The Telescopes – “Stone Tape”

Cómo hacer hablar a una roca

4-estrellas

 

Cold Spring - Septiembre de 2019 - experimental/post-rock - CSR267CD

 

Become The Sun

The Speaking Stones

The Desert In Your Heart

Everything Must Be

Silent Water

Dead Inside

The Living Things (Session)

 

Los británicos The Telescopes se vuelcan sobre la experimentación fría y reflexiva en un disco que explora “La teoría de la cinta de piedra”. Siete paneles acústicos en los que se intercalan temas rítmicos con divagaciones sonoras.

 

The Telescopes tiene una profunda marca dentro del rock psicodélico británico. El proyecto de Stephen Lawrie lleva activo desde 1987. Amantes incondicionales de sonidos cercanos a The Jesus And Mary Chain, The Velvet Underground o My Bloody Valentine, el grupo continúa desarrollando una suerte de shoegaze en el que el ruido convive amablemente con ritmos mesmerizantes y ambientes ideados para atrapar. La marcada individualidad de la banda es el motor que les ha hecho continuar adelante, sorteando las modas y los cambios de aire, razón por la que no han dudado en trabajar con multitud de sellos distintos a lo largo de su carrera.

 

Lo que hoy presentamos es una reedición en formato CD realizada por la discográfica británica Cold Spring a su décimo lanzamiento en estudio, Stone Tape (2017). Un disco en el que el de Burton ha querido transmitir algo tan oscuro y profundo como contundente, equilibrando los toques de psicodelia con proyecciones de ruido. El resultado de todo esto es un post-rock consistente y sopesado con carácter y personalidad. Una obra que certifica el genio del conjunto, además de asentar su calidad musical. Stone Tape es uno de los discos más profundos e intimistas de toda la trayectoria de The Telescopes, un álbum que sorprende por su talante gélido y sibilino.

Y es que el peso de la esencia de bandas de mediados de los setenta está más que presente en canciones como “The Living Things”, un corte en directo de nada menos que trece minutos que no tuvo cabida en la edición vinilo, en el que se desarrollan atmósferas cerradas y potentes que podrían enamorar tanto a un seguidor de The Brian Jonestown Massacre como a uno de In Camera.

Sin embargo, no todo son ritmos marcados. “The Speaking Stones”, cuyo título nos habla un poco sobre la teoría expuesta por Thomas Charles Lethbridge en 1961 que además se encarga de dar nombre al álbum, nos sume en una indefinición experimental envuelta en nubes negras. Conviene a su vez prestar mucha atención a tonadas tan rotundas como “The Desert In Your Heart”. Por su parte, deconstrucciones sonoras de gran calidad como “Everything Must Be” nos recuerdan que la personalidad de Stephen Lawrie es un laberinto de difícil salida.

 

 

Fernando O. Paíno

Muere Genesis P-Orridge. El padre del movimiento industrial.

Ayer, 14 de marzo de 2020, conocíamos la triste noticia de la muerte del mayor icono de la llamada música industrial, Genesis P-Orridge. Desde NOmelody queremos rendirle un merecido homenaje exponiendo una pequeña biografía sobre sus orígenes y los dos proyectos más importantes a los que dio forma: Throbbing Gristle y Psychic TV.

 

Los orígenes artísticos de P-Orridge se remontan a las postrimerías de los años sesenta y la década de los setenta con el colectivo artístico COUM Transmissions, motor de influencia contrasistema que alimentó durante el ecuador de los setenta la actitud subversiva que caracterizaría al movimiento punk británico. En sus performances y obras se exponía una visión particular sobre el endimiento social y sus resortes morales, tratando aspectos como la pornografía o el ocultismo. La actuación más polémica y criticada fue Prostitution (1976), ya a caballo entre Throbbing Gristle. Gracias a ella, y teniendo en cuenta que ésta fue subvencionada con dinero público y realizada en el Instituto de Arte Contemporáneo, el conjunto se ganó la calificación de “saboteadores de la sociedad” por parte de varias cabezas del parlamento británico.

 

 

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El siguiente episodio de la carrera artística de P-Orridge fue lo que puede ser considerada netamente la primera banda de música industrial, Throbbing Gristle. Más que nada porque fue el propio conjunto el encargado de bautizar el sello con el que operarían y darían a conocer su música: Industrial Records. «La única y verdadera forma de anarquía es el individualismo. Cualquiera que esté inserto en el mundo de la política está en contra del individualismo, porque para cualquier político los individuos son una amenaza. La individualidad es lo único que amenaza a todos, por eso el miedo a la individualidad es casi genético. Todas las religiones la odian, todos los políticos la odian, los socialistas la odian, los marxistas la odian, los maoístas la odian, los fascistas la odian. ¿Por qué? Porque es lo único que no pueden controlar, lo único que es real.»

La banda empezará a reunirse en el sótano de una fábrica abandonada cercana a London Fields. En aquel lugar abundaban los cadáveres, ya que por causa de la peste londinense que tuvo lugar durante la segunda mitad del siglo XVII todos los cuerpos fueron enterrados en esa zona, que por aquel entonces era un páramo yermo no habitado. El nombre de Death Factory también fue utilizado como alegoría a la sociedad surgida tras la Segunda Revolución Industrial, criticando el proceso de producción y el mecanicismo mórbido que implica la vida creada a partir de la Guerra Fría, por lo que ambas razones dotaron de significado a este emplazamiento en el que el grupo operará durante su corta vida. La banda utilizará como logo para el sello la imagen de un crematorio de Auschwitz. Esta decisión fue muy criticada por la prensa, ya que las connotaciones genocidas y totalitarias que implica aquella imagen son más que evidentes. En julio de 1978 Genesis aclararía esta decisión en una entrevista realizada por la revista New Musical Express «elegimos Auschwitz como logo porque nos pareció muy apropiado para nuestra música.»

Por medio de la estética comprometedora y las acciones desconcertantes, el conjunto pretendió en todo momento cuestionar las técnicas de control ejercidas por el gobierno. Según la visión de Orridge los gobiernos utilizan recursos como el alcohol y las drogas para quitarse a los rebeldes de en medio.

 

 

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TG realizó varias actuaciones antes de editar su primer trabajo oficial en 1977, un vinilo limitado a 785 copias al que el grupo tituló “The Second Annual Report”. De aquellos conciertos anteriores a este lanzamiento sólo se conservan dos referencias registradas, una de ellas es el directo que tuvo lugar en el Club 10, en Martello Street el 23 de julio de 1976, y la otra conocida como “Music From The Death Factory”, ambas grabadas en casete.

 

Aunque siempre se ha emparejado a TG con el masivo uso de sintetizadores, realmente el conjunto no utilizó estos de forma copiosa para hacer su música. El estilo de Throbbing Gristle chocaba enormemente en lo que a acústica se refiere porque no habían introducido un baterista en sus filas, lo que en aquel momento resultaba casi inconcebible. La línea de la formación se estableció de la siguiente manera: Genesis se encargaba de sacudir las cuerdas del bajo, a la vez que cantaba y ocasionalmente realizaba sonidos con un violín eléctrico. Cosey tocaba la guitarra, produciendo efectos ambientales y distorsiones de toda índole. Chris Carter se ocupaba, como no podía ser de otra manera, de los sintetizadores y la caja de ritmos. Por último, Christopherson se encargaba de insertar los efectos extracontextuales, como grabaciones realizadas o extractos de conversaciones dentro del sistema sonoro creado por sus compañeros. Esta actividad era compaginada con ruidos proferidos por medio de una trompeta.

 

Las posibilidades del conjunto eran infinitas. Cada directo resultaba ser una nueva experiencia. Esto era debido al alto nivel de improvisación que el conjunto presentó desde el principio de su carrera. Como la vida misma implica, TG representaba la espontaneidad que el decurso de la existencia lleva consigo. «Cuando finalicé la producción de las casetes salí a Martello Street, justo cuando pasaba un tren; en la esquina sonaba un transistor a todo volumen; un aserradero donde cortaban leña y un perro ladrando, y entonces dije: “No hemos inventado nada. Simplemente hemos acoplado lo que ya existe”. Fue entonces cuando propuse hacer muzak para las fábricas, pero dándole un ritmo y haciéndolo aceptable, en lugar de terminar ahogándolo con música popular.» comentaba el propio Genesis.

 

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Por su parte, Peter Christopherson argüía lo siguiente en referencia al modo de composición que utilizaba el conjunto: «Las obras eran creadas en mayor o menor medida de forma espontánea, sin ningún ensayo ni preparación, exceptuando las pistas de percusión construidas por Chris y una discusión general sobre los posibles tópicos para las letras que luego Gen usaría como punto de partida. No teníamos mucha idea de lo que iba a pasar en un concierto o en una grabación, y cada uno de nosotros contribuía basados únicamente en lo que estaba sucediendo en ese momento»

 

En lo que respecta al estilo de TG, nunca se encontró definido o acotado por ningún segmento. Cada disco podía sonar de una forma completamente distinta. De hecho, la idea de la banda era que cada nuevo lanzamiento destruyese al anterior. TG intentó hacer en todo momento lo contrario a lo que el público esperaba de ellos, creando de esta forma una expectación sin parangón. Un estilo fuera de todo canon.

 

 

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Psychic TV surgirá de las cenizas de Throbbing Gristle, cuya continuidad a lo largo de 1981 se hacía cada vez más difícil debido a las distensiones entre sus componentes. En aquel momento, cada uno de sus cuatro miembros estaba más preocupado en dar una orientación concreta al proyecto venidero que en luchar por mantener activo el presente.

 

A raíz del 23 de junio de 1981, fecha en la que se anuncia la disolución de TG, el escorzo de Psychic TV empezará a perfilarse. Orridge contactará con Alex Ferguson, responsable del grupo punk Alternative TV. Genesis había estado tocando la batería dentro de las filas de este conjunto durante 1976, por lo que no duda en plantearle la posibilidad de gestar un nuevo proyecto que continúe con la perspectiva chamanística que Throbbing Gristle estaba adoptando en su última etapa, enfatizándola aún más, ahondando en temas como el ocultismo de Austin Osman Spare, los relatos del Marqués de Sade, el influjo sectario de Charles Manson, la magia de Aleister Crowley y, sobre todo, el desvencijado universo de William S. Burroughs. Evidentemente, el nombre de Psychic TV presenta una clara influencia de la banda creada por Ferguson, sin embargo Orridge decidirá darle otra connotación distinta, argumentando que <Psychic TV es un grupo de vídeo que hace música, diferenciándose así de otros grupos musicales que hacen videos musicales>

 

La enfatización del aspecto ocultista en Psychic TV era algo que se venía anunciando desde hacía tiempo. Uno de los focos principales de influencia en este aspecto vino dado por la abuela de Genesis, que desempeñaba las labores de médium profesional. Orridge comenzó a leer libros relacionados con el ocultismo a una temprana edad, y este sustrato cultural será el encargado de regar la semilla que a partir de la década de los ochenta germinará bajo el nombre de Psychic TV.

Paralelamente, y aprovechando la inconmensurable fama a nivel mundial que TG había alcanzado en estos últimos años, se creará un club de fans para Psychic TV que recibirá el nombre de Thee Temple Ov Psychick Youth, y del que formarán parte grandes artistas de la época como Monte Cazazza, con el que empezó a moldear esta idea informe en el ecuador de Throbbing Gristle; Marc Almond, miembros de Skinny Puppy, Jordi Valls, Geoff Rushton (posteriormente conocido como John Balance), David Tibet o Z’EV, entre otros muchos.

En su primera etapa, la actitud estilística de los directos de PTV no diferirá de la de su predecesor y ya desaparecido Throbbing Gristle. La improvisación vuelve a ser el motor fundamental de estos, añadiendo a su vez una carga ideológica mucho mayor que la depositada en la banda seminal. Este recurso les hará ganar miles de acólitos en poco tiempo y despertar el interés de Some Bizzare, cuyo responsable era Stephen John Pearce, un antiguo DJ que por causa de su trabajo empezó a recibir multitud de casetes de formaciones noveles de la época que terminó recopilando en un LP al que bautizó con el nombre del futuro sello. A partir de ese momento, Pearce supo hacer caja fichando a bandas tan carismáticas como Soft Cell. Stevo, (también conocido bajo este pseudónimo) vio clara la posibilidad de publicar los primeros trabajos de Psychic TV aprovechando la notoriedad creada por los desaparecidos TG. Cabe resaltar que, a diferencia de TG, Psychic TV comenzará a introducir en sus directos instrumentos como la batería, orientando cada vez más el sonido de la banda hacia una directriz que el propio P-Orridge desechó al comienzo de su carrera con Throbbing Grsitle. En alguna entrevista realizada durante aquella etapa no ha dudado en arremeter contra el punk, argumentando opiniones como: <El punk no es para nada un movimiento revolucionario, puesto que está fundamentado únicamente en acordes. En realidad, lo que pretenden decirte es: “Compórtate de la misma forma que el resto de la gente, aprende a tocar un par de acordes”. Sin embargo, puedes comenzar sin necesidad de ese par de acordes. Puedes crear una banda y no preocuparte de la manera en la que ésta pueda sonar, incluso tampoco importaría si no sonase, puedes estar durante veinte minutos encima del escenario sin necesidad de generar un solo sonido. ¿Qué más da? Haz lo que te dé la gana.>

Sin embargo, ya fuese debido al influjo ejercido por Ferguson o a la necesidad de expansión que podía propiciar el hecho de fichar con Some Bizzare, cuya distribución era realizada por la multinacional Warner Bros, Psychic TV moldeará un estilo ambiguo y sosegado en su primer trabajo “Force The Hand Of Chance”(1982). Un disco realmente revelador y heterogéneo en el que se dan cita multitud de influencias y nuevas perspectivas. El génesis de lo que años más tarde dará lugar a un movimiento con nombre propio: el neofolk.

Force The Hand Of Chance” vino precedido por un sencillo titulado “Just Drifting”(1982) donde se encuentran, además del tema que da nombre al trabajo, que fue precisamente la primera canción que Orridge compuso junto a Ferguson a la hora de dar forma a Psychic TV, una cara B titulada ‘Breakthrough’ en la que debuta un jovencísimo David Tibet.

Genesis y Tibet mantenían en común un insaciable interés hacia la vida y obra de Aleister Crowley, sin embargo la pasión por la magia y el ocultismo por parte de este último superaba la de Genesis con creces. A finales de los setenta Tibet había ingresado en una derivación de la antigua Ordo Templi Orientis, la llamada Orden Tifoniana, con el fin de ahondar en esta clase conocimientos. Tras varias llamadas telefónicas ambos terminarán conociéndose en Londres a la altura de 1982.

 

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Just Drifting” es la conclusión del poema dirigido a su hija Caresse. Este esqueleto de palabras terminó convirtiéndose en una dulce y tierna canción que sorprende por su delicadeza, algo que Genesis no tenía costumbre de regalar a sus seguidores, lo que provocará una escisión entre los fans más asentados al estilo industrial, que renegarán de las nuevas inclinaciones adoptadas por PTV para dirigirse al lado más oscuro y contrastado que Whitehouse estaba desarrollando en aquellos momentos.

 

El último corte de la segunda cara nos deja entrever los principales rasgos doctrinarios contenidos en su filosofía. Una teoría de corte situacionista deconstruccionista que anima a la actividad organizada. Un concepto que ya venía mascando en la última etapa junto a Throbbing Gristle cuando, en pleno directo, dio a luz de manera espontánea la letra de ‘Discipline’. Este término será ahora el sillar que edificará su templo, una iglesia conformada por todo tipo de personalidades suburbiales que con el paso de los años llegarán a convertirse en leyendas de la nueva música.

A la altura de 1982, Genesis había conseguido estructurar lo que sería el esquema formal de su filosofía, “Thee Grey Book”, un manuscrito que andaba a caballo entre la idea de corpus filosófico y la de código civil. La piedra angular de TOPY en la que influyeron a la hora de su conformación los conocimientos de John Balance y David Tibet. A largos trazos, las ideas contenidas en “Thee Grey Book” no dejan de presentar un cierto tinte postestructuralista foucaultaniano que se entrelaza con firmeza y elegancia a las peculiares doctrinas de Aleister Crowley. Los miembros de TOPY realizaban reuniones de corte libertino en las que no faltará de nada, rindiendo culto al poder sexual y a la masturbación en primera línea. Tal es el carácter sexual que la banda utilizaba como estandarte, que para la presentación de “Force The Hand Of Chance” se realizarán una serie de consoladores de metal en cuyo glande vendrán inscritos los nombres de las distintas multinacionales discográficas más poderosas del momento. Cada uno de estos consoladores de aproximadamente veinte centímetros de longitud fueron enviados a las susodichas con una intención más que provocadora.

La fijación por el esperma como elemento de poder puede discernirse tímidamente desde la etapa de Throbbing Gristle, concretamente en cortes como ‘Still Walking’, contenido en su tercer álbum “20 Jazz Funk Greats”, donde la expresión “hechizo de semen” cobra acto de presencia en su sexta línea. TOPY utilizará el sexo con finalidades mágicas, tanto individual como colectivamente, influido en gran medida por la obra de Austin Osman Spare “El libro del placer. La psicología del éxtasis”.

Desde el comienzo de su carrera como artista, Orridge ha pretendido despertar las mentes de una sociedad hipnotizada por el consumo y los medios de comunicación. El control de la información siempre ha sido un motivo de lucha en todos sus proyectos, tanto musicales como puramente artísticos, desde COUM hasta Psychic TV. Será ahora cuando esa lucha se vuelva más intensa. ‘Message From The Temple’ instruye sobre cómo acabar con la pereza por medio de la disciplina.

 

Realmente, “Force The Hand Of Chance” viene a consolidar dos cosas. La primera es el amor que Genesis siente hacia su recién nacida hija. No dudará en registrar sus llantos en el último corte de la primera cara, que además lleva su nombre, ‘Caresse’; y, por otro lado, el lecho. Este hecho se manifestará en pocos años en las continuas idas y venidas en las filas del conjunto. El propio John Balance, fan incuestionable de Throbbing Gristle que tras conocer a Peter Chistopherson y comenzar una relación sentimental con él entrará a formar parte de las filas de Psychic TV, no dudará en abandonar el grupo en poco tiempo debido al férreo carácter de Orridge, alegando: <Nos encontrábamos haciendo cosas de forma completamente autocrática y en una sola dirección.> A Balance le acompañará el propio Christopherson, y juntos darán a luz a una de las bandas de música experimental más elogiadas de todos los tiempos, Coil.

 

Force The Hand Of Chance” será un fiel reflejo de la fuerza y buena salud de la que gozaba TOPY por aquel entonces. En él se cuenta con la participación de muchos de los miembros que le daban forma, entre los que destacan el líder de Soft Cell, Marc Almond, que pondrá su voz en los temas ‘Stolen Kisses’ y ‘Guiltless’, o la propia mujer de Orridge, Paula (Alaura O’Dell), con la que contrajo matrimonio de forma un tanto impulsiva un mes antes de la disolución de TG, aprovechando el viaje de ida y vuelta a Tijuana. Ella será la madre de sus dos hijas, la ya mencionada Caresse y la futura Genesse.

 

En su primera edición en vinilo, “Force The Hand Of Chance” incluye un LP extra con temas acústicos de naturaleza psicodélica y un póster en blanco y negro jalonado por bordes dorados donde se muestra una intrigante foto de Orridge y Christopherson con claveles blancos en las solapas de sus chaquetas.

Durante esta etapa Psychic TV dará constancia de su actividad dentro del Temple Ov Psychic Youth en una caja que contiene un par de cintas de vídeo VHS de dos horas de duración cada una en las que se muestran una serie de rituales que años después darán mucho que hablar, practicados por todos los miembros del Templo. Se titula “First Transmission”, y parte de su banda sonora será extraída del segundo LP que venía como obsequio en la primera edición de “Force The Hand Of Chance”. Este trabajo fue editado y distribuido por los propios miembros de TOPY, razón por la cual hoy día se trata de un material de difícil acceso debido al escaso número de copias producidas.

Un año más tarde se preparará lo que sería el disco más oscuro y ambicioso de la banda, “Dreams Less Sweet”(1983). En este álbum se invertirán muchas dosis de lo que todo elepé necesita para obtener el éxito: Una distribución encomiable que vino dada por la multinacional CBS, con la que la banda fichará cerrando una suma más que envidiable. Stevo, mánager de Psychic TV, decidirá abandonar a Warner Bros para aliarse con su competidor más cercano. CBS no escatimó en gastos. Some Bizzare consiguió que CBS utilizará para la grabación de los temas que iban a dar forma al nuevo álbum un sistema altamente sofisticado, algo que poco tiempo antes se había usado en la producción de artistas de peso como Pink Floyd o Roger Waters. El susodicho invento era tan innovador que el sello no dudó en justificarlo en la contraportada del nuevo álbum. Recibe el nombre de “sonido holofónico” o “Sistema Zuccarelli”. Éste viene dado en honor a su inventor, el físico Hugo Zuccarelli. Aunque la explicación del proceso resulta extraordinariamente complicada, podría resumirse diciendo que gracias al Sistema Zuccarelli se consigue por primera vez algo parecido al sonido tridimensional. Para su desarrollo resultaba necesario utilizar una especie de maniquí hueco que emulaba al cuerpo humano, colocando micrófonos en la zona de los oídos. El efecto tridimensional se alcanza al registrar la onda acústica que se genera entre el sonido interno del maniquí y el externo o ambiental, dando lugar de esta manera un falso contexto volumétrico que imita la sensación de tres dimensiones. Evidentemente, los más de diez componentes que participaron en la grabación del disco no iban a perder la oportunidad de realizar una performance con el inanimado maniquí utilizado para registrar el sonido. El malogrado objeto fue descuartizado, incinerado y depositado en un ataúd justo después de la finalización de las sesiones de grabación.

En un principio, la pretensión de P-Orridge era que la portada de “Dreams Less Sweet” mostrase una explícita y altamente provocativa fotografía de sus genitales perforados. Sin embargo, finalmente se optaría por crear una especie de paralelismo metafórico colocando en su lugar la imagen en primer plano de una orquídea con un piercing.

Dreams Less Sweet” ha sido objeto de multitud de reediciones, no obstante, únicamente en su tirada inicial se incluirá, al igual que sucedió con “Force The Hand Of Chance”, un vinilo extra que incluye temas que no entraban en el LP principal debido la las limitaciones de espacio. De forma paradójica, será uno de estos cortes desechados, ‘Catalán’, el que poco tiempo después catapultará al conjunto a convertirse en el grupo más controvertido del año 1984. Un año más tarde, Paloma Chamorro, presentadora del mítico programa español de música “La Edad De Oro”, contactó con Valls y le sugirió la posibilidad de contar con Psychic TV en uno de sus programas. Para ello, la propia Radio Televisión Española se encargó de sufragar todos los gastos necesarios para la realización de un psicodélico y delirante videoclip dirigido por el enigmático director de cine Derek Jarman, con el que Genesis ya había trabajando anteriormente en la etapa de TG. Para llevarlo a cabo necesitaron rescatar del desguace el mismo coche en el que el propio Valls sufrió el funesto suceso, y dirigirse a Cadaqués con el fin de filmar el vídeo. “Catalán” no dejará de sorprender hasta al más escéptico. En él se dan cita todo tipo de referencias blasfemas e irreverentes que harán escandalizar a un país que todavía no encontraba su lugar dentro de la recién nacida moralidad demócrata. Podemos encontrar desde nazarenos que portan la imagen de la Virgen de Monserrat en plena procesión mientras ésta es cruelmente latigueada, hasta un Jordi Valls enclaustrado en su coche, declarado siniestro total, fingiendo su propia muerte.

El vídeo, retransmitido durante el programa del 16 de octubre de 1984, fue complementado con una entrevista a Genesis, Jarman y Valls en la que ocasionalmente se podía ver a su hija Caresse correteando alegremente por el plató, una actuación de Psychic TV donde se mostró sin miedo alguno una cruz psíquica con cabeza de lobo que fue confundida con la de un cerdo por la prensa, y una polémica y primeriza performance del propio Jordi Valls en la que se lía a espadazos con un par de cuadros sangrantes que el artista Francesc Casademont le había cedido para recrear la furia dadaísta. El programa, que no tuvo el más mínimo desperdicio, fue motivo de las más feroces críticas, y a partir de ese momento tanto parte del gobierno como la propia RTVE empezaron a observar más de cerca los movimientos, inquietudes e iniciativas de la audaz presentadora, hasta llegar a la ineluctable decisión de cancelar la emisión de este espacio televisivo.

 

Psychic TV había conseguido volver a situarse en el punto de mira de toda la facción conservadora, tal y como Genesis hizo en su momento con sus otros proyectos, COUM Transmissions y Throbbing Gristle. Sin embargo, en esta ocasión echó mano de todos los medios disponibles a su alcance, convirtiéndose en un auténtico conjunto multimedia. Psychic TV no dudó en exprimir al máximo sus recursos para sacarles un buen provecho. Conjugaron grácilmente las doctrinas ético-filosóficas con la música y las cintas de vídeo. Éstas últimas eran realizadas por el propio Sleazy, que aplicaba sus conocimientos del ámbito laboral en la conformación de documentos audiovisuales que fueron la principal preocupación de miles de madres con hijos en plena adolescencia.

Los años noventa no fueron precisamente los mejores para Genesis, que en 1992 es acusado de pedofilia por parte del programa televisivo Dispatches -un espacio respaldado por el Canal 4 británico donde se discutían a modo de tertulia temas relacionados con la actualidad del momento-. La incauta realización del programa tomaría como base de la acusación el conjunto de documentación gráfica que Psychic TV había recopilado en su limitadísimo lanzamiento “First Transmission”(1982), en el que no existe relación alguna con los cargos que se le imputaban. Independientemente, la acusación, liderada por un grupo cristiano- conservador, vio la oportunidad perfecta para conseguir un permiso de registro con el que, aprovechando la ausencia de Orridge por asuntos laborales, entrarán en la residencia de éste y confiscarán gran parte de los archivos referentes a las prácticas rituales de PTV, así como los archivos de Throbbing Gristle, con el fin de hallar algún hecho que pudiese servir de argumento sólido a la acusación, que meses más tarde fue retirada por falta de pruebas.

Genesis, en medio de este escollo, decidirá cruzar el Atlántico para evitar un posible encarcelamiento, pidiendo ayuda a nada menos que Timothy Leary y Anton La Vey. La familia Orridge comenzará una nueva etapa en el mundo californiano, poniendo fin a Temple Records en 1994 y desvinculándose de las riendas de Thee Temple Ov Psychic Youth de forma definitiva, una decisión que, según sus declaraciones, ya había empezado a tomar forma en 1991. Sin embargo, y a pesar de su salida, TOPY no dejó de existir, ya fueron algunos fans acérrimos al artista los que continuaron gestionándola sin el permiso de su creador.

 

Ya en Estados Unidos, la vida de Genesis se enfrentará a importantes cambios entre los que destacan la separación de su mujer Paula en 1994, el registro de su logo -la famosa cruz psíquica- como marca, o la extinción de Psychic TV año después.

 

Durante los años noventa se publicarán y reeditarán multitud de directos de Psychic TV, así como nuevas y psicodélicas propuestas bajo el propio nombre de pila del músico mancuniano y el de su recientemente desaparecida banda; ejemplo de ello los encontramos en CDs como “Sugarmorphoses”(1994), “Breathe – Spoken Ambient”(1995).

 

El mismo año en el que se publicaba “Breathe – Spoken Ambient”, Genesis sufriría un terrible accidente en la residencia del afamado productor Rick Rubin, conocido por ser responsable del resultado de bandas como Public Enemy o Danzig. Éste celebraba una fiesta a la que Genesis había sido invitado por mediación de varios componentes de Love And Rockets. Por causa de un fallo eléctrico, la mansión terminó envuelta en llamas, y el Orridge conseguiría salir de ella con varias fracturas y una embolia pulmonar. La responsabilidad civil que contenía el seguro del hogar suscrito por Rubin fue magnánima y generosa con Orridge, indemnizándolo con nada menos que millón y medio de dólares por daños y perjuicios. Una vez recuperado, Genesis decidirá invertir parte de su fortuna en un cambio de dentición, sustituyendo sus piezas por otras de oro; y poco mas tarde poniéndose implantes de mama.

 

El afán inherentemente creativo de Genesis unido a la necesidad de hacerse un hueco dentro del mercado estadounidense le llevará a trabajar en un nuevo proyecto junto a dos de los Maestros Músicos de Jajouka y Larry Thrasher, con el que ya había colaborado nada más pisar tierra americana. La nueva propuesta recibe el nombre de Thee Majesty, y aunque sus orígenes se remontan años atrás como fruto de la colaboración entre el exlíder de TOPY y Bryn Dall, lo cierto es que sólo en su primer trabajo distribuido por World Serpent, “Time’s Up”(1999) contaremos con la presencia del otro brazo fundacional, siendo Thrasher quien se hará cargo de toda la instrumentación a raíz de su siguiente CD “A Hollow Cost”(2003).

 

 

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La mayor parte de los títulos que siguen a “A Hollow Cost” consistirán en improvisaciones realizadas en directo, un estilo que Orridge lleva cultivando desde el comienzo de su andadura musical junto a Throbbing Gristle. En 2005 aparecerá una colección de remixes y remasterizaciones que recibe el nombre de “Mary Never Wanted Jesus”. Lo destacable de este trabajo, -además de la labor retrospectiva que supone- es la aparición de su nueva pareja, Jaqueline Mary Breyer, más conocida por su nombre artístico, Lady Jaye o Miss Jackie. De cara a la justificación de créditos en el disco, Genesis deja constancia de su inagotable pretensión creativa al darse a conocer bajo un nuevo nombre: Genesis Breyer P-Orridge. Éste es el fruto de la unión entre el suyo propio y el de Lady Jaye, manifestando de esta manera una de las múltiples perspectivas que encierra la conformación de un innovador término acuñado por el propio artista: la pandroginia. Éste viene a definir la similitud existente entre dos individuos que modifican todos sus atributos, tanto físicos como estéticos, con la finalidad de crear una sola identidad compartida, anulando de esta forma la distinción entre sexos.

 

Dos años antes, en 2003, los cuatro miembros originales de Throbbing Gristle decidirán ponerse de acuerdo para retomar la actividad de la banda seminal que dio lugar al llamado movimiento industrial. Para ello, Mute, el sello de Daniel Miller, colaborará con Industrial Records en la edición de un vinilo limitado a tan sólo quinientos ejemplares que recibe el pragmático nombre de “TG Now”, grabado un año más tarde. Este álbum recoge las sesiones que la banda realizaría a modo de ensayo tras su reunificación, sin embargo no es considerado un trabajo serio que pueda expresar la vuelta al ruedo del conjunto.

 

Hasta este momento, todos los miembros de TG habían estado desarrollando sus respectivas carreras en solitario desde la separación acaecida en 1981. Chris & Cosey, al igual que Coil, utilizó World Serpent como canal distribuidor de sus nuevos lanzamientos; mientras tanto Genesis había dado un exitoso concierto en compañía de su por entonces primera mujer Paula, Scott Nobody y algún que otro miembro de PTV bajo el nombre de Throbbing Gristle Ltd. El teatro londinense Astoria vibraría el 3 de junio de 1988 como nunca antes lo había hecho. Jordi Valls sorprendió a todo el público apareciendo en el último tema de aquel espectáculo, ‘Discipline’, con un látigo de tres metros de longitud en cada mano.

 

Throbbing Gristle encuentra como causa de su regreso la reedición en CD de la lujosa colección de casetes “24 Hours” que la banda comercializaría de manera limitada durante 1980. Este hecho hará que los cuatro miembros vuelvan a verse las caras de nuevo en una exhibición realizada en Londres cuyo fin era promocionar el material, y sopesen la posibilidad de retomar su actividad.

A “TG Now” le seguirá tres años más tarde la publicación de “Part Two: The Endless Not”(2007). El álbum mantiene la esencia de sus anteriores elepés, sobre todo en lo que respecta a la instrumentación y su musicalidad. Genesis seguirá echando mano del violín y el bajo, mientras que Cosey se encargará de la trompeta y las distorsiones generadas con su guitarra. La estructura compositiva emula en cierta forma la ya usada en “D.o.A. The Third And Final Report”(1978), donde cada componente ideó una composición por separado para conformar el álbum. En el caso de Genesis, éste contará con el apoyo de su compañero en Thee Majesty, Bryin Dall en el tema ‘The Worm Waits Its Turn’.

 

Tras una serie de conciertos por distintos países, la banda preparará una instalación en el ICA de Londres en la que se realiza una revisión al monumental álbum de Nico, “Desertshore”(1970). Para ello, comenzarán una serie de grabaciones el primer día de junio de 2007 que finalizaron setenta y dos horas más tarde. Todas ellas serán diversificadas y recogidas en doce CDrs que se comercializaron de manera especial dentro de un pequeño estuche de cuero. Para aquella ocasión, Genesis interpretará las letras que estructuran este clásico de los setenta siguiendo el patrón acústico diseñado por Christopherson. “Desertshore Installation” será la última evidencia física que la banda deje plasmada tras su segunda reunión, puesto que poco tiempo después, debido en cierta forma al fallecimiento de Lady Jaye en octubre de este mismo año, Genesis decide escindirse del proyecto.

 

No obstante, Christopherson no cejará en el empeño de continuar perfilando esta idea con el fin de hacer de ella algo más compacto y estructurado. Contará con la ayuda de Cosey y Chris Carter, junto a quienes diseñará nuevos planteamientos acústicos que serán recogidos tras su repentina muerte en el doble LP “Desertshore/The Final Report”(2012). Debido a la desvinculación de Genesis, el trío decidirá no dará a conocer esta obra como parte de la discografía de Throbbing Gristle, sino bajo el nombre de X-TG. No obstante, por causa del repentino fallecimiento de Christopherson en 2010, el disco no pudo ser finalizado, encargándose de ello Chris Carter y Cosey. Contarán con la colaboración de amigos cercanos al ya fallecido Christopherson que pondrán voz a muchos de los temas contenidos en “Desertshore”. Por su parte, “The Final Report” nos ofrece un decálogo instrumental en el que la experimentación vuelve a ser la nota dominante.

Tras la muerte de Christoperson y la disidencia de P-Orridge, Throbbing Gristle se despide definitivamente de la escena para pasar a la historia como la banda más importante e influyente del movimiento al que dio nombre.

 

Fernando O. Paíno

 

Fragmentos extraídos del libro: Fernando O. Paíno. Música Industrial. La Deshumanización del Sonido. Ediciones Milenio. Lérida. 2018.

CUARENTA AÑOS DE ESPLENDOR GEOMÉTRICO

Esplendor Geométrico cumple cuarenta años de existencia. La banda que revolucionó el panorama ruidista peninsular, y que ahora presenta su último trabajo, “Cinética“; se encumbra por opinión popular como uno de los máximos representantes del movimiento industrial de este planeta maldito llamado Tierra. Charlamos con Arturo Lanz, alma máter del conjunto, que nos cuenta en exclusiva para NOmelody muchas anécdotas nunca antes oídas referentes al surgimiento del proyecto y la evolución de este. 

 

 

Situémonos en el año 1980. Juan Carlos Sastre, Gabriel Riaza y tú decidís escindiros de Aviador Dro para crear algo único y novedoso dentro de los sonidos peninsulares. ¿Qué os llevó a crear Esplendor Geométrico? ¿Por qué elegisteis este nombre?

En el año 1980 El Aviador Dro quedó finalista en el concurso de rock Villa de Madrid, y ese premio nos abrió la posibilidad de grabar un larga duración en Moviplay.

Dentro de Aviador Dro había diferencias en la música que nos gustaba a cada uno, pero en general coincidíamos bastante. A Servando le gustaba mucho, como a mí, TG, y a mí me gustaban también Devo, Ultravox y Joy Division, como a él. Lo que ocurrió fue que esa brecha se fue ensanchando poco a poco, y yo me decanté por la línea de TG y Cabaret Voltaire, y Servando por el lado más tecno-pop.

Durante el verano de 1980 nos quedamos solos en Madrid Juan Carlos, Gabriel y yo, y empezamos a componer temas un poco más minimalistas que El Aviador Dro, aunque podrían haber estado perfectamente en el repertorio de la banda. No hubo ocasión de trabajar con esos cortes todo el grupo, ya que nada más venir de vacaciones el resto del Aviador Dro, nos metimos en el estudio a grabar el vinilo con Moviplay.

Durante la grabación hubo algunos roces derivados de las diferentes formas de entender la interpretación de los temas, y unido a los fuertes egos que los chavales de 17 años suelen tener, la cosa derivó hacia el abismo justo después de acabar la grabación. Se disolvió el grupo.

Después de unos días un poco estresantes, decidimos crear otro grupo cuyo nombre (Esplendor Geométrico) procedía del mismo contexto con el que nombramos al Aviador Dro: un libro sobre los mismos que tenía Servando.

 

Los comienzos nunca son fáciles. ¿Por qué y cómo os dio por haceros con un MS20 y crear temas tan abrasivos como los presentados en “Necrosis en la Poya” y “EG1”? ¿Fue una tarea complicada, u os dejasteis llevar por el instinto creativo?

 

El MS20 se lo compró Juan Carlos después vender su guitarra, y Gabriel ya tenía el MS10. Yo me quedé con la caja de ritmos que usaba al principio el Aviador Dro, y conseguimos un eco y un micrófono. También compramos un magnetofón de dos pistas. Además de esto, teníamos un sintetizador de guitarra de Juan Carlos, aunque no lo empezamos a utilizar hasta un poco más adelante.

Los temas del primer sencillo se grabaron en casa de Gabriel, después de deshacernos del primer repertorio de EG, que incluía “Moscú está Helado”, y radicalizar el sonido de nuestros temas. Las voces eran tratadas a través del eco.

Todo fue muy intuitivo. EG1 también se compuso así, pero ya desde mi casa, ya que a Gabriel le prohibieron que siguiéramos componiendo en su casa debido al impacto que el primer sencillo causó en la madre y el hermano de Gabriel.

 

¿De qué manera llevasteis al prensaje “Necrosis en La Poya”? Sé que la edición de este disco guarda más de una anécdota divertida. ¿Podrías contarnos algo más sobre él?

 

Se hizo a través de TIC-TAC, una compañía que hacía vinilos a demanda. El disco fue posible gracias a un mecenas que nos vio en el segundo concierto de EG en 1981 en la sala El Jardín. El repertorio del concierto era de la primerísima época, es decir, bastante más techno que industrial. Me imagino que el mecenas se hubiese esperado un tema como “Moscú está Helado” en el sencillo, pero optamos por los temas que estábamos haciendo ya (“Necrosis en la Poya” y “Negros Hambrientos“, aunque también podríamos haber puesto “Destrozaron sus Ovarios” o “Quince años Tiene mi Amor“). Después de empezar a distribuir el sencillo, dejamos de tener noticias del mecenas…

La distribución la hacíamos nosotros llevando los discos a las tiendas, y por correo. Gabriel era el que se encargaba, y creo recordar que Andrés empezó también a ayudarnos en la distribución. La portada era bastante impactante, y siempre había comentarios bastante explícitos.

 

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A raíz de ese disco muchos empezaron a ignorarnos, sobre todo después del concierto en Rockola, donde presentamos en disco. Este concierto que fue una confirmación de que éramos un bluf, y que no íbamos a durar mucho tiempo después de la escisión del Aviador Dro.

 

¿Cómo surgió la alianza Andrés Noarbe – Esplendor Geométrico?

No se puede decir que fuera una alianza. Andrés siempre estuvo desde el principio, aunque no era miembro del grupo como tal. Era de las pocas personas que nos apoyaba, y además nos ayudaba con los asuntos de intendencia. Era amigo de la infancia de Gabriel y Juan Carlos, y siempre estábamos juntos. Íbamos a su casa todo el tiempo, y allí escuchábamos las cintas y discos que se compraba. Fue un poco más adelante, con el primer LP, cuándo ya se puso más en serio con la distribución junto a Gabriel.

 

Una poesía tan cuidada como la presente en “Destrozaron Sus Ovarios”, “Muerte a Escala industrial” o “Negros Hambrientos” es, cuanto menos, difícil de conseguir. ¿Qué nutría tu genio creativo por aquel momento?

 

(Risas) La letra de “Negros Hambrientos” era de Juan Carlos, que estaba más elaborada. Las letras que transcribía yo procedían de periódicos de sucesos, o de lecturas que algunas veces cambiaba y otras no. No había mucho genio creativo en las letras, más que nada un deseo de epatar y de “hacer amigos”. Poca gente pensaba que éramos unos tíos equilibrados después de oír esas letras.

 

 

Sois una de las pocas bandas de la nueva ola hispana que pega un salto internacional en poco tiempo, triunfando en países como Alemania o Inglaterra. ¿Cómo contactasteis con sellos como Datenverarbeitung o Broken Flag con la intención de participar en sus recopilatorios?

Ellos contactaron con nosotros. Nunca hemos sido muy proactivos. Después de que “Moscú está Helado” se publicase en Alemania nos contactó mucha gente, y después de EG1 también. Estos contactos se consolidaron cuando apareció el primer LP. De todas formas, lo de triunfar en Alemania o Inglaterra me parece, cuanto menos, excesivo…

 

Con Kosmos Kino se inaugura una etapa mucho menos ruidista dentro del ideario del conjunto. ¿Por qué decides rebajar el ímpetu hiriente y desgarrado que caracteriza a los primeros tiempos?

Empezamos a trabajar más con los ritmos, que yo creo que siguieron siendo, en algún sentido, hirientes y desgarrados, sobre todo para los oídos finos.

 

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EG. 1986

 

Lleváis tocando toda la vida. ¿De los innumerables conciertos que habéis dado, cuáles recuerdas con más cariño y por qué?

Los que más recuerdo son los que han significado un aporte personal: todos los de Tokyo, ya que me encanta esa ciudad; el de Santiago de Chile que fue el primero en Sudamérica; los de USA, los del Reino Unido, los de Moscú, la primera gira por Europa con Dirk Ivens en los 90, el de Tolosa, el de Madrid en la sala Macumba, los del colegio Chaminade en los 90, el de Burdeos en los 80; el de Roma que organizó Saverio, también en los 80, y el primero de todos en la tienda de discos Vanguardia en el 81.

 

He tenido el placer de entrevistar a muchas bandas importantes del movimiento industrial, y al preguntarles por sus influencias la gran mayoría de ellas ha citado a Esplendor Geométrico como una de las principales. ¿Qué se siente al ser un referente del movimiento industrial?

La verdad es que no tengo conciencia de que sea un referente. Yo creo que pocos grupos están activos durante 40 años sin interrupciones y de ahí viene lo de ser referentes. No hay nada como perseverar para pasar a la posteridad, aunque sólo sea por cabezonería.

 

Hablando de influencias… ¿Cuáles fueron tus principales influencias a la hora de orientar el sonido de EG?

Ahora, la única influencia que tengo son las posibilidades que me proporcionan los utensilios que utilizo para componer. Escucho mucha música y me gusta una gran variedad de géneros, aunque no te sepa decir casi ningún nombre. En los comienzos, fueron TG, y Cabaret Voltaire.

 

Con la inclusión de Saverio Evangelista al proyecto, allá por los años noventa, la banda inaugura un nuevo sonido que se mantendrá hasta la actualidad. ¿Cómo conociste a Saverio y de qué manera encajó dentro de EG?

Pues un buen día, yo diría que en el 84 u 85, apareció por casa y nos hicimos colegas. Después nos organizó un concierto en Roma en el 86, y empezamos a vernos cada año en Madrid porque venía a pasar vacaciones en España. En el 90 yo me fui a vivir a Palma de Mallorca, y cada año venía a pasar unos días. Durante esos tiempos empezamos a hacer cosas juntos, y de una forma natural se incorporó a EG. Hicimos un concierto juntos los tres, Saverio, Gabriel y yo; y después de ese concierto, poco a poco Gabriel fue dejando de ir a dar conciertos y dejó el grupo.

 

Por qué eres tan reacio a tocar en directo el tema por el que EG es más conocido, “Moscú Está Helado”?

No soy reacio, lo que pasa es que ese tema no tiene que ver nada con EG. Comprendo que le guste a la gente, porque es un corte cuasi pop que podría haber tocado Aviador Dro perfectamente. A mí me gusta también. A ver si hacemos una versión y lo deconstruimos…

 

Recuerdo estar hablando en el aeropuerto con Dirk Ivens (Dive) y que me comentase que eras una de las personas con más energía que conocía. La gente de cuarenta años tiende a quedarse en su casa los fines de semana, sin embargo tú eres capaz de seguir tocando sin cesar desde hace el mismo tiempo que sus vidas y cruzar el Pacífico ida y vuelta en 72 horas para cumplir una sola fecha. ¿De dónde sacas este impulso vital?

La verdad es que no me canso mucho. Corro todo los días de la semana 12 km, y los fines de semana 30km. Necesito tocar en directo, y me compensa horas dentro de un avión para disfrutar de una cosa que valoro como única, y además me considero un afortunado de poder hacerlo.

 

Este año ha visto la luz vuestro último trabajo Cinética. Me ha sorprendido mucho la dinámica que adopta este disco, así como la cuidada yuxtaposición de capas que presentan la gran parte de los cortes que lo dan forma. ¿Podrías hablarnos un poco de él?

Disfruté mucho haciéndolo.

 

¿Cómo percibes el futuro de Esplendor Geométrico? ¿Tenéis pensado seguir dando guerra?

El futuro es el presente, y en este momento estamos más activos que nunca. Me imagino que EG en directo durará hasta que tenga algún problema de movilidad, y componiendo hasta que tenga lagunas mentales que me impidan disfrutar, o que acabe en un geriátrico y no pueda tener mis cosas para componer. Es decir, todo dependerá de causas externas que me impidan una vida normal.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Escupemetralla – “Quiero Ser Guitarra De Esplendor Geométrico, 1994 / 25 Años De Paz, Remezclas 2019”

Una visión caleidoscópica

5_Estrellas

 

Novak - Diciembre de 2019 - experimental/industrial - NVK078

 

Varios artistas. (Consultar enlace anclado a los pies del texto)

 

Escupemetralla puede ser considerado uno de los pilares más firmes de la música experimental de nuestro país. Este dúo formado en las postrimerías de los ochenta presenta un trabajo compartido por diferentes artistas en el que se revisa mayoritariamente el tema que da nombre al disco: “Quiero ser guitarra de Esplendor Geométrico”.

Uno de los grandes puntos a favor que presenta un trabajo de características prontuarias es el hecho de exponer un eclecticismo creativo sobre una idea concreta. De esta manera, podemos apreciar sin problemas es perspectivismo conceptual que puebla y hace mundo al mundo. El dúo catalán Escupemetralla ha tenido en cuenta esto a la hora de plantear un doble CD recopilatorio en el que se dan cita un elenco de grandes artistas cuyo objetivo principal es exponer su propia postura acerca de varios de los cortes que dan forma al repertorio musical del conjunto barcelonés.

 

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El origen del tema “Quiero Ser Guitarra de Esplendor Geométrico” puede hallarse en un recopilatorio publicado durante el año 1994 que recibió el nombre de Noise Club 1. En él se plantea un corte bien andamiado que respeta una estructura de cadencia y fluctuación cercana a la música comercial, pero tocada por la varita del desenfreno. Algo que Escupemetralla no suele sembrar en sus campos conceptuales.

Tomando este patrón como referencia, y reciclando un lema tan poco esperanzador como es “25 Años de Paz” -auspiciado por la dictadura franquista con el fin de elogiar una falsa situación de concordia social de más de dos décadas tras la finalización de uno de los episodios más trágicos de la historia de nuestro país, la Guerra Civil- Escupemetralla ha contactado con artistas punteros de la escena underground tanto nacional como internacional con la intención de revisar sus planteamientos originales. Desde Rapoon, que se marca un corte puramente experimental, muy próximo al dark ambient, pasando por los icónicos Macromassa, para desembocar en O Paradis o los propios Esplendor Geométrico, que también aportan su grano de arena con una interpretación tribal y cíclica exenta de voz. Asimismo se incluye la versión original de Escupemetralla, y dos remezclas confeccionadas por el propio conjunto en las que se diseminan nuevas perspectivas sobre un corte tan icónico y delirante como el ahora que nos ocupa.

Este compendio es una excelente oportunidad para redescubrir la potencia creativa de un conjunto de artistas que han nutrido durante las últimas décadas el ámbito de la música experimental. El sello catalán Novak ha vuelto a realizar un trabajo excepcional en lo que respecta a presentación. La portada del disco nos muestra un ejemplo de la arquitectura funcionalista y brutalista que nutrió la década de los sesenta y setenta en Barcelona. Una etapa en la que finalmente se sacrifica el arte a favor de la practicidad.

 

https://novakrecs.bandcamp.com/album/quiero-ser-guitarra-de-esplendor-geom-trico-1994-25-a-os-de-paz-remezclas-2019

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

A.L.M.A presenta en Madrid su “Invierno Totalitario”

 

Viernes 28-2-2020      Idolo Club/Madrid    https://www.wegow.com/es-es/conciertos/alma-live-idolo-dj

 

A.L.M.A es el proyecto de Pedro Bazán. Este conjunto apuesta por una sorprendente fusión de estilos en la que se utiliza lo subversivo como medio para engendrar un arte sublime. Pura disidencia sonora que arremete contra los patrones de los sonidos convencionales, manteniendo un hilo conductor urdido por la cadencia y lo abstruso. Invierno Totalitario (Grabaciones Perdidas – Gran Sol. 19) es su disco debut. Ocho cortes en los que se expone un revisionismo tan poético como incisivo hacia la sociedad que intenta destruirlos. Un disco mezclado por el mítico Alexander Hacke de Einstürzende Neubauten, que cuenta con colaboraciones de artistas como Nacho Álvarez de Manta Ray o Raúl Gil de Balcanes, entre otros.

De cara a este concierto, y por causa de la compleja instrumentalización utilizada para conformar el álbum, el conjunto se presentará en formato dúo: Pedro Bazán y Raúl T. Andrés jugarán todas sus cartas sobre el escenario para sorprendernos con un directo dominado por la yuxtaposición de capas de sonido en consonancia con una puesta en escena impactante.

 

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Por su parte el proyecto asturiano Igor abrirá la noche revisando gran parte de los temas pertenecientes a su último trabajo Misteria. Ocho canciones en las que este artista logra evolucionar su gramática musical, haciendo del disco un trabajo consistente, rítmico, rebosante de melodía y experimentación. Igor apuesta por paisajes acústicos cercanos al tecno de mitad de los ochenta en los que la sofisticación se ve mezclada con una buena dosis de opacidad, generando de esta manera tonadas realmente brillantes que logran convencer hasta al más escéptico.

https://igorsynth.bandcamp.com/album/misteria

 

El horario de las actuaciones para este viernes 28 de febrero será el siguiente:

21:30 apertura de puertas

21:45 IGOR

22:45 A.L.M.A.

 

Las entradas están disponibles en este enlace:

https://www.wegow.com/es-es/conciertos/alma-live-idolo-dj

Ordre Etern – “Revolució Soterrada”

Removiendo huesos húmedos

4-estrellas

 

Màgia Roja - Junio de 2015 - power electronics - MR011

 

Imperi

Natura

Futur

Foc

Metropolis

Desig

Defensa

 

Aplastante y subversivo. El último trabajo del combo catalán Ordre Etern nos lanza granadas de mano confeccionadas a base de disonancias, furia y lobreguez en estado de oxidación. “Revolució Soterrada” ha sido diseñado para rasgar las paredes de tu conciencia.

 

Dentro de la beligerancia sonora peninsular, el proyecto catalán Ordre Etern ocupa uno de los primeros puestos. Este conjunto nació de las cenizas de una banda anterior conocida con el nombre de Qa’a. Sus dos componentes, Víctor Hurtado y Yarei Molina decidieron juntarse con un tercer miembro, Chris Haslam, también amante del ruido y la perversión sonora en todas sus facetas. En poco tiempo Ordre Etern comenzó a dar su primeros frutos. Sonidos sepultados sobre el rigor industrial más inflexible, en plena combinación con reflejos de percusión y líneas de cuerda.

Vamos a encontrar buenos ejemplos de esta alianza sonora en cortes como “Natura”, que manifiesta de forma incondicional su cimbreante calma, sosteniendo una tensión subrepticia alimentada por intermitentes notas de guitarra sobre las que los sintetizadores visten el casi extinto silencio con secuencias resquebrajadas. Un catálogo de exasperaciones vocales en catalán dotan de espíritu a un tema ya de por sí inclemente. Otros cortes como “Futur” están enterrados en sendas cíclicas de cacofonías insondables sobre las que los ritmos de percusión marcial saben hacerse un hueco.

 

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Metropolis” es uno de los temas más trituradores de todo el disco; un sólido conjunto de agonía vocal envuelta en reverberaciones se alía con una potente y firme percusión, apisonando lo que encuentra a su paso. Sin embargo, no todo es indomable violencia sonora en Revolució Soterrada. Ordre Etern sabe conjugar temas en los que la esperanza se muestra prácticamente interfecta y aprovechar la coyuntura para ensalzar la agonía existencial. “Defensa” es el tema encargado de cerrar el LP, y además cumple este cometido.

Revolució Soterrada ha sido publicado por el sello catalán Màgia Roja en colaboración con Tesla Tapes. Podemos elegir entre tres colores distintos de vinilo. El más limitado de todos ellos es el blanco, del cual solo se han prensado 66 ejemplares. Le sigue un espectacular color verde transparente que ya consta agotado, y la edición estándar en vinilo negro, limitada a 325 unidades.

Si eres de los que piensan que el power electronics es un género atrofiado por sus propias dimensiones conceptuales, Ordre Etern está aquí para hacerte cambiar de opinión.

 

 

Fernando O. Paíno

DARK MAD comienza a dar forma a su cartel de este año.

Los días 23 y 24 de octubre de 2020 tendrá lugar la segunda entrega de lo que ya puede ser considerado el festival de música oscura más potente de toda la Península Ibérica. Dark Mad vuelve a apostar fuerte, contando con un colmado cartel de bandas oscuras pertenecientes a todos los subgéneros que integran el llamado movimiento gótico. Por el momento, el repertorio se muestra tan ecléctico como atractivo. Además, aún es posible que la organización nos depare nuevas sorpresas.

 

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Para todos los interesados en asistir, indicaros que en este momento las entradas se encuentran disponibles a un precio reducido. Éste irá aumentando según se acerque la fecha del evento, por lo que ahora es un momento perfecto para garantizarte la asistencia a este espectacular evento.

 

https://mutick.com/events/entradas-darkmad-2020?fbclid=IwAR3SRW7fCHrEVceKczk8ujMoSokZw8zPt8IHQ-eIuet1n11qWSpzQ8c2Qbo

 

 

 

 

Garazi Gorostiaga – “Irauten”

El final del universo

5_Estrellas

 

Electric Reaction Records - Noviembre de 2017 - experimental - ER019

 

Aiene

Ilun Nahia

Nekea

Oi Gaua

Suga ar

Alu

Mihura

Ertz

Larrutan

Aitari

 

Garazi Gorostiaga diseña un producto marcado por los campos sonoros etéreos y oníricos. Experimental expansivo en el que esta artista bilbaína expone su propia visión sobre el mundo.

 

La creatividad artística es una virtud que no todos poseen. Garazi Gorostiaga no solo la tiene, sino que también sabe cómo utilizarla.

Esta bilbaína lleva ideando esquemas sonoros marcados por los sonidos industriales y dark ambient desde el año 2016, y lo que hoy reseñamos, Irauten, es una de su primeras muestras al público.

Este CD limitado únicamente a veinte copias nos ofrece una perspectiva muy personal e intimista sobre cómo utilizar el sonido con el fin de reflejar la abstracción de una manera inteligible. Sus diez cortes oscilan entre la divagación eidética y la representación ambiental de texturas organizadas en diferentes estratos sonoros, dando lugar a paisajes que hablan por sí solos sin necesidad de articular palabras. La artista logra transmitirnos una significación conceptual muy acertada, cercana a sus pretensiones, y esto, entre otras muchas cosas, hace de este CD algo delicioso.

 

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La urdimbre de líneas utilizadas son muy cercanas al drone en la mayoría de los diez casos, aspecto que escora el disco hacia la quietud y el inmovilismo. No obstante, Garazi sabe salvar este problema ofertando una constante alternancia de lanzas sónicas magistralmente ensambladas con distintos matices estéticos, aspecto que produce una interesante fractura dentro de la preconcebida linealidad que a priori se preveía.

Otro aspecto muy sugerente de Irauten es su conceptualización global. El disco actúa como una sólida molécula en la que sus átomos se mantienen firmes, engarzados entre sí de forma incondicional. Garazi apuesta por un sentimiento de sobriedad elegante con ciertos destellos de mágica expectación, y logra crear algo tan efectivo como suasorio. La bilbaína sabe cómo huir del mainstream con la intención de ofertar algo íntegro y concluyente que ejecuta con eterna fruición.

Desgraciadamente, la edición física de Irauten se agotó hace ya algún tiempo. El disco se presentaba dentro de una bolsa de plástico transparente con zip. Dentro de ella se adjuntaba una pequeña insert en A5 y una pegatina con el logo del proyecto.

Desde NOmelody esperamos que este soberbio ejemplo de ambientación oscura vuelva a ser reeditado en algún formato. Mientras tanto, os adjuntamos un enlace para que podáis deleitaros.

 

https://eclecticreactionsrecords.bandcamp.com/album/er019-garazi-gorostiaga-irauten

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

DEATH IN JUNE presenta un nuevo videoclip

El proyecto británico comandado por Douglas P. presenta un nuevo videoclip promocional con motivo de la reciente reedición del siempre enigmático The Wall Of Sacrifice (1989). El multinstrumentista Miro Snejdr ha llevado a cabo la producción del mismo. En él podemos descubrir fotos inéditas de aquella etapa de transición en la que DEATH IN JUNE combinaba la esencia del neofolk con la experimentación post-industrial.

 

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