Time Ends – “A Tribute to J​.​G. Ballard’s Tetralogy Of Transformation”

Vaticinando el final

The Epicurean - Mayo de 2021 - post-industrial - cure.24

Desiderii Marginis – The Wind From Nowhere

Troum – OUTSIDE (Archaic Landscape)

Troum – IN-SIDE (Archaic Mind-Scape)

Martin Bladh & Karolina Urbaniak – The Poisoned Well

Anemone Tube – Road Of Suffering I-III (I. Hunger For Sense Pleasures, II. Hunger For Existence, III. Hunger For Non-Existence)

Anemone Tube – Primordial Recollection

Anemone Tube – Sea Of Trees – Taking Death As Path

Nada mejor en los momentos que estamos viviendo que disfrutar de un homenaje acústico a JG Ballard, uno de los mayores visionarios del problema que supone el cambio climático en nuestro entorno y las catastróficas consecuencias para los ecosistemas. Desiderii Marginis, Troum, Anemone Tube y Martin Bladh & Karolina Urbaniak interpretan los escritos del autor británico, aportando un estilo asfixiante de ejemplar ejecución que exorna las tonadas. 

No es la primera ocasión que la novela es utilizada como herramienta para vaticinar o proyectar cambios catastróficos e inexorables. JG Ballard comenzó a ser consciente de que algo se estaba haciendo mal en este planeta, y que las consecuencias de ello podrían ser fatales, a mediados de los sesenta del siglo pasado. Él fue consciente de la trascendencia que podía tener la actuación humana sobre el ecosistema, así como los funestos resultados que ésta desataría en la población mundial. Fue por ello que el británico empeñó parte de su tiempo en escribir varias novelas en las que, mezclando la ciencia con la fantasía, conseguía ilustrar un mundo abrazado por la desolación y la hierática venganza de la naturaleza. 

El sello germano The Epicurean ha rendido un merecido homenaje a la obra de este escritor en un trabajo compartido por varios artistas de renombre dentro del género post-industrial.

Desiderii Marginis comienza este álbum con la lectura acústica de “The Wind From Nowhere”. Para ello, y siguiendo la trama encerrada en la novela, el proyecto desarrolla a base de grabaciones de campo un tejido sonoro auténticamente desolador que logra situarnos dentro del contexto catastrófico planteado en la novela, donde se relata una aplastante tormenta que, a modo de diluvio universal, arrasa el planeta. 

Por su parte Troum ahonda en las entrañas de “The Drowned World”, en la que el agente devastador va a ser en esta ocasión el agua. Los efectos purgatorios de este elemento natural sobre el planeta son ejemplificados de forma sobresaliente por el conjunto teutón, delineando a base de disonancias y esbozos melódicos una encomiable banda sonora que se encofra de forma ideal dentro de la proyección conceptual de Ballard. 

Martin Bladh & Karolina Urbaniak comienzan y desarrollan su discurso artístico de casi veinte minutos con una introducción vocal que relata la que quizá sea la más certera y terrorífica de las catástrofes naturales que puedan acometernos en un periodo de tiempo relativamente escaso: la sequía. El dúo plantea una elegante y trabajada combinación de recursos sonoros de talante experimental a los que se le adhieren retazos vocales en donde se narran las farragosas consecuencias que se desprenden sobre la humanidad. La heterogeneidad a la hora de mutar los paisajes sonoros planteados quizá sea la característica más sobresaliente de esta propuesta. 

Anemone Tube clausura este disco ofreciéndonos tres cortes centrados en el desarrollo e interpretación de la novela “The Crystal World”. El artista plantea un puzzle acústico confeccionado a base de grabaciones de campo de cuño fabril y urbanita que son proyectadas ocasionalmente en forma de loops con la intención de cimentar un manto contextual sobre el que otra serie de recursos sonoros se superponen, consolidando una atmósfera única. Stefan Hanser, responsable de este proyecto alemán, ha sabido encapsular a la perfección el sentimiento angustioso que encierra el argumento de esta inquietante novela. “Sea of Trees”, tema con el que se clausura este CD, nos dirige hacia una vorágine acústica repleta de plasticidad y presión. 

Cabe resaltar la ejemplar presentación de este lanzamiento, especialmente en lo referente al diseño de la imagen de la portada, en la que se muestra una hipotética figuración del resultado de nuestra especie tras haber sometido al entorno que nos sustenta a toda suerte de calamidades.

Time Ends – “A Tribute to J​.​G. Ballard’s Tetralogy Of Transformation” se ha presentado en una edición limitada de 140 copias en CD. Se espera una edición en vinilo de color amarillo que llegará a finales de este año. No lo pierdas de vista. 

https://epicureanescapism.bandcamp.com/album/v-a-time-ends-a-tribute-to-j-g-ballards-tetralogy-of-transformation

Fernando O. Paíno

Det Kätterska Förbund – “Lidaverken Del I: Att I Vådeld Förgås”

Enclaustrado en la calígine

Cold Spring - Julio de 2021 - post-industrial/ritual - CSR265CD



He Will Fall

Endless Golgatha

Att I Vådeld Förgås

Sacred Grounds

Bar Är Broderlös Rygg

Vid Hälleberg

Vanhelgat Vard Ditt Namn

Nordvargr y Thomas Ekelund (Trepaneringsritualen) vuelven a aunar ideas y fuerza para crear un nuevo proyecto dominado por la oscuridad y la intransigencia industrial. Det Kätterska Förbund presenta su primer trabajo de la mano del sello británico Cold Spring. “Lidaverken Del I: Att I Vådeld Förgås” encierra siete cortes envueltos en calígine. Ideal para soportar la canícula.

No es la primera vez que estos dos iconos de la música post-industrial oscura aúnan sus ideas con el objetivo de gestar algo nuevo. Ejemplos de ello podemos encontrarlos en el magnífico Alpha Ænigma (2018) bajo el rúnico nombre de ᚾᛟᚢᛁᛁ // ᚦᛟᚦᚷᛁᚷ, que fue lanzado por el sello italiano Old Europa Cafe. En analogía directa con su predecesor, esta nueva propuesta colaborativa se muestra mucho más abierta y rítmica, equilibrando piezas en las que prolifera el dark ambient, como “Att I Vådeld Förgås”, con otras mucho más definidas por la cadencia y con ciertas oscilaciones estéticas que crean una fórmula angulosa y dinámica dirigida a romper el esquema delineado anteriormente por estos artistas.  

Lidaverken Del I: Att I Vådeld Förgås comienza sorprendiéndonos. Los coros que sirven de heraldo a “He Will Fall”, corte con el que comienza este trabajo, nos dejan más que claro que lo que aquí se presenta es una versión de la clásica formación norteamericana The Stooges, concretamente el corte más oscuro de su disco debut de 1969, sin embargo, el “We” del título original ha sido modificado por “He”. Hablamos de una intensa interpretación de un título que marcó no solo a una generación, sino a una plétora de artistas y subgéneros musicales. Su segunda oferta, “Endless Golgatha”, posiblemente sea el tema más dinámico de todo el repertorio. Cosechado a base de sustrato industrial y marcado por la cadencia, en él se combinan profundos cambios estéticos y juegos de voces que logran dotarlo de ductilidad. Un corte curioso a la vez que arriesgado, pero al mismo tiempo interesante y original. 

Att I Vådeld Förgås” nos subsume de nuevo en una profundidad inconmensurable. La cadencia de los tambores se ve ralentizada para dejar espacio a unas saturaciones que oprimen en su justa medida sin llegar a aplastar. Destaca el logrado juego de registros vocales que se entremezcla como si se tratase de masas de aire envenenado, otorgando a esta tonada una atmósfera única. Ambientación lúgubre para todo amante de un Apocalipsis digno. “Sacred Grounds” rescata los ritmos pausados que se habían anunciado anteriormente para salpimentarlos con una melodía bastante vistosa y nutrida en la que las voces de ambos artistas se encofran sobre los tiempos existentes entre las vidas de los golpes de percusión. “Bar Är Broderlös Rygg” puede evocarnos la fórmula mesmerizante aplicada en algunos trabajos de Brighter Death Now, pero desde un enfoque más opaco y misterioso. “Vid Hälleberg” sea posiblemente la joya de este disco, tanto por su fluctuación rítmica como por la estética de los sonidos escogidos. Un tema que, a pesar de pecar de cierto estatismo compositivo, sabe dirigirnos por un camino repleto de sombras y misterio. “Vanhelgat Vard Ditt Namn” incide de nuevo en ritmos pausados que descansan sobre un manto atonal nutrido de drones e intermitencias vocales fracturadas por la distorsión.

Lidaverken Del I: Att I Vådeld Förgås ha sido publicado en dos formatos distintos: CD y vinilo. Este último presenta a su vez dos ediciones distintas que difieren en el color del disco. La más limitada de ellas (restringida a 250 ejemplares) se ofrece en un vistoso tono verde y únicamente se puede conseguir por medio del propio sello (Cold Spring) o de la propia mano de los artistas. 

Fernando O. Paíno.

All My Sins Remembered II – The Sonic Worlds Of John Murphy

Rescatando documentos únicos

The Epicurean - mayo de 2021 - post-industrial - cure.23

Krank – NAOS Number 1

The Grimsel Path – Deviation

The Grimsel Path – Scorched Earth

The Grimsel Path – Hair Soap Candles

The Grimsel Path – Run Please Master

The Grimsel Path – Sideshow Of The Soul

The Grimsel Path – End Of Transmission

Ophiolatreia – Mirror Of Dionysos

Ophiolatreia – Mirror To Dionysos

My Father Of Serpents – Live At RMITV Studio 1988

My Father Of Serpents – Untitled

My Father Of Serpents – Untitled

Ophiolatreia – Untitled

Crank – Untitled

En esta segunda entrega en la que se homenajea la todavía parcialmente desconocida carrera artística de John Murphy, se nos ofrece un acercamiento a sus proyectos más poco nombrados, como pueden ser The Grimsel Path o My Father Of Serpents. En ellos Murphy aporta junto a otros artistas una visión apocalíptica y oscura en la que el post-industrial se alza como género dominante.

Hace aproximadamente un lustro que el sello germano The Epicurean tuviera a bien realizar un homenaje a uno de los artistas más relevantes del movimiento post-industrial, el ya desaparecido John Murphy. Si en la primera entrega nos encontrábamos una colección de canciones dominada por el eclecticismo estético, ahora en esta segunda propuesta hallaremos una cohesión estilística sólida. All My Sins Remembered II rescata proyectos en los que Jonh colaboró junto a otros artistas, como es el caso de The Grimsel Path, el cual formó junto a John Evans -con el que también trabajó en Last Dominion Lost-, My Father Of Serpents, o su proyecto debut Krank.

En rasgos generales, el sonido que aportan todas estas bandas guarda ciertas connotaciones estéticas comunes, como puede ser el talante oscuro y hermético de las composiciones, la oscilación de discursos ruidistas intermitentes, la proyección de collages sonoros que se diluyen para dejar paso a nuevos esquemas cargados de efectismo y plasticidad, voces aplastadas por la flaccidez y el sonido cavernoso, divagaciones experimentales que generan paisajes incómodos y desconcertantes, y sobre todo, un constante y magnífico sentimiento de incomodidad que se dilata hasta abarcar la vida de los dos CDs.  Resulta sorprendente atender al segmento cronológico en el que se encuadra la realización de estas obras y comprobar que, en muchas ocasiones, como es el caso de Crank y My Father Of Serpents, puede haber una década de diferencia entre ellas, sin embargo el cariz estético y la organización compositiva no difiere en exceso. El sonido de los proyectos post-industriales en los que Murphy ha sido miembro activo se caracterizan por esos agregados de percusión sobre metal o parche, ya sea de forma rítmica o improvisada. 

Vale la pena adentrarse en el contenido de este disco homenaje y descubrir un sonido que se muestra cercano a algunos primeros trabajos en casete de The Grey Wolves o las primeras experimentaciones ruidistas de Nurse With Wound, y es que la mayor parte del repertorio que se muestra en este doble CD abarca la década de los ochenta y principios de los noventa, años en los que las citadas bandas de referencia también idearon sus discos más representativos.

The Epicurean vuelve a sorprendernos con un auténtico regalo para los oídos de todo amante de la música post-industrial. All My Sins Remembered II – The Sonic Worlds Of John Murphy es un documento imprescindible para descubrir facetas ocultas de uno de los músicos más representativos y carismáticos de la música underground de las últimas décadas. 

Fernando O. Paíno

Futuro de Hierro – “Costumbres y Medidas”

Óxido rítmico

 Màgia Roja - 2020 - industrial - MR026 

Cada vez más cerca

Construir – Destruir

Costumbres y medidas

Las fuerzas grises (nos están rodeando)

Futuro de Hierro acomete de nuevo con un impactante E.P. a sus espaldas. “Costumbres y Medidas” reúne cuatro temas salvajes y rítmicos en los que las distorsiones y los latigazos sonoros se entrelazan creando un potente y magnético efectismo. 

Cuatro años nos separan de Paso en el Vacío, el primer elepé del proyecto catalán Futuro de Hierro. Víctor Hurtado Torres, responsable de esta empresa de destrucción acústica, apuesta por el uso de ritmos punzantes que decide vestir con ruido áspero, desgarrando cualquier atisbo de paz que pueda existir en tu interior. Las cuatro propuestas que se exhibieron en aquel impactante disco, lograron abrir una senda turbia que debía ser continuada en algún momento. 

Pues bien, ese momento ha llegado, y parece que Hurtado no ha cejado en su empeño de retorcer de forma paroxística las cadencias sonoras, fragmentando las notas una a una, dejándolas secar al sol con la intención de otorgarlas una mayor aspereza. El desasosiego vocal que incrusta sobre el sonido hace que los dos pares de nuevos cortes que estructuran Costumbres y Medidas sean, si cabe, mucho más hirientes que los aportados en su trabajo debut. 

Cada vez más cerca” se presenta con una bofetada. Su mensaje es tan directo como el esquema rítmico que lo acompaña. “Construir-destruir” añade una nueva carga de efervescencia disonante mientras Víctor nos evoca el sentido cíclico de la naturaleza que encierra la actividad humana. 

Costumbres y Medidas”, tema que además bautiza al disco, expone un recurso de cadencia detumescente muy psicodélico y pesimista a partes iguales sobre el que nace la infecciosa lírica del artista. “La base de la música es la magia” -asegura en su letra-, y razón no le falta. 

Las fuerzas grises” aporta un punto y final muy contundente que sabe dignificar al resto de aportaciones. Distorsiones en espiral se aparean con una caja de ritmos que no tarda en ofrecernos derivaciones contorsionadas. Quizá este sea el corte más cohesionado dentro de una aproximación a la electrónica de consumo popular, aunque no por ello puede ser tildado de accesible. 

El sello catalán Magia Roja ha trabajado en estrecha unión con otras casas neerlandesas como Gooiland Elektro o Enfant Terrible con el fin de editar este trabajo en vinilo. No te escapes sin escucharlo.

Fernando O. Paíno

Poupees Electriques – “Électriques!”

Angulaciones eléctricas

Geometrik - Mayo de 2021 - minimal/industrial - GR2151

Connectivité

Resistivité

Semi-conducteur

Impédance

Polarité

Magnétisme

Accumulateur

CD2

Semimagnetismo

Semi-conducteur (Abraxas Dopage Remix)

Impédance

Accumulateur

Bad Connection

Resistivityless (Meatless Remix)

Allumage de l’Accumulateu

Poupees Electriques logra proyectar un nuevo estilo mucho más minimalista y rítmico que el presentado en su anterior trabajo “JET – Nuclear Fusion Device”, delineando temas impactantes base de golpes de ruido y fluctuaciones sonoras. Siete nuevos cortes para el disco principal, al que se añaden otras siete propuestas en un segundo disco extra donde artistas nacionales de la talla de Esplendor Geométrico aportan su interpretación sobre la obra de este espectacular conjunto. 

Si JET – Nuclear Fusion Device, el disco con el que Poupees Electriques se presentaba al mundo, ya dejaba clara la inmensa calidad ejecutiva y compositiva que el por aquel momento trío albergaba, ahora en Électriques! vamos a sorprendernos con una nueva y particular perspectiva mucho más rítmica y minimalista. Cadencias pausadas que sustentan cuerpos acústicos conformados por disonancias, drones y destellos de ruido blanco, todo ello deudor de un sonido netamente analógico de estética fría y apática, seleccionado y ensamblado con mimo y precisión. 

Carlos Arillo y Elia Martín han sabido dar un paso adelante con la conceptualización de esta nueva obra, aportando una visión mucho más definida, menos experimental, donde el orden y la matemática imperan sobre la improvisación. Ruido y ritmo logran conciliarse de forma magistral, acercándonos temas tan sorprendentes como introspectivos y turbadores. “Connectivité”, con el que da comienzo el disco, es toda una declaración de intenciones que condensa la idea que va a ser desmultiplicada a continuación en sus seis propuestas posteriores. Electriques! apuesta por la simplificación y el efectismo estético, consiguiendo resultados muy personales que encajan a la perfección dentro del cariz del sello que lo publica, la casa madrileña Geometrik Records. Vale la pena detenerse a degustar cortes como “Impédance” o “Magnétisme”, donde la yuxtaposición de recursos acústicos resulta envidiable, trabajando con una nutrida paleta de alternancias disonantes. 

El CD que acompaña al principal presenta siete interpretaciones de cortes realizados por artistas cercanos al conjunto, como pueden ser Esplendor Geométrico, que apuesta por una interpretación de “Magnétisme” que lleva implícita la firma de la casa, Orfeón Gagarin aportando un remix de “Impédance”, o una increíble proyección de “Bad Connection” cercana a la experimentación oscura realizada por Microplex.

Électriques! se postula como una de las mejores ofertas de minimalismo industrial en lo que va de año, no pierdas la oportunidad de descubrirlo. 

Fernando O. Paíno

Himukalt – “Knife Through The Spine”

Rabia y fuego

Cold Spring - Marzo de 2021 - power electronics - CSR289CD

Nude On Beach

Staggered, Crushed

I’m Afraid

Be Sure Of Your Diagnosis (Version)

Social Anxiety #1

Want You To See Me (The Voyeur Tapes #10)

Social Anxiety #2

The American Redhead

La carrera editorial de Himukalt explosionó de forma salvaje hace cinco años. Desde aquel momento, el proyecto personal de Ester Kärkkäinen no ha dejado de presentar nuevos y continuados lanzamientos que se fundamentan en sonidos afines a la electrónica extrema. Himukalt araña el academicismo compositivo con la intención desgarrar el sonido de forma intransigente, ofreciendo una suerte de collages acústicos en los que la cacofonía es la reina de la fiesta. 

Knife Through The Spine fue publicado por la emblemática casa estadounidense Malignant records durante el 2018, agotando las doscientas copias de su prensaje en vinilo en poco tiempo. Ha sido durante este año 2021, y debido en gran medida al incremento de su notoriedad, cuando otro sello emblemático del sonido industrial como es Cold Spring ha decidido rescatar este perturbador trabajo con la intención de remasterizarlo y presentarlo en formato CD. 

Knife Through The Spine encierra ocho cortes hundidos en el hermetismo y la presión industrial. La dinámica acústica de Himukalt se basa en la yuxtaposición de estructuras disonantes, conformando una urdimbre de fluctuaciones ruidistas que no llegan a desemparentarse de una matriz hierática y tajantemente sombría. Kärkkäinen recorta y esputa voces salpicadas por la distorsión con las que exorna las tonadas que ocasionalmente pueden recordar a otras reinas del alarido como Puce Mary. La artista no duda en aplicar un reduccionismo compositivo inflexible que se retuerce en una actitud apática e intransigente con la intención de sacudir notas repletas de odio.

Sorprende la inusitada agresividad que se ha inyectado en la totalidad de sus cortes, pudiendo resaltar ”I’m Afraid” o la paroxística “The American Redhead” como dos de sus más cruentas propuestas. Hablamos de un power electronics escorado hacia el sonido de la escuela de los primeros años noventa, pero que, sin embargo, sabe añadir más dinamismo a sus composiciones que en lo que por aquellos años se nos ofrecía, zigzagueando sin parar, aplicando un manierismo compositivo que le hace relucir por su extrema crudeza, y que tiene como único objetivo desestabilizar al oyente. 

Otro rasgo muy apreciable de Knife Through The Spine es la nutrida paleta de recursos acústicos que presenta el trabajo, y es que dentro de la amalgama de sonidos distorsionados que encierra este álbum descubrimos una inteligente y variadísima colección de texturas que son ensambladas de la mejor de las maneras posibles, buscando crear temas tan impermeables como rotundos. 

Si todavía no conoces Himukalt, esta es tu oportunidad. Cold Spring acerca al público europeo sonidos que, hasta la fecha, han sido difíciles de conseguir dentro del viejo continente. Knife Through The Spine no puede ser pasado por alto por un seguidor del género power electronics.

Fernando O. Paíno

Westwind – “Despair”

Himnos de guerra

Steelwork Maschine - Marzo 2021 - Martial/Industrial - SMR022

Westwind da un paso adelante con la publicación de “Despair”. Seis cortes en los que se presenta una ambientación netamente marcial colmada de tensión y dramatismo. Ideal para amantes de Death In June o los primeros Dernière Volonté. 

Westwind lleva más de dos décadas cultivando un estilo que estuvo muy en boga durante los albores de este nuevo siglo, el martial folk. El conjunto galo ha profundizado consecuentemente en el desarrollo de este género, ofreciéndonos buenas muestras en trabajos como The Bunker (2002) o el aclamado Ravage (2008). Este 2021 nos ha traído una nueva entrega física en la que se dan cita un conjunto de cortes carentes de título en los que se condensa una presión desmesurada de sabor belicista. 

Despair esconde temas de naturaleza instrumental que bien nos pueden evocar esos primeros momentos de Dernière Volonté o la taxatividad moral de Predella Avant. Cortes en los que el paso firme del tambor marca el discurso instrumental sobre el que melodías cargadas de dramatismo dan cuerpo y forma a historias que desean ser narradas. No obstante, Westwind no se encierra en un esquema estéticamente inquebrantable, ya que de forma ocasional opta por añadir sintetizadores que aportan melodías cercanas al synth pop consiguiendo resultados muy consistentes. El segundo tema de la cara B del vinilo es un perfecto ejemplo de ello: en él podemos comprobar esa sólida alianza de matices que logran un resultado perfecto. 

La canción encargada de cerrar el disco nos esconde una grata sorpresa. Precedida por ruidos atonales que clausuran la tonada anterior, unas voces de radio dan la bienvenida a los familiares samples de violín que configuran “Despair”, uno de los himnos más emblemáticos del Take Care and Control (1998) de Death In June, y que además otorga el nombre a este nuevo álbum de los franceses. 

El CD que acompaña a la edición limitada del vinilo viene con dos temas extra que abrazan un estilo más tajante que el que se ofrece en el LP. En el primero, la cadencia se ve reducida con intención de generar peso y tensión, dando a luz una tonada firme y sentenciadora. El último coquetea con la cacofonía y los samples vocales cargados de eco que, una vez más, no hacen recordar grandes momentos de la primera etapa de Death In June con 93 Dead Sunwheels.

El sello francés Steelwork Maschine ha sido el responsable de esta fantástica y cuidada edición en vinilo de color grisáceo.  

Fernando O. Paíno

I Remember You (Original Soundtrack)

Hielo islandés

Cold Spring - Diciembre de 2020 - dark ambient - CSR287CD

Intro

Sigling

Hesteyri

Kjallarinn

Bernodus I

Lækurinn

Reykjavik

Benni

Hvalstöðin

Montage

Bernodus II

Freyr

Endir

Móðir mín í kví kvi

I remember you es el título que recibe el último largometraje del director islandés Óskar Thór Axelsson. Este thriller basado en una novela de Yrsa Sigurðardóttir nos sumerge en las turbias desventuras de un grupo de jóvenes que deciden reformar una casa en un pueblo abandonado. La banda sonora viste de tensión a este film, y Cold Spring nos la presenta. 

A estas alturas, todos sabemos que mudarse a un pueblo deshabitado en compañía de tu grupo de amigos con la intención de renovar una casa unifamiliar de la cual desconoces por completo su pasado, es algo poco aconsejable; a no ser que tu intención sea nutrir el guión de una película de suspense. Esa precisamente era la pretensión de Óskar Thór Axelsson, director de este largometraje islandés que ha recibido un puñado de buenas críticas por parte de la prensa. 

Es innegable que gran parte de la consistencia de una película de terror radica en la calidad de su banda sonora. Resulta estrictamente necesario que el sonido se adapte como un guante a la secuencia narrativa, ya que, de otra forma, la historia perdería mucho impacto sensorial. El trabajo realizado por Frank Hall, responsable del discurso acústico de esta película, ha sido más que sobresaliente. Este compositor ha dimensionado la trama acústica del film en catorce cortes rebosantes de tensión. Gran parte del secreto que nutre este recurso se encuentra en la adecuada utilización de los intervalos de silencio como refuerzo desestabilizador. Hall idea unos contextos salpicados por atmósferas polvorientas y desapacibles que bien pueden recordarnos a algunos pasajes del galés Lustmord. Resulta sorprendente saber que esta es la primera obra publicada de este compositor, ya que la calidad que emana de su sonido, cuanto menos, logra impactar. Ejemplos epatantes los hallamos en “Sigling”, una tonada marcada por cadencias cimbreantes sobre las que instrumentos de viento van desvaneciéndose mientras proyectan un discurso de notas graves. Conviene detenerse en “Hvalstöðin”, uno de los momentos más tremebundos de todo el CD en donde la ambientación oscura adquiere su máxima expresión.

I remember you ha sido publicado por el sello británico Cold Spring en formato CD. Se presenta protegido por un digipak de doble panel y su interior nos muestra algún fotógrafa de esta espeluznante película.

Fernando O. Paíno

Njurmännen – “Terror In The Dollhouse”

Los primeros ritmos del industrial oscuro

Old Europa Cafe - Mayo del 2008 - post-industrial- OECD 110

Alfa Romeo

Big Guns

The Reptile Enclosure

Telepathic Hot Line

Space Manifesto

Space Craft

Sweet Labour

Silicon Or Brimstone?

Theories On Love And Thought Control

Popstar 

Sticky Atmosphere

Letzte Tage, Letzte Nächte

Negativeland

Von Daniken

Krympling

Njurmännen es una de las primeras bandas que cultivaron el post-industrial en Suecia. Su historia se remonta al primer lustro de los ochenta, y desde entonces han sabido ofrecernos una abundante oferta de interesantes discos. Old Europa Cafe reeditó hace unos años ‘Reality Adventures’, uno de sus trabajos más consistentes, añadiéndole un buen surtido de temas que no formaron parte de la publicación original. “Terror In The Dollhouse” es el nombre que recibe esta reencarnación.

Corrían los albores de los noventa. Njurmännen era un conjunto que, en lo referente al sonido post-industrial, había conseguido labrarse un nombre destacado dentro de la plétora de bandas europeas que tímidamente iban cimentando las bases de lo que años después llegaría a ser un movimiento consolidado. 

La experimentación electrónica es el estilo que ha definido a un grupo marcado por un constante eclectictismo estético. Esto ha sido debido en cierta forma a la constante modificación de las filas de la banda, por la que ha pasado hasta Lina Baby Doll cuando decidiese comenzar a enrolarse dentro de la creación musical, allá por el ecuador de los años ochenta. Es por ello que definir un estilo concreto o perfilado que pueda representar a Njurmännen resulta harto complicado. 

Terror In The Dollhouse encierra uno de sus trabajos más laureados, el LP Reality Adventures, un dechado de ambigüedad que transige con el influjo de los Swans y The Young Gods, adaptándolo a unos patrones mucho más electrónicos y psicodélicos. Un disco que nos descubre una de las etapas más imaginativas del combo, en el que se entrelazan multitud de sensaciones distintas, combinando una amalgama instrumental sobre una base rítmica que se encofra sin problema dentro del estilo más transigente del post-industrial de los noventa. Cortes tan convincentes como “Letzte Tage, Letzte Nächte”, el cual apareció originalmente dentro del E.P. Cosmic Kraut Hits (92), nos acercan una idea de transitoriedad compositiva en la que el ritmo y la melodía saben adaptarse a cadencias de genética netamente industrial. Aunque todavía es pronto para hablar de angst pop, muchos de los planteamientos compositivos que encierra este disco guardan cierta consonancia con los patrones compositivos que caracterizarán al aún por entonces inexistente subgénero. 

Conviene detenerse a apreciar cortes tan recomendables como “Sweet Labour”, un gran ejemplo de heterogeneidad rítmica que despierta la esencia de aquellos Swans que arrasaban con Holy Money años atrás. Sin lugar a dudas hablamos de un trabajo que evoca sonidos que hoy en día han dejado de ser cultivados y que merecen ser descubiertos por las nuevas generaciones. 

Terror In The Dollhouse se muestra como una excelente oportunidad para descubrir a una de las primeras formaciones suecas que escoraron su sonido hacia los ritmos industriales. Old Europa Cafe ha realizado una excelente labor prontuaria aglutinando estos manifiestos sonoros en un CD presentado en digipak.

Fernando O. Paíno

Jagath – “Devalaya”

Sonidos desde la oscuridad de la fábrica 

Cold Spring - Diciembre de 2020 - dark ambient - CSR290CD

  • Agadha
  • Utthana
  • Catu
  • Devalaya
  • Nila

El estilo de Jagath es tan infrecuente como la estética de su sonido. Este combo ruso configura esquemas dark ambient partiendo de grabaciones de campo localizadas en viejas fábricas abandonadas. Los sonidos metálicos y las percusiones fortuitas se envuelven en ecos mezclados con registros vocales para configurar un álbum oscuro y sobresaliente. 

No es común abordar un disco tan hermético en sonido y estética compositiva como Devalaya

Jagath es la banda que lo ha gestado, un conjunto ruso centrado en grabaciones de campo localizadas en fábricas abandonadas. Haciendo uso de distintos instrumentos de uso cotidiano como palos, placas de metal, piedras y otra serie de elementos utilizados en los sectores secundarios, han conseguido elaborar un disco tan hermético como hipnótico. Cinco cortes que llevan un discurso parejo, centrado fundamentalmente en la abstracción oscura salpimentada con registros vocales que bien pueden recordar a sus compatriotas Phurpa

No obstante, si tuviéramos que comparar el estilo de Jagath con el de alguna banda icónica dentro de este género, no dudaría en hacer analogía con el clásico Ligeliahorn de Metgumbnerbone, una obra capital dentro del género dark ambient y ritual que combina los mismos recursos que ahora se exponen en Delavaya

De hecho, este último trabajo presentado por la casa británica Cold Spring nada tiene que envidar al cotizadísimo e inaccesible LP al que nos acabamos de referir. El ceñimiento de vacío e inmensidad que ambos discos emanan es algo realmente complicado de describir. Además, la producción realizada sobre la totalidad de los cortes que dan forma a Devalaya es auténticamente digna de alabanza. Más aún en un disco de estas características en donde las capas de sonido realizan una función esencial a la hora de conformar una sensación de espacialidad que dote de un cierto efecto volumétrico al sonido. Un álbum que reclama ser escuchado en completa y absoluta oscuridad, que delinea formas inconclusas que no permiten la proliferación del estatismo.

Cold Spring ha presentado este recomendadísimo trabajo en formato CD, protegido por un digipak de seis paneles bellamente trabajado. En sus paneles interiores podemos apreciar a los miembros de la banda realizando una suerte de ejercicio pirotécnico.

Desde NOmelody deseamos la continuación editorial de este conjunto. Delavaya es un debut magnífico que merece un acalorado aplauso.

Fernando O. Paíno

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