Government Alpha – “Affective Imagery”

Dislocando el sonido

Abhorrent Creation Tapes – Mayo de 2020 – noise - ACT001

Stridor

Invisible Area

Eternal Signals

Apnea

Sacred Tree

Obstructions

In Equilibrium

Pale Idolum

Transience

Government Alpha es uno de los proyectos más salvajes de noise que ha gestado Japón. Y. Yoshida nos ofrece en su último lanzamiento “Affective Imagery” nueve cortes repletos de histeria y presión destructiva. Una impactante bofetada ruidista que no te dejará indiferente.

Hace ya más de un cuarto de siglo que Yasutoshi Yoshida comenzó a lucubrar pesadillas sonoras cargadas de disonancias y exasperación en las que masas de ruido se aplastan unas a otras conformando un sonido en constante transformación, y es que si por algo se caracteriza el sonido de Government Alpha es por ese horror vacui sonoro que quema todo el silencio que pueda albergar un disco. Yoshida es un maestro de la cacofonía y las modulaciones, creando texturas increíbles que se yuxtaponen sin parar en un intento heraclitano de constante transformación.

El sello francés liderado por Pascal Blaud, Abhorrent Creation Tapes, no ha perdido la oportunidad de incluir dentro de su catálogo a este genio nipón. Affective Imagery es el nombre que recibe este último trabajo, y realmente hablamos de una de las obras más apisonadoras y destructivas que ha dado el año 2020.

El disco está ensamblado por nueve cortes que continúan una estela argumental sólida y hermética. Yoshida no deja de sorprendernos desde el primer segundo: Todo comienza con un sonido resquebrajado que va evolucionando hacia una hecatombe acústica en la que lo dionisíaco reina de forma autócrata. El hilo conductor de todo el disco es puro ruido en continua mutación. Paradójicamente, los cánones de orden de Government Alpha se establecen dentro de una apoplejía acústica desbocada pero a su vez perfectamente calculada. Yoshida es consciente en todo momento de lo que quiere alcanzar, y eso es perfectamente apreciable al degustar este increíble trabajo, ya que las medidas de variabilidad en lo referido a la intensidad estética y las texturas sonoras que contiene el álbum son fantásticas, haciendo de él algo dinámico, a pesar de estar trabajando con cacofonías. Temas como “Eternal Signals”, “Pale Idolum” o “Sacred Tree” nos muestran esa genialidad compositiva que caracteriza a Government Alpha. Furia ruidista que no tiene nada que envidiar a trabajos de C.C.C.C, Merzbow o Masonna.

Affective Imagery ha sido publicado en formato CD. Se han fabricado 500 ejemplares, por lo que te recomendamos hacerte con una copia cuanto antes.

https://abhorrentcreationtapes.bandcamp.com/album/government-alpha-affective-imagery

Fernando O. Paíno

2 agosto, 2020 0

Horologium – “Earthbound”

De vuelta a las trincheras

Old Europa Café – Marzo de 2008 – martial industrial - OECD 107

Introduction: Dionysus Vs. Apollo

Elegy For The Mediocre, Lesson To The Worthy

The Return Of The Sun

Nasz Wieczny Śmiech

The Watchers (Between The Ages)

The Immoralist Creed

Kazanie Ogniste III

Untitled

Hoy rescatamos “Earthbound”, uno de los trabajos capitales dentro de la discografía de Horologium. Puro martial industrial cargado de tensión con el que se consigue evocar fragmentos perdidos pertenecientes a las contiendas bélicas del siglo pasado.

La primera década de este nuevo siglo estuvo plagada de grandes bandas que desarrollaron un incipiente género que se empezaba a conocer con el nombre de martial folk. Muchas fueron las formaciones que se encargaron de nutrir este género a base de nuevas y geniales propuestas. Una de estas bandas fue, sin lugar a dudas, Horologium, y Earthbound (08) es considerado uno de sus trabajos más destacables dentro de este esquema estético.

Grzegorz Siedlecki, natural de Polonia, es la cabeza pensante que se esconde tras el nombre de Horologium. Siedlecki decidió con Earthbound dar un paso más dentro de su trayectoria creativa. Tras cuatro trabajos previos en los que se intercalaban grandes dosis de ambientación con tonadas netamente reflexivas, algunas de ellas en colaboración con otros artistas tan geniales como Moljebka Pvlse, el artista polaco nos sorprendió con un disco centrado en un contexto puramente bélico. Sus ocho cortes están cargados de samples pertenecientes a retazos sonoros del siglo pasado que son ensamblados de manera muy acertada, creando ambientes tan opresivos como vibrantes. Esta fórmula es heredada de los primeros trabajos de Albin Julius bajo el nombre de Der Blutharsh; de hecho, una considerable parte de Earthbound puede evocarnos esa magnificencia enterrada del genio austriaco, sobre todo si atendemos a la cadencia de los cortes y la plasticidad de los recursos utilizados. La aportación personal de Horologium en Earthbound es complementar estas estructuras acústicas con discursos verbales proferidos tanto por voces femeninas como masculinas, aspecto que aporta mucha vitalidad al conjunto de temas que aquí se presentan. Earthbound destella por su acometividad y su gran impulso estético, intimidándonos con implacables juegos de percusiones que nos invitan a disfrutar de uno de los mejores ejemplos de martial folk de la época.

Merece la pena destacar cortes como “The Return Of The Sun” o “The Immoralist Creed”, ambos vestidos por vocales de mujer que se encargan de dinamizar las composiciones, otorgándolas un merecido toque de distinción.

Aunque Horologium continuó dando a luz trabajos muy valorables tras la edición de Earthbound, hemos creído conveniente hacer un guiño a una obra capital dentro de la oferta musical de este proyecto polaco. Fue editado en formato CD por la casa italiana Old Europa Café y todavía se encuentra disponible en el catálogo del sello.

Fernando O. Paíno

25 julio, 2020 0

FM Einheit/Andreas Ammer-«Hammerschlag»

Futurismo ruso

Cold Spring - Mayo de 2020 - experimental - CSR281CD

Amoeba

Order 01

Order 02

Order 03

Order 04

CIT

Order 05

Order 06

Noise Orgy

Order 07

Order 08

Order 09-10

Epilogue

Dos grandes de los sonidos cacofónicos, FM Einheit y Andreas Ammer, se reunieron en la ciudad rusa de Perm durante el año 2019 para dar un concierto único basado en la obra del futurista Aleksej Kapitonovič Gastev. Bloques de ruido abstracto envuelven una oratoria comandada por Rica Blunck.

Hammerschlag, que traducido al castellano viene a decir algo así como “martillazo”, es un concepto único que fue recreado para el Diaghilev Festival celebrado en la ciudad rusa de Perm el año pasado. Dos artistas señeros de la música industrial y experimental abstracta, FM Einheit y Andreas Ammer, fueron los encargados de desarrollar un trabajo que tenía sus bases conceptuales en la obra del futurista ruso Aleksej Kapitonovič Gastev, «Bard of the machine age«. Cierto es que no es la primera ocasión que estos dos titanes del sonido abstracto se reúnen con la intención de hacer música, a lo largo de los noventa pudimos disfrutar de trabajos tan impactantes como fueron Radio Inferno (93), Apocalypse Live (95) o Deutsche Krieger (96).

FM Einheit es mundialmente conocido por ser el percusionista de una de las bandas seminales del movimiento industrial, Einstürzende Neubauten. Este alemán ha trabajado a lo largo de su trayectoria musical con multitud de artistas y grupos remarcables como Mona Mur, KMFDM, Goethes Erben o Diamanda Galás. Por su parte, Andreas Ammer es un periodista y músico alemán cuyo trabajo musical siempre se ha visto envuelto en compañía de otros artistas. La experimentación disonante ha sido su plato fuerte desde el comienzo de su carrera.

El cuerpo de Hammerschlag está dividido en 13 partes. Hablamos de pura experimentación repleta de disonancias, ruidos desenfocados, infinidad de percusiones proferidas contra infinidad de superficies de metal, y soliloquios femeninos que vienen dirigidos por la imperante voz de Rica Blunck. La obra como tal resulta tan intrigante como deliciosa: está cargada de fluctuaciones y horizontes sonoros que van mutando constantemente con una ponderada premeditación. Un frenético viaje por lo desconocido y lo imprevisible es precisamente lo que esta obra futurista de corte ruso nos ofrece. Merece la pena sentarse y disfrutar de su exquisito desarrollo, ya que desvela muchos de los secretos encerrados en la primera música de estilo futurista, que ha sido considerada por muchos de los entendidos del mundo de ruido como la primera música industrial propiamente dicha.

Cold Spring ha sido el sello encargado de editar esta magnífica grabación en directo. Ha sido publicado únicamente en CD y viene protegido por un digipack.

Fernando O. Paíno

19 julio, 2020 0

Lisieux – “Psalms of Dereliction”

Reorientando el neofolk

Steelwork Maschine – septiembre de 2019 – neofolk - SMR 019

Wilgeforte

No Dominion

Caecillia Said

Pure Love

Shedu

Memory Of Walls

Adrift

Black Flag

El trío galo Lisieux presenta su segundo trabajo en estudio. “Psalms of Dereliction” cultiva un armazón acústico de aires neofolk en combinación con un acertado toque de heavenly voices. Lisieux eleva ocho cortes ensoñadores y enérgicos. Una acertada apuesta del sello Steelwork Maschine.

Lisieux es una banda proveniente del suroeste de Francia. Sus orígenes se remontan al año 2016, momento en el que publican una casete homónima en forma de demo. Más allá de la limitación de esta edición que se redujo a únicamente 50 ejemplares, la banda dejaba bien definida la orientación de su estilo, el cual se inclinaría hacia las raíces neofolks de bandas como Death In June o Sol Invictus y voces femeninas que se encargan de dulcificar la rudeza inherente en la cadencia de guitarra que impera en el primer género citado. El resultado de todo esto es un estilo cultivado anteriormente por combos como The Moon And The Nightspirit, pero aportando una estética sonora más martial-folk dentro de los lindes marcados por el sonido de las guitarras acústicas.

Tres años más tarde, el sello francés Steelwork Maschine ha decidido prensar su segundo disco en formato vinilo y ampliar su producción, lanzando al mercado una tirada de 200 ejemplares en vinilo blanco. Psalms of Dereliction es un trabajo ambicioso y profesional en el que se perfecciona el esquema acústico planteado en su primera casete. La nueva oferta de Lisieux sorprende por su energía y una inusitada frescura que se encarga de oxigenar a un género tan hermético como es el neofolk. Está compuesto por ocho propuestas -cuatro por cada cara- en los que vamos a descubrir unas claras influencias hacia bandas como los ya citados Death In June, sobre todo en lo referente a la cadencia instrumental y las líneas melódicas que juega la guitarra. La banda abraza este paralelismo para fundirlo con la voz de Antoine R, que ocasionalmente consigue evocar el timbre de la siempre mítica Rose McDowall cuando descubres cortes como el que cierra el trabajo, «Black Flag».

Cierto es que no podemos hablar de una inusitada originalidad estética, pero cierto es también que dentro de unos muros tan firmes como los erigidos por el neofolk, la banda francesa consigue sorprendernos muy gratamente con composiciones dinámicas, rebosantes de fuerza y un cierto sabor onírico, con las que consiguen ganarse un merecido respeto. Desde Nomelody animamos a todos los amantes de los sonidos alpinos de finales de los noventa y el nuevo siglo a descubrir una banda que seguro dará que hablar en los tiempos que están por venir.

Fernando O. Paíno

11 julio, 2020 0

Black Sun Productions – “Chemism”

Ampliando la estela sonora de la bobina

Old Europa Cafe - Abril de 2007 - experimental - OECD091

Time Uncaptured

Dies Juvenalis

The Repossession Of Innocence Lost

Chemism

Almost A Riot

Clear Skies & Dark Skies

Criminal Childhood

Self Love

Das Gegenteil

Passage Rites

A Suicidal Bunny

His Secret Secretions

Uncle Billy

Veneration X

Black Sun Productions lleva casi dos décadas desarrollando tapices sonoros encomiables, muy cercanos a la estela conceptual de Coil. De hecho, sus dos componentes, Massimo y Pierce, contaron entre las filas de músicos para los directos de la mítica banda británica. Hoy rescatamos “Chemism”, uno de sus trabajos icónicos.

Trece años después de su lanzamiento oficial, Chemism sigue destellando con fuerza, convirtiéndose por puro derecho en uno de los discos más completos del dúo Black Sun Productions.

Lo primero que llama la atención de Chemism es la inabarcable deuda que contrae con el sonido característico del último tercio de la carrera de Coil. A bote pronto podríamos pensar que simplemente se trata de un par de freaks acólitos cuya máxima aspiración es emular fielmente a sus ídolos con la malsana intención de complementar un catálogo acústico que nunca llegará a ser tal; pero, realmente, no es así. Black Sun Productions comenzó su trayectoria editorial publicando en el propio sello de Coil, Eskaton, su disco debut The Plastic Spider Thing (2002); a raíz de entonces, esta pareja comenzó a colaborar con Balance y compañía en directos como soporte instrumental. He aquí la razón por la cual el sonido de Black Sun Productions no puede ser considerado netamente un reflejo desfigurado de Coil, sino un complemento que retroalimentó la estética de la banda británica y que creció paralelamente a esta.

Chemism (2007) es uno de los lanzamientos más consolidados su discografía. 14 temas andamian un disco cincelado por la profesionalidad y el cuidado ejecutivo. Ideal para cualquier fan de Coil. Todos sus cortes presentan connotaciones tanto rítmicas como en lo correspondiente a la plasticidad acústica que nos evocan indefectiblemente trabajos como The Remote Viewer (2002) o Black Antlers (2004). Massimo y Pierce saben jugar sus cartas a la perfección, planteando nuevas fórmulas musicales que flagelan dentro de una forma lógica cercada por los parámetros estéticos de la mítica agrupación británica.

Además de la cadencia característica de las canciones, llama la atención el uso de la misma instrumentación, como pueden ser los xilófonos, sintetizadores polifónicos, y sobre todo, la entonación divagante al más puro estilo Balance de las voces que alumbran los temas.

“Dies Juvenalis”, “Criminal Childhood” o “Passage Rites” certifican la consumación estilística del proyecto, sorprendiéndonos con una asimilación conceptual muy derivada. La casa italiana Old Europa Café lo publicó en formato CD, protegido por un digipak de tres paneles en el que se muestran representaciones iconográficas de clara connotación homosexual.

No pierdas la oportunidad de ahondar en el trabajo de Black Sun Productions si la discografía de Coil te ha sabido a poco.

Fernando O. Paíno

5 julio, 2020 0

Kentin Jivek – «El Circo Cubierto»

Diseñando sentimientos

Autoproducido - Mayo de 2020 - experimental/folk - NR

El multiinstrumentista parisino Kentin Jivek presenta su decimosexto trabajo en estudio. Cada uno de los temas encerrados en “El Circo Cubierto” ofrece una visión muy particular sobre los sentimientos engendrados durante el proceso de aislamiento personal desatado como consecuencia de la pandemia COVID-19.

Kentin Jivek aporta en su música una fusión de estilos e influencias muy dilatada que incluye desde la psicodelia hasta la electrónica más experimental. Todos sus trabajos tienen como denominador común una sopesada proyección compositiva además de un excelente trabajo de producción. Jivek sabe mimar y dar forma a sus sentimientos utilizando el sonido como canal conductor.

En esta ocasión, su último lanzamiento El Circo Cubierto expone seis cortes muy personales que abrazan la delicadeza y la introspección, en ellos se combina todo tipo de instrumentación con el objetivo de generar un complejo armazón instrumental sobre el que Jivek expone sus ensoñaciones utilizando las palabras como palomas mensajeras. Las canciones están urdidas por textos oníricos, cantados en diferentes lenguas como el francés, inglés o el español.

La estética global del sonido que exhibe El Circo Cubierto puede evocar en cierta forma la transitoriedad conceptual de algunos trabajos de Coil, sobre todo en lo relativo a la estructura rítmica y la plasticidad lírica. Hablamos de un disco sosegado que invita a la evasión. Kentin sabe indagar en la esencia del individuo y hallar su propia mismidad para exponerla mediante el arte. Conviene destacar cortes tan logrados como “Venus Into The Moon” o el tema con el que comienza este disco, “Chaos Paradise”, en el que la voz de Jivek logra fundirse completamente a un patrón rítmico magistralmente diseñado. Y es que El Circo Cubierto pretende comportarse como una suerte de diario escrito durante el desarrollo de la pandemia COVID-19 y las consecuencias que ésta ha tenido en el desarrollo de la vida cotidiana. La existencia se convierte en una clase de “circo cubierto” en el que cada individuo se ve forzado a excluirse de cierto tipo de relaciones humanas, forzando de esta manera aún más el individualismo que domina al hombre moderno. Jivek ha logrado alcanzar con este trabajo un estatus de madurez musical muy valorable.

El Circo Cubierto está disponible en la propia página del artista. En ella podemos escoger el formato digital o el físico, materializado en un CDr de edición limitada a solo diez ejemplares.

https://kentinjivek.bandcamp.com/album/el-circo-cubierto-2

Fernando O. Paíno

27 junio, 2020 0

Mare Di Dirac – «Ophite Diagram»

El enigma, el mal y el peligro

GH Records – Noviembre de 2019 – experimental/ritual – GH142

Preludio

Postration

Serpent’s Hologram

Spiritual Mechanism

Cista Mystica

Evocation Of Something

Ten Separate Circle

Ophite Diagram

Mare Di Dirac nos ofrece en Ophite Diagram ocho cortes que destacan por su cuidada selección de materia prima sonora y un magistral ensamblaje con el que se plantean impresionantes propuestas de ambient experimental salpimentado con humo negro ritual. “Ophite Diagram” ha sido publicado en una preciosa edición en casete limitada a 50 ejemplares.

Lorenzo Abattoir es un polifacético artista del género post-industrial que ha conseguido destacar gracias a su genial proyecto Satanismo Calibro 9. Independientemente de esto, el genio creativo de Lorenzo no se ve segmentado de ninguna forma, por lo que no ha dudado en colaborar con otros artistas con el fin de ampliar sus horizontes conceptuales. En 2009, Abattoir decidiría unir sus fuerzas con las de Luca Di Dato, conocido bajo el pseudónimo de Poseitrone. Juntos comenzarían a definir un sonido muy especial en el que la experimentación y el cariz ritual dominaría la temática de sus composiciones. Mare Di Dirac es todo esto y mucho más.

Desde su creación, este proyecto ya ha conseguido sacar a la luz nada menos que siete trabajos más el que ahora presentamos, alguno de ellos compartido con bandas tan relevantes como los rusos Phurpa.

Al analizar los ocho cortes que andamian Ophite Diagram descubrimos un inconmensurable amor por la experimentación, el sosiego y la oscuridad. El dúo plantea un fabulosa fórmula en la que la que prepondera la técnica del cut and paste con líneas de sonido expansivo que aportan un inestimable cuerpo a las composiciones, jugando de forma consciente con los intervalos de silencio y las fluctuaciones de intensidad. Todos estos factores ejecutivos, unidos a los netamente conceptuales, hacen de esta propuesta en casete un disco absolutamente fantástico. Indispensable dentro de la discoteca de un amante del género ritual.

Aunque el disco se apoya levemente en ideas anteriores cosechadas por otros artistas y expuestas en discos como Homotopy to Marie (82) de Nurse With Wound o Metamorphyses (06) de Raison D’Etre, Mare Di Dirac logra otorgar una nueva perspectiva a este estilo sin necesidad de caer en la imitación directa, desarrollando de esta forma la idea de un género poco cultivado a lo largo de la historia de la música actual como es el ritual con pinceladas electrónicas.

Otro aspecto que hace muy especial a esta nueva entrega de Mare Di Dirac es su presentación. El álbum se ofrece únicamente en formato casete, acompañado de descarga digital. Su cinta es bicolor: blanca por una cara y negra por la otra. Se presenta exenta de títulos tanto en casete como en portada. En su lugar, una elegante representación de una serpiente emergiendo de una circunferencia nos sugiere la sutil idea del enigma, el mal y el peligro. Tres atributos eidéticos que abrazan a esta nueva oferta publicada por GH Records.

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/ophite-diagram

Fernando O. Paíno

21 junio, 2020 0

Black Leather Jesus ‎– «Torturous Chapter»

Incisivo y epatante

Old Europa Café – marzo de 2020 – harsh noise – 278

Sabotaged Communication

No Use

World As We Tolerate It

Center Of Balance

Form Of mental Symphony

Aquabondage : Water Symphony

Final Chapter (Where Death Begins)

Old Europa Café celebra el veinticinco aniversario de la edición de uno de los trabajos más rotundos y viscerales del combo americano Black Leather Jesus. Richard Ramírez y los suyos desatan disonancias rebosantes de furia y ruido blanco en un disco que estrangula la parsimonia de la forma más salvaje.

A finales de los años ochenta del siglo pasado nació en Houston, Texas, una banda cuyo objetivo principal era desatar el caos acústico por medio de sintetizadores, guitarras y pedales de distorsión. Se hicieron llamar Black Leather Jesus. El resultado de este experimento conceptual es un harsh noise muy destructivo, hiriente, un discurso suicida repleto de cacofonías y disonancias en el que las intensidades van sucediéndose con la intención de crear paisajes realmente hecatómbicos.

Black Leather Jesus es la idea del artista Richard Ramirez. Éste se rodea de otros músicos cercanos en ideales y contenido con el fin de desarrollar un universo único en cada uno de sus trabajos. En esta ocasión, Ramirez contó con Kevin Ogg, Rick Bailey y Ryant Hunt. Todos ellos han participado en otros trabajos de esta mítica propuesta del ruido estadounidense.

Torturous Chapter fue lanzado al mercado originalmente en el año 1995 por el mismo sello que ahora lo reedita, la mítica casa italiana Old Europa Café. En origen salió en formato casete, acompañado de una portada en tamaño A5. En esta ocasión y con motivo del veinticinco aniversario de su edición, OEC decide reeditar esta maravilla del industrial extremo en formato CD.

En Torturous Chapter podemos descubrir siete cortes moldeados a base de presión dislocada, acometedores y directos, en los que Richard y los suyos exponen una vorágine demoledora de sonidos hirientes, demostrándonos la fiereza implícita en una de las bandas más representativas del harsh noise. El disco comienza de la misma forma en la que termina, y es desatando el caos más absoluto. Black Leather Jesus logra salpicar las paredes del vacío con limaduras de disonancias en constante variación, ofreciendo un discurso tan agresivo como dinámico. Temas como «Center Of Balance» o «Aquabondage : Water Symphony» proyectan una idea muy consolidada de la agresividad inmanente en este conjunto Tejano. Da gusto percatarse de lo bien que ha envejecido el trabajo, y cierto respeto pensar que ya ha transcurrido nada menos que un cuarto de siglo desde su lanzamiento original. Desde NOmelody lanzamos un fuerte aplauso a OEC por desenterrar este genial documento del ruido extremo.

Fernando O. Paíno

14 junio, 2020 0

DEATH IN JUNE – «THE CORN YEARS PLUS CD/7»

Vuelven los años del maíz

Steelwork Maschine - Junio de 2020 - neofolk - SMR020

Death In June reedita lo que sería el primer álbum recopilatorio de su carrera, “The Corn Years”. Un disco que en su momento vio la luz en formato CD y que recoge gran parte de los éxitos presentados en dos de los trabajos más emblemáticos del proyecto, “The World That Summer” y “Brown Book”. Hablamos con Douglas P. para que nos acerque un poco más a las causas que por aquel entonces le llevaron a la publicación de esta obra referencial.

Heilige!

Torture By Roses

Love Murder

Zimmerit

We Are The Lust

To Drown A Rose

Break The Black Ice

Behind The Rose (Fields Of Rape)

Punishment Initiation

Rocking Horse Night

Break The Black Ice (Instrumental)

Runes And Men

Rule Again

Hail! The White Grain

Blood Of Winter

The Fog Of The World

Europa: The Gates Of Heaven

Come Before Christ And Murder Love

7”:

A: Runes And Men

B: Break The Black Ice (2019 mix) + The Fog Of The World

Death In June es uno de los referentes más destacables de la música independiente de las últimas décadas. Con casi cuarenta años de carrera a sus espaldas y una discografía ejemplar, el frontman del conjunto, Douglas P, nos ofrece un nuevo acercamiento a uno de los lanzamientos más concluyentes de su discografía: The Corn Years.

The Corn Years (89) es el primer recopilatorio oficial del conjunto. Su selección de cortes recoge gran parte de los éxitos que aparecen en dos de sus obras más laureadas, The World That Summer y Brown Book, así como el E.P. To Drown A Rose y alguna grabación alternativa. Douglas nos comentaba cómo estaban las cosas en aquella etapa que precedió a la publicación de The Corn Years: “The World That Summer(86) fue el primer álbum de Death In June que veía la luz tras el aclamado por la crítica «NADA!». A partir de entonces yo era el único miembro y líder, y decidí contar con otras personas en el proceso de escritura y grabación. Fue un momento, visto en retrospectiva, que supuso un gran paso para mí, repleto de nerviosismo. De hecho, casi llegó a convertirse en una especie de novela de Douglas P./Death In June con un título diferente, y no en un disco al uso. Todo esto tomó forma en un momento en que tenía un flujo de palabras incesante, viniendo a mi mente como si de una máquina de escribir maniaca se tratase. Raramente recibo esos momentos de constante inspiración, y me pregunto cuál es la mejor manera de usarlos y darles la mejor forma. Sin embargo, en aquel momento decidí que convertir todo ese aluvión de ideas en una novela sería una distracción para mi verdadero Destino, en el cual el objetivo principal se fundamentaba en tratar de escribir el mejor álbum que pudiera para expresar la nueva encrucijada en la que mi vida se encontraba. Tenía 30 años, estaba a punto de dejar a mi pareja con la que había compartido la última década, y entrar en una inminente etapa muy incierta y peligrosa. The World That Summer (86) y Brown Book (87) expresan perfectamente dónde estaba en aquel momento crucial, intenso y precario de mi vida.

thumbnail_20th disk image — Foto cedida por el artista

Esta nueva edición de The Corn Years que se presenta bajo el título de The Corn years Plus aporta novedades para todos los seguidores del conjunto. Además del CD, la edición viene acompañada de un vinilo en 7” en el que se incluye una remezcla grabada en 2019 del clásico “Break The Black Ice” fusionada con “The Fog Of The World”.

El sello francés Steelwork Maschine se ha ocupado de publicar esta espectacular edición en tres variables diferentes: vinilo negro limitado a 194 ejemplares, verde pantanoso a 525 copias, y un impactante splatter a 314 ejemplares.

Otro de los interrogantes que siempre han cercado la idiosincrasia de este primer recopilatorio de Death In June es, sin lugar a dudas, su título, The Corn Years. Por qué Douglas decidió bautizar este trabajo así? ¿De dónde proviene el sentido del mismo? No podíamos cerrar esta reseña sin aclararlo. Pearce nos comentaba:

“El CD de The Corn Years, con su tiempo extra de reproducción, me ofreció el mejor formato sobre el cual, en parte, reunir este importante segmento temporal en el que yo y otros podríamos reflexionar y reflexionar. El formato vinilo de ambos álbumes – The World That Summer (86) y Brown Book (87)- estaba agotado, y la opción de CD parecía la alternativa más lógica, además de novedosa para persistir, a pesar de que el mundo del CD todavía era un mercado no probado en demasía para grupos independientes como Death In June.

La semilla de esta idea germinó definitivamente en el otoño de 1988, mientras salía a caminar con un amigo muy cercano por un prado inglés, cerca del aeropuerto Heathrow de Londres, donde me había mudado recientemente. En la extraña y resplandeciente puesta de sol de esa hermosa tarde de otoño con los aviones cruzando el cielo sobre nosotros, me dijo «sabes que estos son tus años de maíz, ¿no?» Le pregunté qué quería decir, y le respondí que era el momento en que debía cosechar lo que ya había sembrado. Entonces, la idea de un álbum recopilatorio en CD surgió allí, y luego se lanzó a principios de 1989.

No pierdas la oportunidad de redescubrir una de las etapas más impactantes de toda la carrera de Death in June.

Fernando O. Paíno

4 junio, 2020 0

Khost – Buried Steel

Presión intravenosa

Cold Spring - Marzo de 2020 - doom/industrial - CSR278CD

We Will Win

Blood Gutters 6x4x1

Intravener

Yellow Light

Last Furnace

Night Air

Judgement Is Infallible

Kent House

December Bureau

Vandals

Dog Unit

Two

A Non Temporal Crawlspace

Intravener In Dub (Mothboy Remix)

El dúo británico Khost regresa a Cold Spring con un disco en el bolsillo tan crudo como versátil. “Buried Steel” complementa de forma ejemplar la furia del doom con aderezos industriales y devenir experimental, logrando un trabajo dinámico y potente.

Posiblemente Buried Steel sea el álbum más ambicioso que Khost ha publicado hasta la fecha. Esta perspectiva se fundamenta en varias razones: la primera de ellas es el posicionamiento tan ecléctico que presentan la relación de cortes que conforman el álbum. Aunque la gran mayoría de ellos destacan por su cariz aplastante e impermeable, esta vez la banda sabe complementar todas sus píldoras de doom industrial con gajos de experimentación abstracta que se entremezclan en forma de cuña dentro del recorrido del mismo, restándole cierta parte del peso implícito en este tipo de música. El camino que propone este nuevo disco está repleto de sensaciones que van oscilando de manera forzada y angulosa. La calma se ve fracturada violentamente para ser invadida por la ira acústica y la presión industrial.

Otra de las razones es el nutrido elenco de músicos del que la banda se ha rodeado para dar forma al álbum. Andy Swan y Damian Bennett no han dudado a la hora de contar con genios de la talla de Stephen Mallinder de Cabaret Voltaire o Stephen Ah Burroughs de Tunnels Of Ah. El hecho de tener dentro de sus filas a gente de gran calibre como los nombrados aporta de forma inexorable una nutrida perspectiva estilística que se aprecia al primer segundo.

En comparativa con sus anteriores lanzamientos, Buried Steel se muestra mucho más analítico y sopesado, continúa exponiendo una inusitada agresividad, pero ésta, a pesar de recortarse, cuando es manifestada, lo hace con mucha más potencia que de costumbre, gracias a ese sopesado juego de intervalos estéticos.

El disco está lleno de grandes temas, entre los cuales podemos destacar “We Will Win”, “Last Furnace” o “A Non Temporal Crawlspace”, claros ejemplos de esa progresión que Khost ha sabido alcanzar por medio de la experiencia.

Quizá, el aspecto que mejor defina a Buried Steel sea el de perfecto equilibrio de intensidades. La madurez del conjunto de manifiesta en detalles de este tipo, aspectos que hacen que el álbum transite por nuestra cabeza con facilidad a pesar del peso y la presión que implica su genética.

Cold Spring continúa la senda editorial de Khost publicando Buried Steel en el mismo formato que sus lanzamientos predecesores, el CD. Se ha presentado en un digipak de seis paneles y su producción corre cargo de Martin Bowes.

Fernando O. Paíno

31 mayo, 2020 0