All My Sins Remembered II – The Sonic Worlds Of John Murphy

Rescatando documentos únicos

The Epicurean - mayo de 2021 - post-industrial - cure.23

Krank – NAOS Number 1

The Grimsel Path – Deviation

The Grimsel Path – Scorched Earth

The Grimsel Path – Hair Soap Candles

The Grimsel Path – Run Please Master

The Grimsel Path – Sideshow Of The Soul

The Grimsel Path – End Of Transmission

Ophiolatreia – Mirror Of Dionysos

Ophiolatreia – Mirror To Dionysos

My Father Of Serpents – Live At RMITV Studio 1988

My Father Of Serpents – Untitled

My Father Of Serpents – Untitled

Ophiolatreia – Untitled

Crank – Untitled

En esta segunda entrega en la que se homenajea la todavía parcialmente desconocida carrera artística de John Murphy, se nos ofrece un acercamiento a sus proyectos más poco nombrados, como pueden ser The Grimsel Path o My Father Of Serpents. En ellos Murphy aporta junto a otros artistas una visión apocalíptica y oscura en la que el post-industrial se alza como género dominante.

Hace aproximadamente un lustro que el sello germano The Epicurean tuviera a bien realizar un homenaje a uno de los artistas más relevantes del movimiento post-industrial, el ya desaparecido John Murphy. Si en la primera entrega nos encontrábamos una colección de canciones dominada por el eclecticismo estético, ahora en esta segunda propuesta hallaremos una cohesión estilística sólida. All My Sins Remembered II rescata proyectos en los que Jonh colaboró junto a otros artistas, como es el caso de The Grimsel Path, el cual formó junto a John Evans -con el que también trabajó en Last Dominion Lost-, My Father Of Serpents, o su proyecto debut Krank.

En rasgos generales, el sonido que aportan todas estas bandas guarda ciertas connotaciones estéticas comunes, como puede ser el talante oscuro y hermético de las composiciones, la oscilación de discursos ruidistas intermitentes, la proyección de collages sonoros que se diluyen para dejar paso a nuevos esquemas cargados de efectismo y plasticidad, voces aplastadas por la flaccidez y el sonido cavernoso, divagaciones experimentales que generan paisajes incómodos y desconcertantes, y sobre todo, un constante y magnífico sentimiento de incomodidad que se dilata hasta abarcar la vida de los dos CDs.  Resulta sorprendente atender al segmento cronológico en el que se encuadra la realización de estas obras y comprobar que, en muchas ocasiones, como es el caso de Crank y My Father Of Serpents, puede haber una década de diferencia entre ellas, sin embargo el cariz estético y la organización compositiva no difiere en exceso. El sonido de los proyectos post-industriales en los que Murphy ha sido miembro activo se caracterizan por esos agregados de percusión sobre metal o parche, ya sea de forma rítmica o improvisada. 

Vale la pena adentrarse en el contenido de este disco homenaje y descubrir un sonido que se muestra cercano a algunos primeros trabajos en casete de The Grey Wolves o las primeras experimentaciones ruidistas de Nurse With Wound, y es que la mayor parte del repertorio que se muestra en este doble CD abarca la década de los ochenta y principios de los noventa, años en los que las citadas bandas de referencia también idearon sus discos más representativos.

The Epicurean vuelve a sorprendernos con un auténtico regalo para los oídos de todo amante de la música post-industrial. All My Sins Remembered II – The Sonic Worlds Of John Murphy es un documento imprescindible para descubrir facetas ocultas de uno de los músicos más representativos y carismáticos de la música underground de las últimas décadas. 

Fernando O. Paíno

La Breiche – “Le Rite”

Exorcismos apócrifos

Cold Spring - Julio de 2020 - post-rock/dark ambient - CSR280CD


Incipit
Le Rite
Démiurge Thaumaturge
Gæstebud
Exuvie
Senta Méra
Etter Regnet
Exorcisme Apocryphe
Homélie Du Trépassé
Monastery
Ekklesia
My Celestial Journey

El dúo galo La Breiche rompe moldes con su nuevo trabajo“Le Rite”. Este disco pone sobre la mesa doce temas en los que se define un post rock mezclado con experimentación oscura.  La fórmula es intrigante a la vez que magnética. Un dechado de superación compositiva con el que Le Breiche consigue autodefinirse.

La Breiche empezó su carrera musical hace ya cuatro años. Le Mal Des Ardents (2017), llamaba la atención por su clara yuxtaposición de elementos folks fusionados con una medida solución oscura, que era pintada a base de paisajes dark ambients. Ahora, con Le Rite, el conjunto francés logra dar un paso más en su evolución compositiva, fusionando estructuras post-rock de una forma tan enigmática como atractiva.

Le Rite comienza divinamente: Un tema tan rotundo y sepulcral como “Incipit” vale su precio en oro: Varias líneas de trompeta desnudas y desapasionadas empiezan a conformar una melodía gélida y desesperanzadora que serpentea vagamente, sin descubrir demasiada intensidad, mirando con incomprensión a un vacío desafiante. A continuación, la cadencia comienza a definirse en un tema tan solemne y genial como el que da nombre al disco. Genética claramente post rockera mezclada con sonidos esteparios sobre los que voces cercanas a Coil o bandas más escoradas hacia el primer gótico de los ochenta, como es el caso de Siiiii o Rosa Crvx, siembran semillas de puro desasosiego conceptual.  

Otros cortes como “Demiurge Thaumaturge” o el que le sigue, “Gæstebud”, no necesitan extenderse demasiado en el tiempo para contarnos todo lo que saben. Y es que la versatilidad que La Breiche exhibe en este último disco es quizá el punto más fuerte que el conjunto posee. La distensión de estilo llega a  ser muy acusada. No tenemos más que prestar atención a “Exuvie” para darnos cuenta de ello. En ella La Breiche apuesta por un rock nutrido a base de guitarras que, de nuevo, puede evocarnos vagamente algún que otro momento de las postrimerías de Rosa Crvx, cosa que siempre es de agradecer.

Senta Méra” regresa al post-rock de una manera parsimoniosa y reflexiva. Reflejos de Godspeed You! Black Emperor iluminan el diámetro de un pozo cuya profundidad es inconmensurable. Uno de los temas más brillantes del disco.

Este discurso post-rock cubierto de bruma continúa en los tres temas siguientes, “Etter Regnet Exorcisme”, “Apocryphe” y “Homélie Du Trépassé”, hasta llegar a “Monastery”, donde el ambient toma más fuerza. “My Celestial Journey” clausura este fabuloso disco de forma única y ejemplar: los ritmos atómicos se salpimentan con ruido silábico para dejar hablar al silencio.

Le Rite ha sido publicado por Cold Spring en formato CD. Hablamos de uno de los mejores trabajos del pasado año 2020. Merece la pena detenerse a admirarlo.

Fernando O. Paíno

Escupemetralla – “Quiero Ser Guitarra De Esplendor Geométrico, 1994 / 25 Años De Paz, Remezclas 2019”

Una visión caleidoscópica

5_Estrellas

 

Novak - Diciembre de 2019 - experimental/industrial - NVK078

 

Varios artistas. (Consultar enlace anclado a los pies del texto)

 

Escupemetralla puede ser considerado uno de los pilares más firmes de la música experimental de nuestro país. Este dúo formado en las postrimerías de los ochenta presenta un trabajo compartido por diferentes artistas en el que se revisa mayoritariamente el tema que da nombre al disco: “Quiero ser guitarra de Esplendor Geométrico”.

Uno de los grandes puntos a favor que presenta un trabajo de características prontuarias es el hecho de exponer un eclecticismo creativo sobre una idea concreta. De esta manera, podemos apreciar sin problemas es perspectivismo conceptual que puebla y hace mundo al mundo. El dúo catalán Escupemetralla ha tenido en cuenta esto a la hora de plantear un doble CD recopilatorio en el que se dan cita un elenco de grandes artistas cuyo objetivo principal es exponer su propia postura acerca de varios de los cortes que dan forma al repertorio musical del conjunto barcelonés.

 

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El origen del tema “Quiero Ser Guitarra de Esplendor Geométrico” puede hallarse en un recopilatorio publicado durante el año 1994 que recibió el nombre de Noise Club 1. En él se plantea un corte bien andamiado que respeta una estructura de cadencia y fluctuación cercana a la música comercial, pero tocada por la varita del desenfreno. Algo que Escupemetralla no suele sembrar en sus campos conceptuales.

Tomando este patrón como referencia, y reciclando un lema tan poco esperanzador como es “25 Años de Paz” -auspiciado por la dictadura franquista con el fin de elogiar una falsa situación de concordia social de más de dos décadas tras la finalización de uno de los episodios más trágicos de la historia de nuestro país, la Guerra Civil- Escupemetralla ha contactado con artistas punteros de la escena underground tanto nacional como internacional con la intención de revisar sus planteamientos originales. Desde Rapoon, que se marca un corte puramente experimental, muy próximo al dark ambient, pasando por los icónicos Macromassa, para desembocar en O Paradis o los propios Esplendor Geométrico, que también aportan su grano de arena con una interpretación tribal y cíclica exenta de voz. Asimismo se incluye la versión original de Escupemetralla, y dos remezclas confeccionadas por el propio conjunto en las que se diseminan nuevas perspectivas sobre un corte tan icónico y delirante como el ahora que nos ocupa.

Este compendio es una excelente oportunidad para redescubrir la potencia creativa de un conjunto de artistas que han nutrido durante las últimas décadas el ámbito de la música experimental. El sello catalán Novak ha vuelto a realizar un trabajo excepcional en lo que respecta a presentación. La portada del disco nos muestra un ejemplo de la arquitectura funcionalista y brutalista que nutrió la década de los sesenta y setenta en Barcelona. Una etapa en la que finalmente se sacrifica el arte a favor de la practicidad.

 

https://novakrecs.bandcamp.com/album/quiero-ser-guitarra-de-esplendor-geom-trico-1994-25-a-os-de-paz-remezclas-2019

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

DARK MAD comienza a dar forma a su cartel de este año.

Los días 23 y 24 de octubre de 2020 tendrá lugar la segunda entrega de lo que ya puede ser considerado el festival de música oscura más potente de toda la Península Ibérica. Dark Mad vuelve a apostar fuerte, contando con un colmado cartel de bandas oscuras pertenecientes a todos los subgéneros que integran el llamado movimiento gótico. Por el momento, el repertorio se muestra tan ecléctico como atractivo. Además, aún es posible que la organización nos depare nuevas sorpresas.

 

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Para todos los interesados en asistir, indicaros que en este momento las entradas se encuentran disponibles a un precio reducido. Éste irá aumentando según se acerque la fecha del evento, por lo que ahora es un momento perfecto para garantizarte la asistencia a este espectacular evento.

 

https://mutick.com/events/entradas-darkmad-2020?fbclid=IwAR3SRW7fCHrEVceKczk8ujMoSokZw8zPt8IHQ-eIuet1n11qWSpzQ8c2Qbo

 

 

 

 

DEATH IN JUNE presenta un nuevo videoclip

El proyecto británico comandado por Douglas P. presenta un nuevo videoclip promocional con motivo de la reciente reedición del siempre enigmático The Wall Of Sacrifice (1989). El multinstrumentista Miro Snejdr ha llevado a cabo la producción del mismo. En él podemos descubrir fotos inéditas de aquella etapa de transición en la que DEATH IN JUNE combinaba la esencia del neofolk con la experimentación post-industrial.

 

SPK – “Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)”

 

Así es como suena una obra maestra

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre de 2019 - post-industrial - CSR274

 

Invocation (To Secular Heresies)

Palms Crossed In Sorrow

Romanz In Moll (Romance In A Minor Key)

In The Dying Moments

In Flagrante Delicto (Introduction)

In Flagrante Delicto

Alocasia Metallica

Necropolis

The Garden Of Earthly Delights

 

 

“Zamia Lehmanni – Songs Of Byzantine Flowers” es considerado por muchos un disco icónico dentro del género post-industrial. En él SPK desarrolla un estilo único con el que se distancia del sonido raspante y áspero de sus primeros lanzamientos para declinarse por los ritmos étnicos y rituales, combinados con destellos nacidos de los sintetizadores.

 

No en vano, se dice de SPK que posiblemente sea el conjunto más brillante surgido durante la primera etapa del movimiento industrial, y la verdad es que resulta muy complicado refutar este juicio de valor.

 

El grupo comandado por Graeme Revell surgió a finales de los setenta en Australia desafiando el sonido punk con un estilo hirsuto, hiriente y enloquecido en el que se fundían los sintetizadores con todo tipo de distorsiones y ritmos generados por cualquier objeto que encontrasen por el camino. Resulta realmente fantástico poder deleitarse viendo algún concierto de esa primera etapa, en la que sus fluctuantes miembros aporrean con extrema violencia bidones, muelles y todo tipo de planchas de metal con la intención de crear una atmósfera sobrecogedora.

 

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Sin embargo, SPK no inmovilizó su ideario creativo, nada más lejos de la realidad. Graeme Revell apostó a mediados de los ochenta por distanciarse de la acometividad disonante para generar discos mucho más calmados y espirituales en los que se creaba una atmósfera turbia y ennegrecida. Y, posiblemente, esa fue la mejor decisión que este neozelandés pudo haber tomado en su vida, ya que este nuevo sonido le abrió las puertas de cara a la producción de bandas sonoras para películas de alta producción. Zamia Lehmanni presenta una importancia capital dentro de la discografía de la banda por que fue, por así decirlo, la carta de presentación que el artista utilizó para dar a conocer su nuevo estilo. Un disco que se adelanta a su tiempo y del que beberán muchos grupos post-industriales de la década venidera. Desde su lanzamiento en 1986, este trabajo ha gozado de excelentes críticas y varias reediciones, todas ellas agotadas por derecho propio.

 

El cuerpo del disco nos muestra una profunda introspección en los sonidos rituales y medievales, jugando con la esencia neoclásica de una forma auténticamente ejemplar. La selección de instrumentos, así como la producción de los mismos, resulta absolutamente admirable. Solo es necesario escuchar una vez esta obra maestra para percatarse de ello. Y no está de más justificar la etimología de esta valoración, ya que antiguamente se consideraba “obra maestra” a todo trabajo realizado por un “maestro”, aquel que era ejemplo a seguir por todos los que adentraban en los secretos de cualquier gremio. Y, sin lugar a dudas, Graeme Revell puede ser definido como uno de los mayores representantes del sonido industrial en todas sus facetas.

 

Deconstruir o analizar las nueve canciones que componen Zamia Lehmanni supone en cierta manera correr el riesgo de apocarlas. Tan solo recomendaré una cosa: si no has tenido el placer de escuchar este disco, estás tardando demasiado; y las excusas ya no son válidas, porque el sello británico Cold Spring ha decidido reeditarlo en varias ediciones distintas en formato vinilo y CD.

Zamia Lehmanni es una de las columnas más sólidas y bellamente talladas del entorno post-industrial.

 

 

 

Fernando O. Paíno

Basarabian Hills – “Groping In A Misty Spread”

Atravesando la bruma

4-estrellas

COD music - Noviembre de 2018 - dark ambient - COD17

 

Morning Hoarfrost

Groping In A Misty Spread

Snowflakes

Crows

 

Surgidos de la acusada orografía moldava, Basarabian Hills plantea en “Groping In a Misty Spread” cuatro cortes dominados por la quietud ambiental en los que podemos descubrir escuetas reminiscencias emparentadas con el black metal.

 

 

Basarabian Hills es un ejemplo más de aquella enigmática transición que, ocasionalmente, algunas bandas que cultivaban sonidos black metal experimentaron, declinando su estilo hacia campos más etéreos y melódicos.

Posiblemente, y para no rizar demasiado el rizo, el ejemplo más arquetípico de esta derivación estilística lo encontraríamos en el soberbio Filosofem (1995) de Burzum, donde se emparejaban tonadas estrictamente ásperas y punzantes con otras más melódicas y calmadas, demostrando de esta forma que la potencialidad creativa de un conjunto no debe ser encerrada en un único estilo por miedo a provocar una muerte por asfixia.

 

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Groping In a Misty Spread es un disco centrado claramente en la experimentación ambiental de corte melódico. Hablamos de cuatro canciones con una línea argumental bastante similar entre sí en las que se plantean rutas melódicas realizadas a base de sintetizador.

La idea del conjunto ha sido combinar la oscuridad con un cierto romanticismo bucólico que nos evoca de forma directa la naturaleza más inhóspita. Las formas vocales pasan al olvido, aunque logran manifestarse de manera muy puntual en forma de suspiros y otro tipo de estructuras carentes de significación semántica. Hablamos de un disco perfecto para acompañar a los momentos de sosiego en donde la oscuridad hace acto de presencia de forma comedida y elegante.

Su publicación original tuvo lugar en el año 2016, y ha gozado de distintas reediciones. La que hoy presentamos ha sido realizada por primera vez en formato CD, potenciando en cierta forma la calidad de sonido que albergaba el disco. Para ello la casa rusa Der Schwarze Tod, focalizada en la publicación de bandas de black metal, ha unido sus fuerzas con una discográfica bastante más ecléctica en lo que a estilos musicales se refiere, como es COD music, para resucitar la estela nigromántica encapsulada en este álbum.

 

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/groping-in-a-misty-spread

 

Fernando O. Paíno

 

El folklore ruidista de Lume

Faino ti Mesmo es un disco único en su especie. Tomando como eje la música tradicional gallega, Lume consigue dar forma un brillante puñado de canciones en las que se fusionan mantos de ruido con psicodelia, conformando algo vivo e impresionante. Un disco con carácter y alma propia que sabe distanciarse de manera muy elegante de los convencionalismos. Hablamos con Eloy Platas, creador de todo este universo sonoro.

 

¿Cómo surgió la idea de crear Lume?

 

Surgió en la primavera de 2016. Por aquel entonces yo tenía un proyecto llamado Propaganda Tres que, aunque se basaba en el noise, rápidamente empezó a coger otras formas y a mezclarse con otros estilos. El resultado fue que los cds y maquetas que realizaba eran imposibles de llevar a directo por un músico solo debido a la instrumentación y a los arreglos que les hacía en estudio y los conciertos acabaron siendo muy distintos a los discos. Debido a eso sentí que el proyecto estaba roto y decidí echarle el cerrojo. Por otro lado, temáticamente la evolución de Propaganda Tres iba en dirección a lo atávico, a la identidad personal sobre la social, a las raíces, a una búsqueda desde y hacia el interior de uno mismo. Y estaba harto de toda la imaginería oscura y a veces perversa que se asocia a la escena noise. Que no la rechazo en absoluto, pero me parece demasiado limitante y mañida. Además empecé a plantearme si la música que estaba haciendo era realmente mía o si simplemente estaba copiando cánones ajenos. Estaba harto de de formas establecidas, harto de la tremenda invasión cultural a la que llevamos sometidos desde hace 100 años, harto de las influencias anglosajonas. Quería realizar música que pudiera identificar como propia, con identidad y que al mismo tiempo fuese coherente con lo que ya había hecho antes. Y lo que buscaba lo tenía delante de mí, la música gallega, el cancionero que aprendí de niño, el que cantaba y canta mi familia y mis vecinos. Coger esas canciones y hacerlas a mi manera, claro, desde una óptica e instrumentación contemporánea.

 

 

 

Escuchar tu disco resulta un verdadero placer. Sobre todo por la gran cantidad de estilos que se funden de forma elegante y cohesionada. Háblanos del proceso de obtención del sonido que andabas buscando.

 

Desde el principio vi claro que tenía que basarse en la austeridad de medios. Fue elección personal y no por necesidad . Al empezar Lume tenía un arsenal de sintetizadores, cajas de ritmo y aparatos y era el típico entusiasta de los equipos . Los veneraba y los mitificaba. Pero a medida que iba avanzando musicalmente e investigando en la música tradicional me di cuenta de que eso era un estorbo, un error y que la respuesta era todo lo contrario. Vendí la gran mayoría y me dispuse a hacer borrón y cuenta nueva.

Así, los primeros conciertos fueron con un micro, una guitarra, un looper, pedales de distorsión que usaba en loops de feedback y un palo de madera. Luego vi la necesidad de incorporar ritmos, pues aprendí que la música (y la vida) es primero ritmo, luego melodía y luego armonía, así que incorporé cunchas y pandeireta galega, y a la par que hacía actuaciones deLume estudié percusión tradicional.

De ese modo empecé a dar conciertos durante dos años donde literalmente fui construyendo las canciones y explorando las posibilidades que tenía en directo. Fue una época de investigación, ensayo y error, pero con público, lo que me permitió ver qué ideas funcionaban y cuales no. Seleccioné las que me parecieron buenas y grabé el disco.    A día de hoy utilizo la misma instrumentación, centralizando los instrumentos en un ordenador que uso de looper, sampler y procesador de efectos todo en uno para ahorrar espacio. Además soy uno a cargar equipo, cuantas menos cosas a carretar, mejor.

 

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Indudablemente, consigues darle una ingeniosa vuelta de tuercas a la música tradicional de tu tierra. ¿Qué te impulsó a ello?

 

Quizá sin querer ya he contestado a esto más arriba, me impulsó la necesidad de hacer música propia, honesta, coherente conmigo mismo y con la trayectoria que llevaba. Mirando al futuro pero abrazando el pasado, con identidad y sin complejos.

Pero ojo, no creo que lo haya logrado aún, siento que he avanzado en buena dirección, pero esto es un proceso que continúa, aún no he conseguido lo que quiero hacer y desarrollar. De una forma u otra hay Lume para mucho, mucho rato, esto es solo la primera piedra.

 

Esta pregunta es la oveja negra de todo el que se preste a ser un periodista musical decente; pero a ti tengo que hacértela, ya que tu marcado eclecticismo musical te sirve de carta de presentación. ¿Cuáles son tus cinco discos favoritos?

 

Bufff… ¡la pregunta de la respuesta imposible!. ¡No tengo cinco discos favoritos, tengo chopocientos!. Es imposible elegir. Como a ti y seguramente también al lector de estas lineas me apasiona la música y cada disco es un tesoro. Pero como pides cinco te puedo decir ahora mismo que The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, Last Rights de Skinny Puppy, Wish de The Cure, Ahí ven o maio de Luis Emilio Batallán y Katodivaihe o cualquier otro de Pansonic. Y el Hippjokk de Hedningarna. Pero vaya, me lo preguntas dentro de cinco minutos y te digo otros cinco o seis distintos. Si la música te dice algo es que es buena, el género musical no importa.

 

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Faino ti Mesmo ha salido a la venta en formato vinilo. Háblanos del proceso de gestación y quiénes han colaborado en la idea.

 

Para la grabación me asistió mi amigo Edu N’gongo y lo grabamos en varias sesiones a partir de la festividad de Samaín del año 2018 en los estudios T-37. La mezcla la realicé yo en los estudios Linneo Dos y la masterización corrió a cargo de mi amigo Ángel Álvarez en los estudios Sonoplan.

La idea original era sacarlo solo en cd e internet, pero varios sellos se animaron a editarlo conjuntamente y entre todos hemos podido sacarlo también en vinilo. Así que para la edición he tenido la suerte de contar con Contubernio Records, Batir Records, Ferror Records, Sonoplan y LuscoFusco Records. Juntarlos a todos fue más fácil de lo esperado y hacerlo así es desde luego mucho más divertido y enriquecedor. La unión es fuerza.

El disco acaba de salir este 1 de diciembre y a partir del 10 de enero empezamos con la promo fuerte con la esperanza de llevar Lume a los oídos de cualquiera al que le pueda interesar.

 

 

 

Háblanos de tus próximos directos y cómo planteas el proyecto sobre el escenario.

 

Lume estará en directo allá donde sea llamado promocionando el disco durante todo el año que viene como mínimo antes de realizar otra grabación. Los conciertos son de dos tipos: el “normal”, con amplificación, donde doy rienda suelta a toda la electricidad asociada con el proyecto y el “acústico” para sitios donde haya poca o ninguna amplificación, donde utilizo sobre todo instrumentos acústicos. Esos son los dos tipos de conciertos que vengo haciendo hasta ahora y están funcionando los dos. La idea es seguir haciéndolos durante todo el invierno y primavera e ir desarrollando una escenografía que lo acompañe para cerrar cuantas más fechas pueda de cara al verano. A corto medio plazo está también la intención de intentar mover Lume por otros países. Me interesa mucho la escena portuguesa y de otras partes de Europa. Lume funciona fuera de Galicia y creo que también lo puede hacer fuera de España. Por intentarlo que no quede.

 

 https://batirrecords.bandcamp.com/album/lume-faino-ti-mesmo

 

 

 

 

Halo Manash – “Unetar”

Una nueva y misteriosa aparición de Halo Manash

5_Estrellas

Aural Hypnox - Octubre de 2019 - dark ambient/ritual - AHUE08

 

Unetar

Valveesta

Tulitania

 

El proyecto ritual finlandés Halo Manash vuelve a manifestarse con la intención de ofrecernos la música más sepulcral y oscura que puedas concebir. Sonidos que emanan de flautas de hueso y sintetizadores programados para generar atmósferas asfixiantes.

 

Escuchar cualquier trabajo de Halo Manash implica sumergirse en contextos inhóspitos, fríos y adustos. Este proyecto finlandés concibe sus obras como puros y auténticos rituales envueltos en la más absoluta oscuridad. Unetar, su último trabajo, vuelve a ejemplificar a la perfección esa devoción y seriedad por los sonidos taxativos teñidos de negro y orientados a la meditación.

 

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Los poblados bosques de Ostrobotnia, una región costera de Finlandia limitada por el Golfo de Botnia, fueron la ubicación elegida para realizar la grabación de la mayor parte de este disco hace ya nada menos que trece años. Un registro auditivo que ha pasado un largo proceso de hibernación hasta que ha visto la luz. El proyecto fue cauteloso en todos sus detalles, hasta para elegir el día en el que éste fue grabado, nada menos que el 9 de marzo, momento en el que se produjo el eclipse solar que tiñó de negro al planeta durante unos momentos.

El primero de los temas principales que se encapsulan en este CD, “Unetar” nos habla mediante sonidos de ese triunfo de la oscuridad sobre la luz. Soliloquios de flautas en constante intermitencia y escalas conforman paisajes absolutamente desoladores y yermos, más desesperanzadores que la sonrisa del diablo. Por su parte “Valveesta” se muestra mucho más experimental que su predecesora, pero igualmente oscura. En esta ocasión, las líneas de graves crean una irremediable tensión sobre las que voces espectrales comienzan a caminar de forma trémula pero segura. Los sonidos de gongs y el tintineo de los cuencos son los encargados de dirigir la secuencia hacia las profundidades de lo no nombrado jamás.

En principio, el trabajo ha sido concebido en formato casete de esta manera, exponiendo una perspectiva calculada. En la edición CD se ha decidido añadir un tema extra que conjuga de manera muy convincente con sus vecinos. “Tulitania” es casi coetánea a las anteriores, y vio la luz en un recopilatorio editado en 2007. Una muestra perfecta de cohesión atmosférica en la que Anti Ittna H nos demuestra lo bien que sabe jugar con la presión y los intervalos de matices. Fascinante y absorbente al mismo tiempo.

Una vez más, las ediciones planteadas por el sello Aural Hypnox destacan por su originalidad y mórbida belleza. El disco se presenta en formato de single de 7”, acompañado de postales y descarga digital.

 

Fernando O. Paíno

FUTURO DE HIERRO – “Paso en el Vacío”

Un acto de fe

5_Estrellas

Màgia Roja - Junio de 2017 - industrial/noise - MR013

 

A Veces Somos Uno

Paso en el Vacío

No Hay Final

No et pots fer enrere

 

 

El proyecto catalán Futuro de Hierro lanza una acometida directa con su segundo trabajo en estudio “Paso en el Vacío”. Cuatro temas contundentes, cincelados por la electroacústica y anegados por el ruido más raspante. Impactante y muy recomendable.

 

Futuro de Hierro es otra nueva propuesta nacida en los condados catalanes que te deja sin palabras cuando escuchas su sonido. Y es que su responsable, Víctor Hurtado Torres, sabe cómo conjugar ritmos oxidados con escapes de disonancias moduladas y voces en herencia de los primeros Throbbing Gristle, haciendo de este nuevo disco algo único y muy atractivo.

Paso en el Vacío comienza con “A Veces Somos Uno” el cual hereda rasgos de bandas como Hypnoskull, pero mostrando una personalidad completamente distinta. Su estética puede acercarse de forma eventual a los primeros trabajos de Whitehouse en lo que a formas cacofónicas respecta, sobre todo si atendemos a discos como Erector (1981) o Total Sex (1980).

El segundo tema, que además da nombre al disco, “Paso en el Vacío”, se posiciona entre la calma y la oscuridad. En este punto explota la vehemencia lírica de Víctor, socavando nuestra voluntad a base de pedradas líricas.

 

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La cara B encierra dos inquietantes planteamientos. “No Hay Final” quiere acercarse a su predecesora, “Paso en el Vacío”. En ella podemos encontrarnos de nuevo con el influjo vocal de Genesis P. Orridge, guiado por una línea de loops que sirven de escalones, y una barandilla melódica adaptada a éstos. El corte evoluciona con elegancia, ganando cuerpo según se va consumiendo el tiempo.

No et pots fer enrere” se encarga de clausurar este cinco tenedores. Descubrimos un corte rítmico y sólido que puede rememorarnos la primera etapa de Esplendor Geométrico, aquella en la que todavía grababan en casete. Víctor no se queda ahí, y sabe complementar este armazón sonoro con una cuidada pero hiriente dosis de ruido que se acopla magistralmente a la estructura, ofreciéndonos algo salvaje y preciso al mismo tiempo. El tema enamora a la primera escucha, y lo alza como una de las bandas más punteras dentro del panorama ruidista barcelonés.

Futuro de Hierro ha sido un gran descubrimiento. Es motivo de orgullo contar con proyectos de este tipo dentro de la península, y desde NOmelody deseamos que su éxito esté a la altura de su sobresaliente calidad.

Paso en el Vacío ha sido publicado por el sello Màgia Roja en dos ediciones distintas, vinilo negro limitado a 201 ejemplares, y una tirada restringida a 99 unidades en un precioso color dorado.

 

 

Fernando O. Paíno

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