Government Alpha – “Affective Imagery”

Dislocando el sonido

Abhorrent Creation Tapes – Mayo de 2020 – noise - ACT001

Stridor

Invisible Area

Eternal Signals

Apnea

Sacred Tree

Obstructions

In Equilibrium

Pale Idolum

Transience

Government Alpha es uno de los proyectos más salvajes de noise que ha gestado Japón. Y. Yoshida nos ofrece en su último lanzamiento “Affective Imagery” nueve cortes repletos de histeria y presión destructiva. Una impactante bofetada ruidista que no te dejará indiferente.

Hace ya más de un cuarto de siglo que Yasutoshi Yoshida comenzó a lucubrar pesadillas sonoras cargadas de disonancias y exasperación en las que masas de ruido se aplastan unas a otras conformando un sonido en constante transformación, y es que si por algo se caracteriza el sonido de Government Alpha es por ese horror vacui sonoro que quema todo el silencio que pueda albergar un disco. Yoshida es un maestro de la cacofonía y las modulaciones, creando texturas increíbles que se yuxtaponen sin parar en un intento heraclitano de constante transformación.

El sello francés liderado por Pascal Blaud, Abhorrent Creation Tapes, no ha perdido la oportunidad de incluir dentro de su catálogo a este genio nipón. Affective Imagery es el nombre que recibe este último trabajo, y realmente hablamos de una de las obras más apisonadoras y destructivas que ha dado el año 2020.

El disco está ensamblado por nueve cortes que continúan una estela argumental sólida y hermética. Yoshida no deja de sorprendernos desde el primer segundo: Todo comienza con un sonido resquebrajado que va evolucionando hacia una hecatombe acústica en la que lo dionisíaco reina de forma autócrata. El hilo conductor de todo el disco es puro ruido en continua mutación. Paradójicamente, los cánones de orden de Government Alpha se establecen dentro de una apoplejía acústica desbocada pero a su vez perfectamente calculada. Yoshida es consciente en todo momento de lo que quiere alcanzar, y eso es perfectamente apreciable al degustar este increíble trabajo, ya que las medidas de variabilidad en lo referido a la intensidad estética y las texturas sonoras que contiene el álbum son fantásticas, haciendo de él algo dinámico, a pesar de estar trabajando con cacofonías. Temas como “Eternal Signals”, “Pale Idolum” o “Sacred Tree” nos muestran esa genialidad compositiva que caracteriza a Government Alpha. Furia ruidista que no tiene nada que envidiar a trabajos de C.C.C.C, Merzbow o Masonna.

Affective Imagery ha sido publicado en formato CD. Se han fabricado 500 ejemplares, por lo que te recomendamos hacerte con una copia cuanto antes.

https://abhorrentcreationtapes.bandcamp.com/album/government-alpha-affective-imagery

Fernando O. Paíno

2 agosto, 2020 0

Horologium – “Earthbound”

De vuelta a las trincheras

Old Europa Café – Marzo de 2008 – martial industrial - OECD 107

Introduction: Dionysus Vs. Apollo

Elegy For The Mediocre, Lesson To The Worthy

The Return Of The Sun

Nasz Wieczny Śmiech

The Watchers (Between The Ages)

The Immoralist Creed

Kazanie Ogniste III

Untitled

Hoy rescatamos “Earthbound”, uno de los trabajos capitales dentro de la discografía de Horologium. Puro martial industrial cargado de tensión con el que se consigue evocar fragmentos perdidos pertenecientes a las contiendas bélicas del siglo pasado.

La primera década de este nuevo siglo estuvo plagada de grandes bandas que desarrollaron un incipiente género que se empezaba a conocer con el nombre de martial folk. Muchas fueron las formaciones que se encargaron de nutrir este género a base de nuevas y geniales propuestas. Una de estas bandas fue, sin lugar a dudas, Horologium, y Earthbound (08) es considerado uno de sus trabajos más destacables dentro de este esquema estético.

Grzegorz Siedlecki, natural de Polonia, es la cabeza pensante que se esconde tras el nombre de Horologium. Siedlecki decidió con Earthbound dar un paso más dentro de su trayectoria creativa. Tras cuatro trabajos previos en los que se intercalaban grandes dosis de ambientación con tonadas netamente reflexivas, algunas de ellas en colaboración con otros artistas tan geniales como Moljebka Pvlse, el artista polaco nos sorprendió con un disco centrado en un contexto puramente bélico. Sus ocho cortes están cargados de samples pertenecientes a retazos sonoros del siglo pasado que son ensamblados de manera muy acertada, creando ambientes tan opresivos como vibrantes. Esta fórmula es heredada de los primeros trabajos de Albin Julius bajo el nombre de Der Blutharsh; de hecho, una considerable parte de Earthbound puede evocarnos esa magnificencia enterrada del genio austriaco, sobre todo si atendemos a la cadencia de los cortes y la plasticidad de los recursos utilizados. La aportación personal de Horologium en Earthbound es complementar estas estructuras acústicas con discursos verbales proferidos tanto por voces femeninas como masculinas, aspecto que aporta mucha vitalidad al conjunto de temas que aquí se presentan. Earthbound destella por su acometividad y su gran impulso estético, intimidándonos con implacables juegos de percusiones que nos invitan a disfrutar de uno de los mejores ejemplos de martial folk de la época.

Merece la pena destacar cortes como “The Return Of The Sun” o “The Immoralist Creed”, ambos vestidos por vocales de mujer que se encargan de dinamizar las composiciones, otorgándolas un merecido toque de distinción.

Aunque Horologium continuó dando a luz trabajos muy valorables tras la edición de Earthbound, hemos creído conveniente hacer un guiño a una obra capital dentro de la oferta musical de este proyecto polaco. Fue editado en formato CD por la casa italiana Old Europa Café y todavía se encuentra disponible en el catálogo del sello.

Fernando O. Paíno

25 julio, 2020 0

FM Einheit/Andreas Ammer-«Hammerschlag»

Futurismo ruso

Cold Spring - Mayo de 2020 - experimental - CSR281CD

Amoeba

Order 01

Order 02

Order 03

Order 04

CIT

Order 05

Order 06

Noise Orgy

Order 07

Order 08

Order 09-10

Epilogue

Dos grandes de los sonidos cacofónicos, FM Einheit y Andreas Ammer, se reunieron en la ciudad rusa de Perm durante el año 2019 para dar un concierto único basado en la obra del futurista Aleksej Kapitonovič Gastev. Bloques de ruido abstracto envuelven una oratoria comandada por Rica Blunck.

Hammerschlag, que traducido al castellano viene a decir algo así como “martillazo”, es un concepto único que fue recreado para el Diaghilev Festival celebrado en la ciudad rusa de Perm el año pasado. Dos artistas señeros de la música industrial y experimental abstracta, FM Einheit y Andreas Ammer, fueron los encargados de desarrollar un trabajo que tenía sus bases conceptuales en la obra del futurista ruso Aleksej Kapitonovič Gastev, «Bard of the machine age«. Cierto es que no es la primera ocasión que estos dos titanes del sonido abstracto se reúnen con la intención de hacer música, a lo largo de los noventa pudimos disfrutar de trabajos tan impactantes como fueron Radio Inferno (93), Apocalypse Live (95) o Deutsche Krieger (96).

FM Einheit es mundialmente conocido por ser el percusionista de una de las bandas seminales del movimiento industrial, Einstürzende Neubauten. Este alemán ha trabajado a lo largo de su trayectoria musical con multitud de artistas y grupos remarcables como Mona Mur, KMFDM, Goethes Erben o Diamanda Galás. Por su parte, Andreas Ammer es un periodista y músico alemán cuyo trabajo musical siempre se ha visto envuelto en compañía de otros artistas. La experimentación disonante ha sido su plato fuerte desde el comienzo de su carrera.

El cuerpo de Hammerschlag está dividido en 13 partes. Hablamos de pura experimentación repleta de disonancias, ruidos desenfocados, infinidad de percusiones proferidas contra infinidad de superficies de metal, y soliloquios femeninos que vienen dirigidos por la imperante voz de Rica Blunck. La obra como tal resulta tan intrigante como deliciosa: está cargada de fluctuaciones y horizontes sonoros que van mutando constantemente con una ponderada premeditación. Un frenético viaje por lo desconocido y lo imprevisible es precisamente lo que esta obra futurista de corte ruso nos ofrece. Merece la pena sentarse y disfrutar de su exquisito desarrollo, ya que desvela muchos de los secretos encerrados en la primera música de estilo futurista, que ha sido considerada por muchos de los entendidos del mundo de ruido como la primera música industrial propiamente dicha.

Cold Spring ha sido el sello encargado de editar esta magnífica grabación en directo. Ha sido publicado únicamente en CD y viene protegido por un digipack.

Fernando O. Paíno

19 julio, 2020 0

Lisieux – “Psalms of Dereliction”

Reorientando el neofolk

Steelwork Maschine – septiembre de 2019 – neofolk - SMR 019

Wilgeforte

No Dominion

Caecillia Said

Pure Love

Shedu

Memory Of Walls

Adrift

Black Flag

El trío galo Lisieux presenta su segundo trabajo en estudio. “Psalms of Dereliction” cultiva un armazón acústico de aires neofolk en combinación con un acertado toque de heavenly voices. Lisieux eleva ocho cortes ensoñadores y enérgicos. Una acertada apuesta del sello Steelwork Maschine.

Lisieux es una banda proveniente del suroeste de Francia. Sus orígenes se remontan al año 2016, momento en el que publican una casete homónima en forma de demo. Más allá de la limitación de esta edición que se redujo a únicamente 50 ejemplares, la banda dejaba bien definida la orientación de su estilo, el cual se inclinaría hacia las raíces neofolks de bandas como Death In June o Sol Invictus y voces femeninas que se encargan de dulcificar la rudeza inherente en la cadencia de guitarra que impera en el primer género citado. El resultado de todo esto es un estilo cultivado anteriormente por combos como The Moon And The Nightspirit, pero aportando una estética sonora más martial-folk dentro de los lindes marcados por el sonido de las guitarras acústicas.

Tres años más tarde, el sello francés Steelwork Maschine ha decidido prensar su segundo disco en formato vinilo y ampliar su producción, lanzando al mercado una tirada de 200 ejemplares en vinilo blanco. Psalms of Dereliction es un trabajo ambicioso y profesional en el que se perfecciona el esquema acústico planteado en su primera casete. La nueva oferta de Lisieux sorprende por su energía y una inusitada frescura que se encarga de oxigenar a un género tan hermético como es el neofolk. Está compuesto por ocho propuestas -cuatro por cada cara- en los que vamos a descubrir unas claras influencias hacia bandas como los ya citados Death In June, sobre todo en lo referente a la cadencia instrumental y las líneas melódicas que juega la guitarra. La banda abraza este paralelismo para fundirlo con la voz de Antoine R, que ocasionalmente consigue evocar el timbre de la siempre mítica Rose McDowall cuando descubres cortes como el que cierra el trabajo, «Black Flag».

Cierto es que no podemos hablar de una inusitada originalidad estética, pero cierto es también que dentro de unos muros tan firmes como los erigidos por el neofolk, la banda francesa consigue sorprendernos muy gratamente con composiciones dinámicas, rebosantes de fuerza y un cierto sabor onírico, con las que consiguen ganarse un merecido respeto. Desde Nomelody animamos a todos los amantes de los sonidos alpinos de finales de los noventa y el nuevo siglo a descubrir una banda que seguro dará que hablar en los tiempos que están por venir.

Fernando O. Paíno

11 julio, 2020 0

Black Sun Productions – “Chemism”

Ampliando la estela sonora de la bobina

Old Europa Cafe - Abril de 2007 - experimental - OECD091

Time Uncaptured

Dies Juvenalis

The Repossession Of Innocence Lost

Chemism

Almost A Riot

Clear Skies & Dark Skies

Criminal Childhood

Self Love

Das Gegenteil

Passage Rites

A Suicidal Bunny

His Secret Secretions

Uncle Billy

Veneration X

Black Sun Productions lleva casi dos décadas desarrollando tapices sonoros encomiables, muy cercanos a la estela conceptual de Coil. De hecho, sus dos componentes, Massimo y Pierce, contaron entre las filas de músicos para los directos de la mítica banda británica. Hoy rescatamos “Chemism”, uno de sus trabajos icónicos.

Trece años después de su lanzamiento oficial, Chemism sigue destellando con fuerza, convirtiéndose por puro derecho en uno de los discos más completos del dúo Black Sun Productions.

Lo primero que llama la atención de Chemism es la inabarcable deuda que contrae con el sonido característico del último tercio de la carrera de Coil. A bote pronto podríamos pensar que simplemente se trata de un par de freaks acólitos cuya máxima aspiración es emular fielmente a sus ídolos con la malsana intención de complementar un catálogo acústico que nunca llegará a ser tal; pero, realmente, no es así. Black Sun Productions comenzó su trayectoria editorial publicando en el propio sello de Coil, Eskaton, su disco debut The Plastic Spider Thing (2002); a raíz de entonces, esta pareja comenzó a colaborar con Balance y compañía en directos como soporte instrumental. He aquí la razón por la cual el sonido de Black Sun Productions no puede ser considerado netamente un reflejo desfigurado de Coil, sino un complemento que retroalimentó la estética de la banda británica y que creció paralelamente a esta.

Chemism (2007) es uno de los lanzamientos más consolidados su discografía. 14 temas andamian un disco cincelado por la profesionalidad y el cuidado ejecutivo. Ideal para cualquier fan de Coil. Todos sus cortes presentan connotaciones tanto rítmicas como en lo correspondiente a la plasticidad acústica que nos evocan indefectiblemente trabajos como The Remote Viewer (2002) o Black Antlers (2004). Massimo y Pierce saben jugar sus cartas a la perfección, planteando nuevas fórmulas musicales que flagelan dentro de una forma lógica cercada por los parámetros estéticos de la mítica agrupación británica.

Además de la cadencia característica de las canciones, llama la atención el uso de la misma instrumentación, como pueden ser los xilófonos, sintetizadores polifónicos, y sobre todo, la entonación divagante al más puro estilo Balance de las voces que alumbran los temas.

“Dies Juvenalis”, “Criminal Childhood” o “Passage Rites” certifican la consumación estilística del proyecto, sorprendiéndonos con una asimilación conceptual muy derivada. La casa italiana Old Europa Café lo publicó en formato CD, protegido por un digipak de tres paneles en el que se muestran representaciones iconográficas de clara connotación homosexual.

No pierdas la oportunidad de ahondar en el trabajo de Black Sun Productions si la discografía de Coil te ha sabido a poco.

Fernando O. Paíno

5 julio, 2020 0

Mare Di Dirac – «Ophite Diagram»

El enigma, el mal y el peligro

GH Records – Noviembre de 2019 – experimental/ritual – GH142

Preludio

Postration

Serpent’s Hologram

Spiritual Mechanism

Cista Mystica

Evocation Of Something

Ten Separate Circle

Ophite Diagram

Mare Di Dirac nos ofrece en Ophite Diagram ocho cortes que destacan por su cuidada selección de materia prima sonora y un magistral ensamblaje con el que se plantean impresionantes propuestas de ambient experimental salpimentado con humo negro ritual. “Ophite Diagram” ha sido publicado en una preciosa edición en casete limitada a 50 ejemplares.

Lorenzo Abattoir es un polifacético artista del género post-industrial que ha conseguido destacar gracias a su genial proyecto Satanismo Calibro 9. Independientemente de esto, el genio creativo de Lorenzo no se ve segmentado de ninguna forma, por lo que no ha dudado en colaborar con otros artistas con el fin de ampliar sus horizontes conceptuales. En 2009, Abattoir decidiría unir sus fuerzas con las de Luca Di Dato, conocido bajo el pseudónimo de Poseitrone. Juntos comenzarían a definir un sonido muy especial en el que la experimentación y el cariz ritual dominaría la temática de sus composiciones. Mare Di Dirac es todo esto y mucho más.

Desde su creación, este proyecto ya ha conseguido sacar a la luz nada menos que siete trabajos más el que ahora presentamos, alguno de ellos compartido con bandas tan relevantes como los rusos Phurpa.

Al analizar los ocho cortes que andamian Ophite Diagram descubrimos un inconmensurable amor por la experimentación, el sosiego y la oscuridad. El dúo plantea un fabulosa fórmula en la que la que prepondera la técnica del cut and paste con líneas de sonido expansivo que aportan un inestimable cuerpo a las composiciones, jugando de forma consciente con los intervalos de silencio y las fluctuaciones de intensidad. Todos estos factores ejecutivos, unidos a los netamente conceptuales, hacen de esta propuesta en casete un disco absolutamente fantástico. Indispensable dentro de la discoteca de un amante del género ritual.

Aunque el disco se apoya levemente en ideas anteriores cosechadas por otros artistas y expuestas en discos como Homotopy to Marie (82) de Nurse With Wound o Metamorphyses (06) de Raison D’Etre, Mare Di Dirac logra otorgar una nueva perspectiva a este estilo sin necesidad de caer en la imitación directa, desarrollando de esta forma la idea de un género poco cultivado a lo largo de la historia de la música actual como es el ritual con pinceladas electrónicas.

Otro aspecto que hace muy especial a esta nueva entrega de Mare Di Dirac es su presentación. El álbum se ofrece únicamente en formato casete, acompañado de descarga digital. Su cinta es bicolor: blanca por una cara y negra por la otra. Se presenta exenta de títulos tanto en casete como en portada. En su lugar, una elegante representación de una serpiente emergiendo de una circunferencia nos sugiere la sutil idea del enigma, el mal y el peligro. Tres atributos eidéticos que abrazan a esta nueva oferta publicada por GH Records.

https://gradualhaterecords.bandcamp.com/album/ophite-diagram

Fernando O. Paíno

21 junio, 2020 0

Black Leather Jesus ‎– «Torturous Chapter»

Incisivo y epatante

Old Europa Café – marzo de 2020 – harsh noise – 278

Sabotaged Communication

No Use

World As We Tolerate It

Center Of Balance

Form Of mental Symphony

Aquabondage : Water Symphony

Final Chapter (Where Death Begins)

Old Europa Café celebra el veinticinco aniversario de la edición de uno de los trabajos más rotundos y viscerales del combo americano Black Leather Jesus. Richard Ramírez y los suyos desatan disonancias rebosantes de furia y ruido blanco en un disco que estrangula la parsimonia de la forma más salvaje.

A finales de los años ochenta del siglo pasado nació en Houston, Texas, una banda cuyo objetivo principal era desatar el caos acústico por medio de sintetizadores, guitarras y pedales de distorsión. Se hicieron llamar Black Leather Jesus. El resultado de este experimento conceptual es un harsh noise muy destructivo, hiriente, un discurso suicida repleto de cacofonías y disonancias en el que las intensidades van sucediéndose con la intención de crear paisajes realmente hecatómbicos.

Black Leather Jesus es la idea del artista Richard Ramirez. Éste se rodea de otros músicos cercanos en ideales y contenido con el fin de desarrollar un universo único en cada uno de sus trabajos. En esta ocasión, Ramirez contó con Kevin Ogg, Rick Bailey y Ryant Hunt. Todos ellos han participado en otros trabajos de esta mítica propuesta del ruido estadounidense.

Torturous Chapter fue lanzado al mercado originalmente en el año 1995 por el mismo sello que ahora lo reedita, la mítica casa italiana Old Europa Café. En origen salió en formato casete, acompañado de una portada en tamaño A5. En esta ocasión y con motivo del veinticinco aniversario de su edición, OEC decide reeditar esta maravilla del industrial extremo en formato CD.

En Torturous Chapter podemos descubrir siete cortes moldeados a base de presión dislocada, acometedores y directos, en los que Richard y los suyos exponen una vorágine demoledora de sonidos hirientes, demostrándonos la fiereza implícita en una de las bandas más representativas del harsh noise. El disco comienza de la misma forma en la que termina, y es desatando el caos más absoluto. Black Leather Jesus logra salpicar las paredes del vacío con limaduras de disonancias en constante variación, ofreciendo un discurso tan agresivo como dinámico. Temas como «Center Of Balance» o «Aquabondage : Water Symphony» proyectan una idea muy consolidada de la agresividad inmanente en este conjunto Tejano. Da gusto percatarse de lo bien que ha envejecido el trabajo, y cierto respeto pensar que ya ha transcurrido nada menos que un cuarto de siglo desde su lanzamiento original. Desde NOmelody lanzamos un fuerte aplauso a OEC por desenterrar este genial documento del ruido extremo.

Fernando O. Paíno

14 junio, 2020 0

Khost – Buried Steel

Presión intravenosa

Cold Spring - Marzo de 2020 - doom/industrial - CSR278CD

We Will Win

Blood Gutters 6x4x1

Intravener

Yellow Light

Last Furnace

Night Air

Judgement Is Infallible

Kent House

December Bureau

Vandals

Dog Unit

Two

A Non Temporal Crawlspace

Intravener In Dub (Mothboy Remix)

El dúo británico Khost regresa a Cold Spring con un disco en el bolsillo tan crudo como versátil. “Buried Steel” complementa de forma ejemplar la furia del doom con aderezos industriales y devenir experimental, logrando un trabajo dinámico y potente.

Posiblemente Buried Steel sea el álbum más ambicioso que Khost ha publicado hasta la fecha. Esta perspectiva se fundamenta en varias razones: la primera de ellas es el posicionamiento tan ecléctico que presentan la relación de cortes que conforman el álbum. Aunque la gran mayoría de ellos destacan por su cariz aplastante e impermeable, esta vez la banda sabe complementar todas sus píldoras de doom industrial con gajos de experimentación abstracta que se entremezclan en forma de cuña dentro del recorrido del mismo, restándole cierta parte del peso implícito en este tipo de música. El camino que propone este nuevo disco está repleto de sensaciones que van oscilando de manera forzada y angulosa. La calma se ve fracturada violentamente para ser invadida por la ira acústica y la presión industrial.

Otra de las razones es el nutrido elenco de músicos del que la banda se ha rodeado para dar forma al álbum. Andy Swan y Damian Bennett no han dudado a la hora de contar con genios de la talla de Stephen Mallinder de Cabaret Voltaire o Stephen Ah Burroughs de Tunnels Of Ah. El hecho de tener dentro de sus filas a gente de gran calibre como los nombrados aporta de forma inexorable una nutrida perspectiva estilística que se aprecia al primer segundo.

En comparativa con sus anteriores lanzamientos, Buried Steel se muestra mucho más analítico y sopesado, continúa exponiendo una inusitada agresividad, pero ésta, a pesar de recortarse, cuando es manifestada, lo hace con mucha más potencia que de costumbre, gracias a ese sopesado juego de intervalos estéticos.

El disco está lleno de grandes temas, entre los cuales podemos destacar “We Will Win”, “Last Furnace” o “A Non Temporal Crawlspace”, claros ejemplos de esa progresión que Khost ha sabido alcanzar por medio de la experiencia.

Quizá, el aspecto que mejor defina a Buried Steel sea el de perfecto equilibrio de intensidades. La madurez del conjunto de manifiesta en detalles de este tipo, aspectos que hacen que el álbum transite por nuestra cabeza con facilidad a pesar del peso y la presión que implica su genética.

Cold Spring continúa la senda editorial de Khost publicando Buried Steel en el mismo formato que sus lanzamientos predecesores, el CD. Se ha presentado en un digipak de seis paneles y su producción corre cargo de Martin Bowes.

Fernando O. Paíno

31 mayo, 2020 0

Minóy – «In Search Of Tarkovsky»

Rescatando a Minóy

Cold Spring - Marzo de 2020 - experimenta/industrial/drone - CSR273CD

In Search Of Tarkovsky

Memory Undefined (Dream As Truth)

Minoy fue uno de los pioneros de la música experimental extrema y abstrusa que se ha gestado en California. Sus trabajos conjugan la inherente incertidumbre argumental con un sinfín de mosaicos sonoros que arremeten de la misma forma que el agua por las grietas de una presa. Cold Spring reedita uno de sus trabajos más perturbadores, “In Search Of Tarkovsky”.

Stanley Keith Bowsza es conocido dentro del círculo de seguidores de la música experimental extrema por ser uno de los primeros artistas en desarrollar un estilo propio dentro del campo del drone y el cut and paste. Siguiendo las pautas establecidas por otros músicos norteamericanos anteriores a él como Boyd Rice, Minoy se embarcó desde principios de los años ochenta en una cruzada editorial que le llevó a publicar bajo su propio sello, Minoy Cassetteworks, infinidad de títulos en ediciones muy limitadas. Trabajos que hoy día resultan muy difíciles de encontrar. Afortunadamente, la discográfica británica Cold Spring ha decidido rendir un merecido homenaje a este genio de la improvisación distópica sonora, reeditando por primera vez uno de sus incontables trabajos, el inquietante In Search Of Tarkovsky (1986).

Lo primero que resalta en los dos temas que estructuran el disco es esa fantástica atmósfera que genera la manufacturación casera. El sonido, a pesar de haber sido magistralmente masterizado por Martin Bowes de cara a esta edición, se presenta crudo y directo, un detalle que sin duda encandilará a la mayor parte de los amantes de la producción en casete.

El contenido de In Search Of Tarkovsky se encuentra dimensionado por dos cortes que abarcan la media hora de duración. Fueron dedicados al director de cine ruso Andrei Tarkovsky. El primero de ellos, que además bautiza el disco, expone una contrastada paleta de esquemas compositivos que van mutando en distintas formas. No titubea a la hora de arrasar con inesperados planteamientos que instan a no perder la atención hacia un tema puramente onírico, un sueño que metamorfosea sin parar, desembocando en sombríos pasajes.

«Memory Undefined (Dream As Truth)» lucubra otra perspectiva mucho más lineal en la que el artista se desvincula parcialmente de los sonidos estridentes y la oscuridad planteada atrás para encerrarnos en un conglomerado de drones que configuran una ambientación sobrenatural muy absorbente.

In Search Of Tarkovsky es un disco muy recomendable para descubrir el genio oculto de Minoy, un músico que ha pasado desapercibido para muchos, en cierta manera por causa de su limitada distribución. Es necesario elogiar el trabajo de Cold Spring a la hora de redescubrir a un artista que merece un reconocido encomio dentro de los cimientos del DIY estadounidense.

Fernando O. Paíno

17 mayo, 2020 0

Tube Tentacles/Government Alpha – “Extreme Feelings”

Sin concesiones

Pure Reactive Records/Enero de 2016/noise/PR003

Government Alpha

Wriggle

Plunderes

Germs

Tube Tentacles

The Terror

Premature Burial

The Undead

Dos colosos del ruido más punzante han compartido espacio para diseñar un disco absolutamente triturador. En “Extreme Feelings” se exponen seis impactantes ejemplos de ruido sin tapujos, lucubrados con malicia y odio. Una experiencia que no te dejará indiferente.

Dos asesinos sonoros comparten un mismo cometido: acuchillar salvajemente el silencio. Yoshida Yasutoshi, frontman de Government Alpha lleva más de veinte años demostrándonos cómo trabajar el ruido de una forma hiriente y devastadora. Los trabajos editados bajo su propio sello, Xerxes, son muestras perfectas de violencia acústica donde el tiempo se comprime de una manera hermética, estrangulando el espacio hasta hacerlo inhabitable. Una delicia para todos los amantes del japanoise más extremo, siguiendo ejemplos como Merzbow, Incapacitans o KK Null.

En Extreme Feelings el nipón nos ofrece tres latigazos musicales en los que la fluctuación adquiere un efecto helicoidal rebosante de oxidación. Las disonancias luchan entre sí por sacar la cabeza de un océano ferruginoso en el que la melodía perdió la batalla hace mucho tiempo. Treinta minutos de exasperación y furia corrosiva.

Por su parte, Tube Tentacles, el proyecto de Kike Kaos, una de las cabezas más destacables del género noise de nuestro país, responde con un tríptico sonoro, podríamos decir, bastante más calmado que el de su colega; no desde la perspectiva estética, sino desde la precisión ejecutiva.

Kike apuesta por líneas de ruido más asentadas sobre las que desprendimientos de distorsión sedimentan de forma efímera la superficie, generando unas atmósferas geniales. Vale la pena resaltar el trabajo de Kike por ese forzado hieratismo que plasma en gran parte de las tonadas que vertebran este disco, una inexpresividad comedida, difícil de lograr cuando tus herramientas son puro ruido. Tube Tentacles vuelve a demostrarnos cómo moldear lo indomable y presentarlo con estilo. En este caso, el artista consigue modificar el estruendo con la intención de adaptarlo a una suerte de malévola ambientación. Un experimento único digno del mayor de los encomios.

Otro aspecto destacable de Extreme Feelings es su presentación. La tirada de este CD tuvo lugar en 2016, y prácticamente consta agotada. El disco viene protegido por una vistosa caja de cartón blanco con estampaciones en la que se incluyen dos coloridas inserts. Pure Reactive Records no escatimó en medios, realizando una edición digna de coleccionistas.

Si todavía no conoces la obra de estos dos colosos del ruido, ahora es el momento de sumergirte en ella.

Fernando O. Paíno

2 mayo, 2020 0