Tras más de cuarenta años de carrera musical y una discografía impactante, el dúo ítalo-hispano, Esplendor Geométrico, regresa al mercado con un impactante trabajo entre manos: “Strepitus Rhythmicus” combina la cadencia fabril con diseños acústicos orientados a las sesiones de baile más lisérgicas. Hablamos de un álbum sorprendente de principio a fin.
La capacidad creativa de este mítico conjunto parece no cesar jamás. Si el año pasado Esplendor Geométrico nos sorprendía con la limitadísima edición compartida con De Fabriek,Disco Rojo, ahora este dúo formado por Arturo Lanz y Saverio Evangelista vuelve a ser noticia gracias a un nuevo y rotundo trabajo, Strepitus Rhythmicus.
Ejecutivamente hablando, la totalidad de los cortes que vertebran esta nueva oferta mantienen los esquemas compositivos por los que EG son mundialmente conocidos: Hablamos de estructuras cíclicas y envolventes que generan en el oyente una suerte de hipnosis, situándolo entre paisajes surrealistas salpimentados con una buena dosis de futurismo exacerbado. El resultado no te dejará indiferente. Esplendor geométrico nos vuelve a dejar sobre la mesa temas tan aplastantes como categóricos. Perfectos ejemplos de música electroacústica enclaustrados en una insensibilización estética que les hace ser algo único.
Lo más curioso y a su vez elogiable de Strepitus Rhythmicusquizá sea el equilibrio resultante a la hora de combinar temas netamente industriales y abstractos como “Revolución” con otros escorados hacia el ritmo más puro, tomando por ejemplos “Concesión” o “Gravitar Alrededor”. Este acusado contraste dota a Strepitus Rhythmicusde un interesante dinamismo que logra restar densidad a su resultado final, haciendo del álbum algo dinámico y de fácil escucha.
Huelga decir que la producción vuelve a destellar, alcanzando unos matices de sonido espectacularmente definidos, todo esto sin perder el talante hierático y fabril que define el estilo de estos pioneros de la música independiente hispana. Supone más que placer el hecho de apreciar la innumerable multitud de sonidos y grabaciones de campo que se dan cita en esta nueva propuesta. Hasta contamos con registros de voz del Metro de Madrid salpimentadas con fórmulas acústicas ancladas en el rhythm & noise.
Strepitus Rhythmicus está teniendo una acogida espectacular. En tan solo un mes se ha agotado la edición limitada en vinilo de color y en CD, esta última acompañada por un epatante directo. Sin embargo, todavía puedes hacerte con la edición regular en LP y en CD; a esta última se le han añadido dos temas extras: “Estático” y “Entorno”. Puedes conseguir un ejemplar en la página del sello, Geometrik.
Cold Spring - Diciembre de 2023 - ambient - CSR308CD
Sputnik es una película altamente inquietante cuyo lanzamiento se vio pospuesto por causa de la epidemia del COVID19. En ella se narran las desavenencias sufridas por un par de astronautas soviéticos tras su regreso a la Tierra después de realizar una serie de estudios en el espacio. ¿La Guerra Fría podría haberse complicado aún más si contásemos con la presencia de alienígenas en nuestro planeta? Oleg Karpachev da forma a una banda sonora potente en la que prevalece la esencia del dark ambient.
Como todos sabemos, el Sputnik fue el primer satélite espacial en surcar el espacio, además de ser también el nombre con el que bautizarían los futuros proyectos vinculados a esta empresa. Fue puesto en marcha durante 1957, y supuso un rotundo éxito para la hoy desaparecida Unión Soviética, hecho que significó un verdadero espaldarazo para los comunistas, por lo menos en lo referente a investigación astronómica.
El argumento de la película a la que pertenece esta epatante banda sonora que hoy analizamos es tan magnético como predecible: Unos astronautas viajan al espacio por causa de una misión estrechamente relacionada con la llamada carrera espacial que ambas potencias antagónicas (USA y URSS) llevaban a cabo desde finales de los cincuenta. Tras veinte años de continuas pruebas, en 1983, una nave soviética regresará a la Tierra con uno de sus tripulantes muerto, mientras que el otro, todavía con vida, comienza a presentar extraños síntomas que hacen colegir al resto del equipo de investigación la presencia de vida extraterrestre. El resto de la trama se puede sacar en conclusión: terror, constantes sobresaltos y tensión. Mucha tensión.
Evidentemente, un argumento de estas características exige una banda sonora en la que se combine magistralmente la quietud con la calma de forma muy contrastada, como si de un efecto de claroscuro se tratase. El compositor ruso Oleg Karpachev idea una increíble colección de temas que se complementa magistralmente con el guión que acabamos de escudriñar. En esta banda sonora prevalece la oscuridad y las pinceladas de estilo postindustrial, aderezadas con sorprendentes esquemas sonoros de cuerda y tajantes cadencias que se configuran desde la inestabilidad y el devenir acústico, musculándose hasta consolidar unas estructuras aplastantes.
Aunque el disco lanzado por Cold Spring podría pasar perfectamente por un trabajo de dark ambient, no debemos olvidar que este fue ideado para alimentar una trama visual, por lo que es del todo normal que ciertos planteamientos musicales o fórmulas de intensidad se repitan ocasionalmente, lo cual no resta calidad al producto.
Sputnik ha sido publicado en formato CD. Su portada nos muestra al malogrado personaje principal, ataviado con su traje de astronauta, el cual se ve amenazado por la siniestra sombra del alienígena que ha traído a nuestro planeta.
Oleg Karpachev ha realizado una fabulosa labor en esta banda sonora. Muy recomendable para los amantes de las atmósferas gélidas.
Kristófer Páll Viðarsson es el responsable de Aska, uno de los proyectos más enigmáticos del llamado angst-pop. Grandes trabajos como “Grátónar” o su reciente y aclamado lanzamiento con el sello de culto Galakthorrö “Út Við Sundin Grá” se encargan de certificarlo. Este artista islandés lleva ideando música desde antes de 2015. NOmelody tiene el honor de intercambiar impresiones con él, ahondando en su perspectiva musical y el futuro del proyecto. Dentro de poco estará actuando en el mayor festival de música alternativa oscura del planeta: el Wave Gotik Treffen.
1. ¿Cuándo empezaste a producir canciones bajo este nombre artístico? ¿Has tenido algún proyecto musical antes de esto?
Crecí escuchando heavy metal con mi padre. Recuerdo con cariño aquella época. Nunca olvidaré cuando me compró Seventh Son of a Seventh Son (1988) de Iron Maiden cuando tenía nueve o diez años. Sin embargo, me ordenó que me mantuviera alejado de “esos gritos sin sentido” sin importar nada. No hace falta decir que la situación se intensificó increíblemente rápido desde Iron Maiden hasta Cradle of Filth y, finalmente, el black y el death metal. Todavía trato de encontrar tiempo para Telepathic with the Deceased, Geist ist Teufel o Vampires of Black Imperial Blood de vez en cuando, pero el metal no suele ocupar un lugar destacado en mi lista de prioridades.
Dejé Vansköpun (2011) después de sólo un EP “Alsæla gegnum endurfæðingu”. Hay material inédito que nunca grabé. Dagur de Misþyrming me anima a grabarla de vez en cuando, ya que todavía tiene las partituras. Incluso se ofrece a hacer todo el trabajo de cuerdas por mí, ya que no he tocado la guitarra en diez años, pero tiene un tiempo limitado y no existe un deseo particular por mi parte. Aun así, sigo manteniendo una fuerte relación con la escena del black metal islandesa. De vez en cuando creo letras y una atmósfera sintetizada para amigos, bandas como Misþymring y Andavald, por ejemplo.
No es fácil determinar exactamente cuándo me di cuenta de que lo era la electrónica. Tal vez cuando escuché Black Celebration (1986) de Depeche Mode por primera vez en su totalidad, que sigue estando entre mis álbumes favoritos hoy en día a pesar de que no se compara con A Broken Frame (1982). Al menos me di cuenta de que lo que buscaba en mi música no era teatralidad sino tristeza, anhelo y mirada hacia adentro.
Aska fue conceptualizado a principios de 2013 con la idea de hacer ola de frío con énfasis en el frío. En ese momento también me estaba interesando más la poesía, y se me ocurrió la idea de experimentar con la palabra hablada. El álbum debut Grátónar se lanzó en Bandcamp en mayo de 2014. Aproximadamente un año después se lanzó un LP en el efímero sello islandés Ronja Records. Grátónar fue compuesto más o menos en guitarra, ya que no tenía experiencia con el teclado, pero podía mover datos MIDI de Guitar Pro a Reaper y secuenciar mi Minibrute de esa manera. Antes de darme cuenta había vendido mis dos guitarras, el ampli y todo lo relacionado con las cuerdas para financiar un secuenciador Telemark + Oberkorn de Analogue Solutions junto con la computadora de ritmo Tanzbär de MFB. Todavía extraño el equipo de Analogue Solutions, pero para financiar un sistema Eurorack decente todo tenía que desaparecer.
2. ¿Qué ha supuesto para ti fichar por el sello alemán Galakthorrö? ¿Crees que tu estilo se adapta bien a los patrones de esta legendaria marca de culto?
Al estar fuertemente inspirado en el catálogo versátil y único del sello, Galakthorrö es el entorno perfecto para no guardar nada. Durante un par de años, esperar la carta anual de Galakthorrö fue para mí lo más destacado del año. Roland y Karin son figuras influyentes, y confío en su criterio y consejo. La forma en que abordan la música con una estética única y decidida y con vulnerabilidad a través de la experimentación es algo a lo que aspiro. Hacen las cosas a su manera. Que Galakthorrö fuera completamente independiente fue algo que al principio me costó creer y que siempre he respetado.
3. ¿Qué exiges de tus composiciones? ¿Qué te inspira?
Siempre supuse que Aska ampliaría mi poesía con la electrónica para experimentar, y eso nunca ha cambiado. Trabajar en Aska puede resultar bastante agotador a veces, por lo que es importante que los poemas tengan suficiente espacio para respirar, ya que reflejan ese estado mental.
En cuanto a la inspiración, puede ser cualquier cosa, desde un recuerdo de la infancia, un comportamiento inesperado de un sintetizador, la poesía que estoy leyendo o lo que está pasando en mi vida en ese momento. Estar atrapado en mi cabeza, el amor y las relaciones con las personas, los arrepentimientos, vivir con un temor persistente hasta donde puedo recordar, los conceptos erróneos y siempre imaginar la peor conclusión posible en cada ocasión es algo de lo que saco… ansiedad y pánico. El desorden realmente crea un espacio mental creativo. Ideas no me han faltado desde que empecé con Aska, aunque trabajo bastante despacio. Los últimos años me ha inspirado especialmente la poesía del nórdico Tor Ulven, en particular su enfoque de la naturaleza, la condición humana y la soledad crónica. Si existe traducción en tu país, no lo pienses dos veces si te topas con uno de sus libros.
4. Tu trabajo debut con Galakthorrö es realmente impresionante. ¿Cómo surgió la idea? ¿Ha sido complicado ponerlo en práctica?
Muchas gracias, eso significa mucho para mí.
Út við sundin grá se traduce como «por el estrecho gris» y es un juego de palabras. Se basa en un antiguo dicho islandés sobre alguien que está «en el estrecho azul», o «að vera við sundin blá», que se refiere a estar cautivo en Kleppur, el hospital psiquiátrico islandés, situado en el estrecho de Viðeyjarsu. Es famoso por tratar mal a los pacientes, al igual que muchos asilos del pasado. Así surgió la idea del título del álbum: estar cautivo de la propia cabeza desagradable.
5. ¿Qué equipo sueles utilizar para crear tus composiciones?
Tengo algunos sintetizadores, pero el sistema Eurorack tiende a ser el núcleo de mi diseño de sonido, sin importar si se usa como una voz sustractiva estándar, un bucle de retroalimentación manipulado por un voltaje de control o cualquier cosa intermedia.
6. Pronto actuarás en el Wave Gotik Treffen de este año. Sin duda, uno de los festivales independientes más relevantes de toda Europa, y el más importante dentro del espectro oscuro. ¿Estás feliz? Dinos más sobre eso…
Estoy encantado de participar en Wave Gotik Treffen y tengo muchas ganas de que llegue el festival. Las actuaciones de Aska son pocas y espaciadas, por lo que el interés de Wave Gotik Treffen por mi música es muy especial para mí. La confianza en mí y en mi material me pareció hermosa, ya que no he actuado desde agosto de 2019 en Islandia.
7. ¿Cuáles son tus influencias musicales?
Tiendo a buscar música intensa y miserable.
8. ¿Tienes en mente hacer más conciertos?
Sí. Me tomé un largo descanso para concentrarme en la composición, pero ahora me siento listo para actuar, y he tratado de encontrar una configuración que pueda estar lista para configurar y manipular con una preparación mínima. Este año quedan varios festivales y espectáculos más. Considerad poneros en contacto conmigo si estáis interesados en que Aska actúe en vuestras ciudades.
9. ¿Cómo se ve el panorama industrial en Islandia?
Tengo una visión limitada de lo que sucede en Islandia en general, pero trato de mantenerme en contacto con mis amigos, muchos de los cuales son músicos fantásticos. Algunas de las bandas de olas que surgieron alrededor de 2013 todavía existen… algunas nuevas también. Þórir Georg y Júlía, que lanzaron mi álbum debut Grátónar, hace unos años hicieron un gran ruido industrial bajo el nombre de Roht. Espero que sigan funcionando.
10. ¿Algo más que añadir para los lectores de NOmelody?
Presta atención a las letras de los músicos que significan algo para ti si las ponen a tu disposición. Y considerad comprar el Kosmoloko 3, la nueva recopilación de bandas del sello alemán en la que participo.
Silent State Records - Abril de 2024 - ambient house / trance - SSR-LP-006
The Fires Of Ork I
The Fires Of Ork II
Gebirge
Talk To The Stars
The Facts Of Life
El sello teutón Silent State Recordings ha llevado a efecto la reedición de uno de los trabajos más enigmáticos de ambient house jamás creados. El primer álbum de The Fires Of Ork marcó impronta en la música de los noventa gracias a sus inefables atmósferas y su firme cadencia. Geir Jenssen y Pete Namlook crearon una obra perfecta que por fin es publicada en formato vinilo.
Para disfrutar un trabajo de estas características es, a mi parecer, imprescindible situarse por un momento en el contexto de su gestación. Hablamos de los albores de los noventa. Una época en la que el tecno comenzaba a morir de indigestión para dejar paso a ritmos mucho más profundos, mesmerizantes y lisérgicos. Bastante había llovido desde aquel “Memorabilia” de Soft Cell que daba el pistoletazo de salida al género posteriormente conocido como house.
Pete Namlook comenzaba a publicar bajo su recién creado sello Fax fantásticos trabajos que empezaban a romper moldes dentro de la escena alternativa, como fue el caso de Silence. Un año más tarde, en 1993, la casa discográfica sorprendía con un lanzamiento del mismo artista en colaboración con el músico noruego Geir Jenssen. Se presentaba exento de título, mostrando únicamente el nombre del proyecto: The Fires Of Ork.
El disco que hoy nos ocupa es la primera de las dos partes del trabajo conjunto de este par de genios. La segunda vio la luz siete años después del primer lanzamiento, y ambas se complementan a la perfección.
Para la ocasión, la discográfica encargada de relanzar esta genialidad, Silent State, ha decidido reordenar parcialmente los temas y dividir los mismos entre dos vinilos. La única alteración, acertada a mi parecer, ha sido fusionar los cortes “The Fires Of Ork I” y “The Fires Of Ork II” en una sola cara, a diferencia de la publicación original de Fax, que sitúa el primero al comienzo y el segundo al final. Dado que el segundo es claramente una continuación del primero, y que, sumando sus duraciones, el resultado es equivalente al de cualquiera de los otros tres temas que vertebran el álbum, la decisión está más que justificada. “The Fires Of Ork” es un tema de pulso firme y rítmico que sabe navegar con un estilo ejemplar entre paisajes inhóspitos conformados a base de una urdimbre acústica enigmática que acompaña a las bases de la mejor de las formas posibles, concibiendo ambientes en los que el oyente sabe sentirse cómodo y dejarse llevar por los senderos que marca la composición. La cuña de silencio que atraviesa ocasionalmente a la tonada se debe a la fusión de ambos temas.
“Gebirge” y “Talk To The Stars” certifican el hecho de que estamos ante un ejemplo perfecto de ambient house. Los entornos sonoros se expanden de forma irremediable e intranquilizadora, avanzando con sigilo hacia el oyente hasta que logran rodearlo. “Talk To The Stars” rompe usando una decidida fórmula rítmica perfecta para el contexto chill out. En algún momento podemos saborear la esencia de joyas como el “Love Secret Domain” (1991) de Coil en él.
El tema estrella de este titánico trabajo es “The Facts Of Life”, un tema que nos hace flotar en el éter. El ámbito sonoro que se formula es auténticamente onírico. La solución es lograda con aproximadamente cinco líneas de sonido. Las bases actúan de forma cíclica, dejando que una infinidad de golpes se vayan deformando dentro de la vorágine centrípeta creada por el movimiento que impulsa el paso del tiempo.
La edición en vinilo de esta obra se ha hecho esperar más de treinta años, pero por fin la tenemos entre las manos. Silent State Records no ha escatimado en gastos: la presentación del doble elepé resulta más que encomiable. El gramaje de los discos es tan amplio como la calidad de la música que en ellos se registra.
No pierdas la oportunidad de reservar una copia. La tirada ha sido limitada.
Este equinoccio viene cargado de interesantes propuestas musicales dentro del segmento más abstruso del underground. Pasemos a repasar someramente algunas de las joyitas que ya están anunciadas y se comercializarán en breve, o acaban de ver la luz.
KING DUDE. songs of the 1940s – vol. 3 & 4.Double 7″ vinyl / digital album. raubbau raub-105
El sello Raubbau continúa su carreta editorial de “El Rey Colega” con una nueva entrega dedicara a recrear canciones de autores encuadrados dentro de los años cuarenta dentro de Estados Unidos: Ya sabéis, esa maravillosa etapa en la que este país comienza a alzarse, además de como primera potencia económica a nivel mundial, también como referente militar. La confianza y la personalidad que USA pretende imprimir y exportar al resto del mundo se dibuja perfectamente en los temas que T.G Cowgill ha elegido para versionar. El disco nos redirige a la primera etapa de King Dude, aquella en la que las guitarras acústicas y las voces cavernosas dominaban un contexto desértico. No lo pierdas de vista.
DESIDERII MARGINIS «BATHE IN BLACK LIGHT» CD / 2LP / DL (216TH CYCLE)
LUSTMORD – «Much Unseen Is Also Here» SKU: PEL251LP
Tras unos discos que tampoco han sido nada del otro mundo, el galés vuelve a hacer justicia a su propio nombre con el lanzamiento de «Much Unseen Is Also Here”. En resumen: uno de los mejores álbumes del año en lo que a ambiente oscuro se refiere: Su repertorio rescata parte de la esencia compositiva del Heresy (1990) pero sin caer en el tedio y la monotonía. Ahora Lustmord decide fluctuar más con la estética, y ofrecernos una selección de cortes que contrastan entre sí con mucha elegancia, haciendo del disco algo suculento. Si quieres salir ya de dudas, lo tienes en descarga gratuita en el Bandcamp del propio artista (sí, el tipo es así de majo). Para los que no puedan resistirse y lo quieran físico, existen tropecientas mil versiones en vinilo con todo tipo de colores de plástico, muchas de ellas agotadas. Visita la página de la propia discográfica, PelagicRecords, para poder pescar un ejemplar a buen precio. https://lustmord.bandcamp.com/album/much-unseen-is-also-here
Cold Spring - Noviembre de 2023 - drone/dark ambient - CSR332CD
Sleeper Agent
Numbers Station
NNN German
Enigma G03
Encoded
Spektrvm
Shortwaves
Pocos artistas consiguen recrear ambientes de una manera tan lúgubre y enigmática como Raffaele Pezzella, responsable de Sonologyst. Este artista italiano vuelve a captar nuestra atención gracias a su última propuesta, “Shortwave Spectrum”. Un doble CD en el que se recoge más de hora y media de paisajes sonoros incómodos y sombríos.
A la hora de escuchar artistas que se decantan por el dark ambient introspectivo, Sonologyst es sin lugar a dudas una de las ofertas más certeras. Raffaele Pezzella, responsable de este proyecto italiano, lleva configurando telares acústicos desde comienzos de la segunda década de este nuevo siglo. Su estilo se aproxima mucho al cultivado por otros iconos de ambient como Robert Rich o SleepResearch_Facility, también publicado con la misma discográfica que encarga este álbum: Cold Spring.
Uno de los aspectos más fascinantes de esta nueva propuesta de Sonologyst es la sensación de impermeabilidad de los temas que contienen este doble CD suscitan. La temática que ha elegido el artista para contextualizar esta obra es más que sugerente: las transmisiones encubiertas llevadas a cabo durante la Guerra Fría: más de cuarenta años de conflicto indirecto entre dos sistemas políticos antagónicos: el comunismo y el capitalismo.
La carrera por el avance tecnológico llevada a acabo por ambos bloques, sobre todo a raíz de los años sesenta, es una fuente de recursos inagotable para urdir un disco caracterizado por la constante manifestación de sonidos emparentados con las transmisiones radiofónicas de breve duración (muchas de ellas encintan mensajes únicamente descodificables para el propio bando que las emite). He ahí el porqué de los contantes recursos radiofónicos que apreciarás en todas y cada una de las pistas que configuran este trabajo. Sonologyst sabe adornar adecuadamente toda esta plétora de registros acústicos con líneas de drone que van evolucionando adecuadamente en consonancia con el cariz de los samples. Hablamos de un dechado de elegancia que atrapará instantáneamente a todo amante del género dark ambient.
Shortwave Spectrumincluye un segundo CD de 41 minutos de duración en el que se plantea un lavado de cara a esta estructura, redibujando la misma hasta conseguir resultados emparentados con la temática del primer CD, pero sin caer en la redundancia. Los sintetizadores monofónicos saben aliarse con fragmentos vocales rescatados del pasado y ondas de radio tan intranquilizadoras como turbias.
Este doble CD se presenta protegido por una carpeta de cartón que imita el formato vinilo. El diseño de la portada sigue la misma onda que los anteriores lanzamientos del artista publicados por esta discográfica: paisajes inertes presentados en escala de grises. Ideal para ejemplificar la esencia del sonido de este genio del dark ambient.
BORDEANDO LAS FRONTERAS DEL BLACK METAL Y EL INDUSTRIAL MÁS PUNZANTE
Cioran Records - Enero de 2024 - industrial/noise/metal - CIORAN015
Salutations
Adresses
Dévore
De rien de bien
Comme plusieurs
El sello galo Cioran records no deja de sorprendernos con impactantes lanzamientos tanto en continente como en contenido. Su última propuesta es Flagorne, un dúo francés que rompe moldes con este trabajo debut. “Les couleurs d’une fièvre” se caracteriza por combinar trazos de metal extremo con industrial abrasivo e intransigente. Casi cuarenta minutos de constante explosión.
Uno de los aspectos más mágicos de un trabajo debut es el hecho de que, por norma general, éste suele comprimir una energía inusitada que destella con una fuerza inconmensurable. Eso es precisamente lo que le ocurre a Les couleurs d’une fièvre, un álbum que comienza de ma misma forma que acaba: marcando estilo y sorprendiendo al oyente.
La banda que lo firma, Flagorne, consiste en un dúo francés compuesto por Maquerelle, el cual marca el influjo más sangrante de herencia black metal, y Afga06l, productor de música extrema. Este cóctel molotov destella por su impactante efectividad, ofreciendo una interesantísima mezcla de metal con industrial, muy en la onda de combos como los primeros MZ412, Katatonia, o Whitehouse. Para ello, no dudan en echar mano de un arsenal de sintetizadores monofónicos y polifónicos, pedales ideados para hacer daño donde más duele, y voces sentenciadoras que chocan con vehemencia en el subconsciente del oyente.
El álbum está vertebrado por cinco cortes. Abre sus puertas con “Salutations”, una tonada en la que se puede vislumbrar el fluctuante estilo de este dúo, jugando con un experimental teñido de claroscuros en el que la agresividad se funde con lo macabro.
“Adresses”, su segundo tema, actúa como un auténtico arrebato de ira, dominando los vaivenes de intensidad mientras se controla un tempo acelerado. Los registros vocales arrasan el horizonte de forma implacable. Fantástica y salvaje al mismo tiempo.
“Dévore” Nos acerca al influjo de combos ingleses como Whitehouse, pero desde una perspectiva más renovada, haciendo uso de voces susurradas y cavernosas que se combinan con alaridos desarraigados. Simultáneamente se recurre al uso de ritmos fracturados que encajan a la perfección con el espíritu del corte. El aderezo acústico resulta más que valorable, reforzando el tema hasta engalanarlo de forma brillante. Una vez más, hallamos ese apreciable juego de intensidades que sabe otorgar una interesante personalidad a la composición.
“De rien de bien” nace de la genética más experimenta y minimalista, muy a lo Throbbing Gristle en “IBM”, para derivar en una apoplejía de furia incontrolable. Sin lugar a dudas, mi tema favorito de esta joya.
“Comme plusieurs” cierra el disco sin traicionar al resto de cortes. La estructura es pareja a la presentada en el anterior tema, sin embargo las texturas varían, ofreciéndonos horizontes sonoros realmente inquietantes en los que las líneas de agudos se entrelazan con unos graves resquebrajados. En esta ocasión, los registros vocales se muestran más dóciles, al menos durante la primera mitad del corte. A partir de ese momento, las cosas se complican de forma ineluctable hasta alcanzar el paroxismo absoluto.
Cioran records ha llevado a cabo una espectacular edición en CD que viene acompañada por un libreto y varios fragmentos de una obra literaria en francés. Los collages presentados tanto en la portada como en el resto del lanzamiento son realmente bellos.
No pierdas la oportunidad de descubrir esta nueva promesa del post-industrial más extremo. Aquí te dejamos su Bandcamp
Cold Spring - Noviembre de 2023 - noise - CSR331CD
Untitled Knife I
Untitled Knife II
Masami Akita nos vuelve a demostrar que el ruido bien hecho, bien suena. ‘Cafe OTO’ recoge una impactante actuación de este pionero del noise nipón en la que el silencio no tiene cabida. Prácticamente dos horas de hostigamiento sonoro en constante fluctuación fiscalizan lo que ya es sabido por todos: Merzbow es el padre del ruido.
Escuchar un directo de Merbow es tan aplastante como que te pase por encima un rinoceronte montado en patinete. Este genio nipón de las disonancias sabe hacer auténtico arte modulando el sonido hasta conformar tapices acústicos rebosantes de furia y estridencia.
En esta ocasión, el sello británico Cold Spring no ha perdido las oportunidad de registrar en un doble CD una de las actuaciones más devastadoras de Akita. Tuvo lugar el primer día de octubre de 2016 en el café londinense OTO, y su contenido tuvo que dejar más que satisfechos a todos los allí presentes.
Las frecuencias fracturan el límite de la tolerancia, desatando un auténtico caos sonoro ejemplarmente esculpido: un constate collage de texturas sonoras manipuladas con la intención de hacer daño se van alternando de manera inteligente, ofreciéndonos una improvisación que no está exenta de metódica. Merzbow es uno de los pocos proyectos que sabe modular la cólera cacofónica hasta muscularla como a un perro de presa. El resultado es tan maravilloso como epatante.
Muchos podrán pensar que este es un lanzamiento más en la prolija discografía de este titán japonés, pero, sin lugar a dudas, al escucharlo no podrán pensar que se trata de un disco cualquiera. La forma de moldear las sacudidas disonantes, y la vesania que transmiten, son definitivamente atrayentes.
El sonido que profiere la instrumentación de Akita sabe golpear mejor que Muhammad Ali, y el trabajo de masterización realizado por Martin Bowes ilumina aún más la sensación de paroxismo que este doble CD nos traslada.
Ejecutivamente hablando, resulta un auténtico deleite apreciar la confrontación mediada que los sonidos graves y agudos tienen entre sí, como si se tratase de un diálogo dadaísta. Akita da forma al ruido con vehemencia, actuando de la misma manera que la onda expansiva de una bomba.
Resulta más que curioso, a la vez que prudente, que la propia discográfica nos advierta sobre el riesgo del volumen, y es que al dejar correr el disco puedes comprobar como Merzbow sabe apoderarse de tu territorio sin darte opción a rendirte.
Si eres uno más de los que pensamos que este hombre merece un monumento, no dudes en hacerte con este disco: hablamos de noise con mayúsculas, tratado con un paradójico mimo y cuidado, exento de saturaciones no deseadas, ofreciéndonos un sonido limpio y cristalino que se degusta con el mismo placer con el que tus vecinos lo odian.
Autoproducido - Enero de 2024 - experimental folk - SR
Sentinelle Existentielle
Chant De La Nouvelle Aurore
De Chopin à Georges Sand
L’Amour Secret Est Le Plus Fort
L’Ange Des Six Eaux
Le Dortoir Des Cigognes
Lueurs Urbaines
Marin Des Villes
Rivages De Ton Visage
Kentin Jivek continúa su andadura editorial con un nuevo lanzamiento repleto de temas intimistas y evocadores. “L’Ange Des Six Eaux” es el título de esta colección de cortes compuestos por el artista francés durante sus constantes viajes por Europa.
Kentin Jivek ha sabido hacerse un nombre dentro del panorama independiente de corte folk. Quince años de experiencia y una buena colección de grandes discos son las razones encargadas de certificarlo. Su esencia transita entre la experimentación instrumental y una sopesada composición donde saben asentarse letras maduras, cargadas de vivencias y sentimientos. Jivek sabe expresar su mundo interior en una música enigmática a la vez que embriagadora. Una sensatez vivencial muy asentada toma el timón para guiar a sus nueve cortes por un océano cálido y emotivo.
Jivek es conocido por cantar en distintos idiomas. En gran parte de sus discos es fácil encontrar temas recitados en castellano, francés o inglés indistintamente, además de ocuparse de todas y cada una de las líneas instrumentales que dan forma al armazón acústico. Sin embargo, en esta ocasión el artista galo ha decidido expresarse íntegramente en su idioma natal, otorgando a este trabajo un imborrable sabor a Francia. L’Ange Des Six Eaux es un disco que continúa por la senda trazada en lanzamientos anteriores como The Seahorse Complex (2022).
Cierto es que, en el camino que va desde la intención al resultado, Jivek ha estado viajando sin parar; eso le ha llevado a componer en diferentes contextos, visitando lugares como Malta, Madeira, la Normandía francesa, Cádiz o Alicante. El influjo del Mediterráneo se hace patente en un disco que destaca por su cariz sugestivo y evocador. Un álbum que sabe fusionarse perfectamente a su entorno, hasta el punto de proyectarnos una visión nítida y única por medio del sonido. Las guitarras saben jugar un papel discreto para combinarse acertadamente con líneas de sintetizador y grabaciones de campo. L’Ange Des Six Eaux es ante todo un disco que transpira sinceridad y calma. Cortes como “Marin des Viles” o “Chant de la Nouvelle Aurore”transfieren una comunión con la naturaleza casi obligatoria.
Este trabajo está disponible en el Bandcamp del proyecto. Se han realizado 50 ejemplares en formato físico.
Cold Spring - Octubre de 2023 - ambient - CSR327BX
El trabajo llevado a cabo entre el estadounidense Bill Laswell y el fallecido compositor alemán Peter Namlook destaca por su tremenda introspección y una marcada genética experimental de corte oscuro. El sello británico Cold Spring nos sorprende con una increíble recopilación de todo el trabajo conjunto de estos dos paisajistas acústicos. Seis CDs que no tienen desperdicio se encofran en una caja que sorprende por su gran elegancia.
Outland es mucho más que un compendio al uso. Hablamos de un increíble lanzamiento que recoge toda la actividad de dos grandes genios de la experimentación musical: Peter Namlook y Bill Laswell. La unión de talentos de estos dos maestros del sonido han dado a luz un alucinante repertorio de trabajos que por primera vez se ofrecen recogidos en una única e impactante entrega compuesta por seis CDs enfundados de forma individual y encofrados en una seductora caja de cartón.
La estética acústica de cada uno de los trabajos que componen esta oferta varía sustancialmente entre sí. Esto es del todo razonable al hablar de discos lanzados en un segmento temporal que abarca prácticamente toda la década de los noventa. No obstante, el cariz que comparten todos y cada uno de los álbumes que vertebran este cofre es, por norma general, oscuro. No hay más que escuchar la primera entrega para percatarse de ello:From The Earth To The Ceiling está dominado por horizontes sonoros envueltos en bruma y misterio, urdidos a base de drones y pulsaciones de cuerda frotada, todo ello tratado con un mimo fácilmente palpable y un gusto por la quietud y la parsimonia que resulta altamente contagioso. Muy en la onda de proyectos como Alio Die o Steve Roach. Hablamos de música ideada para la contemplación y la reflexión intelectual, idónea para acompañar las sesiones de lectura.
La segunda oferta, African Virus (Electronic Sonata With A Cold Loved By Nature), continúa la senda marcada por el primer disco, transigiendo en mayor medida la presencia del silencio, muy en la onda de los primeros trabajos de Thomas Koner, pero evolucionando hacia esquemas más rítmicos según avanza el disco, rompiendo con la dinámica etérea en su tercer corte, en el que se combinan las grabaciones de campo con ritmos firmes inclinados hacia las pistas de baile. Es a partir de este momento cuando somos conscientes de que este dúo rechaza la posibilidad de enclaustrarse dentro de un estilo musical concreto, ofreciendo altas dosis de expectación en todo momento.
La tercera entrega regresa a los páramos yermos planteados en el primer disco, pero acusando una inquietud por el juego de sonidos y los contrastes atonales. En él se va a terminar fundiendo el influjo de la música tribal con la sofisticación electroacústica, gestando una oferta única altamente recomendable para los seguidores de bandas como Rapoon.
Quizá Outland IV sea el capítulo más enigmático y embriagador de todos los aquí reunidos. Comienza con un precioso soliloquio de flauta que se ve desdibujado gracias a un efecto de reverberación muy ponderado. Este recurso reinará en la mayor parte del disco, siendo sucedido ocasionalmente por cuerdas procesadas por medio de pedales que se verán nutridas por ritmos de la escuela Aphex Twin, tan en boga durante el ecuador de los noventa.
Outland V sigue apostando por los esquemas rítmicos y bailables, fusionando la influencia de la música cósmica con las estructuras en loop que van mutando progresivamente hasta evolucionar en vistosos planteamientos que se sitúan entre el minimal y el drum n bass.
Para completar este deslumbrante lanzamiento se ha añadido un disco de un único corte de cuarenta minutos realizado por Laswell tras el fallecimiento de Namlook. El tema se muestra altamente experimental y de talante oscuro, sugiriendo constantes cambios en estructura.
La edición física resulta verdaderamente apetitosa. Puedes adquirirla en la página web del sello: Cold Spring.
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