Black Pleura – “The Line”

 

Fuerza y ritmo

4-estrellas

 

R.O.N.F - Octubre de 2018 - industrial - NO.CN

 

The Spectre

The Reds

King Pig

Folds

New Beginning

Green And Blue

Power

Duck And Cover

 

Desde Lanzarote surge Black Pleura; un dúo que logra complementar el industrial rítmico con un efectivo juego audiovisual. The Line (2018) es su primer trabajo, una colección de temas que desprenden grandes dosis de energía y amor al ruido.

 

Lanzarote es esa pequeña isla perteneciente al conjunto de las Canarias en la que jamás pensarías que se pueda cocer algo oscuro, sibilino y disonante cuyo objetivo fundacional sea dislocar la sinapsis del oyente hasta someterlo sin contemplaciones. Pues bien, con esta pretensión y otras muchas más que quedan encerradas de manera subrepticia, y que no pensamos desvelar aquí, nació Black Pleura, un dúo conformado por Alberto y Félix. El primero de ellos se encarga de realizar todo el trabajo musical en la banda, mientras es segundo idea la correspondencia visual que se muestra en sus directos. Realmente, y en palabras del conjunto, “Black Pleura es la unión de estas dos fuerzas, y si una de ellas se obviase, el conjunto no tendría sentido.” Cierto es que esta declaración se comprende muy bien cuando tienes la oportunidad de asistir a alguno de sus directos. Hace unos meses estuvieron tocando en Madrid, y poco después en el sexto certamen del festival Buganoise celebrado en Las Palmas. Allí demostraron su incontinente agresividad y su potente magnetismo.

La fórmula empleada por Black Pleura consiste en combinar el ritmo más raspante con cadencias de ruido pegadizas y enfermizas a partes iguales, haciendo de sus canciones algo parecido a una sopa de tornillos y alfileres, lo que resulta algo fantástico si sabes saborear el buen industrial.

 

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Su primer trabajo, The Line, ha sido publicado por el sello de culto canario R.O.N.F Records en formato CD, y actualmente ya consta agotado en el Bandcamp del conjunto. Si pasamos a analizar el contenido de éste, nos encontraremos ocho cortes en los que se intenta bascular el peso del ruido más abstracto, como es el caso del primer tema, de poco más de un minuto, bautizado con el nombre de “The Spectre”, con otros mucho más pegadizos en los que encontramos pequeños guiños a DAF o SPK, pudiendo citar “The Reds” o “A New Beginning”. Un disco muy bien calculado en el que se logra un perfecto equilibrio de fuerzas en lo que a contenido e intensidades se refiere, haciendo del ruido más hirsuto algo de fácil ingestión. Quizá ése sea el mayor punto a favor de su peculiar estilo: la capacidad de dar un enfoque diferente, o reconceptualizar de manera inconsciente, algo que ya de por sí ofrece una hostilidad innata que es lanzada sin remilgos contra el oyente. Black Pleura sabe vestir a la Furia con traje de chaqueta y pajarita. Esta logra colarse en las fiestas sin ser invitada, y una vez dentro no hay forma humana de detenerla. Hablamos de absoluto caos y pura esencia destructiva.

Déjate cautivar por su peculiar atractivo.

 

 

Fernando O. Paíno

Fabio Orsi – Uncharted Waters

Levitando sobre la inmensidad

4-estrellas

 

Zoharum - Marzo de 2019 - experimental - ZOHAR 177-2

 

Uncharted Waters

 

Fabio Orsi destaca por su talentoso estilo a la hora de componer paisajes sonoros en perfecto equilibrio. “Uncharted Waters” es una aproximación acústica al inconsciente, un viaje intermolecular que actúa de la misma forma que un tranquilizante. Ritmos sosegados en consonancia con la estética chill out y minimal.

 

Orsi ha ido ganando un merecido terreno dentro del campo de la música ambiental y rítmica lo largo de las últimas décadas gracias a un estilo mutable pero bien definido en el que se aúnan multitud de ingredientes sonoros. No duda en programar viajes por los confines del interior humano, ofertando una música guiada por la calma y el ritmo.

Este italiano se caracteriza por su gran productividad creativa. En un año puedes encontrarte nada menos que tres referencias publicadas por distintos sellos, y eso no excluye el hecho de que esta dinámica pueda volver a repetirse de cara al siguiente. Orsi es una fuente inagotable de inventiva musical que sabe cómo dar esquinazo al tedio.

 

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Uncharted Waters” se eleva como una propuesta monolítica y constante de treinta y cinco minutos. Efectivamente, la preconceptualización de Orsi a la hora de dar forma al sonido se basa en moldearlo como si de un trabajo de alfarería se tratase. En este CD vamos a hallar un gran número de recodos acústicos planteados con maestría, elegancia y consideración. El artista sabe ponderar magistralmente la dosis de experimentación lisérgica con ritmos emparentados de una forma u otra con la etnicidad y el tribalismo que, al actuar en plena simbiosis, logran ofrecernos un estilo singular y mágico marcado por el pulso y la divagación. En su gestación prepondera el uso de sintetizadores y cajas de ritmos dirigidos por secuencias y tempos fijos, no obstante Orsi concibe el tema como algo cíclico a pesar de su linealidad rítmica, ya que éste termina exactamente igual que comienza, por lo que si lo escuchas en un reproductor con lectura automática, logra aportarnos una sensación de eternidad.

El sello polaco de música post-industrial y experimental Zoharum se ha acercado a Orsi con la intención de materializar un trabajo harto interesante. Uncharted Waters ha salido a la venta en formato CD y limitado únicamente a 300 ejemplares.

 

 

Fernando O. Paíno

MISA TRIDENTE – “IUDICIUM”

Camino al infierno

4-estrellas

 

Lendt - junio de 2019 - martial/dark ambient - Lendt21

 

Iudicium

 

Misa Tridente es una de las manifestaciones musicales hispanas más oscuras que vas a poder encontrar en los últimos años. Su nuevo trabajo, “Iudicium”, puede ser concebido como un viaje al inframundo cargado de vehemencia y presión. Cuarenta minutos de agonía en constante ascenso.

 

 

Jushe Manhia consigue sorprendernos por su infinita versatilidad a la hora de crear música. El responsable de formaciones como Buio Mondo vuelve a llamar la atención del público más oscuro gracias a un proyecto paralelo conocido con el nombre de Misa Tridente.

Poco sabíamos de esta aventura en escala de grises hasta el lanzamiento de su segundo disco, sin embargo Misa Tridente ya había debutado en 2017 con una interesantísima casete titulada El Exterminio de la Fe, donde se establecían someramente las pautas estéticas del proyecto, además de colaborar con un corte extra en uno de los recopilatorios propuestos por el sello Contubernio Records.

Lo que Jushe pretende plasmarnos en Iudicium es un viaje sin retorno en el que el sonido va evolucionando y expandiéndose indefectiblemente por el ambiente hasta abarcar la totalidad del espacio. Su propuesta consiste en un único y camaleónico tema de cuarenta minutos donde las impertérritas percusiones guían firmemente el curso de una tonada marcada por el devenir infernal. En ella se dan cita las voces femeninas, tanto corales como principales, de Isabel Sierras, que son las encargadas de articular la cambiante dinámica del corte. Éste se ve nutrido de elementos instrumentales muy prácticos a la hora de definir la personalidad de la tonada, como supone el uso del violín eléctrico, que se encarga de enriquecer sobremanera el resultado global de este apasionante corte.

 

 

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Un punto en común de la colección discográfica de Misa Tridente es que sus temas no se caracterizan por ser cortos. El artista plantea desarrollos de constante mutación encofrados en guías impermeables de percusión tribal, consiguiendo de esta forma adentrarnos en un contexto tan hipnótico como devastador.

Aunque el disco salió a la venta recientemente en una edición física de CDr limitada a únicamente 50 ejemplares, a día de hoy ya consta agotado. El sello responsable de materializar la propuesta ha sido Lendt en colaboración con el propio artista, y la verdad es que el resultado ha sido más que satisfactorio. Cabe resaltar el diseño de su portada: una impactante representación antropomórfica que esconde en su rostro el camino hacia el infierno.

Vale la pena pararse a descubrir esta nueva propuesta hispana que cabalga ente el martial y el dark ambient. Altamente recomendado para almas oscuras.

 

https://misatridente.bandcamp.com/album/iudicium

 

Fernando O. Paíno

Satori – “Dispøssessiøn”

Desgajando el nihilismo

5_Estrellas

 

COD Noizes - Diciembre de 2018 - power electronics/dark ambient - SHUM18

 

 

Dead Cities

Succour

A Clean Death

Trogo

Flesh Ritual

Hatekeeper

Devils Cease

Esorcismo

Wytched

Slaughter Of The Innocents

The Immolation Chamber

Put Your Hands In The Fire

 

 

Satori es, en la opinión de muchos, uno de los proyectos más emblemáticos de power-electronics de las últimas décadas. Surgido a finales de los ochenta, Dave Kirby no ha parado de proponer nuevos e impactantes trabajos. “Dispøssessiøn” es un ejemplo perfecto de furia bien ponderada.

Uno de los puntos fuertes de Satori es su genial capacidad a la hora de compensar brotes de euforia ruidista con mantos de quietud dark ambient. Dispøssessiøn, su última propuesta, cumple estos aspectos a la perfección. Se ha elucubrado un disco dinámico, rebosante de fluctuaciones y paisajes acústicos inquietantes, todo ello tamizado por un genial equipo de producción y post producción formado por Lorenzo Abattoir ( con el que ha realizado más de un trabajo conjunto) y Martin Bowes (cabeza pensante de Attrition).

 

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Dispøssessiøn apuesta por un equilibrio entre extremos, algo un tanto arriesgado si no se sabe plantear correctamente, ya que se corre el riesgo de descompensar el peso global de la totalidad del álbum. Sin embargo, Dave Kirby sabe lo que hace, y además, sabe cómo hacerlo. Dispøssessiøn encapsula en sus doce cortes mucha de la estética planteada en discos pausados como Kanashibari (2008) con otras joyas del ruido más extremo como The Hanging (2015), elucidando una fórmula cuidada y dinámica que se aplica desde fuera hacia dentro. Tal es esta fijación por el término medio que la totalidad de sus cortes están comprendidos entre los siete y los cinco minutos de duración, de tal forma que la sensación de contrapeso entre el ruido y la calma se manifiesta claramente a lo largo de la vida del álbum.

 

Atendiendo al aspecto ejecutivo, Kirby vuelve a manifestar una excelente creatividad a la hora de ejemplificar la angustia por medio del sonido. Temas tan rotundos como “Dead Cities” o “Hatekeeper” ponen a la luz esos años de experiencia que este genial artista porta sobre su espalda, sabiendo retratar el miedo a base de sonidos de una forma única y genuina. Algo que no es nada fácil de hacer si no tienes claro desde el principio cómo llevarlo a efecto.

 

Como corte estrella destacamos “Put Your Hands on the Fire”. En él se condensa magistralmente esa ponderación de sensaciones a la que hemos hecho referencia durante toda la exposición. Kirby riza el rizo comprimiendo en un solo tema la furia más extrema alimentada a base de percusiones rotundas y voces resquebrajadas con drones de ruido blanco y oscilaciones bien educadas, lo que surge de ahí es un dechado de control de estilos y maestría compositiva.

 

Dispøssessiøn ha sido publicado por el sello ruso COD Noizes. Para ello se ha llevado a cabo una preciosa edición en digipak protegido por una funda de cartón impresa en juegos de brillo y mate. Algo digno de este genial e icónico proyecto de música post-industrial.

 

 

Fernando O. Paíno

JUSTO BAGÜESTE & SUSO SAIZ – “Inducing the Pleasure Dreams v2”

Revisionismo onírico

4-estrellas

 

Geometrik – junio de 2019 – experimental - GR 2147

 

Nóstos

Margen de Indefinición

Despertar

Cerca de algún lugar

Implosión

 

Justo Bagüeste y Suso Saiz, dos de los artistas más relevantes de música experimental en España, redefinen en directo “Inducing the Pleasure Dreams”, una creación publicada por el propio Bagüeste allá por 1995. En esta nueva entrega se perfila una colección de contextos sonoros marcados por la espontaneidad y el genio.

 

La historia que nutre y da forma al disco que hoy presentamos es esencial para entenderlo y disfrutarlo tal y como se merece. Hace ya más de veinte años, el compositor Justo Bagüeste presentaba un trabajo colosal dentro de la experimentación electrónica hispana, Inducing the Pleasure Dreams (1995), este álbum, tal y como su título nos advierte, conseguía introducirnos en una urdimbre de sonidos cálidos y etéreos confeccionados a base de sintetizadores analógicos y radios de onda corta. El productor de esta maravilla sonora fue ni más ni menos que Suso Saiz, una leyenda viva de la música no figurativa que además destaca por su carrera profesional como productor de bandas nacionales de renombre, como Los Planetas o Celtas Cortos.

 

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Suso Saiz

 

Faltando dos meses para que el año 2016 concluyese, Saiz y el propio Bagüeste son invitados a tocar en el festival Periferias de Huesca, donde reinterpretarían por primera vez en riguroso directo esta pieza ejemplar de música experimental. La conclusión de aquella experiencia ha sido recogida por primera vez en formato físico de la mano de Geometrik Records, y ahora se presenta a la venta únicamente en formato vinilo y limitado a quinientos ejemplares.

El contenido de esta nueva versión difiere substancialmente con respecto al del original. Tan sólo se respetan ciertas bases estructurales que amarran la marca genética del álbum, el resto de ornamentación acústica es demolida con la intención de redefinir un momento único. Y es que si por algo destaca esta nueva entrega de Inducing the Pleasure Dreams es por su vistosa estética sonora. Una infinidad de texturas van definiendo formas mutables de gran belleza, subsumiéndonos en un constante devenir de sensaciones inexploradas. Temas como “Margen de Indefinición” oCerca de algún lugar” dan por sentada la inconmensurable calidad improvisatoria de ambos músicos. Tanto Saiz como Bagüeste portan ese don natural con el que consiguen retratar ideas fugaces que derivan en nuevos conceptos. Una espontaneidad nutrida por la utilización de todo tipo de instrumentos complementarios de cuerda y viento con los que consiguen muy buenos resultados. Ideal para amantes del primer Krautrock y acólitos de Cluster o Tangerine Dream.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Anemone Tube, Jarl & Monocube – “The Hunters In The Snow – A Contemplation On Pieter Bruegel‘s Series Of The Seasons”

Reinterpretando la vida en el siglo XVI

4-estrellas

 

The Epicurean - Abril de 2019 - ambient/post-industrial - AATP65

 

The Gloomy Day

The Hay Harvest

The Harvesters

The Return Of The Herd

The Hunters In The Snow

 

Tres grandes proyectos del post-industrial de nuestros días combinan su creatividad para reinterpretar musicalmente un conjunto de obras de Brueghel, “Los cazadores en la nieve” es el título que recibe el disco. Cincuenta minutos de fantástica ambientación hipnótica.

 

 

Siempre resulta muy inquietante escuchar un trabajo conjunto de bandas que conoces cómo funcionan por separado. Hasta que no lo disfrutas detenidamente, nuca sabes el grado o la porción de creatividad y estilo que cada uno de ellos ha aportado a los cortes que estructuran el disco.

Hunters In The Snow es un claro ejemplo de ello. Este nuevo lanzamiento del sello alemán The Epicurean nos sorprende a bote pronto por su cuidada estética sonora, ponderando el ambient con gajos de ruido que saben ser implementados perfectamente a la dinámica preeminente del trabajo, una dinámica reflexiva, clamada, que insta a la frialdad y nos encierra en la quietud del invierno.

Lo que Anemone Tube, jarl y Monocube plantean en esta propuesta es algo fantástico. Se trata de aportar una perspectiva sonora sobre una serie de representaciones pictóricas  llevadas a cabo por Pieter Brueghel el Viejo hace ya más de cuatrocientos cincuenta años. Cada una de ellas se corresponde con determinadas actividades laborales realizadas a lo largo de las distintas estaciones del año.

 

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En analogía con la obra original, hay que reconocer que este trío de artistas han sabido condensar muy bien la esencia inefable que transmite cada uno de los cuadros por medio de su composición, además de transfigurar la variada paleta de colores utilizados y el registro de escenas capturadas. Los artistas han sabido presentar una actitud muy crítica a la hora de transformarlo en música, ya que consiguen representar el cariz de las distintas situaciones sin involucrarse demasiado en las pretensiones originales que pudieron llevar a Brueghel a retratar estos momentos.

A la hora de moldear la base de los temas, Stefan Hanser, responsable de Anemone Tube, ha decidido contar aleatoriamente con el resto de artistas. Para ello, tanto en el primer como en el segundo corte, “The Gloomy Day” y The hay Harvest”, únicamente colabora con Jarl, mientras que en “The Harvesters” hace lo propio con Monocube. Destacable resulta “The return Of The Herd”, tonada que resuelve Anemone Tube en solitario. Una historia acústica de casi siete minutos en la que mantos de sonido calmado y melodías embrionarias nos sitúan dentro del cuadro de este autor del gótico tardío.

El último corte, que además se encarga de bautizar al álbum, “The Hunters in The Snow”, es el único en el que los tres artistas han unido fuerzas mano a mano. El resultado es absolutamente magnífico, posiblemente, el tema estrella de este disco. Distintas perspectivas acústicas se entremezclan conformando un paisaje sólido y cohesionado que nos deja sentir el invierno.

Este disco ha salido al mercado en formato CD, presenta una cuidada edición en digifile de ocho paneles acompañada de libreto. También se ha realizado una tirada especial que incluye de forma extraordinaria más complementos físicos.

The Hunters In The Snow es un disco convincente y analítico. La alternativa perfecta para contrarrestar el calor veraniego.

 

 

Fernando O. Paíno

CARAMUERTO – “Humo y Espejos”

Preparados para el enfrentamiento

5_Estrellas

Màgia Roja Records - Febrero de 2018 - industrial/grindcore - MR019

 

 

7 a.m.

1929

Nana

Mejor la Lluvia

Domingo por la mañana

Los Felices Años 20

Arena

Luna Llena

Arde

Jack

Culebreando

El Hombre Gris

Aquel Invierno

La Horda del Lobo

A Oscuras

Niños Perdidos

 

 

Caramuerto es como una explosión en un convento: impactante, morbosa y estéticamente atractiva. Su primer trabajo “Humo y Espejos” comienza de la misma manera en la que termina, punzando nuestras neuronas a base de ritmos atormentados y gritos exasperantes. Un increíble LP lanzado por Màgia Roja Records.

Juan Molina, único responsable de Caramuerto, logra condensar en un solo disco un torbellino de temas directos y agresivos cincelados por la cadencia y la ira. Humo y Espejos, además de ser el título de una novela de Neil Gaiman, es el nombre que define este demoledor trabajo.

Su estilo se encuadra dentro del noise y el industrial más agresivo, aunque eventualmente coquetea con subgéneros igualmente abrasivos como el grindcore. El plan ha sido encapsular un arsenal de tonadas concisas pero directas, granadas de mano que detonan en los oídos destrozando todo retazo de parsimonia. Cuando intentas recuperarte del shock producido por la última, la siguiente está comenzando a agravar las heridas abiertas. Un disco que encandilará a seguidores de bandas como Brighter Death Now o los primeros SPK.

 

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CARAMUERTO en directo. (foto: Tensión Ritual)

 

Molina consigue ponderar la experimentación más raspante e indefinida con rotundos golpes de percusión que le sirven de guía para encofrar textos dislocados, engendrando una obra perfecta en la que la violencia acústica porta el bastón de mando. Cortes como “Luna Llena” o “Aquel Invierno” dan fe de que en Barcelona se siguen haciendo trabajos realmente encomiables que elevan el listón de la música independiente en nuestro país. Humo y Espejos es indudablemente una carta ganadora que se desliza sobre el plato declarando profesionalidad y originalidad a partes iguales.

Aunque en los créditos del disco se expone que estos cortes han sido registrados durante el año 2017, este conjunto presentó seis años antes una demo titulada 1.929 en la que se incluía una buena parte del repertorio que vertebra este LP. Un disco que logra extinguir el oxígeno de forma incondicional. Su línea argumental avanza a toda velocidad, exenta de freno alguno, sin llegar a salirse de la carretera, con el objetivo de estrellarse contra una pared de hormigón.

El sello catalán Màgia Roja Records ha planteado una preciosa y cuidada edición en vinilo limitado a únicamente 275 ejemplares. El disco viene acompañado de descarga digital y numerado.

 

 

Fernando O Paíno

 

Anni Hogan – “Lost In Blue”

Madurez y consistencia

5_Estrellas

 

Cold Spring - Abril de 2019 - pop/jazz/blues - CSR266CD

 

 

Lost Somewhere

My Career

Death Bed Diva

Silk Paper

Ghosts Of Soho

Blue Contempt

Thunderstruck

Making Blackpool Rock

Golden Light

Angels Of Romance

Lost In Blue

 

 

Anni Hogan, aunque desconocida para muchos, puede ser considerada una pieza angular de la primera mitad de los ochenta dentro de los lindes marcados por la música independiente. Esta británica ha trabajado con infinidad de artistas encomiables a lo largo de su carrera, y ahora nos presenta un trabajo soberbio.

 

 

Anni Hogan es una de esas artistas cuyo mérito no ha sido reconocido en la medida que se merece. Militó junto a Marc Almond en sus proyectos Marc And The Mambas y The Willing Sinners, justo después de que Marc decidiese poner punto y final a Soft Cell. La magia de Hogan al piano es fácilmente identificable, y conformó un aura propia que ha enamorado a muchos a lo largo de los años.

Lost In Blue es un disco sencillamente fantástico. Una obra sobresaliente que derrocha elegancia, maestría y sentimiento. Una vez más el sello Cold Spring vuelve a destacar por su acertado eclecticismo a la hora de seleccionar proyectos. Lo que vamos a encontrar en este álbum es una colección de temas altamente convincente en la que se desarrolla una suerte de pop maduro y sopesado, marcado por un fuerte influjo del jazz y el blues, y el sabor a pub de medianoche. Hálitos de esencia crooner gracias a la intervención vocal de artistas de la talla de Kid Congo Powers, Richard Strange o Gavin Friday. Como podemos comprobar, Anni no se junta con cualquiera. Es lo bueno de tener amigos tan grandes como tú.

 

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En el registro femenino hallamos pesos pesados como Lydia Lunch, que confecciona con su voz un corte maravilloso como es “Blue Contempt”, o Scarlet West, que interviene en “Making Blackpool Rock”. Y es que Lost In Blue es un disco que destella por su madurez y equilibrio. Un auténtico ejemplo de maestría y buen gusto. Muy recomendable para los amantes de Nick Cave, Marc Almond o Lou Reed. Once temas con genética propia que exhiben su personalidad. Una personalidad pulida por el paso del tiempo y la experiencia.

¿Temas recomendables? Todos y cada uno de ellos. Este es el arquetípico trabajo que escogería para ejemplificar la evolución correcta de un artista. Una maravilla. Un ejemplo de buen gusto. Cold Spring lo sabe, por supuesto, y no ha dudado en preparar una edición acorde con el peso cualitativo que contiene. Para ello se ha prensado en vinilo dos tipos de ediciones, una de ellas limitada y en color azul, sin pasar por alto el formato CD.

Lost In Blue puede ser considerado uno de los mejores lanzamientos de este año 2019. Hacía falta un trabajo como éste desde hacía tiempo. Un disco titánico que desprende personalidad y buen gusto.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Рабор – “Корни”

Reviviendo los orígenes

4-estrellas

 

COD Noizes - Noviembre 2018 - folk/experimental - SHUM16

Порою сжатых хлебов

Ссыпчина

Ключ-замок

Первозимье

Рябиновая ночь

До вечерней звезды

Нехожеными тропами

На макушке северного лета

О кладах (по Н. К. Рериху)

 

Рабор es un conjunto ruso que se decanta por el folk tradicional. Música calmada y evocadora que nos traslada a etapas pasadas, libres del proceso de industrialización. Un disco magnífico y parsimonioso con el que, por un momento, desconectamos del mundo moderno.

 

Рабор en alfabeto cirílico, o “Rabor” en el caso latino, es un proyecto ruso que apuesta por la música tradicional de corte folk. Sí aquel folk de alta montaña en el que interviene instrumentación tradicional con el objetivo de generar melodías cautivadoras y fascinantes. Su último trabajo, Корни, es un genial ejemplo de dominio melódico y compositivo. Presenta nueve cortes cuya fórmula consiste en una equilibrada mixtura de ambient generado a base de grabaciones de campo con estructuras rítmicas y atávicas cargadas de cadencia y sensibilidad. La gran parte de sus cortes se ofrecen exentos de voz salvo alguna excepción como “О кладах”, una impresionante tonada que hace acto de presencia con líneas de spoken words en ruso.

Корни destaca por su brillante ejecución, además de la ejemplar capacidad de transformar el sonido en sentimiento. Рабор apuesta por armazones acústicos de cuerda frotada guiados por percusión y vestidos por instrumentos de viento. Este esquema es cercano a grupos como The Moon And The Nightspirit, Trobar de Morte, Rajna o Aura Noctis. La banda rusa apuesta por echar la vista al pasado y rescatar la esencia perdida de aquellas sociedades que nos antecedieron hasta que la industrialización lo cambiase todo de forma irreversible, y es que cortes como “Ключ-замок” o “Нехожеными тропами” son dechados ideales de parsimonia y amor a la sencillez. Un disco que coquetea abiertamente con la naturaleza, que transmite fortaleza y esperanza, reforzando los lazos que nos unen a tiempos pretéritos.

 

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La discográfica rusa COD noizes, en colaboración con la casa Der Schwarze Tod, más cercana a sonidos centrados en black metal, han sido las encargadas de apostar por estequinto trabajo de Рабор. Ha sido publicado en formato CD, y su portada, carente de título alguno, intenta recrear aquella vida rural en la que la banda se ha inspirado a la hora de dar forma a todas estas geniales piezas. Un disco que se encarga de guiarnos por contextos enterrados en la memoria de pocos, y que se van perdiendo cada vez más.

 

Рабор es una banda digna de ser descubierta y disfrutada. No desperdicies la oportunidad de dejarte conquistar por su maestría.

 

 

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

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