Bu.d.d.A – “Erste Opfergaben”

Estructurando horizontes volátiles

Marbre Negre - julio de 2021 - experimental - MN142

The Mourning Of The Midnight Diner’s Broken Heart

L’Enfér Des Réves Pérdues

Human Dignity Is A Cave

Asentados en un páramo situado entre la abstracción más oblicua y la quietud engendrada a base de tensión inconformista, el dúo teutón Bu.d.d.A idea un trabajo onírico y epatante. “Erste Opfergaben” seducirá a los amantes de bandas como Nurse With Wound o Troum. 

Bu.d.d.A es un proyecto relativamente joven. Su andadura musical comenzó en 2019, aunque sus dos componentes, Sascha Stadlmeier y Chris Sigdell, ya contaban con una dilatada experiencia dentro de las disciplinas compositivas al haber pertenecido a proyectos como Leaden Fumes o NID

Siempre hay que comenzar a hacer las cosas de alguna manera, y en esta ocasión me gustaría romper el hielo dando un juicio de valor tan determinante como el que sigue, y es que Erste Opfergaben me ha sorprendido sobremanera y de forma muy grata por distintas razones. 

La primera de ellas, pero no por este motivo más importante que el resto, ha sido su tremenda calidad estética en lo referente a texturas sonoras, así como la encomiable labor de ensamblaje y distribución de las mismas. Este E.P no tiene nada que envidiar a un trabajo de Andrew Liles o Nurse With Wound. Si todavía insistes en mantener tu escepticismo, te recomiendo que le des una vuela a su contenido pinchando en el enlace que aparece al final de esta crítica.

La segunda razón está directamente relacionada con la producción del álbum. El conjunto logra conformar un microclima acústico epatante gracias a la correcta distribución de innumerables registros a lo largo de la vida de los tres capítulos que vertebran el disco, utilizando el sonido más abstracto como código con la finalidad de proyectarnos contextualizaciones incómodas y embarazosas que reposan en una quietud húmeda y fría. Un ejemplo magistral de esta fórmula se encuentra en su segundo corte: “L’Enfér Des Réves Pérdues”, a mi parecer, una lección de composición experimental basada en drones rasgados por el instinto más primario de la música concreta. 

A pesar de tratarse de un lanzamiento un tanto exiguo en lo que a duración se refiere, -tan solo alcanza la media hora de vida- Erste Opfergaben destella por su calidad. 

Este E.P desprende una personalidad única y magnética que logra conquistarte, haciéndolo partícipe de tus tardes de lectura. Una acertadísima publicación del sello catalán Margre Negre

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/erste-opfergaben

Fernando O. Paíno

SERRATION – «RITES OF FLESH»

Hostilidad latente

Cloister Recordings/Total Black - Junio de 2021 - power electronics - CRUS 83, Total Black – 155

War On The Ground

The Failed Counter Insurgency

The Rites Of Flesh

Fools Of The Land

We Kill Your Man

Rites of Flesh es el cuarto trabajo de larga duración de este proyecto de power electronics. Cinco cortes que fluctúan entre paisajes sonoros cargados de estabilidad, tensión y disonancias. Un disco con el que Serration sabe avanzar acertadamente, descubriendo nuevas y aplastantes perspectivas.

Serration es uno de los proyectos más íntegros y amenazadores dentro de la escena power electronics actual. Tras un buen número de lanzamientos publicados desde el año 2018, Cloister Records y Total Black unen sus fuerzas para publicar un trabajo tan impactante y abrasivo como es Rites Of Flesh.

En rasgos generales, sus cinco cortes se caracterizan por la presencia de líneas de sintetizador e instrumentación modular cercanas al drone que son tamizadas por todo tipo de pedales de efectos con la malsana intención de crear contextos absolutamente sibilinos. Destaca la maestría con la que el conjunto sabe equilibrar la saturación a su favor, engendrando oscilaciones cacofónicas absolutamente ejemplares. Los registros vocales son añadidos para generar un paroxismo extremo con el que todo amante de este tipo de géneros musicales congeniará de inmediato. 

Cabe resaltar que la dinámica del álbum es estable, y que el cariz de sus cortes apenas varía, dando lugar a un bloque de cemento armado tan acometedor como implacable. Todos los temas que Rites of Flesh alberga superan los cinco minutos, alguno incluso los diez, como es el caso de “War On The Ground”. En este aspecto el tiempo juega un papel fundamental, haciendo de ellos una especie de fórmula acústica en la que convergen esquemas hipnóticos con una presión premeditada que sabe atacar donde más duele. Temas como “The Failed Counter Insurgency” o el encargado de dar nombre al álbum nos ofrecen una idea de la potencia contenida en este nuevo álbum. 

Rites of Flesh supone la primera entrega en formato vinilo de Serration. Se han publicado dos ediciones distintas que difieren en el color del disco. El vinilo negro ha sido limitado a doscientos ejemplares, mientras que la versión en blanco se ha visto reducida a la mitad de copias. 

Fernando O. Paíno

MAURIZIO BIANCHI & GABA

ÁCIDO CONJUGADO

Marbre Negre - Septiembre de 2019 - industrial - MN106

Maurizio Bianchi – EUR VOY

GABA – Transcraneal Mechanic Simulation

Nunca está de más rescatar joyas publicadas por el sello catalán Marbre Negre. En esta ocasión nos deleitamos con el trabajo compartido entre el icónico Maurizio Bianchi y el dúo hispano Gaba. Una casete que derrocha intensidad e impenetrabilidad de principio a fin. 

Paroxismo y oscuridad son sentimientos que se encapsulan en este peculiar trabajo, pero que a su vez se encuentran separados por las facetas que conforman el formato en el que se publica, sin llegar a causar una reacción explosiva. Y es que el sello de culto catalán Marbre Negre, especializado en música industrial y todo tipo de sonidos atípicos relacionados con las disonancias, ha dado en la diana al publicar un disco tan brillante como el que hoy destacamos. 

No ha sido necesario dotar de un título a este lanzamiento, ya que se presenta como un proyecto compartido en el que se expone por cada cara de la casete una canción de cada proyecto. 

Por un lado Maurizio Bianchi, conocido transgeneracionalmente por ser uno de los mayores representantes del sonido industrial de la década de los ochenta, oferta “EUR VOY”, una composición que se dilata hasta copar veinticinco minutos y que nos recuerda al sonido de los primeros trabajos del artista, evocando el agrio sabor de discos como Symphony For a Genocide (1981) o Regel (1982). Bianchi vuelve a liberar sus demonios en una pieza que engulle todo lo que encuentra a su paso, pero que a su vez sabe equilibrar de forma muy inteligente momentos de agonía con la quietud más incómoda. Un corte digno de ser descubierto.

Maurizio Bianchi

La cara B supone el debut de Gaba. Este dúo vasco-madrileño destaca por su impactante composición, nada menos que Enrique Garoz, más conocido en los círculos de la masonería underground como Kike Kaos, uno de los genios ruidistas de este reino de reinos cuyo nombre es España. A él le acompaña Garazi Gorostiaga, la cual nos ha sorprendido con trabajos tan recomendables como las dos entregas de Irauten (2017-20) que hemos reseñado en NOmelody.

Gaba

En esta ocasión, el conjunto idea en “Transcraneal Mechanic Simulation” -tema que abraza la totalidad de la cara B de esta casete- un conjunto de paisajes sonoros marcados por la opacidad, en los que se aportan distintas pinceladas ruidistas que van invadiendo progresivamente un lienzo urdido a base de silencio hasta dominarlo de manera equilibrada pero decidida. Hablamos de un tema encomiable, dinámico e intransigente con el que este combo inauguró su carrera discográfica.

El único inconveniente que presenta el lanzamiento es su escaso número de ejemplares. Tan solo se editaron 58 copias realizadas de forma profesional, por lo que hacerte con una de ellas puede resultar una tarea complicada, sin embargo, si se te presenta esta oportunidad, no dudes en adquirirla.

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/split-9

Fernando O. Paíno.

FOLKSTORM – “Dödsabnorm”

IRA COAGULADA

OEC/Cloister - Marzo de 2021 - power electronics - OECD 291/ CRUS-82

Abnormal/infested

Let The Spirit Exit

Thanatophobia

Abyssal Emptiness

As You Die

Failure Of Organs

Bloat

Obotlig

Folkstorm tiene esa inusual capacidad de generar una suerte de presión incontenible y aprovechar la coyuntura para introducir en el ambiente unas buenas dosis de locura, desenfreno y abyección. “Dödsabnorm” tiene todo lo que puedes pedirle a un disco de música electrónica extrema.

Henrik N. Björkk es una de las figuras más polifacéticas que podemos encontrar dentro del espectro industrial, y Folkstorm es innegablemente su proyección más severa. 

Con más de una decena de títulos publicados, este proyecto sueco se caracteriza por su intransigencia sonora en constante coqueteo con contextos herméticos y angustiosos. El artista sabe cómo llevar el paroxismo a su máxima expresión. Discos como Folkmusik (2005) o Nihil Total (2019) han marcado unos patrones difíciles de superar dentro de la conceptualización más radical de la estética sonora electrónica. 

El trabajo que hoy presentamos lleva por título Dödsabnorm. Hablamos de un disco en el que Nordvargr se distancia disimuladamente de la estructura conceptual del resto de publicaciones que le preceden, pero sin perder el sabor ferruginoso que caracteriza a este conjunto. 

Este disco no tiene mácula alguna en lo que respecta a aspectos compositivos. El sueco apuesta por loops tamizados a base de ira sobre los que se aposentan salpicaduras de percusiones proferidas por todo tipo de objeto metálico y voces lavadas a base de distorsión.   Conviene abrir apetito con cortes tan magníficos como “As We Die” en donde el furor alcanza una nueva dimensión, o “Death Strike”, que aporta cierta calma a lo que es ya de por sí una vorágine compuesta de odio y caos. 

Folkstorm ha sabido aportar nuevas perspectivas en este trabajo, y eso es un aspecto que siempre se agradece. En mi opinión hablamos de uno de los discos más equilibrados de este proyecto dentro de su marcada inclinación hacia la cacofonía más inflexible. Dödsabnorm brilla dentro de una deliberada opacidad gracias a su heterogeneidad creativa y su apropiada selección de elementos acústicos. Huelga resaltar el genio creativo de Nordvargr, uno de los mayores responsables a la hora de engendrar el subgénero conocido con el nombre de death industrial allá por los años noventa del pasado siglo. 

Dödsabnorm ha sido objeto de numerosas ediciones. El sello italiano Old Europa Cafe se ha encargado del prensaje de dos tiradas en vinilo en cantidades muy escasas, además de hacer lo propio con el CD. Por su parte, la casa estadounidense Cloister Recordings ha lanzado al mercado cien copias en casete que a día de hoy constan agotadas en el propio sello. 

Fernando O. Paíno

KENTIN JIVEK – «BLUE ZAXON»

Ecos mesopotámicos y diálogos con la luna

Autoproducido - Noviembre de 2021 - experimental/post-industrial - NCN

Apotropaic Magic

Rhadamanthus

Winners In The Dark

Sérotonine

Le Roi Des Siècles

Les Centres Du Cercle

Hypostase

Ghosts Of Babylon

1 2 3 Lune

Zoomorphia

El compositor galo Kentin Jivek deslumbra con su última propuesta. “Blue Zaxon” está vertebrado por un decálogo acústico onírico y enigmático en donde textos narrados en distintas lenguas se funden con paisajes acústicos en continua mutación. Una de las mejores obras engendradas por Jivek hasta la fecha. 

Kentin Jivek puede presumir de genio compositivo. Su dilatada cartera discográfica se encarga de respaldarlo. Todos sus trabajos resaltan por su peculiar magnetismo. Hablamos de una fórmula claramente intimista con la que este compositor de origen francés desvela por medio del sonido su singular visión del mundo. 

Los diez temas que encierra Blue Zaxon están dirigidos por la parsimonia, alimentados a base de sueños y nutridos con bellas palabras. En esta ocasión Jivek apuesta por la preponderancia de mantos electrónicos que las notas de guitarra cincelan elegantemente, engalanando los distintos sostenes acústicos como solo Jivek sabe hacerlo. Cabe resaltar la encomiable labor lírica del artista, que en cortes como el encargado de abrir el disco, “Apotropaic Magic”, puede evocarnos los registros vocales de John Balance. 

Blue Zaxon se encuentra abrazado por la tranquilidad. El propio artista señala en el interior de este trabajo que ciertas frecuencias incluidas en distintos cortes han sido utilizadas con propósitos sonoterapéuticos. Todas ellas han tomado forma por medio de sintetizadores modulares, algo que rompe la norma estructural-compositiva de este músico, acostumbrado a trabajar casi en su totalidad con instrumentos de cuerda. 

Enfocando Blue Zaxon desde un plano más eidético, los textos del disco se encuentran claramente influidos por la filosofía neoplatónica de Plotino, presente en su obra más célebre, Las seis Enéadas, en las que se proyecta el pensamiento de este filósofo así como el de su maestro, el enigmático Amonio de Sakkas. 

Si bien este es uno de los trabajos más encomiables y logrados de Jivek hasta la fecha, vale la pena deleitarse con escuchas tan recomendables como su penúltimo corte, “1 2 3 Lune”, una embriagadora tonada en la que los pensamientos de Jivek se desnudan, descubriendo un ánima resplandeciente a la vez que misteriosa. 

Desde NOmelody te animamos encarecidamente a visitar la página del prolífico artista y descubrir este loable disco. 

https://kentinjivek.bandcamp.com/album/blue-zaxon

ESPLENDOR GEOMÉTRICO – “LIVE IN UTRECHT”

Ritmo y ruido en Utrecht

Geometrik - Noviembre de 2021 - industrial - GR2152

Signos De Energia (Mix)

Dinuma

Tropoja

Al-Hamdu-Lillah

Rotor

Retirada

Chile Al Día (Versión)

Trans-Umma

Tass

Nuestra Generación Crece Feliz

Atlas-Y

Venecia I

Venecia II

Venecia III

Estacion Katowice

Turko

Vostok

Trybuna Robotnicza IV

“Live in Utrecht” posiblemente sea una de las mejores muestras en vivo que puedan describir la primera etapa de la mítica banda industrial madrileña. Grabado en la ciudad holandesa durante el último año de la década de los ochenta, en este directo encontramos un magnífico reflejo del potente hieratismo fabril cubierto de ritmo y voces oxidadas que define el estilo del ya por aquel entonces dúo.

Live in Utrecht es mucho más que un disco al uso. Puede ser considerado sin problema alguno una referencia documental inexcusable a la hora de descubrir el sonido de Esplendor Geométrico durante su primera década de existencia. Hablamos de un estilo frío, crudo; nutrido de un ritmo punzante e incisivo que no pierde el tiempo coqueteando con melodías. Lanz y Riaza sabían perfectamente qué querían transmitir y cómo hacerlo, y esta brillante actuación acontecida el 25 de noviembre de 1989 en Utrecht se encarga de fiscalizarlo por completo. 

Once cortes dan forma a un directo repleto de temas que a día de hoy se han convertido en himnos nacionales, como es el caso de “Chile al Día”, pero que en aquel momento acababan de salir del horno. Vale la pena detenerse a degustar cortes de la talla de “Rotor”, que además da nombre al cuartel general de la banda -Rotor discos- o “Nuestra Generación Crece Feliz”. Un conjunto de canciones que guardan cierta heterogeneidad entre sí y harán las delicias de los fans.

A diferencia de la edición original lanzada en 1990, esta nueva propuesta nos ofrece en su segundo vinilo una serie de cortes pertenecientes a sesiones registradas en el estudio Pradillo de Madrid a finales de la década de los ochenta, además de cortes rescatados de directos en Madrid y Tolosa durante 1987. Por lo que, realmente, tenemos entre las manos un documento único para poder descubrir la potencia que EG desprendía durante su primera década. 

Incuestionablemente, nos encontramos con la edición más completa de las realizadas hasta el momento, que sea dicho de paso, han sido varias. La diferencia más notoria radica en la magistral remasterización del sonido llevada a cabo por Luca Spagnoletti y Saverio Evangelista, logrando una nitidez acústica que enfatiza el espíritu de aquellas por entonces canciones embrionarias. A su vez cabe resaltar la impecable presentación del vinilo realizada por el propio Juan Carlos Sastre. 

Esta nueva edición de Live In Utrecht ha sido publicada en dos colores de vinilo diferentes. Por un lado nos encontramos con una tirada limitada a cuatrocientos ejemplares en vinilo negro. Para los coleccionistas más exquisitos, Geometrik Records ha preparado un prensaje en color gris de tan solo cien unidades que únicamente puede ser adquirido por medio del propio sello. 

Fernando O. Paíno

THE CIRCULAR RUINS AND MYSTIFIED – “FANTASTIC JOURNEY”

Contextos provenientes de mundos fantásticos

Cold Spring - Octubre de 2021 - experimental - CSR298CD

Twenty Thousand Leagues

The World Beneath

Forbidden Planet

Mysterious Island

Beyond The Farthest Star

The Voyage Home

Centre Of The Earth

Fantastic Journey es, como su nombre indica, una aventura sonora en la que están involucrados dos grandes proyectos de la música experimental, The Circular Ruins y Mystified. “Fantastic Journey” halla su inspiración en la literatura fantástica creada por autores como Julio Verne. Un acompañamiento delicioso para nutrir tus tardes de lectura. 

Ocasionalmente nuestras horas de lectura pueden ganar mucho si son acompañadas de una música apropiada. En esta ocasión, Anthony Paul Kerby y Thomas Park se han encargado de configurar una serie de contextos idóneos para complementar acústicamente la literatura fantástica de autores como Julio Verne o Edgar Rice Burroughs. Ambos músicos sabían qué querían crear y cómo llevarlo a cabo, y en el año 2013 esta magnífica obra salía al mercado en formato CDr auspiciada por el sello de uno de sus padres, DataObscura. Ocho años más tarde, la casa británica Cold Spring toma la acertada decisión de reeditar semejante joya perdida en un formato más consistente y con una producción editorial a la altura del contenido del disco. El resultado es tan epatante como magnético.

Fantastic Journey está compuesto por siete facetas acústicas en las que se despliegan capas de sonido sobre las que terminan desarrollándose infinidad de formas sonoras, generadas a base de sintetizador y grabaciones de campo. En ellas domina la parsimonia, que es ocasionalmente perturbada por arrebatos oscuros muy cercanos al dark ambient

Ambos artistas demuestran su maestría dando a luz un trabajo magníficamente cohesionado en el que la variedad de recursos y texturas es el denominador común. Cortes como “Mysterious Island” nos invitan a sumergirnos en mundos envueltos en incertidumbre y misterio, “The World Beneath” sobresale por su ejemplar composición e inquietante desarrollo. “Beyond The Farthest Star” no nos deja de recordar al siempre genial proyecto escocés SleepResearch_Facility en lo referente a la concepción de paisajes angulosos nutridos de volumen, pero logra desmarcarse al edificar una melodía a base de notas aleatorias a la que se le une una improvisación de teclado. 

Discos de este talante son realmente apreciados por dos motivos de peso: Su versatilidad contextual -ya que se trata de un trabajo que se presta a acompañarte en cualquier circunstancia debido a su naturaleza experimental y minimalista- y su espíritu. Este último aspecto es algo fácilmente apreciable al escuchar el CD. Puedes hasta palpar el mimo con el que ambos músicos han dado forma a su obra. Cabe resaltar la masterización realizada por Martin Bowes, que aporta nitidez y volumen al sonido original. 

Fernando O. Paíno

GRAVE OF LOVE – “ALL THOSE TEARS AGO”

EVOCACIÓN Y SENTIMIENTO

ONLY the SUN KNOWS Records - Noviembre de 2021 - neofolk/post-rock - OTSK 5-2 CD

We All Fall Down

Like A Wolf

Time Heals Nothing

Memories Fade Away

Tears May Fall

Remains Of Grief

Believe

Dying Messiah

Drought Of Souls

Death Of Hope

All Those Tears Ago

Farewell

Grave Of Love es uno de los proyectos más sorprendentes de neofolk que han surgido en tierras polacas. Tras unos años de silencio esta banda liderada por Michal Kielbasa regresa cargada de fuerza con una nueva oferta entre las manos: “All Those Tears Ago”.

Hace cuatro años descubríamos Decay, el primer lanzamiento de este intrigante grupo polaco, un decálogo sonoro que nos dejó un buen sabor de boca. Ahora nos llegan nuevas noticias, All Those Tears Ago, su último lanzamiento, agrega una nueva experiencia sonora a la incipiente discografía de este proyecto de Katowice. Diez nuevos cortes que emanan un sonido directamente emparentado con el neofolk más representativo y un post-rock que nos regala miradas desde la alcoba. 

En esta ocasión dimensionaremos el análisis partiendo del todo y terminando por las partes. All Those Tears Ago suena de forma convincente y brillante en su conjunto, destacando por su encomiable y diversa instrumentación, así como por su suasoria composición. No tiene nada que envidiar a muchos de los trabajos de bandas de neofolk que hoy en día han logrado detentar el trono conquistado por los clásicos que dieron nombre al género. El disco resulta emotivo en su conjunto, y los temas que lo estructuran han sido compuestos con mimo, mesura y cariño, algo que se percibe sin problema alguno al degustar tonadas como “Remains Of Grief” o “Memories Fade Away”, sin embargo, y como suele pasar con las nuevas generaciones emergentes dentro de este estilo, la deuda contraída con los padres del género como Death In June, Current 93 o Sol Invictus, al igual que con la primera hornada de acérrimos seguidores de estos, es más que evidente, en especial en lo relativo a la entonación vocal y la selección instrumental. Ser un grupo de neofolk no debería implicar de forma indefectible tener que sonar como los clásicos, porque para eso ya están los clásicos. Digo esto porque All Those Tears Ago logra emanar talento. Michal Kielbasa demuestra en cada uno de sus temas que maestría no le falta, pero quizá ame demasiado a sus ídolos hasta el punto de hacernos pensar más en ellos al escuchar sus cortes que en la calidad de su propio producto. Lejos de interpretar esto como un agravio, la experiencia me dicta que es más bien parte de un proceso. Cierto es que no todo lo que All Those Tears Ago contiene es neofolk; su primer tema «We All Fall Down«, así como su último corte, “Farewell”, nos ofrecen un post-rock muy cercano a los últimos trabajos de Swans que otorga una acertada heterogeneidad al disco. 

Estoy convencido de que si All Those Tears Ago brilla por su maestría, el próximo disco de Grave Of Love lo hará por su madurez y personalidad.

All Those Tears Ago ha sido editado en diferentes ediciones y está funcionando como se merece. Son pocas las copias que quedan disponibles en su página, por lo que no dudes en hacerte con una de ellas. 

Fernando O. Paíno

Francisco López & Miguel A. García – «Ekkert Nafn»

Investigaciones sonoras

Crónica/Tronicdisease - Mayo de 2019 - experimental - 151/TD-3

Untitled #351

Applainessads

Dos nombres ineludibles de la música experimental patria, Francisco López y Miguel A. García, elaboran un trabajo en el que estudia la estética del sonido, utilizado como materia prima grabaciones de campo procesadas concienzudamente con la intención de generar escenarios acústicos que sorprenden por su ejemplar vistosidad. 

Existen discos que se alejan deliberadamente de las conceptualizaciones clásicas que estructuran el concepto de música conocido por todos. Artistas que analizan el lenguaje del sonido, descomponiéndolo en elementos básicos con la intención de reflexionar sobre su naturaleza primaria y su constitución más básica. Este estudio preliminar da paso al genio del arte, un arte que consiste en moldear texturas e intensidades, buscando la conformación de un universo sonoro regido por las limitaciones temporales. 

Ekkert Nafn tiene mucho de esto. Los dos autores que dan a luz el disco, Francisco López y Miguel A. García llevan muchos más años de los que puedas imaginar buscando el porqué del arché sonoro con el fin de reformarlo a su antojo, creando obras abrazadas por la abstracción más sofisticada y abstrusa, como si de un cuadro de Jackson Pollock se tratase. 

Las bases sonoras utilizadas en este disco fueron extraídas de grabaciones de campo comunes que ambos artistas utilizaron de forma independiente con el fin de dar a luz perspectivas eidéticas autónomas. Esos retazos acústicos fueron como sillares extraídos de una misma cantera con los que estos arquitectos sonoros levantaron edificios completamente distintos en lo que a estética respecta. 

López comienza este estudio numerándolo. Al parecer, esta fue su creación 351. En ella el artista vuelve a ahondar en la alternancia de contrastes -algo muy recurrente dentro de su extensa obra-  intercalando un sinfín de texturas volátiles y acometedoras con segmentos temporales en los que el silencio reina de manera autócrata. 

Por su parte, Miguel A. García nos ofrece un corte mesmerizante y ambiental dirigido hacia la oscuridad. “Applainessads” supone media hora definida por la congoja existencial que se desata mientras cruzamos las aguas del río Estigia. García elabora un corte consistente y magnético que sorprende por su deliberada representación.

Más allá de los juicios de valor, este disco sirve como fiel ejemplo de cara a la comprensión de la actividad creativa, partiendo de unos elementos comunes compartidos equitativamente por ambos artistas. Evidentemente, hablamos de un estudio en sí mismo. 

Ekkert Nafn fue editado en formato CD y limitado a 300 ejemplares. La producción ha corrido a cargo de López, que una vez más realiza un trabajo insuperable, esculpiendo los matices del sonido con una nitidez digna de los primitivos flamencos. No pierdas la ocasión de descubrirlo. 

Fernando O. Paíno

SHE SPREAD SORROW – “HUNTRESS”

Sueños ahogados en sangre

Cold Spring - Octubre de 2021 - dark ambient/industrial - CSR282CD

Blue

Get Me

Stand

Dragonflies

Inside

Parasomnias

“Huntress” supone la cuarta entrega de este proyecto italiano comandado por Alice Kundalini. En su interior vamos a encontrar seis pesadillas acústicas marcadas por la quietud, el desconcierto y la narración injuriosa. Electrónica configurada para enturbiar el espíritu. 

She Spread Sorrow regresa a Cold Spring con nuevas y escalofriantes ideas. Huntress relata un puñado de sueños tan oscuros como perturbadores que tuvieron lugar en algún lugar del interior de su creadora, Alice K. 

El cariz de esta nueva entrega sigue el ritmo compositivo de sus anteriores lanzamientos. Hablamos de temas pausados en donde la parsimonia se vuelve en contra nuestra para convertirse en una suerte de angustia difícil de superar. 

Kundalini apuesta por discursos vocales carentes de entonación, guiados por masas de sonido etéreas que nacen de los circuitos de sintetizadores secuenciados. El dark ambient quizá sea el género que mejor pueda describir la esencia en la que se enmarca esta nueva oferta; un dark ambient que intenta emparentarse con el industrial más áspero, pero que debido a la instrumentación utilizada y a su enfoque, no llega a atravesar este umbral. 

Huntress se caracteriza por ofrecer una fórmula acústica muy sólida, exenta de flexibilidad compositiva. La artista contemplaba una idea nítida que ha querido plasmar sin acusar ningún tipo de claroscuro sonoro. Eventualmente podemos disfrutar de esqueletos rítmicos parcialmente desarrollados, como es el caso del corte que clausura esta entrega, “Parasomnias”, pero por lo demás podemos hablar sin miedo alguno a equivocarnos de un álbum cuya pretensión es enclaustrarnos dentro de una perspectiva farragosa e incómoda, algo que ya hemos podido degustar en anteriores entregas como Midori (2018) o Mine (2017). Huntress supone una vuelta de tuerca en la que podemos disfrutar de nuevas perspectivas dentro de un esquema prefijado. Temas como “Get Me” o “Dragonflies” dan buena fe de ello. 

Huntress ha sido publicado en dos formatos diferentes, algo que ya viene siendo habitual con los lanzamientos de esta artista dentro del sello británico. Por un lado nos encontramos ante una edición en vinilo limitada a nada menos que quinientas copias. Por su parte, el formato CD no carece de esta restricción editorial. Una vez más, Martin Bowes destaca por una masterización ejemplar que nutre de una envidiable plasticidad acústica a esta última propuesta de la artista italiana.

Fernando O. Paíno

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