El folklore ruidista de Lume

Faino ti Mesmo es un disco único en su especie. Tomando como eje la música tradicional gallega, Lume consigue dar forma un brillante puñado de canciones en las que se fusionan mantos de ruido con psicodelia, conformando algo vivo e impresionante. Un disco con carácter y alma propia que sabe distanciarse de manera muy elegante de los convencionalismos. Hablamos con Eloy Platas, creador de todo este universo sonoro.

 

¿Cómo surgió la idea de crear Lume?

 

Surgió en la primavera de 2016. Por aquel entonces yo tenía un proyecto llamado Propaganda Tres que, aunque se basaba en el noise, rápidamente empezó a coger otras formas y a mezclarse con otros estilos. El resultado fue que los cds y maquetas que realizaba eran imposibles de llevar a directo por un músico solo debido a la instrumentación y a los arreglos que les hacía en estudio y los conciertos acabaron siendo muy distintos a los discos. Debido a eso sentí que el proyecto estaba roto y decidí echarle el cerrojo. Por otro lado, temáticamente la evolución de Propaganda Tres iba en dirección a lo atávico, a la identidad personal sobre la social, a las raíces, a una búsqueda desde y hacia el interior de uno mismo. Y estaba harto de toda la imaginería oscura y a veces perversa que se asocia a la escena noise. Que no la rechazo en absoluto, pero me parece demasiado limitante y mañida. Además empecé a plantearme si la música que estaba haciendo era realmente mía o si simplemente estaba copiando cánones ajenos. Estaba harto de de formas establecidas, harto de la tremenda invasión cultural a la que llevamos sometidos desde hace 100 años, harto de las influencias anglosajonas. Quería realizar música que pudiera identificar como propia, con identidad y que al mismo tiempo fuese coherente con lo que ya había hecho antes. Y lo que buscaba lo tenía delante de mí, la música gallega, el cancionero que aprendí de niño, el que cantaba y canta mi familia y mis vecinos. Coger esas canciones y hacerlas a mi manera, claro, desde una óptica e instrumentación contemporánea.

 

 

 

Escuchar tu disco resulta un verdadero placer. Sobre todo por la gran cantidad de estilos que se funden de forma elegante y cohesionada. Háblanos del proceso de obtención del sonido que andabas buscando.

 

Desde el principio vi claro que tenía que basarse en la austeridad de medios. Fue elección personal y no por necesidad . Al empezar Lume tenía un arsenal de sintetizadores, cajas de ritmo y aparatos y era el típico entusiasta de los equipos . Los veneraba y los mitificaba. Pero a medida que iba avanzando musicalmente e investigando en la música tradicional me di cuenta de que eso era un estorbo, un error y que la respuesta era todo lo contrario. Vendí la gran mayoría y me dispuse a hacer borrón y cuenta nueva.

Así, los primeros conciertos fueron con un micro, una guitarra, un looper, pedales de distorsión que usaba en loops de feedback y un palo de madera. Luego vi la necesidad de incorporar ritmos, pues aprendí que la música (y la vida) es primero ritmo, luego melodía y luego armonía, así que incorporé cunchas y pandeireta galega, y a la par que hacía actuaciones deLume estudié percusión tradicional.

De ese modo empecé a dar conciertos durante dos años donde literalmente fui construyendo las canciones y explorando las posibilidades que tenía en directo. Fue una época de investigación, ensayo y error, pero con público, lo que me permitió ver qué ideas funcionaban y cuales no. Seleccioné las que me parecieron buenas y grabé el disco.    A día de hoy utilizo la misma instrumentación, centralizando los instrumentos en un ordenador que uso de looper, sampler y procesador de efectos todo en uno para ahorrar espacio. Además soy uno a cargar equipo, cuantas menos cosas a carretar, mejor.

 

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Indudablemente, consigues darle una ingeniosa vuelta de tuercas a la música tradicional de tu tierra. ¿Qué te impulsó a ello?

 

Quizá sin querer ya he contestado a esto más arriba, me impulsó la necesidad de hacer música propia, honesta, coherente conmigo mismo y con la trayectoria que llevaba. Mirando al futuro pero abrazando el pasado, con identidad y sin complejos.

Pero ojo, no creo que lo haya logrado aún, siento que he avanzado en buena dirección, pero esto es un proceso que continúa, aún no he conseguido lo que quiero hacer y desarrollar. De una forma u otra hay Lume para mucho, mucho rato, esto es solo la primera piedra.

 

Esta pregunta es la oveja negra de todo el que se preste a ser un periodista musical decente; pero a ti tengo que hacértela, ya que tu marcado eclecticismo musical te sirve de carta de presentación. ¿Cuáles son tus cinco discos favoritos?

 

Bufff… ¡la pregunta de la respuesta imposible!. ¡No tengo cinco discos favoritos, tengo chopocientos!. Es imposible elegir. Como a ti y seguramente también al lector de estas lineas me apasiona la música y cada disco es un tesoro. Pero como pides cinco te puedo decir ahora mismo que The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, Last Rights de Skinny Puppy, Wish de The Cure, Ahí ven o maio de Luis Emilio Batallán y Katodivaihe o cualquier otro de Pansonic. Y el Hippjokk de Hedningarna. Pero vaya, me lo preguntas dentro de cinco minutos y te digo otros cinco o seis distintos. Si la música te dice algo es que es buena, el género musical no importa.

 

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Faino ti Mesmo ha salido a la venta en formato vinilo. Háblanos del proceso de gestación y quiénes han colaborado en la idea.

 

Para la grabación me asistió mi amigo Edu N’gongo y lo grabamos en varias sesiones a partir de la festividad de Samaín del año 2018 en los estudios T-37. La mezcla la realicé yo en los estudios Linneo Dos y la masterización corrió a cargo de mi amigo Ángel Álvarez en los estudios Sonoplan.

La idea original era sacarlo solo en cd e internet, pero varios sellos se animaron a editarlo conjuntamente y entre todos hemos podido sacarlo también en vinilo. Así que para la edición he tenido la suerte de contar con Contubernio Records, Batir Records, Ferror Records, Sonoplan y LuscoFusco Records. Juntarlos a todos fue más fácil de lo esperado y hacerlo así es desde luego mucho más divertido y enriquecedor. La unión es fuerza.

El disco acaba de salir este 1 de diciembre y a partir del 10 de enero empezamos con la promo fuerte con la esperanza de llevar Lume a los oídos de cualquiera al que le pueda interesar.

 

 

 

Háblanos de tus próximos directos y cómo planteas el proyecto sobre el escenario.

 

Lume estará en directo allá donde sea llamado promocionando el disco durante todo el año que viene como mínimo antes de realizar otra grabación. Los conciertos son de dos tipos: el “normal”, con amplificación, donde doy rienda suelta a toda la electricidad asociada con el proyecto y el “acústico” para sitios donde haya poca o ninguna amplificación, donde utilizo sobre todo instrumentos acústicos. Esos son los dos tipos de conciertos que vengo haciendo hasta ahora y están funcionando los dos. La idea es seguir haciéndolos durante todo el invierno y primavera e ir desarrollando una escenografía que lo acompañe para cerrar cuantas más fechas pueda de cara al verano. A corto medio plazo está también la intención de intentar mover Lume por otros países. Me interesa mucho la escena portuguesa y de otras partes de Europa. Lume funciona fuera de Galicia y creo que también lo puede hacer fuera de España. Por intentarlo que no quede.

 

 https://batirrecords.bandcamp.com/album/lume-faino-ti-mesmo

 

 

 

 

Halo Manash – “Unetar”

Una nueva y misteriosa aparición de Halo Manash

5_Estrellas

Aural Hypnox - Octubre de 2019 - dark ambient/ritual - AHUE08

 

Unetar

Valveesta

Tulitania

 

El proyecto ritual finlandés Halo Manash vuelve a manifestarse con la intención de ofrecernos la música más sepulcral y oscura que puedas concebir. Sonidos que emanan de flautas de hueso y sintetizadores programados para generar atmósferas asfixiantes.

 

Escuchar cualquier trabajo de Halo Manash implica sumergirse en contextos inhóspitos, fríos y adustos. Este proyecto finlandés concibe sus obras como puros y auténticos rituales envueltos en la más absoluta oscuridad. Unetar, su último trabajo, vuelve a ejemplificar a la perfección esa devoción y seriedad por los sonidos taxativos teñidos de negro y orientados a la meditación.

 

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Los poblados bosques de Ostrobotnia, una región costera de Finlandia limitada por el Golfo de Botnia, fueron la ubicación elegida para realizar la grabación de la mayor parte de este disco hace ya nada menos que trece años. Un registro auditivo que ha pasado un largo proceso de hibernación hasta que ha visto la luz. El proyecto fue cauteloso en todos sus detalles, hasta para elegir el día en el que éste fue grabado, nada menos que el 9 de marzo, momento en el que se produjo el eclipse solar que tiñó de negro al planeta durante unos momentos.

El primero de los temas principales que se encapsulan en este CD, “Unetar” nos habla mediante sonidos de ese triunfo de la oscuridad sobre la luz. Soliloquios de flautas en constante intermitencia y escalas conforman paisajes absolutamente desoladores y yermos, más desesperanzadores que la sonrisa del diablo. Por su parte “Valveesta” se muestra mucho más experimental que su predecesora, pero igualmente oscura. En esta ocasión, las líneas de graves crean una irremediable tensión sobre las que voces espectrales comienzan a caminar de forma trémula pero segura. Los sonidos de gongs y el tintineo de los cuencos son los encargados de dirigir la secuencia hacia las profundidades de lo no nombrado jamás.

En principio, el trabajo ha sido concebido en formato casete de esta manera, exponiendo una perspectiva calculada. En la edición CD se ha decidido añadir un tema extra que conjuga de manera muy convincente con sus vecinos. “Tulitania” es casi coetánea a las anteriores, y vio la luz en un recopilatorio editado en 2007. Una muestra perfecta de cohesión atmosférica en la que Anti Ittna H nos demuestra lo bien que sabe jugar con la presión y los intervalos de matices. Fascinante y absorbente al mismo tiempo.

Una vez más, las ediciones planteadas por el sello Aural Hypnox destacan por su originalidad y mórbida belleza. El disco se presenta en formato de single de 7”, acompañado de postales y descarga digital.

 

Fernando O. Paíno

FUTURO DE HIERRO – “Paso en el Vacío”

Un acto de fe

5_Estrellas

Màgia Roja - Junio de 2017 - industrial/noise - MR013

 

A Veces Somos Uno

Paso en el Vacío

No Hay Final

No et pots fer enrere

 

 

El proyecto catalán Futuro de Hierro lanza una acometida directa con su segundo trabajo en estudio “Paso en el Vacío”. Cuatro temas contundentes, cincelados por la electroacústica y anegados por el ruido más raspante. Impactante y muy recomendable.

 

Futuro de Hierro es otra nueva propuesta nacida en los condados catalanes que te deja sin palabras cuando escuchas su sonido. Y es que su responsable, Víctor Hurtado Torres, sabe cómo conjugar ritmos oxidados con escapes de disonancias moduladas y voces en herencia de los primeros Throbbing Gristle, haciendo de este nuevo disco algo único y muy atractivo.

Paso en el Vacío comienza con “A Veces Somos Uno” el cual hereda rasgos de bandas como Hypnoskull, pero mostrando una personalidad completamente distinta. Su estética puede acercarse de forma eventual a los primeros trabajos de Whitehouse en lo que a formas cacofónicas respecta, sobre todo si atendemos a discos como Erector (1981) o Total Sex (1980).

El segundo tema, que además da nombre al disco, “Paso en el Vacío”, se posiciona entre la calma y la oscuridad. En este punto explota la vehemencia lírica de Víctor, socavando nuestra voluntad a base de pedradas líricas.

 

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La cara B encierra dos inquietantes planteamientos. “No Hay Final” quiere acercarse a su predecesora, “Paso en el Vacío”. En ella podemos encontrarnos de nuevo con el influjo vocal de Genesis P. Orridge, guiado por una línea de loops que sirven de escalones, y una barandilla melódica adaptada a éstos. El corte evoluciona con elegancia, ganando cuerpo según se va consumiendo el tiempo.

No et pots fer enrere” se encarga de clausurar este cinco tenedores. Descubrimos un corte rítmico y sólido que puede rememorarnos la primera etapa de Esplendor Geométrico, aquella en la que todavía grababan en casete. Víctor no se queda ahí, y sabe complementar este armazón sonoro con una cuidada pero hiriente dosis de ruido que se acopla magistralmente a la estructura, ofreciéndonos algo salvaje y preciso al mismo tiempo. El tema enamora a la primera escucha, y lo alza como una de las bandas más punteras dentro del panorama ruidista barcelonés.

Futuro de Hierro ha sido un gran descubrimiento. Es motivo de orgullo contar con proyectos de este tipo dentro de la península, y desde NOmelody deseamos que su éxito esté a la altura de su sobresaliente calidad.

Paso en el Vacío ha sido publicado por el sello Màgia Roja en dos ediciones distintas, vinilo negro limitado a 201 ejemplares, y una tirada restringida a 99 unidades en un precioso color dorado.

 

 

Fernando O. Paíno

Persona / Le Silence Des Ruines – “Lo Straniero – Offret (The Sacrifice)”

La banda sonora ideal para huir del mundo moderno

5_Estrellas

 

Marbre Negre - 2018 - dark ambient/martial - MN075

 

Un Matin Algerien

Est-ce Que Tu M’Aimes?

Bienvenue A La Mort

J’Etais Un Peu Perdu

Tenía Siempre Razón

La Nuit Avant

Hupostasis

 

 

“Lo Straniero – Offret (The Sacrifice)” es un disco completo y místico, sembrado de retazos ancestrales y de paisajes cargados de verismo y lobreguez. 71 minutos compartidos por dos proyectos únicos dentro del post-industrial, Persona y Le Silence Des Ruines. La banda sonora ideal para huir del mundo moderno.

 

Encontrar discos compartidos es algo común dentro del género post-industrial, pero hallar un trabajo bien cohesionado en el que ambos proyectos saben compenetrarse con el fin de lograr un equilibrio que otorgue consistencia al disco, es algo más complicado. Persona y Le Silence Des Ruines lo consiguen holgadamente, ofreciendo un disco sólido en el que se exponen una suerte de historias acústicas envueltas entre claroscuros.

Lo Straniero – Offret (The Sacrifice) logra impactar a la primera escucha. Lo más destacable del disco es su genial estética sonora y su premeditado planteamiento. De las siete canciones que lo vertebran, las seis primeras corresponden a Persona, y la última a Le Silence Des Ruines.

 

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En referencia a la primera banda, poco podemos añadir que un seguidor de los sonidos fríos y ambientales ya no sepa. Persona es un proyecto catalán que se ha ganado el respeto y la valoración de la crítica por méritos propios. Su sonido está cargado de estilo y personalidad, y de ello no cabe duda alguna. Òscar Alfonso y Desireé G. son unos genios cuando se ponen a lucubrar composiciones apocalípticas y sombrías, y este disco certifica sobradamente el hecho. Canciones como “Bienvenue A La Mort” o “Tenía Siempre Razón” logran situarnos en contextos inhóspitos en los que se simula la estancia en espacios ancestrales. Realmente, no hay un tema que desmerezca a otro, todos ellos están planteados como si de capítulos de una novela se tratase, ensamblados de forma inteligente y concienzuda. En ellos se plantea una extraña y efectiva mezcolanza de dark ambient con folk y toques de martial realmente admirable. El disco avanza sin que uno pueda darse cuenta, atrapándonos por medio de unos campos sonoros enigmáticos.

Por otra parte, Le Silence Des Ruines es un proyecto francés comandado por Nicolas F en el que prepondera de forma clara el juego melódico cercano al neoclassical. Éste es combinado con eventuales líneas de percusión que se funden de manera muy acertada al pulso del corte, generando una fluctuación de intensidades muy sugerente que lo dota de dinamismo. Como juzgar a una banda por un solo tema es algo cuanto menos arriesgado, animamos a explorar el resto de material de este interesante compositor, destacando un CDr también editado por Marbre Negre que responde al título de la propia banda.

Lo Straniero – Offret (The Sacrifice) se encuentra dentro de los lanzamientos más alabados de este sello catalán. Un trabajo imprescindible para todo aquel que disfrute del dark ambient o del martial.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Lazharus – “Cernunnos: El Señor Del Bosque”

Atrapados en el bosque

5_Estrellas

 

Pure Reactive Records - Enero de 2019 - experimental/doom/noise - SR.023

 

Psicogeometría

Bardo

SCAP El Símbolo Compensador

 

Lazharus es un trío madrileño que opta por ejemplificar la presión y el desasosiego por medio del sonido. Su música es inflamable y venenosa. Complementa la plasticidad del doom y la experimentación con el ruido más enfermizo. Su último disco, “Cernunnos: El Señor del Bosque”, es toda una delicia.

 

Para los pueblos celtas, hace ya muchos años, Cernunnos representaba la imagen de un dios que habitaba en los fríos bosques. Este, como cualquier divinidad adscrita a esta mitología, era una deidad fuerte, resuelta y valerosa. Su ontología refiere el espíritu de los animales más poderosos de la zona, y su sola presencia conseguía intimidar hasta al más denodado. Se solía encarnar con una mezcla de forma humana y cérvida, portando en su cabeza una impactante cornamenta. Es por ello que la banda ha decidido utilizar la imagen de este bello animal en analogía directa con el título de su nuevo trabajo.

Cernunnos: El Señor del Bosque supone la cuarta entrega de este conjunto hispano conformado por grandes genios de la escena industrial madrileña, pudiendo destacar dentro de él artistas tan señeros como Kike Kaos, Iván Román o Sergio Albert. Lo que Cernunnos nos ofrece son tres temas en los que la experimentación, las percusiones programadas y las líneas de bajo se entrelazan con la intención de gestar algo auténticamente maldito. Tres cortes poseedores de un espíritu envilecido.

 

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Su primer corte, “Psicogeometría”, son más de veinte minutos de divagaciones cercanas al doom metal y el industrial más puro, pudiendo referenciar el sonido de bandas como Khost o Tenhornedbeast como algo cercano a ese estilo triturador. Su segunda propuesta, “Bardo”, es mucho más rítmica y directa, aderezada con voces resquebrajadas y portadora de furia y altas dosis de descontrol. Una maravilla que encanalará a los amantes del caos sonoro. Finalmente, “SCAP El Símbolo Compensador”, tiene un poco de todo, desde experimentación abstracta a lo Godspeed You! Black Emperor, para derivar en una suerte de apoplejía sonora mucho más afín al sonido dominante del grupo. Todo ello finaliza con unos maravillosos samples de la entrevista mantenida a Beth Thomas, esa encantadora niña psicópata que quería pasar por cuchillo a toda su familia.

Por esto y mucho más podemos concluir que Cernunnos: El Señor del Bosque es una auténtica maravilla de la música experimental extrema.

Si todavía no conoces a Lazharus, estás tardando. La banda ya está planteando conciertos de cara a la presentación de este trabajo. Os mantendremos informados de ello.

https://lazharus.bandcamp.com/

 

Fernando O. Paíno

Javier Pinango y David Area – “Drôle de Guerre”

Atmósferas de hierro y desolación

4-estrellas

 

Marbre Negre - Octubre de 2018 - experimental - MN085

 

1

2

3

4

5

6

7

 

 

Javier Pinango y David Area plantean en “Drôle de Guerre” un sinfín de panoramas acústicos marcados por sensaciones glaciales y desesperanzadoras. Siete perspectivas intrínsecas en las que distintas líneas de drone se entrelazan para dar forma a historias sonoras marcadas por la introspección.

 

Drôle de Guerre es como un sueño turbio, híbrido, y desconcertante. Un sueño en blanco y negro. De esos en los que temes perder la orientación y el rumbo de las cosas. Es experimentación oscura gestada a base de líneas de sintetizador monofónico, vestidas con frecuencias de forma y osciladores programados en distintas escalas que saben compenetrarse entre sí, teniendo como finalidad el contarnos historias angustiosas mientras se utiliza el sonido como código.

Pura y genial improvisación que, paradójicamente, se muestra implacable en su devenir. Y es que Javier Pinango y David Area no se han andado con beneplácitos de ninguna clase a la hora de esgrimir sus sintetizadores. Han creado lo que han considerado oportuno, y eso les hace ser todavía más grandes.

 

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Drôle de Guerre es una escalofriante colección de sentimientos marcados por el nihilismo y la postmodernidad. Siete episodios en los que no se manifiestan voces. Siete capítulos de ambientación brumosa y fabril. Sus temas se presentan sin título alguno, y ese detalle nos da más información de lo que parece a simple vista. Y es que si por algo se caracteriza esta manifestación experimental es por su marcado cariz de espontaneidad. Un amante del sonido que ofrece el clásico sintetizador MS20 disfrutará sobremanera del contenido de este disco.

El sello catalán Marbre Negre se ha decantado por publicar esta propuesta en CD, un formato poco usual para una casa que se caracteriza por su gran registro de referencias en casete.

 

https://marbrenegre.bandcamp.com/album/dr-le-de-guerre

 

Fernando O. Paíno

Explosivos Riotinto – “Catálogo Entomológico Populista”

Catálogo Entomológico Populista

4-estrellas

 

Contubernio/Novak - Septiembre 2018 - experimental/industrial - CRLP102-NVK058

 

A180

Populismo

Matilde

El congrio belga

Apitufando

Banda Tributo

El Abuelo

Bárcenas se escribe con B

Siempre nos quedarán los claps

Atasco en la M30

Esplendor Frigorífico

 

Explosivos Riotinto están cargados de espontaneidad y revisionismo social. Combinan los ritmos pulsados con melodías y buenas dosis de ruido. Mariano y Santiago nos dejan las cosas bien claras en su nuevo trabajo, “Catálogo Entomológico Populista”. Once cortes cincelados por el desorden y la confusión.

 

Podemos entender el “populismo” desde la perspectiva social como aquella tendencia que favorece el bien común del conjunto que lo compone. Este concepto es el eje sobre el que pivota el nuevo disco de Explosivos Riotinto, Catálogo Entomológico Populista.

Este CD está vertebrado por once temas en los que sus componentes, Santi y Mariano no paran de esputar distopías surrealistas. Nombres como “El Congrio Belga” o “Atasco en la M30” nos relatan de manera directa y desgarrada las vicisitudes que la existencia nos plantea sin ningún tipo de condescendencia en el día a día.

El dúo sigue fiel a su arsenal de cajas de ritmos, líneas de bajo y voces enfermizas pasadas por vocoder, haciendo de sus temas algo cuanto menos extraño e interesante. Una vez más, Plagio no ha perdido la oportunidad de analizar en sus letras todo lo que le inquieta, tanto para bien como, fundamentalmente, para mal. “Banda Tributo” es una auténtica confesión de valores intrínsecos que el de Torrejón necesitaba esputar de alguna manera, y qué mejor que por medio de la música.

 

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Siguiendo este esquema vamos a encontrar más de una joya digna de mención, como el emblemático “Populsimo”, tema que ya se ha vuelto de reproducción obligada en todos su conciertos. También hay lugar para cortes experimentales de alta calidad como “Siempre nos quedarán los clips”. La originalidad y las valoraciones sin tapujos son las características que hacen brillar a este conjunto madrileño.

Catálogo Entomológico Populista continúa la senda marcada por trabajos anteriores, pero ofreciendo una nueva colección de tonadas críticas y sangrantes. El disco ha sido editado en CDr por los sellos Novak y la casa de los propios músicos, Contubernio Records. La presentación se ha llevado a cabo en digipak, de forma elegante y altamente profesional, ofreciéndonos un impactante catálogo visual. Todavía queda algún ejemplar disponible en el Bandcamp de la banda, por lo que si quieres saber por qué Bárcenas se escribe con B y otra serie de asuntos de extrema importancia que afectan directamente a la traslación del planeta, no pierdas la oportunidad de adquirir esta nueva entrega de Explosivos Riotinto.

 

https://contuberniorecords.bandcamp.com/album/cat-logo-entomol-gico-populista-crlp102-nvk058

 

Fernando O. Paíno

Zeni Geva & Steve Albini – “Maximum Implosion”

Furia indómita

4-estrellas

 

Cold Spring - Octubre de 2018 - metal/grindcore/noise - CSR260CD

 

 

Autobody

Shirushi

Intercourse

Angel

Nai-Ha

Terminal Hz

Kettle Lake

Painwise

CD2    All Right, You Little Bastards!

I Want You

New Flesh

Autobody

Godflesh

Guystick Bodie

Angel

Kettle Lake

Painwise

Total Castration

Bigman Death

The Model

I Hate You

 

Steve Albini y Zeni Geva estrecharon las manos con la intención de gestar un trabajo incendiario, aplastante, salvaje y tajante. Si hubiese que definir su estilo, estaríamos cerca del Ruido mezclado con grindcore. Tan sutil como suena. “Maximum Implosion” es un disco sorprendente y adictivo.

 

A principios de los noventa, dos talentos tan dispares entre sí como son Zeni Geva y Steve Albini llegaron a ponerse de acuerdo para conformar un disco único, potente y salvaje como es el directo All Right, You Little Bastards! (1993). El trabajo no se dejaba encuadrar fácilmente dentro de los lindes de la categorización. Su sonido resquebrajado e indomable se codeaba con géneros cercanos al metal y al ruido, llamando la atención de multitud de seguidores de ambos estilos de música. Cold Spring rescataba en 2018 esa alianza perdida para ofrecernos Maximum Implosion, un espectacular prontuario en el que se ofertan temas editados en un doble LP titulado Nai-Ha/ Superunit (1996) y el ya citado directo del conjunto.

Zeni Geva es un proyecto multidisciplinar y genuinamente ecléctico. Sus dos componentes, Tatsuya Yoshida y Kazuyuki Kishino han apostado desde el principio de sus carreras por los sonidos más extremos. Simplemente hay que atender a proyectos en solitario como K.K. Null o Ruins Alone para percatarse de ello. Por su parte, Steve Albini no necesita presentación. Este pilar de la producción musical ha trabajado con gente tan representativa como Psychic TV, Pixies o Nirvana. Casi nada. Su intachable reputación ha sido forjada ha base de trabajos impecables que han pasado a la historia de la música actual.

 

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Escuchar Maximum Implosion es percatarse de la infinidad de influjos y conocimiento que estos artistas arrastran a sus espaldas. Nada más arrancar “Auto- Body” una detonación de rabia metal se cierne sobre el oyente. Resulta curioso percatarse de la constante fluctuación estilística que se desarrolla en el disco, abarcando desde el grindcore hasta guiños al thrash, todo ello escoltado por un telón de ruido impermeable que esta presente en todos y cada uno de los cortes de este trabajo. La potencia depositada en cortes como “Angel” o “Terminal HZ” nos hace rememorar grandes momentos del sonido de bandas como los primeros Swans o los siempre impactantes The Locust. Un álbum indómito que no se anda por las ramas. Su primer CD aglutina lo comentado más dos temas de un EP de Zeni Geva editado a mediados de los noventa conocido con el nombre de Superunit. Por su parte, el segundo CD expone la comentada actuación realizada en las ciudades japonesas de Osaka y Tokio durante el año 1992. En ella podemos disfrutar del ácido sabor que desprenden estos maestros cuando recrean sus composiciones en vivo.

Como guinda del pastel recomiendo encarecidamente escuchar la versión realizada al clásico “The Model” de los Kraftwerk. Además cuenta con una portada diseñada por el polifacético artista Alonso Urbanos.

https://coldspring.bandcamp.com/album/maximum-implosion-csr260cd

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

El retorno de CRISIS

 

Crisis es una de las bandas menos nombradas de punk británico que surgieron a finales de los setenta. La agrupación tuvo un importante tirón en su breve vida, pero la notoriedad se desvaneció durante muchos años hasta que la distribuidora británica World Serpent decidiera dedicarles un recopilatorio a finales de los noventa, el ahora cotizado “We Are All Jews And Germans”. Todavía recuerdo como si fuese ayer el brutal desconocimiento que había a principios de siglo acerca de esta banda. Yo los descubrí gracias a Death In June, y soñaba con cruzar palabra con alguien que, al igual que yo, disfrutase de la genialidad de este combo británico de punk rock. Afortunadamente, hoy se han convertido en todo un fenómeno social, y aprovechando la fluctuante y coyuntural oleada de atención que ahora se les presta, el conjunto capitaneado por Tony Wakeford retoma su actividad para embarcarse en una serie de conciertos por varios países de Europa. Indypendientes los traerá próximamente a Madrid, y en NOmelody aprovechamos la ocasión para charlar con Tony y aclarar algunas dudas pendientes.

 

 

Crisis comienza su andadura musical en 1975, cuando Douglas Pearce conoce a Tony Wakeford … ¿Podrías decirnos cómo fue ese primer encuentro?

Fue en un autocar de trabajo (la aburrida ciudad de Londres que nos dio The Jam) yendo a una selección en Londres. Como éramos los únicos menores de 40 años y sin barbas, empezamos a hablar…

¿Cuáles fueron vuestras principales influencias al crear Crisis?

Claramente políticas. Fue un vehículo para promover una visión política y para corromper a los niños pop. Supongo que fue algo moderadamente exitoso en este aspecto.

Cuéntanos tu experiencia al tratar con John Peel y grabar el EP “Alienation”.

Bueno, recuerdo que estaba esperando afuera de Portland Place con Doug, y quiero recordar que le entregamos nuestra demo. Lo siguiente que me viene a la cabeza es que estábamos en esos increíbles estudios en Maidavale grabando una sesión.

 Crisis se descompuso por primera vez debido a las disparidades ideológicas en 1978. ¿Cuéntame más sobre esta situación?

Lo hicieron ellos. Doug y yo fuimos impulsados ​​a crear Crisis por la perspectiva política principalmente; los demás,  por menos o nada en absoluto. Esa siempre iba a ser delgada línea roja que atravesó la banda a lo largo de su existencia.

La vida de Crisis fue corta pero intensa. ¿Podrías resumirla en un par de oraciones?

Peleas, drogas, sentadillas, conciertos, más peleas…

 

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¿Cuál fue la razón principal por la que decidisteis deshacer Crisis?

Cuando Luke se fue para unirse a Theatre Of Hate, Doug y yo nos dimos cuenta de que los dos estábamos muy cansados y que no teníamos la suficiente energía para encontrar un músico que lo reemplazara.

Gran parte de los componentes de Crisis marcharon hacia otras bandas que con el tiempo alcanzarán mucha notoriedad en su momento, como lo fue Theatre Of Hate. ¿Cómo contactasteis con Leagas y decidís crear Death in June?

Conocí a Patrick en un concierto. Se presentó y decidí unirme a uno de sus proyectos, Runners From 84. Cuando Doug y yo decidimos continuar trabajando juntos, Pat se convirtió en el pilar perfecto.

¿Por qué reformar Crisis y volver a dar conciertos?

No estoy seguro. ¿Una sed insaciable de socialismo mundial? ¿Un viejo idiota triste en una desesperada y embarazosa crisis de la mediana edad? O simplemente disfruto tocando el bajo mientras me sorprendo de la increíble reacción de los viejos fans de la banda y los jóvenes descubriendo nuestras canciones.

¿Planeas preparar un nuevo álbum o quieres seguir con lo que ya tienes hecho?

En estos momentos somos un proyecto en vivo. Doug ha hecho un buen trabajo manteniendo las grabaciones originales disponibles. Estamos lanzando un disco oficial de nuestro concierto en París. Las canciones originales ya están disponibles si la gente las quiere. Tenemos un par de temas nuevos, pero no estoy muy seguro de hacia dónde se dirigen. El tiempo dirá.

 

 

Fernando O. Paíno

 

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