Jowisz / H.ø.s.t – “Ages of Determination”

Evocando la guerra

3_estrellas

 

Spatha Production - Marzo de 2019 - martial/dark ambient - SP03

 

 

The Franco-Prussian War

A Child of Strasbourg

All Rats Know the Dance of Bayonets

Bad Omen

Siege 1944

Niedobschütz 1945

Wolfpack

 

Jowisz y H.ø.s.t proponen un trabajo compartido repleto de ambientes marciales en asociación directa con melodías lentas y telares de abstracción. “Ages of Determination” condensa la esencia luctuosa de estos dos proyectos polacos.

 

Polonia es un país en el que las bandas de martial industial tienen buen calado. Jowisz y H.ø.s.t son dos proyectos que comparten gustos, estilo e influencias, expresándolas cada uno a su manera.

En el caso de Jowisz, el artista recrea paisajes sonoros por medio del cut and paste de samples, emparejados con estructuras marciales que se sumergen en tintes de industrial. Las cuatro propuestas que esta banda encierra en el CD son rotundas y oscuras. Están atravesadas por la esencia de la guerra, y en ellas se confeccionan contextos ennegrecidos que se iluminan con apuntes vocales. Jowisz es partidario de idear melodías magnéticas de talante oscuro y decadente con las que es fácil verse atrapado y poder hacerse una idea de lo que su discografía esconde. “All Rats Know The Dance Of Bayonets” puede ser una de las ofertas más apetitosas de este repertorio.

 

15726408_949226501877173_4018954763318261250_n.jpg

 

Para H.ø.s.t el dark ambient es un ingrediente mucho más referido. Sus títulos, al igual que los de Jowisz, invitan al recuerdo de periodos y escenarios de contextos bélicos. H.ø.s.t se encarga de ambientarlos de forma muy personal: no duda en dibujar un escenario acústico donde reina la quietud y la sensación de desamparo. “Wolfpack” posiblemente sea el tema de esta selección con el que el artista consigue consagrarse. En él se disparan líneas de drone ambiental y etéreo que sufren oscilaciones en un ejercicio lento y sinuoso, conformando una materia acústica lúgubre.

Ages of Determination” ha sido presentado en CD por el sello polaco Spatha Production, con el que Jowisz lanzó anteriormente un larga duración, Trench Rat’s Banquet. Ha sido limitado a cien unidades y presentado en caja de plástico.

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand – “Wish I Weren’t Here”

Cosechando un sonido desafiante

5_Estrellas

 

WKN - Marzo de 2019 - post-rock/garage/psicodelia - WKN55

 

 

Evil

Wish I Weren’t Here

All One

Make Me See The Light

Just Because I Can

My Soul Rests Free

Forgotten

He Is Here

O Lord

 

Albin Julius y el resto de componentes que forman Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand nos ofrecen una nueva colección de temas enérgicos y enigmáticos marcados por el elixir del post-rock, el garage y la psicodelia oscura. “Wish I Weren’t Here” rescata la fuerza del polifacético conjunto austriaco.

 

Hacía tiempo que Der Blutharsch no nos conquistaba con un disco netamente convincente, pero en esta ocasión podemos decretar que Wish I Weren’t Here muestra todos los ingredientes necesarios para granjearse el éxito. Nueve cortes en los que prepondera la esencia del post-rock y la psicodelia, haciendo acopio del estilo planteado en anteriores ofertas como What Makes You Pray (2017) o Sucht & Ordnung (2016), pero intensificando la aspereza y la dinámica de las propuestas, a la vez que se añade una magistral dosis de electrónica oscura que, en algunos momentos, nos recuerda vagamente a aquella pasada y misteriosa etapa de The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud. Un trabajo altamente ecléctico con el que Julius ha sabido alcanzar un sonido desafiante.

 

48391768_10157042923282664_2270367438342193152_n.jpg

 

El álbum da inicio con “Evil”, corte con el que desde el primer minuto de escucha sabemos que lo que el austriaco nos va a ofrecer en esta ocasión tiene buen peso y nivel. En él se genera una suerte de atmósfera con genética stoner marcada por la lobreguez sobre la que Marthynna clava textos taxativos. El buen sabor de boca sigue alimentándose con el corte que da nombre al trabajo, “Wish I Weren’t Here”, posiblemente, uno de los más caliginosos de todo el disco. Comienza con un esquema de sombras para ganar complexión y firmeza según va desarrollándose. “All One” se encarga de certificar lo que ya sospechábamos, y es que Der Blutharsch se está marcando uno de los mejores discos de su nueva etapa. “Make Me See The Light” bebe largos tragos de psicodelia y el garage de los setenta, sin embargo el tema sabe engarzarse a su propia esencia para saludar desde lejos al Fun House de los Stooges sin llegar a darse un abrazo.

My Soul Rests Free” establece momentos en los que reina la divagación mezclada con enredaderas de ruido. Marthynna invoca la plasticidad lírica de Nico con la intención de definir un tema claramente fabuloso. Otros cortes como “He Is here” se cimentan en los ritmos electrónicos para vestirse de percusión y notas de cuerda, ofreciéndonos una decoración acústica agridulce a la vez que maldita. “O Lord” cierra el repertorio mientras se gana nuestra más sincera confianza, y es que este nuevo trabajo de Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand quiere resistirse a abandonar el equipo de música en el que se ha pinchado.

 

Wish I Weren’t Here es la quincuagésima quinta referencia de WNK, y como es costumbre de la discográfica, ha sido lanzado en distintos formatos, entre los que destaca el vinilo con colores para todos los gustos.

 

https://derblutharsch.bandcamp.com/

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Lazharus – “Cernunnos: El Señor Del Bosque”

Atrapados en el bosque

5_Estrellas

 

Pure Reactive Records - Enero de 2019 - experimental/doom/noise - SR.023

 

Psicogeometría

Bardo

SCAP El Símbolo Compensador

 

Lazharus es un trío madrileño que opta por ejemplificar la presión y el desasosiego por medio del sonido. Su música es inflamable y venenosa. Complementa la plasticidad del doom y la experimentación con el ruido más enfermizo. Su último disco, “Cernunnos: El Señor del Bosque”, es toda una delicia.

 

Para los pueblos celtas, hace ya muchos años, Cernunnos representaba la imagen de un dios que habitaba en los fríos bosques. Este, como cualquier divinidad adscrita a esta mitología, era una deidad fuerte, resuelta y valerosa. Su ontología refiere el espíritu de los animales más poderosos de la zona, y su sola presencia conseguía intimidar hasta al más denodado. Se solía encarnar con una mezcla de forma humana y cérvida, portando en su cabeza una impactante cornamenta. Es por ello que la banda ha decidido utilizar la imagen de este bello animal en analogía directa con el título de su nuevo trabajo.

Cernunnos: El Señor del Bosque supone la cuarta entrega de este conjunto hispano conformado por grandes genios de la escena industrial madrileña, pudiendo destacar dentro de él artistas tan señeros como Kike Kaos, Iván Román o Sergio Albert. Lo que Cernunnos nos ofrece son tres temas en los que la experimentación, las percusiones programadas y las líneas de bajo se entrelazan con la intención de gestar algo auténticamente maldito. Tres cortes poseedores de un espíritu envilecido.

 

0015263515_10.jpg

 

Su primer corte, “Psicogeometría”, son más de veinte minutos de divagaciones cercanas al doom metal y el industrial más puro, pudiendo referenciar el sonido de bandas como Khost o Tenhornedbeast como algo cercano a ese estilo triturador. Su segunda propuesta, “Bardo”, es mucho más rítmica y directa, aderezada con voces resquebrajadas y portadora de furia y altas dosis de descontrol. Una maravilla que encanalará a los amantes del caos sonoro. Finalmente, “SCAP El Símbolo Compensador”, tiene un poco de todo, desde experimentación abstracta a lo Godspeed You! Black Emperor, para derivar en una suerte de apoplejía sonora mucho más afín al sonido dominante del grupo. Todo ello finaliza con unos maravillosos samples de la entrevista mantenida a Beth Thomas, esa encantadora niña psicópata que quería pasar por cuchillo a toda su familia.

Por esto y mucho más podemos concluir que Cernunnos: El Señor del Bosque es una auténtica maravilla de la música experimental extrema.

Si todavía no conoces a Lazharus, estás tardando. La banda ya está planteando conciertos de cara a la presentación de este trabajo. Os mantendremos informados de ello.

https://lazharus.bandcamp.com/

 

Fernando O. Paíno

Mz.412 – “Svartmyrkr”

Una obra excelsa

5_Estrellas

Cold Spring - Febrero de 2019 - black industrial/dark ambient - CSR257LP

 

Äntra Helstraffet

Öppna Hegrind

Codex Mendacium

Ulvens Broder

Helblar

Ulvens Bleka Syster

Burn Your Temples, True Change

She Who Offers Sorrow

We Are Eternal

Lokastafr Ablaze With The Thorns Of Death

 

Coincidiendo con el treinta aniversario de la banda más emblemática de black industrial, Mz. 412, Cold Spring pone sobre la mesa “Svartmyrkr”, el nuevo trabajo de este trío sueco. Su contenido reafirma la esencia maldita del conjunto, aportando un brutal decálogo de propuestas que brillan por su marcada tensión, en las que se esbozan atmósferas donde se respira la agonía gestada en el inframundo.

Mz . 412 es un conjunto que nos tiene acostumbrados a los desequilibrios y las esperas, pero cuando estas acaban sabemos que han valido la pena. Prueba de ello la encontramos en Svartmyrkr, el último larga duración de este conjunto sueco pionero de la música industrial oscura. Trece años después de la publicación de Infernal Affairs (2006), los dueños de la oscuridad ruidista vuelven a sorprendernos con un disco magnífico que presenta todos y cada uno de los elementos que caracterizan el sonido que les ha hecho famosos. Ritmos marciales, facetas experimentales en las que preponderan las disonancias, melodías hecatómbicas, presión incontenible y voces del otro mundo. Un disco que se muestra fiel a sus predecesores, pero que a su vez nos expone ese perfeccionamiento estilístico que sus componentes han ido ganando con el paso de los años.

 

R-13215341-1550087102-7890.jpeg.jpg

 

Una de las razones que más nos inclinan a pensar que el elepé es una obra maestra es su marcada variedad de perspectivas sonoras. El grupo no cae en el tedio de la composición fácil, si no que elucubra un variadísimo catálogo de horizontes musicales que van cambiando sin parar y se saben ensamblar entre sí, haciendo de este álbum algo muy vistoso. Se equilibra ejemplarmente el dark ambient con esquemas rítmicos, algo que Mz. lleva haciendo durante gran parte de su carrera; sin embargo, en Svartmyrkr todos los recursos utilizados se juegan con mimo y una extrema elegancia, teniendo como objetivo el definir sueños envueltos en sangre y angustia.

Aunque el álbum ha sido planteado como un bloque sólido de principio a fin, vale la pena destacar capítulos tan geniales como “Öppna Hegrind” o “Helblar“. No conviene pasar por alto la delicadeza de “Burn Your Temples, True Change”, donde las melodías de guitarra se encargan de tejer mantos que descansan sobre líneas de ruido. Este corte compensa y rebaja el peso estilístico aportado durante todo el disco, regalándonos un poco de quietud. La gema de este foco de furia se encuentra en “She Who Offers Sorrow”. Aplastante y demoledora, rescata el elixir depositado en aquellos dorados años noventa.

Como era lógico, Cold Spring ha realizado un variado repertorio de ediciones, destacando la prensada en vinilo. Se ha lanzado una tirada especial en disco rojo limitada a 412 copias, además de la negra estándar, el formato CD, y también casete; este último publicado por el sello americano Cloister Records. Su portada nos evoca al Hombre de Mimbre de la icónica Wicker Man (1973) de Robin Hardy.

Presenciamos un nuevo triunfo de Mz. 412. Svartmyrkr es otro disco ejemplar que eleva al podio a este conjunto sueco.

 

 

Fernando O. Paíno

Javier Pinango y David Area – “Drôle de Guerre”

Atmósferas de hierro y desolación

4-estrellas

 

Marbre Negre - Octubre de 2018 - experimental - MN085

 

1

2

3

4

5

6

7

 

 

Javier Pinango y David Area plantean en “Drôle de Guerre” un sinfín de panoramas acústicos marcados por sensaciones glaciales y desesperanzadoras. Siete perspectivas intrínsecas en las que distintas líneas de drone se entrelazan para dar forma a historias sonoras marcadas por la introspección.

 

Drôle de Guerre es como un sueño turbio, híbrido, y desconcertante. Un sueño en blanco y negro. De esos en los que temes perder la orientación y el rumbo de las cosas. Es experimentación oscura gestada a base de líneas de sintetizador monofónico, vestidas con frecuencias de forma y osciladores programados en distintas escalas que saben compenetrarse entre sí, teniendo como finalidad el contarnos historias angustiosas mientras se utiliza el sonido como código.

Pura y genial improvisación que, paradójicamente, se muestra implacable en su devenir. Y es que Javier Pinango y David Area no se han andado con beneplácitos de ninguna clase a la hora de esgrimir sus sintetizadores. Han creado lo que han considerado oportuno, y eso les hace ser todavía más grandes.

 

12919751_10207550088648569_8025368663846854107_n.jpg

 

Drôle de Guerre es una escalofriante colección de sentimientos marcados por el nihilismo y la postmodernidad. Siete episodios en los que no se manifiestan voces. Siete capítulos de ambientación brumosa y fabril. Sus temas se presentan sin título alguno, y ese detalle nos da más información de lo que parece a simple vista. Y es que si por algo se caracteriza esta manifestación experimental es por su marcado cariz de espontaneidad. Un amante del sonido que ofrece el clásico sintetizador MS20 disfrutará sobremanera del contenido de este disco.

El sello catalán Marbre Negre se ha decantado por publicar esta propuesta en CD, un formato poco usual para una casa que se caracteriza por su gran registro de referencias en casete.

 

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/dr-le-de-guerre

 

Fernando O. Paíno

KENTIN JIVEK – “NO AGE”

Componiendo desde la luna

4-estrellas

 

Manic Depression - Diciembre de 2016 - experimental/neofolk - MD071

 

A Song To Ease The Pain

I Make You A Lover

Dope On Your Chest

Never Ending Love

Samouraï

Inside You

Nuit De Deux Jours

Tourne Page

Erased + Deleted

Mitote

I Wish I Had Killed You

Fiesta de los Muertos

 

 

El multinstrumentista y compositor francés Kentin Jivek vuelve a plantear un trabajo inescrutable y onírico en el que se combina la electrónica experimental con los sentimientos enterrados. “No Age” es frío como la nieve, y está cargado de esperanzas derretidas por el fuego del devenir.

 

No Age es uno de esos trabajos que, al ser escuchado, se apodera de ti sin complicación alguna, haciéndote preso de sus deseos e inquietudes, fundiéndote en su esencia con la misma facilidad con la que el Sol quema tus retinas si lo miras demasiado tiempo. Kentin Jivek es un verdadero maestro a la hora de definir mundos acústicos en los que los sentimientos se encargan de urbanizar el contexto. Su estética compositiva es cercana a la de bandas de los ochenta como Coil o Sixth Comm. De los primeros en lo referente a la plasticidad de los temas y las similitudes de tempo, y de los últimos en lo relativo a la estética de la voz y su prosodia. El resultado es algo realmente cautivador y fascinante.

 

19429943_253853975099542_5957519060964193816_n.jpg

 

No Age se presenta con “A Song To Ease The Pain”, tema que se encarga de ejemplificarnos el inconmensurable universo sonoro que Jivek ha preparado en este disco. Si en algunas ocasiones evocas el timbre de Brendan Perry, comprobarás al leer esta valoración que no eres el único al que le pasa. “I Make You A Lover” propone una inmensidad acústica ofrecida por medio de notas dispersas y líneas de ruido pulido sobre las que Jivek desarrolla sus sentimientos. Un genial acierto.

Otro de los aspectos que enriquece a este álbum es su nutrida paleta de lenguajes. El artista no duda en exponer sus inquietudes tanto en inglés como en francés, su lengua madre, aspecto que dota al disco de una dinámica ecléctica muy apetecible. “Nuit De Deux Jours” es pura poesía urdida a melodías volátiles y etéreas. Pura belleza sonora en la que las notas de cuerda frotada se diluyen junto a la voz del artista.

No Age te invita a soñar, a elucubrar mundos posibles en los que poder escapar de una cárcel llamada Realidad. Es un disco cargado de sueños, de perspectivas únicas, intimistas y personales, engendrado en el sosiego y guiado por la experiencia.

La discográfica francesa Manic Depression se ha ocupado de lanzar este espectacular disco, aunque de esto hace ya un tiempo, puesto que No Age vio la luz en diciembre de 2016. Jivek, además de por sus propios logros, es conocido por haber participado con otro renombrado multiinstrumentista del panorama underground, Miro Snejdr, conocido por sus colaboraciones en Death In June.

 

https://kentinjivek.bandcamp.com/album/no-age

 

Fernando O. Paíno.

 

Neo-Cymex – “Into the hypernova”

Abstracción bien concebida

3_estrellas

 

Terraformer Research Fascilities - Diciembre de 2018 - experimental - Terra001

 

From KI to desolation

Birth Of A Planet

Dark Energy

The Navigators

 

Desde Eslovenia llega Neo-Cymex, pura ambientación rítmica en la que se exponen paisajes acústicos de imponente vistosidad. Su último trabajo, “Into the Hipernova” logra impresionarnos por su nutrida paleta de recursos sonoros.

 

Into the Hipernova es la culminación musical de Neo-Cymex. Así de tajantes y categóricos queremos sonar, y es que sus cuatro temas exponen una interesante y nutrida oferta de sensaciones sintetizadas a base de sonido. En ellos se fusiona la melodía con la ambientación, el ritmo con las texturas etéreas, oscilaciones, eventuales fracturas de tempo y una desbordante imaginación a la hora de componer.

El viaje comienza con “From KI to desolation”, un corte en el que se yuxtaponen las grabaciones de campo sobre mantos de sonido helicoidal. En cierta manera podemos evocar la esencia de Propergol, sobre todo en lo referente a discos como Ground Proximity Warning System; no obstante, y a diferencia de éste, Neo-Cymex opta por jugar con líneas de melodía acompasadas por cajas de ritmos, desmarcándose así de las analogías con la intención de gestar algo que en algunos momentos abraza la música cósmica.

 

0011759307_10.jpg

 

Birth Of A Planet” continúa el viaje por la estratosfera para exponernos un corte auténticamente embriagador, posiblemente el mejor de todos los que se exponen en este disco. Una vez más, el proyecto decide obviar la inclusión de recursos vocales, aspecto que otorga un cariz divagador y atmosférico a sus propuestas. La inmensidad que en “Birth Of A Planet” se plantea y su carácter sosegado hacen de esta tonada algo único y elegante. Esa inmensidad implosiona en “Dark Energy”, donde se propone un contexto mucho más oscuro y misterioso. El tema es dominado por las líneas de drone y voces cavernosas que consiguen dotarle de una lograda plasticidad.

Into the Hipernova” finaliza su temática espacial con “The Navigators”, un corte que sabe engarzarse con firmeza a su predecesores, ofreciéndonos una nueva dosis de volatilidad sonora, ambientes expansivos y pulsos sosegados a la vez que rotundos. Ambientación medida y convincente que agradará a los adeptos a este estilo de música.

Into the Hipernova está siendo comercializado en diferentes formatos: Por un lado nos encontramos el formato físico en CDr, limitado a únicamente a 30 copias. Además de esto, se ha presentado una edición alternativa en USB, ambas disponibles en su Bandcamp.

 

https://neo-cymex.bandcamp.com/album/into-the-hypernova

 

Fernando O. Paíno

Explosivos Riotinto – “Catálogo Entomológico Populista”

Catálogo Entomológico Populista

4-estrellas

 

Contubernio/Novak - Septiembre 2018 - experimental/industrial - CRLP102-NVK058

 

A180

Populismo

Matilde

El congrio belga

Apitufando

Banda Tributo

El Abuelo

Bárcenas se escribe con B

Siempre nos quedarán los claps

Atasco en la M30

Esplendor Frigorífico

 

Explosivos Riotinto están cargados de espontaneidad y revisionismo social. Combinan los ritmos pulsados con melodías y buenas dosis de ruido. Mariano y Santiago nos dejan las cosas bien claras en su nuevo trabajo, “Catálogo Entomológico Populista”. Once cortes cincelados por el desorden y la confusión.

 

Podemos entender el “populismo” desde la perspectiva social como aquella tendencia que favorece el bien común del conjunto que lo compone. Este concepto es el eje sobre el que pivota el nuevo disco de Explosivos Riotinto, Catálogo Entomológico Populista.

Este CD está vertebrado por once temas en los que sus componentes, Santi y Mariano no paran de esputar distopías surrealistas. Nombres como “El Congrio Belga” o “Atasco en la M30” nos relatan de manera directa y desgarrada las vicisitudes que la existencia nos plantea sin ningún tipo de condescendencia en el día a día.

El dúo sigue fiel a su arsenal de cajas de ritmos, líneas de bajo y voces enfermizas pasadas por vocoder, haciendo de sus temas algo cuanto menos extraño e interesante. Una vez más, Plagio no ha perdido la oportunidad de analizar en sus letras todo lo que le inquieta, tanto para bien como, fundamentalmente, para mal. “Banda Tributo” es una auténtica confesión de valores intrínsecos que el de Torrejón necesitaba esputar de alguna manera, y qué mejor que por medio de la música.

 

42240139_1613923948712691_7750681996493324288_n.jpg

 

Siguiendo este esquema vamos a encontrar más de una joya digna de mención, como el emblemático “Populsimo”, tema que ya se ha vuelto de reproducción obligada en todos su conciertos. También hay lugar para cortes experimentales de alta calidad como “Siempre nos quedarán los clips”. La originalidad y las valoraciones sin tapujos son las características que hacen brillar a este conjunto madrileño.

Catálogo Entomológico Populista continúa la senda marcada por trabajos anteriores, pero ofreciendo una nueva colección de tonadas críticas y sangrantes. El disco ha sido editado en CDr por los sellos Novak y la casa de los propios músicos, Contubernio Records. La presentación se ha llevado a cabo en digipak, de forma elegante y altamente profesional, ofreciéndonos un impactante catálogo visual. Todavía queda algún ejemplar disponible en el Bandcamp de la banda, por lo que si quieres saber por qué Bárcenas se escribe con B y otra serie de asuntos de extrema importancia que afectan directamente a la traslación del planeta, no pierdas la oportunidad de adquirir esta nueva entrega de Explosivos Riotinto.

 

https://contuberniorecords.bandcamp.com/album/cat-logo-entomol-gico-populista-crlp102-nvk058

 

Fernando O. Paíno

Pylar – “Orýgenes”

Brillante, camaleónico, desconcertante y enfermizo

4-estrellas

 

GH Records - Noviembre de 2018 - post rock/experimental/ritual - GH 140 CD

 

 

Pylares

El primer signatario ante el Arcano

La Gran Luminaria

El más anciano de los errantes

¡Alzaos, oh, puertas eternas!

El secreto de las sendas

 

Pylar es una de las ofertas más singulares e insólitas del panorama independiente hispano. Su estilo es mutable e inconsistente. Saben moverse gracilmente entre el metal y el experimental para gestar un estilo muy particular que abraza subgéneros como el doom y el post-rock de talante oscuro y cabalístico. Todo ello y nada de eso. Pylar son únicos en su especie, y “Orýgenes” se encarga de constatarlo.

 

Si creías que, a estas alturas, una banda patria no sería capaz de dejarte con la boca abierta, ha llegado el momento de que descubras a Pylar. Este conjunto andaluz se ha ido ganando el respeto del público y la crítica durante estos últimos cinco años gracias a trabajos tan remarcables como La Gran Obra ( 2016) o Pyedra (2016), en los que ha dejado claro que establecer un hilo conductor en su sonido resulta harto complejo. La banda no se anda con estereotipos, es más, huye de ellos con el fin de gestar un estilo brillante y camaleónico, siempre desconcertante y enfermizo.

Dentro del misticismo que indefectiblemente les rodea, Orýgenes quizá sea la propuesta más turbadora de su discografía. En ella se recogen nada menos que las demos de lo que por aquellos primeros años de la segunda década del nuevo siglo basculaba entre un trío y un cuarteto. Lo que se encierra en este impactante CD publicado por la discográfica valenciana GH Records es cuanto menos epatante: una mezcla idónea de ocultismo, melodías aplastantes y atmósferas viciadas por el desconcierto y la angustia. Canciones que se sostienen en el malestar y la expectación alimentada por el propio oyente, cólicos convertidos en sonido. Pura aflicción solidificada.

 

0011654958_10.jpg

 

El trabajo abre sus puertas con “Pylares”, un tema cuyo cometido queda más que claro: certificar que la banda no se anda con complacencias estéticas. Emana solemnidad y frío. La férrea dirección unilineal de sus percusiones nos introduce en una marcha marcial que en alguna ocasión rememora momentos de Rosa Crvx. Vale la pena detenerse en temas de la talla de “La Gran Luminaria”, una acongojante maldición acústica de talante reduccionista -si en lo que a composición melódica nos referimos-, que hará salivar a los seguidores de los primeros trabajos de Ain Soph. Pero si buscas emociones fuertes, recomendamos no pasar por alto su cuarta propuesta, “El más anciano de los errantes” pura divagación musical que se torna en auténticas pesadillas en las que el silencio es acuchillado a base de golpes de piano. La sangre brota en forma de palabras engullidas por su propia reverberación. Algo realmente magistral.

Orýgenes se despide de la misma forma que se dio a conocer, y no es otra que trastocando hasta al más escéptico. Si en ¡Alzaos, oh, puertas eternas! descubrimos sin problema alguno esa matriz post-rockera de la que hablábamos al principio de este análisis, en el corte que clausura el disco “El secreto de las sendas”, vamos a hallar algo muy parecido a los Cluster de 1972, sobre todo si nos acercamos a cortes como “Nabitte”, en el que se desarrollaba un contexto tan indigesto y embarazoso como el que ahora Pylar nos descubre en estas primeras demos.

Orýgenes es un disco imprescindible tanto para entender la trayectoria de Pylar como para descubrir a este magnífico conjunto sevillano.

 

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/or-genes

 

Fernando O. Paíno

Crea un sitio web o blog en WordPress.com

Subir ↑