himnos más emblemáticos del Take Care and Control (1998) de Death In June, y que además otorga el nombre a este nuevo álbum de los franceses. 

El CD que acompaña a la edición limitada del vinilo viene con dos temas extra que abrazan un estilo más tajante que el que se ofrece en el LP. En el primero, la cadencia se ve reducida con intención de generar peso y tensión, dando a luz una tonada firme y sentenciadora. El último coquetea con la cacofonía y los samples vocales cargados de eco que, una vez más, no hacen recordar grandes momentos de la primera etapa de Death In June con 93 Dead Sunwheels.

El sello francés Steelwork Maschine ha sido el responsable de esta fantástica y cuidada edición en vinilo de color grisáceo.  

Fernando O. Paíno

I Remember You (Original Soundtrack)

Hielo islandés

Cold Spring - Diciembre de 2020 - dark ambient - CSR287CD

Intro

Sigling

Hesteyri

Kjallarinn

Bernodus I

Lækurinn

Reykjavik

Benni

Hvalstöðin

Montage

Bernodus II

Freyr

Endir

Móðir mín í kví kvi

I remember you es el título que recibe el último largometraje del director islandés Óskar Thór Axelsson. Este thriller basado en una novela de Yrsa Sigurðardóttir nos sumerge en las turbias desventuras de un grupo de jóvenes que deciden reformar una casa en un pueblo abandonado. La banda sonora viste de tensión a este film, y Cold Spring nos la presenta. 

A estas alturas, todos sabemos que mudarse a un pueblo deshabitado en compañía de tu grupo de amigos con la intención de renovar una casa unifamiliar de la cual desconoces por completo su pasado, es algo poco aconsejable; a no ser que tu intención sea nutrir el guión de una película de suspense. Esa precisamente era la pretensión de Óskar Thór Axelsson, director de este largometraje islandés que ha recibido un puñado de buenas críticas por parte de la prensa. 

Es innegable que gran parte de la consistencia de una película de terror radica en la calidad de su banda sonora. Resulta estrictamente necesario que el sonido se adapte como un guante a la secuencia narrativa, ya que, de otra forma, la historia perdería mucho impacto sensorial. El trabajo realizado por Frank Hall, responsable del discurso acústico de esta película, ha sido más que sobresaliente. Este compositor ha dimensionado la trama acústica del film en catorce cortes rebosantes de tensión. Gran parte del secreto que nutre este recurso se encuentra en la adecuada utilización de los intervalos de silencio como refuerzo desestabilizador. Hall idea unos contextos salpicados por atmósferas polvorientas y desapacibles que bien pueden recordarnos a algunos pasajes del galés Lustmord. Resulta sorprendente saber que esta es la primera obra publicada de este compositor, ya que la calidad que emana de su sonido, cuanto menos, logra impactar. Ejemplos epatantes los hallamos en “Sigling”, una tonada marcada por cadencias cimbreantes sobre las que instrumentos de viento van desvaneciéndose mientras proyectan un discurso de notas graves. Conviene detenerse en “Hvalstöðin”, uno de los momentos más tremebundos de todo el CD en donde la ambientación oscura adquiere su máxima expresión.

I remember you ha sido publicado por el sello británico Cold Spring en formato CD. Se presenta protegido por un digipak de doble panel y su interior nos muestra algún fotógrafa de esta espeluznante película.

Fernando O. Paíno

Njurmännen – “Terror In The Dollhouse”

Los primeros ritmos del industrial oscuro

Old Europa Cafe - Mayo del 2008 - post-industrial- OECD 110

Alfa Romeo

Big Guns

The Reptile Enclosure

Telepathic Hot Line

Space Manifesto

Space Craft

Sweet Labour

Silicon Or Brimstone?

Theories On Love And Thought Control

Popstar 

Sticky Atmosphere

Letzte Tage, Letzte Nächte

Negativeland

Von Daniken

Krympling

Njurmännen es una de las primeras bandas que cultivaron el post-industrial en Suecia. Su historia se remonta al primer lustro de los ochenta, y desde entonces han sabido ofrecernos una abundante oferta de interesantes discos. Old Europa Cafe reeditó hace unos años ‘Reality Adventures’, uno de sus trabajos más consistentes, añadiéndole un buen surtido de temas que no formaron parte de la publicación original. “Terror In The Dollhouse” es el nombre que recibe esta reencarnación.

Corrían los albores de los noventa. Njurmännen era un conjunto que, en lo referente al sonido post-industrial, había conseguido labrarse un nombre destacado dentro de la plétora de bandas europeas que tímidamente iban cimentando las bases de lo que años después llegaría a ser un movimiento consolidado. 

La experimentación electrónica es el estilo que ha definido a un grupo marcado por un constante eclectictismo estético. Esto ha sido debido en cierta forma a la constante modificación de las filas de la banda, por la que ha pasado hasta Lina Baby Doll cuando decidiese comenzar a enrolarse dentro de la creación musical, allá por el ecuador de los años ochenta. Es por ello que definir un estilo concreto o perfilado que pueda representar a Njurmännen resulta harto complicado. 

Terror In The Dollhouse encierra uno de sus trabajos más laureados, el LP Reality Adventures, un dechado de ambigüedad que transige con el influjo de los Swans y The Young Gods, adaptándolo a unos patrones mucho más electrónicos y psicodélicos. Un disco que nos descubre una de las etapas más imaginativas del combo, en el que se entrelazan multitud de sensaciones distintas, combinando una amalgama instrumental sobre una base rítmica que se encofra sin problema dentro del estilo más transigente del post-industrial de los noventa. Cortes tan convincentes como “Letzte Tage, Letzte Nächte”, el cual apareció originalmente dentro del E.P. Cosmic Kraut Hits (92), nos acercan una idea de transitoriedad compositiva en la que el ritmo y la melodía saben adaptarse a cadencias de genética netamente industrial. Aunque todavía es pronto para hablar de angst pop, muchos de los planteamientos compositivos que encierra este disco guardan cierta consonancia con los patrones compositivos que caracterizarán al aún por entonces inexistente subgénero. 

Conviene detenerse a apreciar cortes tan recomendables como “Sweet Labour”, un gran ejemplo de heterogeneidad rítmica que despierta la esencia de aquellos Swans que arrasaban con Holy Money años atrás. Sin lugar a dudas hablamos de un trabajo que evoca sonidos que hoy en día han dejado de ser cultivados y que merecen ser descubiertos por las nuevas generaciones. 

Terror In The Dollhouse se muestra como una excelente oportunidad para descubrir a una de las primeras formaciones suecas que escoraron su sonido hacia los ritmos industriales. Old Europa Cafe ha realizado una excelente labor prontuaria aglutinando estos manifiestos sonoros en un CD presentado en digipak.

Fernando O. Paíno

Jagath – “Devalaya”

Sonidos desde la oscuridad de la fábrica 

Cold Spring - Diciembre de 2020 - dark ambient - CSR290CD

  • Agadha
  • Utthana
  • Catu
  • Devalaya
  • Nila

El estilo de Jagath es tan infrecuente como la estética de su sonido. Este combo ruso configura esquemas dark ambient partiendo de grabaciones de campo localizadas en viejas fábricas abandonadas. Los sonidos metálicos y las percusiones fortuitas se envuelven en ecos mezclados con registros vocales para configurar un álbum oscuro y sobresaliente. 

No es común abordar un disco tan hermético en sonido y estética compositiva como Devalaya

Jagath es la banda que lo ha gestado, un conjunto ruso centrado en grabaciones de campo localizadas en fábricas abandonadas. Haciendo uso de distintos instrumentos de uso cotidiano como palos, placas de metal, piedras y otra serie de elementos utilizados en los sectores secundarios, han conseguido elaborar un disco tan hermético como hipnótico. Cinco cortes que llevan un discurso parejo, centrado fundamentalmente en la abstracción oscura salpimentada con registros vocales que bien pueden recordar a sus compatriotas Phurpa

No obstante, si tuviéramos que comparar el estilo de Jagath con el de alguna banda icónica dentro de este género, no dudaría en hacer analogía con el clásico Ligeliahorn de Metgumbnerbone, una obra capital dentro del género dark ambient y ritual que combina los mismos recursos que ahora se exponen en Delavaya

De hecho, este último trabajo presentado por la casa británica Cold Spring nada tiene que envidar al cotizadísimo e inaccesible LP al que nos acabamos de referir. El ceñimiento de vacío e inmensidad que ambos discos emanan es algo realmente complicado de describir. Además, la producción realizada sobre la totalidad de los cortes que dan forma a Devalaya es auténticamente digna de alabanza. Más aún en un disco de estas características en donde las capas de sonido realizan una función esencial a la hora de conformar una sensación de espacialidad que dote de un cierto efecto volumétrico al sonido. Un álbum que reclama ser escuchado en completa y absoluta oscuridad, que delinea formas inconclusas que no permiten la proliferación del estatismo.

Cold Spring ha presentado este recomendadísimo trabajo en formato CD, protegido por un digipak de seis paneles bellamente trabajado. En sus paneles interiores podemos apreciar a los miembros de la banda realizando una suerte de ejercicio pirotécnico.

Desde NOmelody deseamos la continuación editorial de este conjunto. Delavaya es un debut magnífico que merece un acalorado aplauso.

Fernando O. Paíno

NEW RISEN THRONE – “The Outside”

Sonidos del submundo

Old Europa Cafe/Cyclic Law – Febrero de 2020 – dark ambient - OECD276

The Outside (I): Sunrise

What We Have Seen. What Has Driven Us Away

The Outside (II): Facing The Void

Corrosion Of Pillars

The Outside (III): Structure

The Outside (IV): Bodies Float Silently

Birth Of A New Disciple (II)

A Vision Of The Hidden (Sysselmann Remix)

Echoes From The Loss (Visions Remix)

Breath Of Growing Structures (Taphephobia Remix)

Humani Nihil (Phantom Ship Remix)

Sad Silent Prostrations Before The Monolith (Vestigial Remix)

Sigh Of The Soul (Apocryphos Remix)

Signs Of The Approaching Wastefulness (II) (New Risen Throne Remix)

Withered Regions (Tehôm Remix)

El proyecto italiano New Risen Throne engrandece su repertorio discográfico con un trabajo doble de naturaleza desconcertante. “The Outside” nos ofrece un nutrido repertorio de cortes en los que la oscuridad es configurada a base de líneas de drone y esbozos melódicos, gestando paisajes desoladores.

Gabriele Panci es el único responsable de New Risen Throne. Este proyecto italiano que comenzó su empresa editorial hace ya dieciocho años ha ido perfeccionando su estilo hasta ofrecernos auténticos platos fuertes como el que hoy tratamos.

The Outside llama la atención por muchas razones. La primera de ellas es que, a pesar de ser un trabajo largo -nada menos que quince temas, y muchos de ellos alcanzan la media de ocho minutos- Panci sabe dirigir con una maestría envidiable el discurso estético que contiene el disco, combinando acertadamente la tensión tremendista con esquemas acústicos que brillan por un paradójico contraste de simplicidad y efectividad coyuntural.  La sensación iconológica, entendida desde una perspectiva acústica, que transmite este trabajo es absolutamente apocalíptica. New Risen Throne no transige con el optimismo. Su pretensión es desarrollar un discurso acústico taxativo y tajante, rodeado de oscuridad y fatalismo, y The Outside se alza como un ejemplo perfecto en el que se exponen estos valores.

Otro de los motivos que hacen destellar al doble CD es su ejemplar producción. Las diferentes capas de sonido que conforman los temas han sido tratadas con cariño y mimo, consiguiendo una equilibradísima yuxtaposición sonora que da como resultado contextos consistentes con los que el oyente se siente cómodo. El proceso de cálculo a la hora de calibrar el sonido de un disco de ambient es una de las etapas más complicadas de la empresa creativa, y Panci logra destacar por su elogiable ejecución, apoyado a su vez por otros artistas como Phantom Ship o Frédéric Arbour.

The Outside ha sido una de las mejores ofertas que nos ha dejado el año 2020 en lo que a dark ambient se refiere. Pocos proyectos logran combinar de manera tan efectiva un contraste sensitivo en constante transición como New Risen Throne lo ha hecho. Este doble CD ha sido publicado por el sello italiano Old Europa Cafe en colaboración con Cyclic Law. Su edición ha sido limitada a 500 copias.

No pierdas la oportunidad de descubrirlo.

Fernando O. Paíno

Tunnels Of Āh – “Deathless Mind”

Ambientación tétrica

Cold Spring - Mayo de 2020 - post-industrial - CSR279CD

Ritual For The New Dumb

Parable Of The Sewer

The Cult Is On The Move

Saint Of Slaves

Ascetic

Cum Iron In The Spine

Sanatorium Lawns

Deathless Mind” supone un nuevo giro de tuerca en lo que a oscuridad experimental se refiere. Tunnels Of Āh se ha caracterizado por crear unos horizontes acústicos a los que no te irías de vacaciones, pero en esta ocasión ha conseguido adentrarse en el purgatorio. El adjetivo “sepulcral” se le queda corto.

Según van añadiéndose nuevos títulos a la ya nutrida discografía de Tunnels Of Āh, podemos aseverar que este proyecto de post-industrial oscuro tiene muy clara su proyección estilística. Este último trabajo editado una vez más por el sello británico Cold Spring nos desvela una colección de siete pesadillas muy bien ejecutadas en las que se consigue destensar el tiempo y el espacio con la intención de deformar la realidad, dando lugar a un sonido manierista y dislocado.

Stephen Reuben Burroughs ha logrado simplificar su proyección compositiva, ideando estructuras que han sido confeccionadas en gran medida a base de grabaciones de campo, echando mano de objetos de mental y otros utensilios fabriles con la intención de dislocar la armonía. Su resultado logrará satisfacer a todos los amantes de las composiciones atmosféricas oscuras. Los cortes se muestran carentes de registros vocales salvo su cuarta propuesta “Saint Of Slaves”, un increíble ejemplo de desestructuración acústica con conatos cadenciosos que se ven reforzados con constates yuxtaposiciones encofradas a base de spoken word.

Deathless Mind logra introducirnos en un laberinto deslucido y siniestro. Recomendamos fervientemente su quinto corte, “Ascetic”, sobre todo por lo referente a la alternancia de texturas y la plasticidad de las mismas. La fuerza magnética que se engendra en él destella por su presión, encajonando al oyente dentro de un contexto embarazoso. La alternancia de dinámicas y la oscilación de intensidad logran generar un efecto tridimensional digno de encomio.

Es complicado aseverar que este sea el mejor trabajo de Tunnels Of Āh, pero no queda duda alguna de que ejecutivamente hablando, es uno de los más logrados. La estética del sonido se ha cuidado al máximo, mimándola con la intención de enfatizar un desasosiego que penetra en nuestro interior de forma indefectible.

Una vez más, el CD ha sido el formato elegido para recoger esta monumental obra de abstracción oscura en la que el ruido se alía con las sombras para consumar algo realmente macabro. Un disco recomendado para amantes de bandas como Satori o Mz 412.

Fernando O. Paíno

Garazi Gorostiaga – “Irauten II”

Intransigencia y elegancia

Eclectic reactions – Febrero de 2020 – experimental/industrial – ER028

Lamien Deitore

Iragana

Sorgin Gaua

Goihan Naiari

Suene

Nasai

Aiher

La artista bilbaína Garazi Gorostiaga deja clara su evolución en “Irauten II”, un nuevo capítulo dentro de esta saga en el que se plantea una orogenia acústica dominada por la ambientación conceptual y etérea. Garazi vuelve a apostar por las texturas frías y serpenteantes, logrando un resultado muy convincente que supera a sus anteriores propuestas.

Concebir un trabajo distinguido de música electrónica conceptual no es tarea sencilla. Generar ruido es algo que sabemos hacer casi todos; sin embargo, dotar a ese ruido de una forma y una personalidad diferenciada, es algo que pocos logran.

Garazi Gorostiaga es un buen ejemplo de superación. Esta artista bilbaína que lleva publicando discos desde el año 2016 ha conseguido depurar un estilo tan introspectivo como propio dentro de la estética electrónica oscura de talante experimental.

Si al escuchar su anterior propuesta Irauten (2017) ya podíamos saborear el principio de una carrera prometedora, ahora en esta segunda entrega que lleva por título  el mismo epíteto, “Dura” en  castellano, descubrimos una solidez cualitativa que consigue secuestrarnos una sonrisa.

Los siete temas que conforman “Irauten II” encierran un firme gusto por los paisajes oníricos y quebradizos. Garazi sabe posicionarse en la quietud para ofrecer un dinamismo un tanto evocador, como si se tratase del sueño soñado por el soñador encerrado en el sueño de un tercero. Una especie de proyección poligonal de gran belleza donde cortes exentos de letra se suceden de manera ordenada y discreta, guardando las mejores composturas, para pararse durante unos minutos frente a nosotros y contarnos todo lo que saben sobre ellos mismos. En algún momento he notado un cierto abrazo estético a proyectos como Grouper, pero solo de forma secundaria.

 Cierto es que la oscilación de intensidades y la dialéctica con el ruido más hirsuto están presentes en temas como “Nasai” donde se plantean composiciones emparentadas con la paroniria, y es que se nota claramente que a Garazi le gusta moldear el ruido de la misma manera en la que un herrero disfruta dando forma al metal candente.

Quizá la mayor virtud que esconde Irauten II es esa marcada sinceridad desprovista de complacencia alguna. Hablamos de un disco tan hermoso como sincero, gélido como el permafrost, intransigente por derecho propio, pero comedido, debido fundamentalmente a su propia genética. Con solo escuchar “Lamien Deitore”, el tema con el que se abre el disco, uno se da cuenta de todo esto y mucho más.

Desde NOmelody te animamos a sumergirte en Irauten II. Las 30 copias publicadas de esta casete están a punto de agotarse, por lo que te recomendamos rapidez si quieres hacerte con una de ellas.

Fernando O. Paíno

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