Sonologyst – “Ancient Death Cults And Beliefs”

Descubriendo puertas ancestrales

Cold Spring - Marzo de 2020 - dark ambient/ritual - CSR270CD

Purgatorium

Ceremony

Primeval Science

Popol Vuh

Anubis, House Of Dead Prince

Sonologyst continúa su estudio de contextos acústicos planteando perspectivas singulares que son desarrolladas con personalidad. En ellas se ofrece una distinción única. Con “Ancient Death Cults And Beliefs” el proyecto italiano propende a la oscuridad y la sobriedad más sólida. Sonidos segmentados entre el dark ambient y el ritual.

Raffaele Pezzella es la mente responsable de Sonologyst. Un proyecto surgido en Italia durante principios de la segunda década del nuevo siglo en el que el artista indaga y desarrolla, mediante la combinación de sonidos, distintos aspectos del conocimiento y las costumbres humanas.

Si en Silencers -The Conspiracy Theory Dossiers- (2018) el último trabajo que analizamos de Sonologyst, el planteamiento conceptual se escoraba hacia la existencia de vida en el otro mundo, ahora en Ancient Death Cults And Beliefs el artista nos plantea una suerte de recreación acerca de los ritos celebrados por las primeras culturas que poblaron el planeta hace ya más de seis milenios. Pezzella es muy consciente de que en estos tiempos pretéritos la música no planteaba un fin meramente estético o complaciente, sino que se comportaba como un medio para alcanzar la conexión con seres sobrehumanos vinculados o no a la naturaleza. Las creencias animistas, que en la mayor parte de las sociedades desembocarían con el paso de tiempo en una solidificación de identidades encofradas en el concepto de politeísmo, y que finalmente terminarán experimentando una suerte de simplificación relacionada con aspectos de administración y control social -ya desde el antiguo Egipto con la figura de Akenatón- confluyendo en el monoteísmo, es el objeto de análisis expuesto en este último disco. Sonologyst recrea conscientemente aspectos vinculados con el decurso confesional a lo largo de la historia.

Sonologyst logra representar esa plasticidad sepulcral y mortalmente seria que la música de carácter ritual impone. Las atmósferas generadas funcionan como canales de conexión con el otro mundo. Son portales de acceso a lo desconocido en los que Pezzella nos expone una perspectiva muy realista acerca del contexto generado en una celebración cuya única pretensión es consumar este objetivo.

El sonido de Ancient Death Cults And Beliefs se encuentra emparentado con el de otros trabajos publicados recientemente por Cold Spring, como pueden ser Trepaneringsritualen con su Algir; Eller Algir I Merkstave (2019), o Égrégore (2019) de Common Eider, King Eider. Discos que logran subsumirnos en las profundidades del inconsciente, donde la oscuridad guía al espíritu por caminos delineados por el misterio.

Cold Spring ha publicado esta nueva propuesta de Sonologyst en formato CD. Viene protegido por un digipak de cuatro paneles. La producción, al igual que la gran parte de los trabajos lanzados por este sello británico, ha corrido cargo de Martin Bowes.

Fernando O. Paíno

17 abril, 2020 0

Esplendor Geométrico – «Cinética»

Demostrando cinética

Geometrik Records - Enero 2020 - industrial - GR2148

Construcción Transformadora

Regulación Percusiva

Resumen de Cantos

Mototracción

Fricción

Acoplamiento Internacional

Modulaciones

Inercial

Esplendor Geométrico no pretende cejar en su actividad creativa. Los pioneros del sonido industrial en España regresan tras cuatro años de silencio con Cinética, once cortes en los que el dúo constata su temple creativo, ofreciéndonos una nueva perspectiva dentro de un estilo con marca propia.

Ahondar en un trabajo de Esplendor Geométrico es siempre un placer. El dúo conformado por Arturo Lanz y Saverio Evangelista vuelve a ofrecernos una magistral ejemplificación de sonido industrial. Cinética, que es el nombre de este nuevo disco, exhibe en sus once cortes una consistente evolución dentro de un estilo que esta agrupación lleva gestando desde hace ya cuatro décadas.

La personalidad hipnótica y mesmerizante de la que hacen gala se ha visto enfatizada gracias al robustecimiento del armazón acústico de talante cíclico por el que se caracterizan la gran mayoría de sus composiciones. En esta ocasión, Esplendor ha apostado por una brillante y nutridísima complexión de sonidos distribuidos en cada una de las vidas de cada corte, que refuerza el resultado global del trabajo. Y es que lo primero que impacta al descubrir canciones como la que abre el disco, “Construcción Transformadora”, es un imponente esquema de cadencias que arremeten contra el oyente de forma directa y segura, sin miedo a equivocarse. El ritmo se viste con un ruido cortado a medida que consigue guardar una distancia de seguridad con el silencio, dando lugar a una dialéctica en donde la improvisación y la premeditación compositiva libran una lucha asombrosa en igualdad de condiciones.

Uno de los grandes puntos de Cinética es la heterogeneidad de sensaciones que transmite. Este nuevo trabajo, al igual que la última hornada de sus discos, tiene esa increíble de capacidad de arrastrar nuestras mentes hacia las entrañas de cada corte para situarnos dentro de su estómago, y es ahí donde notas cómo se desarrolla toda la acción. Las pistas presentan una mecanización hierática de sonidos con los que se definen infinidad de paisajes fabriles dentro de la cabeza del oyente. No han sacrificado la rabia industrial de los orígenes, prueba de ello la tenemos en el último tema que cierra la edición vinilo, «Modulaciones»; o «Inercial«, que sólo se incluye en la versión CD; ambas son perfectas muestras del instinto primigenio de la banda. Por lo demás, y hablando de forma general, el disco intenta ofrecernos una nueva perspectiva mucho más nutrida que la que caracteriza a anteriores ofertas. La increíble estratificación de capas de sonido que se ha conjugado en las canciones que andamian Cinética es posiblemente la característica más importante que presenta este nuevo disco.

Geometrik Records ha publicado una interesante oferta de ediciones para Cinética. En la edición vinilo se presentan dos alternativas, una en prensaje rojo y altamente limitada, y la menos limitada en vinilo negro. El formato CD también ha gozado de una edición especial en caja de cartón y con disco extra.

Fernando O. Paíno

5 abril, 2020 0

The Telescopes – «Stone Tape»

Cómo hacer hablar a una roca

Cold Spring - Septiembre de 2019 - experimental/post-rock - CSR267CD

Become The Sun

The Speaking Stones

The Desert In Your Heart

Everything Must Be

Silent Water

Dead Inside

The Living Things (Session)

Los británicos The Telescopes se vuelcan sobre la experimentación fría y reflexiva en un disco que explora “La teoría de la cinta de piedra”. Siete paneles acústicos en los que se intercalan temas rítmicos con divagaciones sonoras.

The Telescopes tiene una profunda marca dentro del rock psicodélico británico. El proyecto de Stephen Lawrie lleva activo desde 1987. Amantes incondicionales de sonidos cercanos a The Jesus And Mary Chain, The Velvet Underground o My Bloody Valentine, el grupo continúa desarrollando una suerte de shoegaze en el que el ruido convive amablemente con ritmos mesmerizantes y ambientes ideados para atrapar. La marcada individualidad de la banda es el motor que les ha hecho continuar adelante, sorteando las modas y los cambios de aire, razón por la que no han dudado en trabajar con multitud de sellos distintos a lo largo de su carrera.

Lo que hoy presentamos es una reedición en formato CD realizada por la discográfica británica Cold Spring a su décimo lanzamiento en estudio, Stone Tape (2017). Un disco en el que el de Burton ha querido transmitir algo tan oscuro y profundo como contundente, equilibrando los toques de psicodelia con proyecciones de ruido. El resultado de todo esto es un post-rock consistente y sopesado con carácter y personalidad. Una obra que certifica el genio del conjunto, además de asentar su calidad musical. Stone Tape es uno de los discos más profundos e intimistas de toda la trayectoria de The Telescopes, un álbum que sorprende por su talante gélido y sibilino.

Y es que el peso de la esencia de bandas de mediados de los setenta está más que presente en canciones como “The Living Things”, un corte en directo de nada menos que trece minutos que no tuvo cabida en la edición vinilo, en el que se desarrollan atmósferas cerradas y potentes que podrían enamorar tanto a un seguidor de The Brian Jonestown Massacre como a uno de In Camera.

Sin embargo, no todo son ritmos marcados. “The Speaking Stones”, cuyo título nos habla un poco sobre la teoría expuesta por Thomas Charles Lethbridge en 1961 que además se encarga de dar nombre al álbum, nos sume en una indefinición experimental envuelta en nubes negras. Conviene a su vez prestar mucha atención a tonadas tan rotundas como “The Desert In Your Heart”. Por su parte, deconstrucciones sonoras de gran calidad como “Everything Must Be” nos recuerdan que la personalidad de Stephen Lawrie es un laberinto de difícil salida.

Fernando O. Paíno

23 marzo, 2020 0

Escupemetralla – «Quiero Ser Guitarra De Esplendor Geométrico, 1994 / 25 Años De Paz, Remezclas 2019»

Una visión caleidoscópica

Novak - Diciembre de 2019 - experimental/industrial - NVK078

Varios artistas. (Consultar enlace anclado a los pies del texto)

Escupemetralla puede ser considerado uno de los pilares más firmes de la música experimental de nuestro país. Este dúo formado en las postrimerías de los ochenta presenta un trabajo compartido por diferentes artistas en el que se revisa mayoritariamente el tema que da nombre al disco: “Quiero ser guitarra de Esplendor Geométrico”.

Uno de los grandes puntos a favor que presenta un trabajo de características prontuarias es el hecho de exponer un eclecticismo creativo sobre una idea concreta. De esta manera, podemos apreciar sin problemas es perspectivismo conceptual que puebla y hace mundo al mundo. El dúo catalán Escupemetralla ha tenido en cuenta esto a la hora de plantear un doble CD recopilatorio en el que se dan cita un elenco de grandes artistas cuyo objetivo principal es exponer su propia postura acerca de varios de los cortes que dan forma al repertorio musical del conjunto barcelonés.

El origen del tema “Quiero Ser Guitarra de Esplendor Geométrico” puede hallarse en un recopilatorio publicado durante el año 1994 que recibió el nombre de Noise Club 1. En él se plantea un corte bien andamiado que respeta una estructura de cadencia y fluctuación cercana a la música comercial, pero tocada por la varita del desenfreno. Algo que Escupemetralla no suele sembrar en sus campos conceptuales.

Tomando este patrón como referencia, y reciclando un lema tan poco esperanzador como es “25 Años de Paz” -auspiciado por la dictadura franquista con el fin de elogiar una falsa situación de concordia social de más de dos décadas tras la finalización de uno de los episodios más trágicos de la historia de nuestro país, la Guerra Civil- Escupemetralla ha contactado con artistas punteros de la escena underground tanto nacional como internacional con la intención de revisar sus planteamientos originales. Desde Rapoon, que se marca un corte puramente experimental, muy próximo al dark ambient, pasando por los icónicos Macromassa, para desembocar en O Paradis o los propios Esplendor Geométrico, que también aportan su grano de arena con una interpretación tribal y cíclica exenta de voz. Asimismo se incluye la versión original de Escupemetralla, y dos remezclas confeccionadas por el propio conjunto en las que se diseminan nuevas perspectivas sobre un corte tan icónico y delirante como el ahora que nos ocupa.

Este compendio es una excelente oportunidad para redescubrir la potencia creativa de un conjunto de artistas que han nutrido durante las últimas décadas el ámbito de la música experimental. El sello catalán Novak ha vuelto a realizar un trabajo excepcional en lo que respecta a presentación. La portada del disco nos muestra un ejemplo de la arquitectura funcionalista y brutalista que nutrió la década de los sesenta y setenta en Barcelona. Una etapa en la que finalmente se sacrifica el arte a favor de la practicidad.

https://novakrecs.bandcamp.com/album/quiero-ser-guitarra-de-esplendor-geom-trico-1994-25-a-os-de-paz-remezclas-2019

Fernando O. Paíno

29 febrero, 2020 0

Ordre Etern – «Revolució Soterrada»

Removiendo huesos húmedos

Màgia Roja - Junio de 2015 - power electronics - MR011

Imperi

Natura

Futur

Foc

Metropolis

Desig

Defensa

Aplastante y subversivo. El último trabajo del combo catalán Ordre Etern nos lanza granadas de mano confeccionadas a base de disonancias, furia y lobreguez en estado de oxidación. “Revolució Soterrada” ha sido diseñado para rasgar las paredes de tu conciencia.

Dentro de la beligerancia sonora peninsular, el proyecto catalán Ordre Etern ocupa uno de los primeros puestos. Este conjunto nació de las cenizas de una banda anterior conocida con el nombre de Qa’a. Sus dos componentes, Víctor Hurtado y Yarei Molina decidieron juntarse con un tercer miembro, Chris Haslam, también amante del ruido y la perversión sonora en todas sus facetas. En poco tiempo Ordre Etern comenzó a dar su primeros frutos. Sonidos sepultados sobre el rigor industrial más inflexible, en plena combinación con reflejos de percusión y líneas de cuerda.

Vamos a encontrar buenos ejemplos de esta alianza sonora en cortes como “Natura”, que manifiesta de forma incondicional su cimbreante calma, sosteniendo una tensión subrepticia alimentada por intermitentes notas de guitarra sobre las que los sintetizadores visten el casi extinto silencio con secuencias resquebrajadas. Un catálogo de exasperaciones vocales en catalán dotan de espíritu a un tema ya de por sí inclemente. Otros cortes como “Futur” están enterrados en sendas cíclicas de cacofonías insondables sobre las que los ritmos de percusión marcial saben hacerse un hueco.

“Metropolis” es uno de los temas más trituradores de todo el disco; un sólido conjunto de agonía vocal envuelta en reverberaciones se alía con una potente y firme percusión, apisonando lo que encuentra a su paso. Sin embargo, no todo es indomable violencia sonora en Revolució Soterrada. Ordre Etern sabe conjugar temas en los que la esperanza se muestra prácticamente interfecta y aprovechar la coyuntura para ensalzar la agonía existencial. “Defensa” es el tema encargado de cerrar el LP, y además cumple este cometido.

Revolució Soterrada ha sido publicado por el sello catalán Màgia Roja en colaboración con Tesla Tapes. Podemos elegir entre tres colores distintos de vinilo. El más limitado de todos ellos es el blanco, del cual solo se han prensado 66 ejemplares. Le sigue un espectacular color verde transparente que ya consta agotado, y la edición estándar en vinilo negro, limitada a 325 unidades.

Si eres de los que piensan que el power electronics es un género atrofiado por sus propias dimensiones conceptuales, Ordre Etern está aquí para hacerte cambiar de opinión.

Fernando O. Paíno

15 febrero, 2020 0

SPK – «Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)»

Así es como suena una obra maestra

Cold Spring - Noviembre de 2019 - post-industrial - CSR274

Invocation (To Secular Heresies)

Palms Crossed In Sorrow

Romanz In Moll (Romance In A Minor Key)

In The Dying Moments

In Flagrante Delicto (Introduction)

In Flagrante Delicto

Alocasia Metallica

Necropolis

The Garden Of Earthly Delights

“Zamia Lehmanni – Songs Of Byzantine Flowers” es considerado por muchos un disco icónico dentro del género post-industrial. En él SPK desarrolla un estilo único con el que se distancia del sonido raspante y áspero de sus primeros lanzamientos para declinarse por los ritmos étnicos y rituales, combinados con destellos nacidos de los sintetizadores.

No en vano, se dice de SPK que posiblemente sea el conjunto más brillante surgido durante la primera etapa del movimiento industrial, y la verdad es que resulta muy complicado refutar este juicio de valor.

El grupo comandado por Graeme Revell surgió a finales de los setenta en Australia desafiando el sonido punk con un estilo hirsuto, hiriente y enloquecido en el que se fundían los sintetizadores con todo tipo de distorsiones y ritmos generados por cualquier objeto que encontrasen por el camino. Resulta realmente fantástico poder deleitarse viendo algún concierto de esa primera etapa, en la que sus fluctuantes miembros aporrean con extrema violencia bidones, muelles y todo tipo de planchas de metal con la intención de crear una atmósfera sobrecogedora.

Sin embargo, SPK no inmovilizó su ideario creativo, nada más lejos de la realidad. Graeme Revell apostó a mediados de los ochenta por distanciarse de la acometividad disonante para generar discos mucho más calmados y espirituales en los que se creaba una atmósfera turbia y ennegrecida. Y, posiblemente, esa fue la mejor decisión que este neozelandés pudo haber tomado en su vida, ya que este nuevo sonido le abrió las puertas de cara a la producción de bandas sonoras para películas de alta producción. Zamia Lehmanni presenta una importancia capital dentro de la discografía de la banda por que fue, por así decirlo, la carta de presentación que el artista utilizó para dar a conocer su nuevo estilo. Un disco que se adelanta a su tiempo y del que beberán muchos grupos post-industriales de la década venidera. Desde su lanzamiento en 1986, este trabajo ha gozado de excelentes críticas y varias reediciones, todas ellas agotadas por derecho propio.

El cuerpo del disco nos muestra una profunda introspección en los sonidos rituales y medievales, jugando con la esencia neoclásica de una forma auténticamente ejemplar. La selección de instrumentos, así como la producción de los mismos, resulta absolutamente admirable. Solo es necesario escuchar una vez esta obra maestra para percatarse de ello. Y no está de más justificar la etimología de esta valoración, ya que antiguamente se consideraba “obra maestra” a todo trabajo realizado por un “maestro”, aquel que era ejemplo a seguir por todos los que adentraban en los secretos de cualquier gremio. Y, sin lugar a dudas, Graeme Revell puede ser definido como uno de los mayores representantes del sonido industrial en todas sus facetas.

Deconstruir o analizar las nueve canciones que componen Zamia Lehmanni supone en cierta manera correr el riesgo de apocarlas. Tan solo recomendaré una cosa: si no has tenido el placer de escuchar este disco, estás tardando demasiado; y las excusas ya no son válidas, porque el sello británico Cold Spring ha decidido reeditarlo en varias ediciones distintas en formato vinilo y CD.

Zamia Lehmanni es una de las columnas más sólidas y bellamente talladas del entorno post-industrial.

Fernando O. Paíno

2 febrero, 2020 0

Basarabian Hills – «Groping In A Misty Spread»

Atravesando la bruma

COD music - Noviembre de 2018 - dark ambient - COD17

Morning Hoarfrost

Groping In A Misty Spread

Snowflakes

Crows

Surgidos de la acusada orografía moldava, Basarabian Hills plantea en “Groping In a Misty Spread” cuatro cortes dominados por la quietud ambiental en los que podemos descubrir escuetas reminiscencias emparentadas con el black metal.

Basarabian Hills es un ejemplo más de aquella enigmática transición que, ocasionalmente, algunas bandas que cultivaban sonidos black metal experimentaron, declinando su estilo hacia campos más etéreos y melódicos.

Posiblemente, y para no rizar demasiado el rizo, el ejemplo más arquetípico de esta derivación estilística lo encontraríamos en el soberbio Filosofem (1995) de Burzum, donde se emparejaban tonadas estrictamente ásperas y punzantes con otras más melódicas y calmadas, demostrando de esta forma que la potencialidad creativa de un conjunto no debe ser encerrada en un único estilo por miedo a provocar una muerte por asfixia.

Groping In a Misty Spread es un disco centrado claramente en la experimentación ambiental de corte melódico. Hablamos de cuatro canciones con una línea argumental bastante similar entre sí en las que se plantean rutas melódicas realizadas a base de sintetizador.

La idea del conjunto ha sido combinar la oscuridad con un cierto romanticismo bucólico que nos evoca de forma directa la naturaleza más inhóspita. Las formas vocales pasan al olvido, aunque logran manifestarse de manera muy puntual en forma de suspiros y otro tipo de estructuras carentes de significación semántica. Hablamos de un disco perfecto para acompañar a los momentos de sosiego en donde la oscuridad hace acto de presencia de forma comedida y elegante.

Su publicación original tuvo lugar en el año 2016, y ha gozado de distintas reediciones. La que hoy presentamos ha sido realizada por primera vez en formato CD, potenciando en cierta forma la calidad de sonido que albergaba el disco. Para ello la casa rusa Der Schwarze Tod, focalizada en la publicación de bandas de black metal, ha unido sus fuerzas con una discográfica bastante más ecléctica en lo que a estilos musicales se refiere, como es COD music, para resucitar la estela nigromántica encapsulada en este álbum.

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/groping-in-a-misty-spread

Fernando O. Paíno

26 enero, 2020 0

Coil – «Stolen & Contaminated Songs»

Reencarnando clásicos

Cold Spring - Noviembre 2019 - experimental - CSR276

Futhur

Original Chaostrophy

Who’ll Tell?

Omlagus Garfungiloops

Inkling

Love’s Secret Domain

Nasa-Arab

Who’ll Fall?

The Original Wild Garlic Memory

Wrim Wram Wrom

Corybantic Ennui

Her Friends The Wolves

Light Shining Darkly

Stolen & Contaminated Songs es un trabajo que la desaparecida banda británica Coil ideó íntegramente como fondo de rescate de versiones descartadas y cortes infrecuentes pertenecientes a su anterior lanzamiento Love’s Secret Domain (1991). Un disco inquietante que nos otorga una perspectiva completamente diferente sobre canciones que cimentaron las bases de la experimentación y el movimiento acid de los noventa.

El sello británico Cold Spring es una vez más el encargado de aunar material infrecuente o desaparecido de una de las bandas más relevantes de música experimental de las últimas décadas. Stolen & Contaminated Songs fue un trabajo que originalmente solo se comercializó en formato CD, utilizando a la ya desaparecida distribuidora World Serpent como canal de difusión.

Al parecer, ni Balance ni Christopherson –aunque durante esta etapa también se encontraban dentro del barco Danny Hyde y Stephen Thrower- quisieron desechar las matrices de ensayo de una colección de cortes que con el paso del tiempo se convertirían en referentes inexcusables de la música experimental, y es por ello que el disco vio la luz tan solo un año después de que lo hiciese Love’s Secret Domain. Este modus operandi de Coil no era algo novedoso, ya que el grupo decidió hacer algo parecido con Gold Is The Metal (1987), incluyendo en él una colección de temas descartados pertenecientes al clásico Horse Rotorvator (1986)

Stolen & Contaminated Songs supone un ejemplo perfecto de la inconmensurable creatividad de este elenco de artistas. Cómo y de qué forma Coil sabe estructurar mil y un mundos acústicos de la más diversa índole en los que distintas técnicas y estilos se dan cita.

El disco, a diferencia de la obra seminal, es casi totalmente instrumental, auque eventualmente se cuenta con registros líricos. Un álbum para perderse en ensoñaciones tan bizarras como impactantes. Ejemplos de la maestría encerrada en Stolen & Contaminated Songs podemos hallarlos en cortes como “Nasa Arab”, uno de mis favoritos si tuviese que evaluar la producción discográfica de Coil a nivel global. También merece la pena deleitarse con “Omlagus Garfungiloops” o la abstracción encapsulada en “Wrim, Wram, Wrom”.

Cold Spring ha decidido hacer un gran favor a los miles de fans de este conjunto, ya que por primera vez Stolen & Contaminated Songs ha sido reeditado en formato vinilo, presentado en varias versiones en las que difiere el color de los discos. Actualmente todas ellas se encuentran agotadas con la única excepción de la estándar en vinilo negro.

No pierdas la oportunidad de completar tu discografía de Coil con gemas como esta.

Fernando O. Paíno

6 enero, 2020 0

Aural Hypnox – “Underworld Transmissions”

Reuniendo los seis portales mágicos

Aural Hypnox – Octubre de 2019 – dark ambient/ritual – sr

Seance I / 2013 (November 2013)

Seance I / 2014 (January 2014)

Séance II / 2014 (March 2014)

Séance III / 2014 (April 2014)

Séance IV / 2014 (July 2014)

Séance I / 2015 (January 2015)

El inquietante sello finlandés Aural Hypnox reedita en formato CD el primer compendio ritualista de su catálogo. “Underworld Transmissions” reúne la totalidad de una enigmática trilogía definida por la oscuridad y el misticismo.

Aural Hypnox es una de las pocas discográficas que a pesar de su marcada lobreguez estética, centellea por encima de otras debido a su acusada integridad y su segmentado estilo. Hoy celebramos la reedición de uno de sus trabajos más inaccesibles, la trilogía Underworld Transmissions. Esta propuesta vio la luz originariamente en el bienio 2014-15 , para ello el sello decidió fabricar una pequeña tirada de tan solo cincuenta copias por entrega. Pocos fueron los afortunados que pudieron hacerse con ellas, y debido al paso del tiempo y la justificada notoriedad que esta casa ha ido ganando, las casetes se han convertido en unas cotizadas e infrecuentes piezas de coleccionismo. Afortunadamente, Aural Hypnox ha decidido rescatar este material y relanzarlo en una edición compacta y más extensa, 150 copias, optando en esta ocasión por el formato CD.

Una vez más, y desde una perspectiva tangible o cósica, Aural Hypnox ofrece un producto diseñado con mimo y elegancia. A esta nueva edición se le ha implementado todo el artwork contenido en la trilogía original. Su contenido reúne las seis sesiones privadas que los distintos miembros que vertebran el colectivo Helixes decidieron realizar en las frías noches de Oulu, al norte de Ostrobothnia. Evidentemente hablamos de música dark ambient de talante ritual exenta de complementación lírica que sobresale por su angular sobriedad, muy en la onda de proyectos anteriores como Metgumbnerbone, Lustmord o Ain Soph. Y es que Aural Hypnox ha sabido recoger un legado estético muy concreto y centrado que se ha desarrollado bastante poco en la historia de la nueva música.

En los seis capítulos que estructuran este prontuario vamos a encontrar una buena colección de líneas de drone y ruido atonal urdidas por el misterio con las que se dibujan paisajes desoladores y horizontes apocalípticos cargados de una extraña y mórbida belleza.

Esta nueva edición de Underworld Transmissions se presenta como una excelente oportunidad para redescubrir este impactante material que había quedado sepultado en el olvido, y que ahora se alza con fuerza. Desde NOmelody te recomendamos que te dejes sorprender por esta genial declaración de principios.

Fernando O. Paíno

14 diciembre, 2019 0

Kollaps – «Mechanical Christ»

Asfaltando cementerios

Cold Spring – Mayo de 2019 – industrial - CSR269

Si sientes pasión por los sonidos pulsados y aplastantes, Kollaps es definitivamente tu nueva banda de referencia. Este conjunto australiano presentó este año su segundo larga duración, “Mechanical Christ”, un álbum hermético y directo en el que se combina el ritmo y la vehemencia vocal con la rabia industrial.

A pesar de la escasa andadura de esta banda, tan solo cuatro años, Kollaps ha sabido ganar en poco tiempo una notoriedad que les ha llevado a recorrer toda Europa presentando su último trabajo Mechanical Christ.

El estilo del conjunto australiano se encuentra directamente influido por los primeros trabajos de Swans, centrando su atención en Greed, Holy Money o Public Castration Is a Good Idea, en los que hallábamos sin dificultad alguna grades descargas de presión, sonidos asfixiantes que se abrazan de manera intermitente al silencio y voces tamizadas por el hieratismo y la apatía. Mechanical Christ tiene mucho de esto, y prueba de ello la encontramos en cortes tan bien logrados como “Blood Premonitions”, en el que casi podemos saborear ese gusto por la angustia. El disco en su totalidad no deja lugar al optimismo. Kollaps tenía muy claro desde el principio la idea que quería desarrollar y no ha dudado un segundo en llevarla a cabo.

A diferencia de la banda anteriormente citada, Kollaps se declina por introducir en gran parte de su repertorio líneas de drones producidos por sintetizador, como podemos comprobar en «Traducer«, aportando de esta forma una coacción sonora que oprime de forma inexorable al oyente. Y es que los juegos de percusión realizados con instrumentos customizados por los propios miembros a base de material de fábrica, contando con muelles, resortes y placas de metal, es un recurso decisivo que dota de mucha personalidad a su música.

Cierto es que el planteamiento en estudio de Mechanical Christ difiere notablemente de su ejecución en directo. En estudio la banda logra sonar mucho más oscura e intimista que sobre el escenario, donde alcanzan un paroxismo que se contagia entre el público.

Conviene destacar temas tan recomendables como “Love Is a War”, con el que clausuran el álbum. Una tonada que juega con intervalos acústicos atragantados por bloques de pura exasperación que no para de escalar en intensidad.

Este genial trabajo ha sido editado por la casa británica Cold Spring en dos ediciones diferentes, vinilo y CD, y todavía puedes encontrarlo disponible en el catálogo del sello.

Fernando O. Paíno

6 diciembre, 2019 0