Categoría: Reseñas

FOLKSTORM – “Dödsabnorm”

IRA COAGULADA

OEC/Cloister - Marzo de 2021 - power electronics - OECD 291/ CRUS-82

Abnormal/infested

Let The Spirit Exit

Thanatophobia

Abyssal Emptiness

As You Die

Failure Of Organs

Bloat

Obotlig

Folkstorm tiene esa inusual capacidad de generar una suerte de presión incontenible y aprovechar la coyuntura para introducir en el ambiente unas buenas dosis de locura, desenfreno y abyección. “Dödsabnorm” tiene todo lo que puedes pedirle a un disco de música electrónica extrema.

Henrik N. Björkk es una de las figuras más polifacéticas que podemos encontrar dentro del espectro industrial, y Folkstorm es innegablemente su proyección más severa. 

Con más de una decena de títulos publicados, este proyecto sueco se caracteriza por su intransigencia sonora en constante coqueteo con contextos herméticos y angustiosos. El artista sabe cómo llevar el paroxismo a su máxima expresión. Discos como Folkmusik (2005) o Nihil Total (2019) han marcado unos patrones difíciles de superar dentro de la conceptualización más radical de la estética sonora electrónica. 

El trabajo que hoy presentamos lleva por título Dödsabnorm. Hablamos de un disco en el que Nordvargr se distancia disimuladamente de la estructura conceptual del resto de publicaciones que le preceden, pero sin perder el sabor ferruginoso que caracteriza a este conjunto. 

Este disco no tiene mácula alguna en lo que respecta a aspectos compositivos. El sueco apuesta por loops tamizados a base de ira sobre los que se aposentan salpicaduras de percusiones proferidas por todo tipo de objeto metálico y voces lavadas a base de distorsión.   Conviene abrir apetito con cortes tan magníficos como “As We Die” en donde el furor alcanza una nueva dimensión, o “Death Strike”, que aporta cierta calma a lo que es ya de por sí una vorágine compuesta de odio y caos. 

Folkstorm ha sabido aportar nuevas perspectivas en este trabajo, y eso es un aspecto que siempre se agradece. En mi opinión hablamos de uno de los discos más equilibrados de este proyecto dentro de su marcada inclinación hacia la cacofonía más inflexible. Dödsabnorm brilla dentro de una deliberada opacidad gracias a su heterogeneidad creativa y su apropiada selección de elementos acústicos. Huelga resaltar el genio creativo de Nordvargr, uno de los mayores responsables a la hora de engendrar el subgénero conocido con el nombre de death industrial allá por los años noventa del pasado siglo. 

Dödsabnorm ha sido objeto de numerosas ediciones. El sello italiano Old Europa Cafe se ha encargado del prensaje de dos tiradas en vinilo en cantidades muy escasas, además de hacer lo propio con el CD. Por su parte, la casa estadounidense Cloister Recordings ha lanzado al mercado cien copias en casete que a día de hoy constan agotadas en el propio sello. 

Fernando O. Paíno

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KENTIN JIVEK – «BLUE ZAXON»

Ecos mesopotámicos y diálogos con la luna

Autoproducido - Noviembre de 2021 - experimental/post-industrial - NCN

Apotropaic Magic

Rhadamanthus

Winners In The Dark

Sérotonine

Le Roi Des Siècles

Les Centres Du Cercle

Hypostase

Ghosts Of Babylon

1 2 3 Lune

Zoomorphia

El compositor galo Kentin Jivek deslumbra con su última propuesta. “Blue Zaxon” está vertebrado por un decálogo acústico onírico y enigmático en donde textos narrados en distintas lenguas se funden con paisajes acústicos en continua mutación. Una de las mejores obras engendradas por Jivek hasta la fecha. 

Kentin Jivek puede presumir de genio compositivo. Su dilatada cartera discográfica se encarga de respaldarlo. Todos sus trabajos resaltan por su peculiar magnetismo. Hablamos de una fórmula claramente intimista con la que este compositor de origen francés desvela por medio del sonido su singular visión del mundo. 

Los diez temas que encierra Blue Zaxon están dirigidos por la parsimonia, alimentados a base de sueños y nutridos con bellas palabras. En esta ocasión Jivek apuesta por la preponderancia de mantos electrónicos que las notas de guitarra cincelan elegantemente, engalanando los distintos sostenes acústicos como solo Jivek sabe hacerlo. Cabe resaltar la encomiable labor lírica del artista, que en cortes como el encargado de abrir el disco, “Apotropaic Magic”, puede evocarnos los registros vocales de John Balance. 

Blue Zaxon se encuentra abrazado por la tranquilidad. El propio artista señala en el interior de este trabajo que ciertas frecuencias incluidas en distintos cortes han sido utilizadas con propósitos sonoterapéuticos. Todas ellas han tomado forma por medio de sintetizadores modulares, algo que rompe la norma estructural-compositiva de este músico, acostumbrado a trabajar casi en su totalidad con instrumentos de cuerda. 

Enfocando Blue Zaxon desde un plano más eidético, los textos del disco se encuentran claramente influidos por la filosofía neoplatónica de Plotino, presente en su obra más célebre, Las seis Enéadas, en las que se proyecta el pensamiento de este filósofo así como el de su maestro, el enigmático Amonio de Sakkas. 

Si bien este es uno de los trabajos más encomiables y logrados de Jivek hasta la fecha, vale la pena deleitarse con escuchas tan recomendables como su penúltimo corte, “1 2 3 Lune”, una embriagadora tonada en la que los pensamientos de Jivek se desnudan, descubriendo un ánima resplandeciente a la vez que misteriosa. 

Desde NOmelody te animamos encarecidamente a visitar la página del prolífico artista y descubrir este loable disco. 

https://kentinjivek.bandcamp.com/album/blue-zaxon

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ESPLENDOR GEOMÉTRICO – “LIVE IN UTRECHT”

Ritmo y ruido en Utrecht

Geometrik - Noviembre de 2021 - industrial - GR2152

Signos De Energia (Mix)

Dinuma

Tropoja

Al-Hamdu-Lillah

Rotor

Retirada

Chile Al Día (Versión)

Trans-Umma

Tass

Nuestra Generación Crece Feliz

Atlas-Y

Venecia I

Venecia II

Venecia III

Estacion Katowice

Turko

Vostok

Trybuna Robotnicza IV

“Live in Utrecht” posiblemente sea una de las mejores muestras en vivo que puedan describir la primera etapa de la mítica banda industrial madrileña. Grabado en la ciudad holandesa durante el último año de la década de los ochenta, en este directo encontramos un magnífico reflejo del potente hieratismo fabril cubierto de ritmo y voces oxidadas que define el estilo del ya por aquel entonces dúo.

Live in Utrecht es mucho más que un disco al uso. Puede ser considerado sin problema alguno una referencia documental inexcusable a la hora de descubrir el sonido de Esplendor Geométrico durante su primera década de existencia. Hablamos de un estilo frío, crudo; nutrido de un ritmo punzante e incisivo que no pierde el tiempo coqueteando con melodías. Lanz y Riaza sabían perfectamente qué querían transmitir y cómo hacerlo, y esta brillante actuación acontecida el 25 de noviembre de 1989 en Utrecht se encarga de fiscalizarlo por completo. 

Once cortes dan forma a un directo repleto de temas que a día de hoy se han convertido en himnos nacionales, como es el caso de “Chile al Día”, pero que en aquel momento acababan de salir del horno. Vale la pena detenerse a degustar cortes de la talla de “Rotor”, que además da nombre al cuartel general de la banda -Rotor discos- o “Nuestra Generación Crece Feliz”. Un conjunto de canciones que guardan cierta heterogeneidad entre sí y harán las delicias de los fans.

A diferencia de la edición original lanzada en 1990, esta nueva propuesta nos ofrece en su segundo vinilo una serie de cortes pertenecientes a sesiones registradas en el estudio Pradillo de Madrid a finales de la década de los ochenta, además de cortes rescatados de directos en Madrid y Tolosa durante 1987. Por lo que, realmente, tenemos entre las manos un documento único para poder descubrir la potencia que EG desprendía durante su primera década. 

Incuestionablemente, nos encontramos con la edición más completa de las realizadas hasta el momento, que sea dicho de paso, han sido varias. La diferencia más notoria radica en la magistral remasterización del sonido llevada a cabo por Luca Spagnoletti y Saverio Evangelista, logrando una nitidez acústica que enfatiza el espíritu de aquellas por entonces canciones embrionarias. A su vez cabe resaltar la impecable presentación del vinilo realizada por el propio Juan Carlos Sastre. 

Esta nueva edición de Live In Utrecht ha sido publicada en dos colores de vinilo diferentes. Por un lado nos encontramos con una tirada limitada a cuatrocientos ejemplares en vinilo negro. Para los coleccionistas más exquisitos, Geometrik Records ha preparado un prensaje en color gris de tan solo cien unidades que únicamente puede ser adquirido por medio del propio sello. 

Fernando O. Paíno

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THE CIRCULAR RUINS AND MYSTIFIED – “FANTASTIC JOURNEY”

Contextos provenientes de mundos fantásticos

Cold Spring - Octubre de 2021 - experimental - CSR298CD

Twenty Thousand Leagues

The World Beneath

Forbidden Planet

Mysterious Island

Beyond The Farthest Star

The Voyage Home

Centre Of The Earth

Fantastic Journey es, como su nombre indica, una aventura sonora en la que están involucrados dos grandes proyectos de la música experimental, The Circular Ruins y Mystified. “Fantastic Journey” halla su inspiración en la literatura fantástica creada por autores como Julio Verne. Un acompañamiento delicioso para nutrir tus tardes de lectura. 

Ocasionalmente nuestras horas de lectura pueden ganar mucho si son acompañadas de una música apropiada. En esta ocasión, Anthony Paul Kerby y Thomas Park se han encargado de configurar una serie de contextos idóneos para complementar acústicamente la literatura fantástica de autores como Julio Verne o Edgar Rice Burroughs. Ambos músicos sabían qué querían crear y cómo llevarlo a cabo, y en el año 2013 esta magnífica obra salía al mercado en formato CDr auspiciada por el sello de uno de sus padres, DataObscura. Ocho años más tarde, la casa británica Cold Spring toma la acertada decisión de reeditar semejante joya perdida en un formato más consistente y con una producción editorial a la altura del contenido del disco. El resultado es tan epatante como magnético.

Fantastic Journey está compuesto por siete facetas acústicas en las que se despliegan capas de sonido sobre las que terminan desarrollándose infinidad de formas sonoras, generadas a base de sintetizador y grabaciones de campo. En ellas domina la parsimonia, que es ocasionalmente perturbada por arrebatos oscuros muy cercanos al dark ambient. 

Ambos artistas demuestran su maestría dando a luz un trabajo magníficamente cohesionado en el que la variedad de recursos y texturas es el denominador común. Cortes como “Mysterious Island” nos invitan a sumergirnos en mundos envueltos en incertidumbre y misterio, “The World Beneath” sobresale por su ejemplar composición e inquietante desarrollo. “Beyond The Farthest Star” no nos deja de recordar al siempre genial proyecto escocés SleepResearch_Facility en lo referente a la concepción de paisajes angulosos nutridos de volumen, pero logra desmarcarse al edificar una melodía a base de notas aleatorias a la que se le une una improvisación de teclado. 

Discos de este talante son realmente apreciados por dos motivos de peso: Su versatilidad contextual -ya que se trata de un trabajo que se presta a acompañarte en cualquier circunstancia debido a su naturaleza experimental y minimalista- y su espíritu. Este último aspecto es algo fácilmente apreciable al escuchar el CD. Puedes hasta palpar el mimo con el que ambos músicos han dado forma a su obra. Cabe resaltar la masterización realizada por Martin Bowes, que aporta nitidez y volumen al sonido original. 

Fernando O. Paíno

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GRAVE OF LOVE – “ALL THOSE TEARS AGO”

EVOCACIÓN Y SENTIMIENTO

ONLY the SUN KNOWS Records - Noviembre de 2021 - neofolk/post-rock - OTSK 5-2 CD

We All Fall Down

Like A Wolf

Time Heals Nothing

Memories Fade Away

Tears May Fall

Remains Of Grief

Believe

Dying Messiah

Drought Of Souls

Death Of Hope

All Those Tears Ago

Farewell

Grave Of Love es uno de los proyectos más sorprendentes de neofolk que han surgido en tierras polacas. Tras unos años de silencio esta banda liderada por Michal Kielbasa regresa cargada de fuerza con una nueva oferta entre las manos: “All Those Tears Ago”.

Hace cuatro años descubríamos Decay, el primer lanzamiento de este intrigante grupo polaco, un decálogo sonoro que nos dejó un buen sabor de boca. Ahora nos llegan nuevas noticias, All Those Tears Ago, su último lanzamiento, agrega una nueva experiencia sonora a la incipiente discografía de este proyecto de Katowice. Diez nuevos cortes que emanan un sonido directamente emparentado con el neofolk más representativo y un post-rock que nos regala miradas desde la alcoba. 

En esta ocasión dimensionaremos el análisis partiendo del todo y terminando por las partes. All Those Tears Ago suena de forma convincente y brillante en su conjunto, destacando por su encomiable y diversa instrumentación, así como por su suasoria composición. No tiene nada que envidiar a muchos de los trabajos de bandas de neofolk que hoy en día han logrado detentar el trono conquistado por los clásicos que dieron nombre al género. El disco resulta emotivo en su conjunto, y los temas que lo estructuran han sido compuestos con mimo, mesura y cariño, algo que se percibe sin problema alguno al degustar tonadas como “Remains Of Grief” o “Memories Fade Away”, sin embargo, y como suele pasar con las nuevas generaciones emergentes dentro de este estilo, la deuda contraída con los padres del género como Death In June, Current 93 o Sol Invictus, al igual que con la primera hornada de acérrimos seguidores de estos, es más que evidente, en especial en lo relativo a la entonación vocal y la selección instrumental. Ser un grupo de neofolk no debería implicar de forma indefectible tener que sonar como los clásicos, porque para eso ya están los clásicos. Digo esto porque All Those Tears Ago logra emanar talento. Michal Kielbasa demuestra en cada uno de sus temas que maestría no le falta, pero quizá ame demasiado a sus ídolos hasta el punto de hacernos pensar más en ellos al escuchar sus cortes que en la calidad de su propio producto. Lejos de interpretar esto como un agravio, la experiencia me dicta que es más bien parte de un proceso. Cierto es que no todo lo que All Those Tears Ago contiene es neofolk; su primer tema «We All Fall Down«, así como su último corte, “Farewell”, nos ofrecen un post-rock muy cercano a los últimos trabajos de Swans que otorga una acertada heterogeneidad al disco. 

Estoy convencido de que si All Those Tears Ago brilla por su maestría, el próximo disco de Grave Of Love lo hará por su madurez y personalidad.

All Those Tears Ago ha sido editado en diferentes ediciones y está funcionando como se merece. Son pocas las copias que quedan disponibles en su página, por lo que no dudes en hacerte con una de ellas. 

Fernando O. Paíno

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Francisco López & Miguel A. García – «Ekkert Nafn»

Investigaciones sonoras

Crónica/Tronicdisease - Mayo de 2019 - experimental - 151/TD-3

Untitled #351

Applainessads

Dos nombres ineludibles de la música experimental patria, Francisco López y Miguel A. García, elaboran un trabajo en el que estudia la estética del sonido, utilizado como materia prima grabaciones de campo procesadas concienzudamente con la intención de generar escenarios acústicos que sorprenden por su ejemplar vistosidad. 

Existen discos que se alejan deliberadamente de las conceptualizaciones clásicas que estructuran el concepto de música conocido por todos. Artistas que analizan el lenguaje del sonido, descomponiéndolo en elementos básicos con la intención de reflexionar sobre su naturaleza primaria y su constitución más básica. Este estudio preliminar da paso al genio del arte, un arte que consiste en moldear texturas e intensidades, buscando la conformación de un universo sonoro regido por las limitaciones temporales. 

Ekkert Nafn tiene mucho de esto. Los dos autores que dan a luz el disco, Francisco López y Miguel A. García llevan muchos más años de los que puedas imaginar buscando el porqué del arché sonoro con el fin de reformarlo a su antojo, creando obras abrazadas por la abstracción más sofisticada y abstrusa, como si de un cuadro de Jackson Pollock se tratase. 

Las bases sonoras utilizadas en este disco fueron extraídas de grabaciones de campo comunes que ambos artistas utilizaron de forma independiente con el fin de dar a luz perspectivas eidéticas autónomas. Esos retazos acústicos fueron como sillares extraídos de una misma cantera con los que estos arquitectos sonoros levantaron edificios completamente distintos en lo que a estética respecta. 

López comienza este estudio numerándolo. Al parecer, esta fue su creación 351. En ella el artista vuelve a ahondar en la alternancia de contrastes -algo muy recurrente dentro de su extensa obra-  intercalando un sinfín de texturas volátiles y acometedoras con segmentos temporales en los que el silencio reina de manera autócrata. 

Por su parte, Miguel A. García nos ofrece un corte mesmerizante y ambiental dirigido hacia la oscuridad. “Applainessads” supone media hora definida por la congoja existencial que se desata mientras cruzamos las aguas del río Estigia. García elabora un corte consistente y magnético que sorprende por su deliberada representación.

Más allá de los juicios de valor, este disco sirve como fiel ejemplo de cara a la comprensión de la actividad creativa, partiendo de unos elementos comunes compartidos equitativamente por ambos artistas. Evidentemente, hablamos de un estudio en sí mismo. 

Ekkert Nafn fue editado en formato CD y limitado a 300 ejemplares. La producción ha corrido a cargo de López, que una vez más realiza un trabajo insuperable, esculpiendo los matices del sonido con una nitidez digna de los primitivos flamencos. No pierdas la ocasión de descubrirlo. 

Fernando O. Paíno

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SHE SPREAD SORROW – “HUNTRESS”

Sueños ahogados en sangre

Cold Spring - Octubre de 2021 - dark ambient/industrial - CSR282CD

Blue

Get Me

Stand

Dragonflies

Inside

Parasomnias

“Huntress” supone la cuarta entrega de este proyecto italiano comandado por Alice Kundalini. En su interior vamos a encontrar seis pesadillas acústicas marcadas por la quietud, el desconcierto y la narración injuriosa. Electrónica configurada para enturbiar el espíritu. 

She Spread Sorrow regresa a Cold Spring con nuevas y escalofriantes ideas. Huntress relata un puñado de sueños tan oscuros como perturbadores que tuvieron lugar en algún lugar del interior de su creadora, Alice K. 

El cariz de esta nueva entrega sigue el ritmo compositivo de sus anteriores lanzamientos. Hablamos de temas pausados en donde la parsimonia se vuelve en contra nuestra para convertirse en una suerte de angustia difícil de superar. 

Kundalini apuesta por discursos vocales carentes de entonación, guiados por masas de sonido etéreas que nacen de los circuitos de sintetizadores secuenciados. El dark ambient quizá sea el género que mejor pueda describir la esencia en la que se enmarca esta nueva oferta; un dark ambient que intenta emparentarse con el industrial más áspero, pero que debido a la instrumentación utilizada y a su enfoque, no llega a atravesar este umbral. 

Huntress se caracteriza por ofrecer una fórmula acústica muy sólida, exenta de flexibilidad compositiva. La artista contemplaba una idea nítida que ha querido plasmar sin acusar ningún tipo de claroscuro sonoro. Eventualmente podemos disfrutar de esqueletos rítmicos parcialmente desarrollados, como es el caso del corte que clausura esta entrega, “Parasomnias”, pero por lo demás podemos hablar sin miedo alguno a equivocarnos de un álbum cuya pretensión es enclaustrarnos dentro de una perspectiva farragosa e incómoda, algo que ya hemos podido degustar en anteriores entregas como Midori (2018) o Mine (2017). Huntress supone una vuelta de tuerca en la que podemos disfrutar de nuevas perspectivas dentro de un esquema prefijado. Temas como “Get Me” o “Dragonflies” dan buena fe de ello. 

Huntress ha sido publicado en dos formatos diferentes, algo que ya viene siendo habitual con los lanzamientos de esta artista dentro del sello británico. Por un lado nos encontramos ante una edición en vinilo limitada a nada menos que quinientas copias. Por su parte, el formato CD no carece de esta restricción editorial. Una vez más, Martin Bowes destaca por una masterización ejemplar que nutre de una envidiable plasticidad acústica a esta última propuesta de la artista italiana.

Fernando O. Paíno

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Escupemetralla – “Tres Trillizos Trotskistas”

Viaje de estudios a la tierra de los bolcheviques

Novak - abril de 2021 - experimental/industrial - NVK123
  1. GESTIÓN DE RESIDUOS
  2. MAGDEBURGISIEREN
  3. S3S ES 3 3
  4. ITCHYCOO PARK
  5. MORNIË UTÚLIË
  6. TIME​-​TRAVEL SICKNESS
  7. REMOTITUD
  8. BOOTERRFLAI BOOTERRFLAI
  9. AGNOSTICIENNE
  10. EDIFICIO PUTREFACTO
  11. I ALWAYS REIVINDICO EL NAIL ART
  12. GÖTTERDÄMMERUNG

Escupemetralla vuelve a demostrarnos su maestría en un disco complejo, enérgico y dinámico. “Tres Trillizos Trotskistas” condensa el paroxismo de poso metafísico de esta banda catalana, desarrollando una exposición sonora construida con el mismo cuidado que una bomba de hidrógeno. 

No creo que sea necesario presentar a Escupemetralla a estas alturas. El combo barcelonés es un dechado de originalidad. Su música es un extraño guiso en el que se mezcla toda suerte de ruido raspante con la experimentación más sofisticada. Sus canciones son como aquel día que no logras recordar, pero del que sabes que saliste con vida. Más de treinta años de existencia y un buen puñado de buenos discos certifican lo que ineluctablemente es un hecho: hablamos de uno de los conjuntos más brillantes de la música independiente española. Todo el que conoce esta banda esboza una sonrisa cargada de respeto cuando su nombre sale a la luz durante una conversación, y es que Escupemetralla merece uno de los puestos más altos en el ranking de grupos experimentales de nuestro país. 

Tres Trillizos Trotskistas supone el regreso del conjunto. El trabajo puede ser resumido en una sola palabra: “espectacular”. Doce cortes que se encontraron en el camino por pura casualidad han formado una pandilla organizada que no para de aterrorizar a la gente de los pueblos por los que pasa. Y es que, si por algo destella esta banda es por su contrastada heterogeneidad compositiva y la envidiada capacidad de crear cosmologías acústicas completamente originales, llevadas a efecto con una maestría impecable. 

No han dudado a la hora de arrancar con la zapatilla de esparto en la mano, y perseguirte por toda la casa hasta que quedes acorralado de forma indefectible en uno de los rincones del cuarto que más detestas. Así es “Gestión de residuos” inflexible y con ganas de castigarte. Tras ello vamos a asistir a todo tipo de propuestas lisérgicas, una en particular me parece muy recomendable “Booterrflai Booterrflai”. Escucharla es comprender las pesadillas que padecía Tejero durante su cruda niñez. 

Merece mención cierta artillería pesada que va a ponerte los pelos de punta.  En “Edificio putrefacto” nos regalan una instrumentación fantástica donde la calígine se funde entre paisajes futuristas, producidos con una precisión de cirujano. Te absorbe las entrañas, masticándolas placenteramente mientras piensas en la nada. 

Si eres fan de Esplendor Geométrico, Throbbing Gristle o Nurse With Wound, Tres Trillizos Trotskistas va a encandilarte hasta límites insospechados.

El sello catalán Novak se ha vuelto a ocupar de este nuevo lanzamiento. No dudes en hacerte con una copia, porque, además, están a muy buen precio. 

Fernando O. Paíno

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Cryptophasia – “World Of Illusory, World Of Pain”

Bienvenidos al Apocalipsis

Cloister Recordings - Abril de 2021 - dark ambient/power electronics - CRUS-87

World Of Illusory

Luxury Void

I’m On The Inside

The Body Is Buried By The Spirit (Mantra)

World Of Pain

Muck Demon Possession

Condemn Me

The Nightmare

Cryptophasia rompe moldes con su trabajo debut, “World Of Illusory, World Of Pain”. Ocho cortes en los que se desarrolla una compleja e interesantísima fórmula acústica que equilibra de forma magistral la oscuridad con la furia ruidista, generando atmósferas embrujadas y tóxicas. Impactante de principio a fin.

Cryptophasia ha surgido pegando fuerte. World Of Illusory, World Of Pain supone su presentación oficial, y la sorpresa no ha podido ser más grata. Este dúo conformado por James y Katja Light ha sabido engendrar un album realmente desconcertante que no se desprende en ningún momento de una atmósfera donde se vaticinan tormentas. La tensión es palpable desde el momento en el que la aguja del plato comienza a leer los primeros surcos. 

Frecuencias analógicas que oscilan de una forma inquietante a la vez que segura abocetan estructuras que brillan por su temperamento intranquilo y lúgubre. El combo sabe jugar con el influjo de unos tempranos Ain Soph para combinarlo con el sabor del mejor power electronics, acercándose al sonido de la nueva escuela estadounidense y finlandesa. World Of Illusory, World Of Pain sabe ofrecer un discurso acústico mutable, inconsistente pero a su vez premeditado, de pinceladas empastadas a base de alquitrán y relieves cincelados con martillo. Un disco que se escucha con ansia y que logra desatar ansiedad. Una ansiedad que se saborea con placer. 

Aunque no creo que escudriñar el disco con la intención de extraerle cortes favoritos sea una buena idea -ya que el trabajo parece haber sido concebido para ser disfrutado como una historia dividida en capítulos-, no puedo resistirme a recomendar encarecidamente la escucha de su quinta propuesta, “World Of Pain”. Un tema inefable y taxativo.

El sello estadounidense Cloister Recordings ha sido el responsable de la edición en vinilo de ese caramelo de cianuro. La presentación resulta tan impecable como su contenido, y ha sido limitado a 200 ejemplares. 

World Of Illusory, World Of Pain es de ese tipo de trabajos que al escucharlo te preguntas por qué no lo has conocido antes. Pero, tranquilo, acaba de salir al mercado y todavía puedes hacerte con una copia. 

Fernando O. Paíno. 

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Sala Delle Colonne – «Il Destino Della Orchestra Aurora»

Rescatando el pasado

Old Europa Cafe - junio de 2013 - martial/neoclassical - OECD 166

Al Tronco Sferzato Dal Vento

Un Incontro Casuale Al Cinema Aurora

Eroica

La Commedia

Il Tempio Di Mut

Un Impresa Di Valore (Slow Version)

Funerale Per La Regina Mary

La Guerra Continua

Deus Vult

Anathema Of Zos

En estos últimos años el martial neoclásico ha sido un género poco cultivado. Proyectos como el que hoy rescatamos, Sala Delle Colonne, marcaron una estela única en la que innumerables paisajes orquestales se tiñen a base de tensión bélica.

La primera década de este siglo fue el momento de esplendor de un género que cada vez queda más desatendido, el marcial neoclásico. Quizá Arditi pueda ser considerado el mejor exponente en activo de este estilo, pero hace algo más de diez años se gestó un pequeño movimiento que  brillaba intensamente gracias a proyectos como The Protagonist, Triarii o el que hoy ocupa nuestro espacio, Sala Delle Colonne.

Il Destino Della Orchestra Aurora fue el último lanzamiento de este proyecto comandado por el milanés Mehmet R. Frugis. Le preceden un CD editado por la ya desaparecida Cold Meat y Cronache (2007), su trabajo debut en el que se expone un estilo más escorado hacia el ruido. 

Si por algo destaca Il Destino Della Orchestra Aurora es por su cuidada elaboración y su equilibrio compositivo. El decálogo que estructura el álbum nos deja comprobar el amor hacia compositores como Krzysztof Penderecki o la influencia del sonido planteado por proyectos tan emblemáticos como Der Blutharsch o Les Joyaux de la Princesse. Frugis sabe aportar una propia visión propia, y a su vez logra crear algo nuevo que se desmarca del resto de las bandas englobabadas dentro de ese saco. 

Il Destino Della Orchestra Aurora es dominado por un manto de majestuosidad en el que la parsimonia y la tensión luchan constantemente por controlar una situación insostenible. La dinámica del trabajo está cargada de fluctuación y diversidad de sensaciones que solo las composiciones orquestales saben alcanzar. Y es que en Il Destino Della Orchestra Aurora se va a conjugar el sabor belicoso de los años 40 con todo tipo de melodías henchidas de poder, gestando un disco único dentro de estos campos. Temas como “Un Incontro Casuale Al Cinema Aurora” o “La Guerra Continua” hacen de este trabajo publicado por Old Europa Cafe todo un clásico. 

Fernando O. Paíno

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