Minóy – “In Search Of Tarkovsky”

Rescatando a Minóy

5_Estrellas

Cold Spring - Marzo de 2020 - experimenta/industrial/drone - CSR273CD

 

In Search Of Tarkovsky

Memory Undefined (Dream As Truth)

 

Minoy fue uno de los pioneros de la música experimental extrema y abstrusa que se ha gestado en California. Sus trabajos conjugan la inherente incertidumbre argumental con un sinfín de mosaicos sonoros que arremeten de la misma forma que el agua por las grietas de una presa. Cold Spring reedita uno de sus trabajos más perturbadores, “In Search Of Tarkovsky”.

 

Stanley Keith Bowsza es conocido dentro del círculo de seguidores de la música experimental extrema por ser uno de los primeros artistas en desarrollar un estilo propio dentro del campo del drone y el cut and paste. Siguiendo las pautas establecidas por otros músicos norteamericanos anteriores a él como Boyd Rice, Minoy se embarcó desde principios de los años ochenta en una cruzada editorial que le llevó a publicar bajo su propio sello, Minoy Cassetteworks, infinidad de títulos en ediciones muy limitadas. Trabajos que hoy día resultan muy difíciles de encontrar. Afortunadamente, la discográfica británica Cold Spring ha decidido rendir un merecido homenaje a este genio de la improvisación distópica sonora, reeditando por primera vez uno de sus incontables trabajos, el inquietante In Search Of Tarkovsky (1986).

Lo primero que resalta en los dos temas que estructuran el disco es esa fantástica atmósfera que genera la manufacturación casera. El sonido, a pesar de haber sido magistralmente masterizado por Martin Bowes de cara a esta edición, se presenta crudo y directo, un detalle que sin duda encandilará a la mayor parte de los amantes de la producción en casete.

 

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El contenido de In Search Of Tarkovsky se encuentra dimensionado por dos cortes que abarcan la media hora de duración. Fueron dedicados al director de cine ruso Andrei Tarkovsky. El primero de ellos, que además bautiza el disco, expone una contrastada paleta de esquemas compositivos que van mutando en distintas formas. No titubea a la hora de arrasar con inesperados planteamientos que instan a no perder la atención hacia un tema puramente onírico, un sueño que metamorfosea sin parar, desembocando en sombríos pasajes.

“Memory Undefined (Dream As Truth)” lucubra otra perspectiva mucho más lineal en la que el artista se desvincula parcialmente de los sonidos estridentes y la oscuridad planteada atrás para encerrarnos en un conglomerado de drones que configuran una ambientación sobrenatural muy absorbente.

In Search Of Tarkovsky es un disco muy recomendable para descubrir el genio oculto de Minoy, un músico que ha pasado desapercibido para muchos, en cierta manera por causa de su limitada distribución. Es necesario elogiar el trabajo de Cold Spring a la hora de redescubrir a un artista que merece un reconocido encomio dentro de los cimientos del DIY estadounidense.

 

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

Sonologyst – “Ancient Death Cults And Beliefs”

Descubriendo puertas ancestrales

4-estrellas

Cold Spring - Marzo de 2020 - dark ambient/ritual - CSR270CD

 

Purgatorium

Ceremony

Primeval Science

Popol Vuh

Anubis, House Of Dead Prince

 

Sonologyst continúa su estudio de contextos acústicos planteando perspectivas singulares que son desarrolladas con personalidad. En ellas se ofrece una distinción única. Con “Ancient Death Cults And Beliefs” el proyecto italiano propende a la oscuridad y la sobriedad más sólida. Sonidos segmentados entre el dark ambient y el ritual.

 

Raffaele Pezzella es la mente responsable de Sonologyst. Un proyecto surgido en Italia durante principios de la segunda década del nuevo siglo en el que el artista indaga y desarrolla, mediante la combinación de sonidos, distintos aspectos del conocimiento y las costumbres humanas.

Si en Silencers -The Conspiracy Theory Dossiers- (2018) el último trabajo que analizamos de Sonologyst, el planteamiento conceptual se escoraba hacia la existencia de vida en el otro mundo, ahora en Ancient Death Cults And Beliefs el artista nos plantea una suerte de recreación acerca de los ritos celebrados por las primeras culturas que poblaron el planeta hace ya más de seis milenios. Pezzella es muy consciente de que en estos tiempos pretéritos la música no planteaba un fin meramente estético o complaciente, sino que se comportaba como un medio para alcanzar la conexión con seres sobrehumanos vinculados o no a la naturaleza. Las creencias animistas, que en la mayor parte de las sociedades desembocarían con el paso de tiempo en una solidificación de identidades encofradas en el concepto de politeísmo, y que finalmente terminarán experimentando una suerte de simplificación relacionada con aspectos de administración y control social  -ya desde el antiguo Egipto con la figura de Akenatón-  confluyendo en el monoteísmo, es el objeto de análisis expuesto en este último disco. Sonologyst recrea conscientemente aspectos vinculados con el decurso confesional a lo largo de la historia.

 

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Sonologyst logra representar esa plasticidad sepulcral y mortalmente seria que la música de carácter ritual impone. Las atmósferas generadas funcionan como canales de conexión con el otro mundo. Son portales de acceso a lo desconocido en los que Pezzella nos expone una perspectiva muy realista acerca del contexto generado en una celebración cuya única pretensión es consumar este objetivo.

 

El sonido de Ancient Death Cults And Beliefs se encuentra emparentado con el de otros trabajos publicados recientemente por Cold Spring, como pueden ser Trepaneringsritualen con su Algir; Eller Algir I Merkstave (2019), o Égrégore (2019) de Common Eider, King Eider. Discos que logran subsumirnos en las profundidades del inconsciente, donde la oscuridad guía al espíritu por caminos delineados por el misterio.

 

Cold Spring ha publicado esta nueva propuesta de Sonologyst en formato CD. Viene protegido por un digipak de cuatro paneles. La producción, al igual que la gran parte de los trabajos lanzados por este sello británico, ha corrido cargo de Martin Bowes.

 

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

SPK – “Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)”

 

Así es como suena una obra maestra

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre de 2019 - post-industrial - CSR274

 

Invocation (To Secular Heresies)

Palms Crossed In Sorrow

Romanz In Moll (Romance In A Minor Key)

In The Dying Moments

In Flagrante Delicto (Introduction)

In Flagrante Delicto

Alocasia Metallica

Necropolis

The Garden Of Earthly Delights

 

 

“Zamia Lehmanni – Songs Of Byzantine Flowers” es considerado por muchos un disco icónico dentro del género post-industrial. En él SPK desarrolla un estilo único con el que se distancia del sonido raspante y áspero de sus primeros lanzamientos para declinarse por los ritmos étnicos y rituales, combinados con destellos nacidos de los sintetizadores.

 

No en vano, se dice de SPK que posiblemente sea el conjunto más brillante surgido durante la primera etapa del movimiento industrial, y la verdad es que resulta muy complicado refutar este juicio de valor.

 

El grupo comandado por Graeme Revell surgió a finales de los setenta en Australia desafiando el sonido punk con un estilo hirsuto, hiriente y enloquecido en el que se fundían los sintetizadores con todo tipo de distorsiones y ritmos generados por cualquier objeto que encontrasen por el camino. Resulta realmente fantástico poder deleitarse viendo algún concierto de esa primera etapa, en la que sus fluctuantes miembros aporrean con extrema violencia bidones, muelles y todo tipo de planchas de metal con la intención de crear una atmósfera sobrecogedora.

 

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Sin embargo, SPK no inmovilizó su ideario creativo, nada más lejos de la realidad. Graeme Revell apostó a mediados de los ochenta por distanciarse de la acometividad disonante para generar discos mucho más calmados y espirituales en los que se creaba una atmósfera turbia y ennegrecida. Y, posiblemente, esa fue la mejor decisión que este neozelandés pudo haber tomado en su vida, ya que este nuevo sonido le abrió las puertas de cara a la producción de bandas sonoras para películas de alta producción. Zamia Lehmanni presenta una importancia capital dentro de la discografía de la banda por que fue, por así decirlo, la carta de presentación que el artista utilizó para dar a conocer su nuevo estilo. Un disco que se adelanta a su tiempo y del que beberán muchos grupos post-industriales de la década venidera. Desde su lanzamiento en 1986, este trabajo ha gozado de excelentes críticas y varias reediciones, todas ellas agotadas por derecho propio.

 

El cuerpo del disco nos muestra una profunda introspección en los sonidos rituales y medievales, jugando con la esencia neoclásica de una forma auténticamente ejemplar. La selección de instrumentos, así como la producción de los mismos, resulta absolutamente admirable. Solo es necesario escuchar una vez esta obra maestra para percatarse de ello. Y no está de más justificar la etimología de esta valoración, ya que antiguamente se consideraba “obra maestra” a todo trabajo realizado por un “maestro”, aquel que era ejemplo a seguir por todos los que adentraban en los secretos de cualquier gremio. Y, sin lugar a dudas, Graeme Revell puede ser definido como uno de los mayores representantes del sonido industrial en todas sus facetas.

 

Deconstruir o analizar las nueve canciones que componen Zamia Lehmanni supone en cierta manera correr el riesgo de apocarlas. Tan solo recomendaré una cosa: si no has tenido el placer de escuchar este disco, estás tardando demasiado; y las excusas ya no son válidas, porque el sello británico Cold Spring ha decidido reeditarlo en varias ediciones distintas en formato vinilo y CD.

Zamia Lehmanni es una de las columnas más sólidas y bellamente talladas del entorno post-industrial.

 

 

 

Fernando O. Paíno

Coil – “Stolen & Contaminated Songs”

Reencarnando clásicos

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre 2019 - experimental - CSR276

 

 

Futhur

Original Chaostrophy

Who’ll Tell?

Omlagus Garfungiloops

Inkling

Love’s Secret Domain

Nasa-Arab

Who’ll Fall?

The Original Wild Garlic Memory

Wrim Wram Wrom

Corybantic Ennui

Her Friends The Wolves

Light Shining Darkly

 

Stolen & Contaminated Songs es un trabajo que la desaparecida banda británica Coil ideó íntegramente como fondo de rescate de versiones descartadas y cortes infrecuentes pertenecientes a su anterior lanzamiento Love’s Secret Domain (1991). Un disco inquietante que nos otorga una perspectiva completamente diferente sobre canciones que cimentaron las bases de la experimentación y el movimiento acid de los noventa.

 

 

El sello británico Cold Spring es una vez más el encargado de aunar material infrecuente o desaparecido de una de las bandas más relevantes de música experimental de las últimas décadas. Stolen & Contaminated Songs fue un trabajo que originalmente solo se comercializó en formato CD, utilizando a la ya desaparecida distribuidora World Serpent como canal de difusión.

 

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Al parecer, ni Balance ni Christopherson –aunque durante esta etapa también se encontraban dentro del barco Danny Hyde y Stephen Thrower- quisieron desechar las matrices de ensayo de una colección de cortes que con el paso del tiempo se convertirían en referentes inexcusables de la música experimental, y es por ello que el disco vio la luz tan solo un año después de que lo hiciese Love’s Secret Domain. Este modus operandi de Coil no era algo novedoso, ya que el grupo decidió hacer algo parecido con Gold Is The Metal (1987), incluyendo en él una colección de temas descartados pertenecientes al clásico Horse Rotorvator (1986)

Stolen & Contaminated Songs supone un ejemplo perfecto de la inconmensurable creatividad de este elenco de artistas. Cómo y de qué forma Coil sabe estructurar mil y un mundos acústicos de la más diversa índole en los que distintas técnicas y estilos se dan cita.

El disco, a diferencia de la obra seminal, es casi totalmente instrumental, auque eventualmente se cuenta con registros líricos. Un álbum para perderse en ensoñaciones tan bizarras como impactantes. Ejemplos de la maestría encerrada en Stolen & Contaminated Songs podemos hallarlos en cortes como “Nasa Arab”, uno de mis favoritos si tuviese que evaluar la producción discográfica de Coil a nivel global. También merece la pena deleitarse con “Omlagus Garfungiloops” o la abstracción encapsulada en “Wrim, Wram, Wrom”.

Cold Spring ha decidido hacer un gran favor a los miles de fans de este conjunto, ya que por primera vez Stolen & Contaminated Songs ha sido reeditado en formato vinilo, presentado en varias versiones en las que difiere el color de los discos. Actualmente todas ellas se encuentran agotadas con la única excepción de la estándar en vinilo negro.

No pierdas la oportunidad de completar tu discografía de Coil con gemas como esta.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Kollaps – “Mechanical Christ”

 

 

Asfaltando cementerios

4-estrellas

 

Cold Spring – Mayo de 2019 – industrial - CSR269

 

Si sientes pasión por los sonidos pulsados y aplastantes, Kollaps es definitivamente tu nueva banda de referencia. Este conjunto australiano presentó este año su segundo larga duración, “Mechanical Christ”, un álbum hermético y directo en el que se combina el ritmo y la vehemencia vocal con la rabia industrial.

 

A pesar de la escasa andadura de esta banda, tan solo cuatro años, Kollaps ha sabido ganar en poco tiempo una notoriedad que les ha llevado a recorrer toda Europa presentando su último trabajo Mechanical Christ.

El estilo del conjunto australiano se encuentra directamente influido por los primeros trabajos de Swans, centrando su atención en Greed, Holy Money o Public Castration Is a Good Idea, en los que hallábamos sin dificultad alguna grades descargas de presión, sonidos asfixiantes que se abrazan de manera intermitente al silencio y voces tamizadas por el hieratismo y la apatía. Mechanical Christ tiene mucho de esto, y prueba de ello la encontramos en cortes tan bien logrados como “Blood Premonitions”, en el que casi podemos saborear ese gusto por la angustia. El disco en su totalidad no deja lugar al optimismo. Kollaps tenía muy claro desde el principio la idea que quería desarrollar y no ha dudado un segundo en llevarla a cabo.

A diferencia de la banda anteriormente citada, Kollaps se declina por introducir en gran parte de su repertorio líneas de drones producidos por sintetizador, como podemos comprobar en “Traducer“, aportando de esta forma una coacción sonora que oprime de forma inexorable al oyente. Y es que los juegos de percusión realizados con instrumentos customizados por los propios miembros a base de material de fábrica, contando con muelles, resortes y placas de metal, es un recurso decisivo que dota de mucha personalidad a su música.

 

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Cierto es que el planteamiento en estudio de Mechanical Christ difiere notablemente de su ejecución en directo. En estudio la banda logra sonar mucho más oscura e intimista que sobre el escenario, donde alcanzan un paroxismo que se contagia entre el público.

Conviene destacar temas tan recomendables como “Love Is a War”, con el que clausuran el álbum. Una tonada que juega con intervalos acústicos atragantados por bloques de pura exasperación que no para de escalar en intensidad.

Este genial trabajo ha sido editado por la casa británica Cold Spring en dos ediciones diferentes, vinilo y CD, y todavía puedes encontrarlo disponible en el catálogo del sello.

 

 

Fernando O. Paíno

Trepaneringsritualen – “Algir; eller Algir i Merkstave”

Un mapa hacia lo desconocido

5_Estrellas

 

Cold Spring - Septiembre de 2019 - dark ambient/ritual - CSR275

 

 

Trepaneringsritualen nos plantea un sueño negro. “Algir; eller Algir i Merkstave” es un mapa conceptual trazado mediante el sonido en el que el artista muestra el camino que se ha de seguir para lograr la autonomía espiritual con respecto al cuerpo muerto. Interesante e ineluctablemente oscuro.

Thomas Martin Ekelund vuelve a ofrecernos algo impactante y misterioso. Un nuevo planteamiento dentro de la cada vez más profusa discografía de Trepaneringsritualen. Algir; eller Algir i Merkstave, título de su último disco, consigue distanciarse de la dinámica ofrecida en sus anteriores trabajos, en los que preponderaban las tonadas rítmicas y potentes con fuerte sabor post-industrial, para regresar a sus orígenes, planteando un álbum en el que se manifiesta un dark ambient puro de orientación netamente ritual.

Cierto es que la estructura estética de Algir; eller Algir i Merkstave hereda ciertas facetas presentadas anteriormente en artistas icónicos de dark ambient como Lustmord o la plétora de bandas que recoge el sello Aural Hypnox, por lo que hablar de innovación sería pecar de diletante. Sin embargo, lo realmente admirable de Algir; eller Algir i Merkstave, más que su genética, es su personalidad, su ánima, su espíritu… Llamadlo como queráis.

Ekelund nos ofrece en los dos temas que conforman el LP una arquitectura sonora magistralmente ensamblada con la que se ilustra mediante el sonido una especie de ruta. El disco nos obliga a recorrer una senda oscura, desconocida y misteriosa. Podríamos habernos quedado ahí y conformarnos con lo colegido, pero necesitábamos saber más para poder disfrutar un disco de estas características tal y como se merece. Para ello hemos recurrido a las fuentes primarias, es decir, al propio artista. Ekelund desvelaba para NOmelody en unas conversaciones mantenidas recientemente que “la finalidad de Algir; eller Algir i Merkstave es servir de guía de cara al desprendimiento de la faceta terrenal. En el disco se muestran los nueve mundos que el oyente debe atravesar hasta llegar al punto de no-ser, mientras se le permite estar presente en el T x R x P operando, sin necesidad de materializarse.” Desde la perspectiva del propio artista, “podemos hablar de Algir; eller Algir i Merkstave como si se tratase de una suerte de mapa.

 

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Una vez analizada su forma, pasemos a la materia: Resulta elogiable la gran maestría con la que las intensidades acústicas fluctúan, haciendo de este disco algo pausado y rebosante de parsimonia, pero a su vez, y paradójicamente,  dinámico; logrando mantener nuestra atención durante los cuarenta minutos que abarca. La selección llevada a cabo en su paleta de sonido es algo fundamental, ya que es esta la encargada de definir la estética global del álbum. Ekelund apuesta por la preponderancia del silencio, los golpes de percusión en escalas graves y las líneas atonales intermitentes, formulando de esta manera horizontes yermos y asoladores.

 

Algir; eller Algir i Merkstave ha sido publicado por el sello británico Cold Spring en dos ediciones distintas, vinilo y CD. La primera de ellas es la que más peligro corre en agotarse, por lo que te recomendamos actuar cuanto antes si eres uno de los miles de seguidores de este genio del nuevo sonido death-industrial.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Common Eider, King Eider – “Égrégore”

Corporación oscura

5_Estrellas

 

Cold Spring - Junio de 2019 - dark ambient/ritual - CSR271CD

 

Sun .:. Fire

Breath .:. Wind

Blood .:. Water

Bone .:. Soil

 

Si algo saben hacer bien los californianos Common Eider, King Eider, es indudablemente música dark ambient con sabor ritual. “Égrégore”, su último trabajo, consigue retorcer aún más la oscuridad y la tensión que habita confinada en alguna parte de nuestra mente. Personal y mortalmente tétrico.

 

Un disco de Common Eider, King Eider nunca te deja indistinto, te lo aseguro. Esta banda californiana es fruto de la escisión de otras muchas y más famosas dentro del plano independiente –como es el caso de Deerhoof-. Sus miembros saben lo que se hacen, y sobre todo, saben cómo hacerlo. Y es que dentro de la plétora de grupos que desarrollan un sonido ambiental marcado por la oscuridad y el ocultismo, los de San Francisco se encuentran insertos dentro del Top 10.

La progresión de Common Eider, King Eider se resuelve como introspectiva y hermética. Cada nuevo disco nos ofrece un paso más dentro de lo que ya es de por sí una celda con el cerrojo fundido. Cuando al escuchar Shrines For The Unwanted, Respite For The Cast Aside (2017) pensábamos que las cosas no podían plantearse de una forma más funesta, ahora con Égrégore nos vuelven a demostrar que todo depende de una perspectiva.

 

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Su título hace referencia a una estructura eidética dentro de las ciencias ocultas que conforma una entidad aislada por medio de la unión de varias mentes asociadas en colectividad. Casi nada. Es algo así como si tú y tus amigos gestaseis en colectividad a un ente independiente que os representase. Y es que en los cuatro cortes que vertebran este último CD de Common Eider, King Eider se desarrolla un contexto sombrío y animista sin parangón. Es un disco que transmite frío y malestar, un portador del miedo real, una fórmula infalible e impactante. Tensión encarnada en medio de la tundra.

 

Una vez más, y como si de puros rituales se tratase, la extensión de los cortes está comprendida entre el cuarto de hora por término medio, tiempo perfecto para contextualizar adecuadamente la situación y poder enmarcar al oyente dentro de ella. La intención de Common Eider es contar con tu mente para confeccionar una identidad más poderosa, haciéndote partícipe de la celebración. Aquí no hay lugar para melodías de ninguna clase ni ritmos pegadizos, la alternancia de drones y los ataques de percusión son los elementos reinantes dentro de este sobresaliente trabajo. Parte de los elementos que conforman la existencia, tanto individual como holísticamente hablando, son los planteados por la banda como motor de inspiración.

 

Égrégore ha sido publicado únicamente en formato CD por el sello británico Cold Spring, y se presenta en una vistosa carpeta de cartón embellecida con una imagen tan siniestra como sugerente.

 

 

Llyn Y Cwn – “Twll Du”

Dibujando la oscuridad

5_Estrellas

Cold Spring - Junio de 2019 - dark ambient - CSR254CD

 

Gribin

Twll Du

Cwm Cneifion

Y Garn

Glyder Fawr

Cwm Bochlwyd

Castell Y Gwynt

 

 

Benjamin Powell tiene la inusual capacidad de retratar mediante el sonido paisajes naturales por los que hace tiempo no se manifiesta la vida. “Twll Du” es una impactante descripción acústica de los contextos inhóspitos en los que este artista se inspira a la hora de componer. Dark ambient con letras mayúsculas.

 

 

 

Todo en Llyn Y Cwn tiene un motivo o un porqué. Comenzando por su nombre, el cual se refiere a un lago situado en la cordillera de Glyder, Snowdonia, al norte de Gales. La traducción viene a ser algo parecido a “Lago de los perros”. Eventualmente, una columna de vapor nace de las entrañas de una grieta oscura situada entre las rocas de Clogwyn y Geifr y Y Gam y Glyder Fawr. Los lugareños aseguran que esa extraña y siniestra escalera de vapor surge de la cocina del mismísimo diablo. Ellos la conocen con el nombre de “Twll Du”.

Este desolador, adusto, y poco hogareño entorno unido a las creencias populares han sido las fuentes de inspiración necesarias para que Powell haya podido crear una magnífica obra acústica marcada por la inmensidad y el vacío. En ella podemos encontrar siete descripciones sonoras que reproducen la interpretación del artista a la hora de definir este entorno; y por lo que podemos comprobar, no debe ser muy confortable.

En todos los cortes que dan forma al CD se descodifica un dark ambient imponente y genialmente calculado desde la quietud y las pretensiones de meditación. Powell intenta dejar a un lado las soluciones melódicas para apostar por mantos de ruido surgidos de la propia naturaleza con los que Llyn Y Cwn sabe trabajar magistralmente. El resultado nacido de esta fusión de líneas es impactante y rotundo.

 

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Por un momento, el sonido logra trasladarnos al centro de un contexto que no tiene la necesidad de ser agradable con sus huéspedes. Frío, calma mórbida, fragmentos de muerte suspendidos en la atmósfera. Si el escepticismo pudiese portar sonido, sin dudas sería un tema de “Twll Du”.

Un disco que sabe acercarse al estilo patentado por maestros como Lustmord o grandes proyectos como SleepResearch_Facility, aportando nuevas perspectivas al género. Y es que Benjamin Powell sabe darle un toque muy personal a la oscuridad, no duda en alimentarla adecuadamente y presentarla con suma delicadeza, haciendo de ella algo muy atractivo y vistoso.

Otra clave fundamental para comprender y disfrutar adecuadamente de la totalidad de este disco es no pasar por alto su artwork, ya que nos aporta la clave gráfica que complementa a la acústica. En él se reúnen varias fotografías tomadas por el propio artista de los contextos que dan nombre a los temas y le han inspirado a crear este elogiable ejemplo de oscuridad sonora.

Otro buen acierto de Cold Spring.

 

 

Fernando O. Paíno

Anni Hogan – “Lost In Blue”

Madurez y consistencia

5_Estrellas

 

Cold Spring - Abril de 2019 - pop/jazz/blues - CSR266CD

 

 

Lost Somewhere

My Career

Death Bed Diva

Silk Paper

Ghosts Of Soho

Blue Contempt

Thunderstruck

Making Blackpool Rock

Golden Light

Angels Of Romance

Lost In Blue

 

 

Anni Hogan, aunque desconocida para muchos, puede ser considerada una pieza angular de la primera mitad de los ochenta dentro de los lindes marcados por la música independiente. Esta británica ha trabajado con infinidad de artistas encomiables a lo largo de su carrera, y ahora nos presenta un trabajo soberbio.

 

 

Anni Hogan es una de esas artistas cuyo mérito no ha sido reconocido en la medida que se merece. Militó junto a Marc Almond en sus proyectos Marc And The Mambas y The Willing Sinners, justo después de que Marc decidiese poner punto y final a Soft Cell. La magia de Hogan al piano es fácilmente identificable, y conformó un aura propia que ha enamorado a muchos a lo largo de los años.

Lost In Blue es un disco sencillamente fantástico. Una obra sobresaliente que derrocha elegancia, maestría y sentimiento. Una vez más el sello Cold Spring vuelve a destacar por su acertado eclecticismo a la hora de seleccionar proyectos. Lo que vamos a encontrar en este álbum es una colección de temas altamente convincente en la que se desarrolla una suerte de pop maduro y sopesado, marcado por un fuerte influjo del jazz y el blues, y el sabor a pub de medianoche. Hálitos de esencia crooner gracias a la intervención vocal de artistas de la talla de Kid Congo Powers, Richard Strange o Gavin Friday. Como podemos comprobar, Anni no se junta con cualquiera. Es lo bueno de tener amigos tan grandes como tú.

 

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En el registro femenino hallamos pesos pesados como Lydia Lunch, que confecciona con su voz un corte maravilloso como es “Blue Contempt”, o Scarlet West, que interviene en “Making Blackpool Rock”. Y es que Lost In Blue es un disco que destella por su madurez y equilibrio. Un auténtico ejemplo de maestría y buen gusto. Muy recomendable para los amantes de Nick Cave, Marc Almond o Lou Reed. Once temas con genética propia que exhiben su personalidad. Una personalidad pulida por el paso del tiempo y la experiencia.

¿Temas recomendables? Todos y cada uno de ellos. Este es el arquetípico trabajo que escogería para ejemplificar la evolución correcta de un artista. Una maravilla. Un ejemplo de buen gusto. Cold Spring lo sabe, por supuesto, y no ha dudado en preparar una edición acorde con el peso cualitativo que contiene. Para ello se ha prensado en vinilo dos tipos de ediciones, una de ellas limitada y en color azul, sin pasar por alto el formato CD.

Lost In Blue puede ser considerado uno de los mejores lanzamientos de este año 2019. Hacía falta un trabajo como éste desde hacía tiempo. Un disco titánico que desprende personalidad y buen gusto.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

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