CUARENTA AÑOS DE ESPLENDOR GEOMÉTRICO

Esplendor Geométrico cumple cuarenta años de existencia. La banda que revolucionó el panorama ruidista peninsular, y que ahora presenta su último trabajo, “Cinética“; se encumbra por opinión popular como uno de los máximos representantes del movimiento industrial de este planeta maldito llamado Tierra. Charlamos con Arturo Lanz, alma máter del conjunto, que nos cuenta en exclusiva para NOmelody muchas anécdotas nunca antes oídas referentes al surgimiento del proyecto y la evolución de este. 

 

 

Situémonos en el año 1980. Juan Carlos Sastre, Gabriel Riaza y tú decidís escindiros de Aviador Dro para crear algo único y novedoso dentro de los sonidos peninsulares. ¿Qué os llevó a crear Esplendor Geométrico? ¿Por qué elegisteis este nombre?

En el año 1980 El Aviador Dro quedó finalista en el concurso de rock Villa de Madrid, y ese premio nos abrió la posibilidad de grabar un larga duración en Moviplay.

Dentro de Aviador Dro había diferencias en la música que nos gustaba a cada uno, pero en general coincidíamos bastante. A Servando le gustaba mucho, como a mí, TG, y a mí me gustaban también Devo, Ultravox y Joy Division, como a él. Lo que ocurrió fue que esa brecha se fue ensanchando poco a poco, y yo me decanté por la línea de TG y Cabaret Voltaire, y Servando por el lado más tecno-pop.

Durante el verano de 1980 nos quedamos solos en Madrid Juan Carlos, Gabriel y yo, y empezamos a componer temas un poco más minimalistas que El Aviador Dro, aunque podrían haber estado perfectamente en el repertorio de la banda. No hubo ocasión de trabajar con esos cortes todo el grupo, ya que nada más venir de vacaciones el resto del Aviador Dro, nos metimos en el estudio a grabar el vinilo con Moviplay.

Durante la grabación hubo algunos roces derivados de las diferentes formas de entender la interpretación de los temas, y unido a los fuertes egos que los chavales de 17 años suelen tener, la cosa derivó hacia el abismo justo después de acabar la grabación. Se disolvió el grupo.

Después de unos días un poco estresantes, decidimos crear otro grupo cuyo nombre (Esplendor Geométrico) procedía del mismo contexto con el que nombramos al Aviador Dro: un libro sobre los mismos que tenía Servando.

 

Los comienzos nunca son fáciles. ¿Por qué y cómo os dio por haceros con un MS20 y crear temas tan abrasivos como los presentados en “Necrosis en la Poya” y “EG1”? ¿Fue una tarea complicada, u os dejasteis llevar por el instinto creativo?

 

El MS20 se lo compró Juan Carlos después vender su guitarra, y Gabriel ya tenía el MS10. Yo me quedé con la caja de ritmos que usaba al principio el Aviador Dro, y conseguimos un eco y un micrófono. También compramos un magnetofón de dos pistas. Además de esto, teníamos un sintetizador de guitarra de Juan Carlos, aunque no lo empezamos a utilizar hasta un poco más adelante.

Los temas del primer sencillo se grabaron en casa de Gabriel, después de deshacernos del primer repertorio de EG, que incluía “Moscú está Helado”, y radicalizar el sonido de nuestros temas. Las voces eran tratadas a través del eco.

Todo fue muy intuitivo. EG1 también se compuso así, pero ya desde mi casa, ya que a Gabriel le prohibieron que siguiéramos componiendo en su casa debido al impacto que el primer sencillo causó en la madre y el hermano de Gabriel.

 

¿De qué manera llevasteis al prensaje “Necrosis en La Poya”? Sé que la edición de este disco guarda más de una anécdota divertida. ¿Podrías contarnos algo más sobre él?

 

Se hizo a través de TIC-TAC, una compañía que hacía vinilos a demanda. El disco fue posible gracias a un mecenas que nos vio en el segundo concierto de EG en 1981 en la sala El Jardín. El repertorio del concierto era de la primerísima época, es decir, bastante más techno que industrial. Me imagino que el mecenas se hubiese esperado un tema como “Moscú está Helado” en el sencillo, pero optamos por los temas que estábamos haciendo ya (“Necrosis en la Poya” y “Negros Hambrientos“, aunque también podríamos haber puesto “Destrozaron sus Ovarios” o “Quince años Tiene mi Amor“). Después de empezar a distribuir el sencillo, dejamos de tener noticias del mecenas…

La distribución la hacíamos nosotros llevando los discos a las tiendas, y por correo. Gabriel era el que se encargaba, y creo recordar que Andrés empezó también a ayudarnos en la distribución. La portada era bastante impactante, y siempre había comentarios bastante explícitos.

 

interior de la casete EG1 ESPLENDOR GEOMETRICO.jpg

 

A raíz de ese disco muchos empezaron a ignorarnos, sobre todo después del concierto en Rockola, donde presentamos en disco. Este concierto que fue una confirmación de que éramos un bluf, y que no íbamos a durar mucho tiempo después de la escisión del Aviador Dro.

 

¿Cómo surgió la alianza Andrés Noarbe – Esplendor Geométrico?

No se puede decir que fuera una alianza. Andrés siempre estuvo desde el principio, aunque no era miembro del grupo como tal. Era de las pocas personas que nos apoyaba, y además nos ayudaba con los asuntos de intendencia. Era amigo de la infancia de Gabriel y Juan Carlos, y siempre estábamos juntos. Íbamos a su casa todo el tiempo, y allí escuchábamos las cintas y discos que se compraba. Fue un poco más adelante, con el primer LP, cuándo ya se puso más en serio con la distribución junto a Gabriel.

 

Una poesía tan cuidada como la presente en “Destrozaron Sus Ovarios”, “Muerte a Escala industrial” o “Negros Hambrientos” es, cuanto menos, difícil de conseguir. ¿Qué nutría tu genio creativo por aquel momento?

 

(Risas) La letra de “Negros Hambrientos” era de Juan Carlos, que estaba más elaborada. Las letras que transcribía yo procedían de periódicos de sucesos, o de lecturas que algunas veces cambiaba y otras no. No había mucho genio creativo en las letras, más que nada un deseo de epatar y de “hacer amigos”. Poca gente pensaba que éramos unos tíos equilibrados después de oír esas letras.

 

 

Sois una de las pocas bandas de la nueva ola hispana que pega un salto internacional en poco tiempo, triunfando en países como Alemania o Inglaterra. ¿Cómo contactasteis con sellos como Datenverarbeitung o Broken Flag con la intención de participar en sus recopilatorios?

Ellos contactaron con nosotros. Nunca hemos sido muy proactivos. Después de que “Moscú está Helado” se publicase en Alemania nos contactó mucha gente, y después de EG1 también. Estos contactos se consolidaron cuando apareció el primer LP. De todas formas, lo de triunfar en Alemania o Inglaterra me parece, cuanto menos, excesivo…

 

Con Kosmos Kino se inaugura una etapa mucho menos ruidista dentro del ideario del conjunto. ¿Por qué decides rebajar el ímpetu hiriente y desgarrado que caracteriza a los primeros tiempos?

Empezamos a trabajar más con los ritmos, que yo creo que siguieron siendo, en algún sentido, hirientes y desgarrados, sobre todo para los oídos finos.

 

Esplendor 6. 1986.jpg
EG. 1986

 

Lleváis tocando toda la vida. ¿De los innumerables conciertos que habéis dado, cuáles recuerdas con más cariño y por qué?

Los que más recuerdo son los que han significado un aporte personal: todos los de Tokyo, ya que me encanta esa ciudad; el de Santiago de Chile que fue el primero en Sudamérica; los de USA, los del Reino Unido, los de Moscú, la primera gira por Europa con Dirk Ivens en los 90, el de Tolosa, el de Madrid en la sala Macumba, los del colegio Chaminade en los 90, el de Burdeos en los 80; el de Roma que organizó Saverio, también en los 80, y el primero de todos en la tienda de discos Vanguardia en el 81.

 

He tenido el placer de entrevistar a muchas bandas importantes del movimiento industrial, y al preguntarles por sus influencias la gran mayoría de ellas ha citado a Esplendor Geométrico como una de las principales. ¿Qué se siente al ser un referente del movimiento industrial?

La verdad es que no tengo conciencia de que sea un referente. Yo creo que pocos grupos están activos durante 40 años sin interrupciones y de ahí viene lo de ser referentes. No hay nada como perseverar para pasar a la posteridad, aunque sólo sea por cabezonería.

 

Hablando de influencias… ¿Cuáles fueron tus principales influencias a la hora de orientar el sonido de EG?

Ahora, la única influencia que tengo son las posibilidades que me proporcionan los utensilios que utilizo para componer. Escucho mucha música y me gusta una gran variedad de géneros, aunque no te sepa decir casi ningún nombre. En los comienzos, fueron TG, y Cabaret Voltaire.

 

Con la inclusión de Saverio Evangelista al proyecto, allá por los años noventa, la banda inaugura un nuevo sonido que se mantendrá hasta la actualidad. ¿Cómo conociste a Saverio y de qué manera encajó dentro de EG?

Pues un buen día, yo diría que en el 84 u 85, apareció por casa y nos hicimos colegas. Después nos organizó un concierto en Roma en el 86, y empezamos a vernos cada año en Madrid porque venía a pasar vacaciones en España. En el 90 yo me fui a vivir a Palma de Mallorca, y cada año venía a pasar unos días. Durante esos tiempos empezamos a hacer cosas juntos, y de una forma natural se incorporó a EG. Hicimos un concierto juntos los tres, Saverio, Gabriel y yo; y después de ese concierto, poco a poco Gabriel fue dejando de ir a dar conciertos y dejó el grupo.

 

Por qué eres tan reacio a tocar en directo el tema por el que EG es más conocido, “Moscú Está Helado”?

No soy reacio, lo que pasa es que ese tema no tiene que ver nada con EG. Comprendo que le guste a la gente, porque es un corte cuasi pop que podría haber tocado Aviador Dro perfectamente. A mí me gusta también. A ver si hacemos una versión y lo deconstruimos…

 

Recuerdo estar hablando en el aeropuerto con Dirk Ivens (Dive) y que me comentase que eras una de las personas con más energía que conocía. La gente de cuarenta años tiende a quedarse en su casa los fines de semana, sin embargo tú eres capaz de seguir tocando sin cesar desde hace el mismo tiempo que sus vidas y cruzar el Pacífico ida y vuelta en 72 horas para cumplir una sola fecha. ¿De dónde sacas este impulso vital?

La verdad es que no me canso mucho. Corro todo los días de la semana 12 km, y los fines de semana 30km. Necesito tocar en directo, y me compensa horas dentro de un avión para disfrutar de una cosa que valoro como única, y además me considero un afortunado de poder hacerlo.

 

Este año ha visto la luz vuestro último trabajo Cinética. Me ha sorprendido mucho la dinámica que adopta este disco, así como la cuidada yuxtaposición de capas que presentan la gran parte de los cortes que lo dan forma. ¿Podrías hablarnos un poco de él?

Disfruté mucho haciéndolo.

 

¿Cómo percibes el futuro de Esplendor Geométrico? ¿Tenéis pensado seguir dando guerra?

El futuro es el presente, y en este momento estamos más activos que nunca. Me imagino que EG en directo durará hasta que tenga algún problema de movilidad, y componiendo hasta que tenga lagunas mentales que me impidan disfrutar, o que acabe en un geriátrico y no pueda tener mis cosas para componer. Es decir, todo dependerá de causas externas que me impidan una vida normal.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Escupemetralla – “Quiero Ser Guitarra De Esplendor Geométrico, 1994 / 25 Años De Paz, Remezclas 2019”

Una visión caleidoscópica

5_Estrellas

 

Novak - Diciembre de 2019 - experimental/industrial - NVK078

 

Varios artistas. (Consultar enlace anclado a los pies del texto)

 

Escupemetralla puede ser considerado uno de los pilares más firmes de la música experimental de nuestro país. Este dúo formado en las postrimerías de los ochenta presenta un trabajo compartido por diferentes artistas en el que se revisa mayoritariamente el tema que da nombre al disco: “Quiero ser guitarra de Esplendor Geométrico”.

Uno de los grandes puntos a favor que presenta un trabajo de características prontuarias es el hecho de exponer un eclecticismo creativo sobre una idea concreta. De esta manera, podemos apreciar sin problemas es perspectivismo conceptual que puebla y hace mundo al mundo. El dúo catalán Escupemetralla ha tenido en cuenta esto a la hora de plantear un doble CD recopilatorio en el que se dan cita un elenco de grandes artistas cuyo objetivo principal es exponer su propia postura acerca de varios de los cortes que dan forma al repertorio musical del conjunto barcelonés.

 

0018083268_10.jpg

 

El origen del tema “Quiero Ser Guitarra de Esplendor Geométrico” puede hallarse en un recopilatorio publicado durante el año 1994 que recibió el nombre de Noise Club 1. En él se plantea un corte bien andamiado que respeta una estructura de cadencia y fluctuación cercana a la música comercial, pero tocada por la varita del desenfreno. Algo que Escupemetralla no suele sembrar en sus campos conceptuales.

Tomando este patrón como referencia, y reciclando un lema tan poco esperanzador como es “25 Años de Paz” -auspiciado por la dictadura franquista con el fin de elogiar una falsa situación de concordia social de más de dos décadas tras la finalización de uno de los episodios más trágicos de la historia de nuestro país, la Guerra Civil- Escupemetralla ha contactado con artistas punteros de la escena underground tanto nacional como internacional con la intención de revisar sus planteamientos originales. Desde Rapoon, que se marca un corte puramente experimental, muy próximo al dark ambient, pasando por los icónicos Macromassa, para desembocar en O Paradis o los propios Esplendor Geométrico, que también aportan su grano de arena con una interpretación tribal y cíclica exenta de voz. Asimismo se incluye la versión original de Escupemetralla, y dos remezclas confeccionadas por el propio conjunto en las que se diseminan nuevas perspectivas sobre un corte tan icónico y delirante como el ahora que nos ocupa.

Este compendio es una excelente oportunidad para redescubrir la potencia creativa de un conjunto de artistas que han nutrido durante las últimas décadas el ámbito de la música experimental. El sello catalán Novak ha vuelto a realizar un trabajo excepcional en lo que respecta a presentación. La portada del disco nos muestra un ejemplo de la arquitectura funcionalista y brutalista que nutrió la década de los sesenta y setenta en Barcelona. Una etapa en la que finalmente se sacrifica el arte a favor de la practicidad.

 

https://novakrecs.bandcamp.com/album/quiero-ser-guitarra-de-esplendor-geom-trico-1994-25-a-os-de-paz-remezclas-2019

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

A.L.M.A presenta en Madrid su “Invierno Totalitario”

 

Viernes 28-2-2020      Idolo Club/Madrid    https://www.wegow.com/es-es/conciertos/alma-live-idolo-dj

 

A.L.M.A es el proyecto de Pedro Bazán. Este conjunto apuesta por una sorprendente fusión de estilos en la que se utiliza lo subversivo como medio para engendrar un arte sublime. Pura disidencia sonora que arremete contra los patrones de los sonidos convencionales, manteniendo un hilo conductor urdido por la cadencia y lo abstruso. Invierno Totalitario (Grabaciones Perdidas – Gran Sol. 19) es su disco debut. Ocho cortes en los que se expone un revisionismo tan poético como incisivo hacia la sociedad que intenta destruirlos. Un disco mezclado por el mítico Alexander Hacke de Einstürzende Neubauten, que cuenta con colaboraciones de artistas como Nacho Álvarez de Manta Ray o Raúl Gil de Balcanes, entre otros.

De cara a este concierto, y por causa de la compleja instrumentalización utilizada para conformar el álbum, el conjunto se presentará en formato dúo: Pedro Bazán y Raúl T. Andrés jugarán todas sus cartas sobre el escenario para sorprendernos con un directo dominado por la yuxtaposición de capas de sonido en consonancia con una puesta en escena impactante.

 

bbe0f940-713b-44e3-9e63-763d8f5a7e37.jpg

 

Por su parte el proyecto asturiano Igor abrirá la noche revisando gran parte de los temas pertenecientes a su último trabajo Misteria. Ocho canciones en las que este artista logra evolucionar su gramática musical, haciendo del disco un trabajo consistente, rítmico, rebosante de melodía y experimentación. Igor apuesta por paisajes acústicos cercanos al tecno de mitad de los ochenta en los que la sofisticación se ve mezclada con una buena dosis de opacidad, generando de esta manera tonadas realmente brillantes que logran convencer hasta al más escéptico.

https://igorsynth.bandcamp.com/album/misteria

 

El horario de las actuaciones para este viernes 28 de febrero será el siguiente:

21:30 apertura de puertas

21:45 IGOR

22:45 A.L.M.A.

 

Las entradas están disponibles en este enlace:

https://www.wegow.com/es-es/conciertos/alma-live-idolo-dj

Ordre Etern – “Revolució Soterrada”

Removiendo huesos húmedos

4-estrellas

 

Màgia Roja - Junio de 2015 - power electronics - MR011

 

Imperi

Natura

Futur

Foc

Metropolis

Desig

Defensa

 

Aplastante y subversivo. El último trabajo del combo catalán Ordre Etern nos lanza granadas de mano confeccionadas a base de disonancias, furia y lobreguez en estado de oxidación. “Revolució Soterrada” ha sido diseñado para rasgar las paredes de tu conciencia.

 

Dentro de la beligerancia sonora peninsular, el proyecto catalán Ordre Etern ocupa uno de los primeros puestos. Este conjunto nació de las cenizas de una banda anterior conocida con el nombre de Qa’a. Sus dos componentes, Víctor Hurtado y Yarei Molina decidieron juntarse con un tercer miembro, Chris Haslam, también amante del ruido y la perversión sonora en todas sus facetas. En poco tiempo Ordre Etern comenzó a dar su primeros frutos. Sonidos sepultados sobre el rigor industrial más inflexible, en plena combinación con reflejos de percusión y líneas de cuerda.

Vamos a encontrar buenos ejemplos de esta alianza sonora en cortes como “Natura”, que manifiesta de forma incondicional su cimbreante calma, sosteniendo una tensión subrepticia alimentada por intermitentes notas de guitarra sobre las que los sintetizadores visten el casi extinto silencio con secuencias resquebrajadas. Un catálogo de exasperaciones vocales en catalán dotan de espíritu a un tema ya de por sí inclemente. Otros cortes como “Futur” están enterrados en sendas cíclicas de cacofonías insondables sobre las que los ritmos de percusión marcial saben hacerse un hueco.

 

0011325340_10.jpg

 

Metropolis” es uno de los temas más trituradores de todo el disco; un sólido conjunto de agonía vocal envuelta en reverberaciones se alía con una potente y firme percusión, apisonando lo que encuentra a su paso. Sin embargo, no todo es indomable violencia sonora en Revolució Soterrada. Ordre Etern sabe conjugar temas en los que la esperanza se muestra prácticamente interfecta y aprovechar la coyuntura para ensalzar la agonía existencial. “Defensa” es el tema encargado de cerrar el LP, y además cumple este cometido.

Revolució Soterrada ha sido publicado por el sello catalán Màgia Roja en colaboración con Tesla Tapes. Podemos elegir entre tres colores distintos de vinilo. El más limitado de todos ellos es el blanco, del cual solo se han prensado 66 ejemplares. Le sigue un espectacular color verde transparente que ya consta agotado, y la edición estándar en vinilo negro, limitada a 325 unidades.

Si eres de los que piensan que el power electronics es un género atrofiado por sus propias dimensiones conceptuales, Ordre Etern está aquí para hacerte cambiar de opinión.

 

 

Fernando O. Paíno

DARK MAD comienza a dar forma a su cartel de este año.

Los días 23 y 24 de octubre de 2020 tendrá lugar la segunda entrega de lo que ya puede ser considerado el festival de música oscura más potente de toda la Península Ibérica. Dark Mad vuelve a apostar fuerte, contando con un colmado cartel de bandas oscuras pertenecientes a todos los subgéneros que integran el llamado movimiento gótico. Por el momento, el repertorio se muestra tan ecléctico como atractivo. Además, aún es posible que la organización nos depare nuevas sorpresas.

 

84915218_1745231745617835_6207706830672494592_o.jpg

 

Para todos los interesados en asistir, indicaros que en este momento las entradas se encuentran disponibles a un precio reducido. Éste irá aumentando según se acerque la fecha del evento, por lo que ahora es un momento perfecto para garantizarte la asistencia a este espectacular evento.

 

https://mutick.com/events/entradas-darkmad-2020?fbclid=IwAR3SRW7fCHrEVceKczk8ujMoSokZw8zPt8IHQ-eIuet1n11qWSpzQ8c2Qbo

 

 

 

 

Garazi Gorostiaga – “Irauten”

El final del universo

5_Estrellas

 

Electric Reaction Records - Noviembre de 2017 - experimental - ER019

 

Aiene

Ilun Nahia

Nekea

Oi Gaua

Suga ar

Alu

Mihura

Ertz

Larrutan

Aitari

 

Garazi Gorostiaga diseña un producto marcado por los campos sonoros etéreos y oníricos. Experimental expansivo en el que esta artista bilbaína expone su propia visión sobre el mundo.

 

La creatividad artística es una virtud que no todos poseen. Garazi Gorostiaga no solo la tiene, sino que también sabe cómo utilizarla.

Esta bilbaína lleva ideando esquemas sonoros marcados por los sonidos industriales y dark ambient desde el año 2016, y lo que hoy reseñamos, Irauten, es una de su primeras muestras al público.

Este CD limitado únicamente a veinte copias nos ofrece una perspectiva muy personal e intimista sobre cómo utilizar el sonido con el fin de reflejar la abstracción de una manera inteligible. Sus diez cortes oscilan entre la divagación eidética y la representación ambiental de texturas organizadas en diferentes estratos sonoros, dando lugar a paisajes que hablan por sí solos sin necesidad de articular palabras. La artista logra transmitirnos una significación conceptual muy acertada, cercana a sus pretensiones, y esto, entre otras muchas cosas, hace de este CD algo delicioso.

 

13319971_1626875280965612_5307720118671415322_n.jpg

 

La urdimbre de líneas utilizadas son muy cercanas al drone en la mayoría de los diez casos, aspecto que escora el disco hacia la quietud y el inmovilismo. No obstante, Garazi sabe salvar este problema ofertando una constante alternancia de lanzas sónicas magistralmente ensambladas con distintos matices estéticos, aspecto que produce una interesante fractura dentro de la preconcebida linealidad que a priori se preveía.

Otro aspecto muy sugerente de Irauten es su conceptualización global. El disco actúa como una sólida molécula en la que sus átomos se mantienen firmes, engarzados entre sí de forma incondicional. Garazi apuesta por un sentimiento de sobriedad elegante con ciertos destellos de mágica expectación, y logra crear algo tan efectivo como suasorio. La bilbaína sabe cómo huir del mainstream con la intención de ofertar algo íntegro y concluyente que ejecuta con eterna fruición.

Desgraciadamente, la edición física de Irauten se agotó hace ya algún tiempo. El disco se presentaba dentro de una bolsa de plástico transparente con zip. Dentro de ella se adjuntaba una pequeña insert en A5 y una pegatina con el logo del proyecto.

Desde NOmelody esperamos que este soberbio ejemplo de ambientación oscura vuelva a ser reeditado en algún formato. Mientras tanto, os adjuntamos un enlace para que podáis deleitaros.

 

https://eclecticreactionsrecords.bandcamp.com/album/er019-garazi-gorostiaga-irauten

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

DEATH IN JUNE presenta un nuevo videoclip

El proyecto británico comandado por Douglas P. presenta un nuevo videoclip promocional con motivo de la reciente reedición del siempre enigmático The Wall Of Sacrifice (1989). El multinstrumentista Miro Snejdr ha llevado a cabo la producción del mismo. En él podemos descubrir fotos inéditas de aquella etapa de transición en la que DEATH IN JUNE combinaba la esencia del neofolk con la experimentación post-industrial.

 

SPK – “Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)”

 

Así es como suena una obra maestra

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre de 2019 - post-industrial - CSR274

 

Invocation (To Secular Heresies)

Palms Crossed In Sorrow

Romanz In Moll (Romance In A Minor Key)

In The Dying Moments

In Flagrante Delicto (Introduction)

In Flagrante Delicto

Alocasia Metallica

Necropolis

The Garden Of Earthly Delights

 

 

“Zamia Lehmanni – Songs Of Byzantine Flowers” es considerado por muchos un disco icónico dentro del género post-industrial. En él SPK desarrolla un estilo único con el que se distancia del sonido raspante y áspero de sus primeros lanzamientos para declinarse por los ritmos étnicos y rituales, combinados con destellos nacidos de los sintetizadores.

 

No en vano, se dice de SPK que posiblemente sea el conjunto más brillante surgido durante la primera etapa del movimiento industrial, y la verdad es que resulta muy complicado refutar este juicio de valor.

 

El grupo comandado por Graeme Revell surgió a finales de los setenta en Australia desafiando el sonido punk con un estilo hirsuto, hiriente y enloquecido en el que se fundían los sintetizadores con todo tipo de distorsiones y ritmos generados por cualquier objeto que encontrasen por el camino. Resulta realmente fantástico poder deleitarse viendo algún concierto de esa primera etapa, en la que sus fluctuantes miembros aporrean con extrema violencia bidones, muelles y todo tipo de planchas de metal con la intención de crear una atmósfera sobrecogedora.

 

unnamed.jpg

 

Sin embargo, SPK no inmovilizó su ideario creativo, nada más lejos de la realidad. Graeme Revell apostó a mediados de los ochenta por distanciarse de la acometividad disonante para generar discos mucho más calmados y espirituales en los que se creaba una atmósfera turbia y ennegrecida. Y, posiblemente, esa fue la mejor decisión que este neozelandés pudo haber tomado en su vida, ya que este nuevo sonido le abrió las puertas de cara a la producción de bandas sonoras para películas de alta producción. Zamia Lehmanni presenta una importancia capital dentro de la discografía de la banda por que fue, por así decirlo, la carta de presentación que el artista utilizó para dar a conocer su nuevo estilo. Un disco que se adelanta a su tiempo y del que beberán muchos grupos post-industriales de la década venidera. Desde su lanzamiento en 1986, este trabajo ha gozado de excelentes críticas y varias reediciones, todas ellas agotadas por derecho propio.

 

El cuerpo del disco nos muestra una profunda introspección en los sonidos rituales y medievales, jugando con la esencia neoclásica de una forma auténticamente ejemplar. La selección de instrumentos, así como la producción de los mismos, resulta absolutamente admirable. Solo es necesario escuchar una vez esta obra maestra para percatarse de ello. Y no está de más justificar la etimología de esta valoración, ya que antiguamente se consideraba “obra maestra” a todo trabajo realizado por un “maestro”, aquel que era ejemplo a seguir por todos los que adentraban en los secretos de cualquier gremio. Y, sin lugar a dudas, Graeme Revell puede ser definido como uno de los mayores representantes del sonido industrial en todas sus facetas.

 

Deconstruir o analizar las nueve canciones que componen Zamia Lehmanni supone en cierta manera correr el riesgo de apocarlas. Tan solo recomendaré una cosa: si no has tenido el placer de escuchar este disco, estás tardando demasiado; y las excusas ya no son válidas, porque el sello británico Cold Spring ha decidido reeditarlo en varias ediciones distintas en formato vinilo y CD.

Zamia Lehmanni es una de las columnas más sólidas y bellamente talladas del entorno post-industrial.

 

 

 

Fernando O. Paíno

Basarabian Hills – “Groping In A Misty Spread”

Atravesando la bruma

4-estrellas

COD music - Noviembre de 2018 - dark ambient - COD17

 

Morning Hoarfrost

Groping In A Misty Spread

Snowflakes

Crows

 

Surgidos de la acusada orografía moldava, Basarabian Hills plantea en “Groping In a Misty Spread” cuatro cortes dominados por la quietud ambiental en los que podemos descubrir escuetas reminiscencias emparentadas con el black metal.

 

 

Basarabian Hills es un ejemplo más de aquella enigmática transición que, ocasionalmente, algunas bandas que cultivaban sonidos black metal experimentaron, declinando su estilo hacia campos más etéreos y melódicos.

Posiblemente, y para no rizar demasiado el rizo, el ejemplo más arquetípico de esta derivación estilística lo encontraríamos en el soberbio Filosofem (1995) de Burzum, donde se emparejaban tonadas estrictamente ásperas y punzantes con otras más melódicas y calmadas, demostrando de esta forma que la potencialidad creativa de un conjunto no debe ser encerrada en un único estilo por miedo a provocar una muerte por asfixia.

 

0015407226_10.jpg

 

Groping In a Misty Spread es un disco centrado claramente en la experimentación ambiental de corte melódico. Hablamos de cuatro canciones con una línea argumental bastante similar entre sí en las que se plantean rutas melódicas realizadas a base de sintetizador.

La idea del conjunto ha sido combinar la oscuridad con un cierto romanticismo bucólico que nos evoca de forma directa la naturaleza más inhóspita. Las formas vocales pasan al olvido, aunque logran manifestarse de manera muy puntual en forma de suspiros y otro tipo de estructuras carentes de significación semántica. Hablamos de un disco perfecto para acompañar a los momentos de sosiego en donde la oscuridad hace acto de presencia de forma comedida y elegante.

Su publicación original tuvo lugar en el año 2016, y ha gozado de distintas reediciones. La que hoy presentamos ha sido realizada por primera vez en formato CD, potenciando en cierta forma la calidad de sonido que albergaba el disco. Para ello la casa rusa Der Schwarze Tod, focalizada en la publicación de bandas de black metal, ha unido sus fuerzas con una discográfica bastante más ecléctica en lo que a estilos musicales se refiere, como es COD music, para resucitar la estela nigromántica encapsulada en este álbum.

 

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/groping-in-a-misty-spread

 

Fernando O. Paíno

 

Crea un sitio web o blog en WordPress.com

Subir ↑