Categoría: Reseñas

TenHornedBeast – “Capra Hircus”

Sobrevolando la inmensidad 

Cold Spring - Junio de 2024 - ambient - CSR338CD

The Hallowing Of The North

Cup & Ring

How Pan Healed The Christ

One More Leaf

The Hearts Of All Men Dwell In The Same Wilderness

Christopher Walton decide dar una vuelta de tuerca a su proyecto TenHornedBeast y ofrecernos un disco extremadamente intimista y enigmático. Capra Hircus es un viaje acústico de aproximadamente una hora de duración en el que se desarrollan atractivos paisajes sonoros repletos de misticismo. 

La idea de TenHornedBeast nació de las entrañas de ENDVRA, un proyecto ya de por sí oscuro que contaba con Christopher Walton entre sus filas. A principios del nuevo siglo, Walton sentiría la necesidad de dar a luz un proyecto personal que comprimiese una mayor dosis de oscuridad. Los primeros trabajos de la banda que hoy atendemos no se harían esperar, goteando casi de forma anual durante las dos primeras décadas. Cierto es que el estilo impreso en TenHornedBeast ha ido recrudeciéndose y oscureciéndose cada vez más con el paso de los años, confeccionando discos en los que las atmósferas sombrías y la tensión llegan a ser insondables. 

Capra Hircus, la nueva oferta propuesta por el sello británico Cold Spring, nos deja apreciar esa comedida evolución hacia esquemas cada vez más sombríos e intimistas, dominados por drones sempiternos que nos adentran dentro de atmósferas lisérgicas definidas por el claroscuro. Si su anterior propuesta The Lamp Of No Light (Hymns For The York Doom Stone) (2022) coqueteaba sinuosamente con retazos del doom metal, ahora el artista va a prescindir de estéticas agresivas para confeccionar un disco dominado por la quietud y la oscuridad en el que proliferan los drones atonales, las distorsiones perfectamente moduladas, la alternancia de desvanecimientos sobre mantos de sonido lineales y las percusiones ocasionales que contrastan con el esquema dominante, dotando de cierto dinamismo a la obra. El resultado es algo realmente mesmerizante e hipnótico. Un viaje muy personal hacia las entrañas de paisajes naturales en donde lo desconocido impera sobre lo real. 

Este nuevo CD está conformado por cinco cortes. Tres de ellos de larga duración -unos quince minutos de media- y los dos restantes en torno a los cinco. Realmente, el planteamiento del disco se muestra como un todo homogéneo en el que la fragmentación por capítulos no se presta estrictamente necesaria. Capra Hircus es uno de los trabajos más personales de Christopher Walton hasta la fecha, y a su vez podemos fiscalizar que se trata de uno de los mejores. Guarda ciertas constancias estéticas con alguno de sus predecesores, como es el caso del fabuloso Hunts & Wars (2010); no obstante, en Capra Hircus podemos apreciar la mano de la experiencia, sobre todo a la hora de estructurar transiciones y dinámicas de fluctuación, ofreciendo una pincelada acústica más suelta y vistosa.

Capra Hircus es posiblemente la mejor obra publicada por TenHornedBeast hasta la fecha. Si eres amante del dreno o la música atmosférica de talante oscuro, este es tu disco de referencia. Una de la mejores propuestas de dark ambient en lo que llevamos de año.

Fernando O. Paíno

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Circuit Corrupter – “Synthesizing the Absence of Your Soul”

SALVAJE, APLASTANTE, TRITURADOR

Phage Tapes - Junio de 2024 - noise - PT:490

Prelude: Judgement and Verdict of the Fallen

The Descent

Lethargy and Vigil

Interlude: Like Children Trapped in Limbo

Willing Obedience

Pale Soul

Your Face Is Fading Away

Irreverent Spirituality

Interlude: Now I Know Your Weakness

Lunatic’s Delight

The Unknown by the Equally Unknown

Inner Self in Flames

Moral Disagreement

Postludium: You Should Have Died

Circuit Corrupter contraataca con un nuevo lanzamiento cargado de ira y salvajismo disonante. “Synthesizing the Absence of Your Soul” hereda la estructura de su anterior lanzamiento, Destructive Maelstrom, pero perfeccionándolo hasta generar una auténtica magnum opus del ruido del nuevo siglo. 

Los que hacemos ruido sabemos que no todo el ruido es arte. Realmente, ruido sabe hacerlo todo el mundo, pero no todo el ruido gusta. El último trabajo de Circuit Corrupter es ruido del bueno, magistralmente ejecutado, con fluctuaciones epatantes y presiones acústicas inefables que van disolviéndose a la velocidad de la luz para reencarnarse en nuevas magnitudes de peso sonoro que taladran tu cerebro de la misma forma en la que cientos de gusanos devoran el cadáver de un ave adulta. Synthesizing the Absence of Your Soul es la segunda entrega de este proyecto gallego comandado por el gran Brais Remeseiro Portela, responsable de otras manifestaciones ruidistas como Dead Eye Terrorist.

Synthesizing the Absence of Your Soul está compuesto por 14 epitafios que circundan la idea que emana del propio título del álbum. En palabras del propio artista: «StAoYS» (acrónimo del título del álbum) es el sentimiento de pérdida y lo que provoca. La muestra inicial trata de un programa de televisión de 1989 en el que se entrevista a Sean Sellers, un joven matricida que sería ejecutado por inyección letal en 1999. Este comienzo desencadena el resto de los temas. 

Como vemos, el concepto general del álbum es bastante hermético frente al romanticismo o la compasión. Hablamos de un conjunto de temas en los que se expone una agresividad inconmensurable que nada tiene que envidiar a los mejores momentos de Incapacitants, Merzbow o Masonna. Las transiciones de Brais se suceden de forma vertiginosa, aplastando bloques de hormigón armado que parecían infranqueables; es una lucha del ruido contra ruido de dimensiones titánicas, segmentando ocasionalmente dichas magnitudes con estados de silencio o grabaciones de campo altamente inquietantes. 

Cierto es que este disco hereda el estilo de su primera obra también reseñada en NOmelody, Destructive Maelstrom, sobre todo si nos referimos a la alternancia de melodías cíclicas de carácter mesmerizante e hipnótico que saben ceder el paso a la cacofonía más vengativa, pero queremos entender este detalle como una especie de firma del propio artista más que como un recurso redundante. Lo que está claro es que los temas están repletos de variaciones, líneas de sonido que mutan, fluctúan y evolucionan sin cesar; es como contemplar el proceso de la vida pero a una velocidad vertiginosa. Si Marinetti hubiera tenido la oportunidad de escuchar este trabajo, posiblemente lo hubiera puesto de ejemplo en su manifiesto. Aunque la obra es en cierta manera fruto de la experimentación, nada de lo que aquí se expone se presenta de forma gratuita: cada corte, cada línea de sonido ha sido examinada con el más mínimo detalle para gestar algo único y devastador. 

Si a todo esto le sumamos la producción llevada a cabo por Grant Richardson, uno de los nombres más potentes del género power electronics, el resultado es inmejorable.

Si te gusta el ruido de calidad, no pierdas la oportunidad de disfrutar de este trabajo. Lo edita el sello norteamericano Phage Tapes y ha sido lanzado en formato CD.

Fernando O. Paíno

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BURIAL HEX – “In Hiding”

Reuniendo fragmentos del pasado

Cold Spring - septiembre de 2023 - postindustrial/neofolk - CSR328CD

O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade

Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused

From Heel To Throat

A Kiss To Birth The Rotted Sun

Backwards Curse

Penitential March

Magic Without Tears

Pacing The Hollow

Feral Blood Vision

Cold Spring nos sorprende con un nuevo recopilatorio de uno de los conjuntos más inquietantes de postindustrial esotérico de las últimas décadas. Burial Hex delinea un estilo muy personal que abarca desde la música concreta hasta el ruido más hirsuto. 

Clay Ruby ha convertido a Burial Hex en uno de los proyectos musicales más enigmáticos y eclécticos de la escena postindustrial actual. Este estadounidense se define por una incuestionable maestría a la hora de componer temas de factura oscura cargados de teatralidad y misticismo. En In Hiding vamos a hallar un conjunto de cortes contrastados entre sí, debido en cierta media a que estos han sido rescatados de distintas fuentes: desde recopilatorios en los que han colaborado diferentes artistas, hasta tonadas publicadas únicamente en plataformas digitales. Es por ello que tanto la idea como el sentimiento impreso en cada tema se distancia claramente tanto de su predecesor como del que le sigue. Sin embargo, el planteamiento estético va a ser un denominador común a lo largo del tiempo, ya que si algo comparten los nueve cortes que comprenden este CD, es su gusto por las atmósferas frías y la temática mágica. 

Uno de los aspectos merecedores del más elevado de los encomios es la fabulosa capacidad de creación de este artista. Ruby utiliza una extensa paleta de sonidos que sabe trabajar con la calidad de un artesano experimentado, logrando crear unas atmósferas envidiables que rebosan matices muy elaborados. Es más que perceptible el cuidado que este artista imprime en cada momento de la vida de las tonadas, jugando constantemente tanto con la estética general como con las transiciones sonoras. El disco comienza  de la misma forma en la que termina: exhalando oscuridad. Sin embargo, podemos apreciar que temas como “O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay” se decantan más por paisajes caliginosos y opacos, mientras que otros como “A Kiss To Birth The Rotted Sun” apuestan más por un sentimiento vivo cargado de ruido y disonancias. Todo ello sin desviarse de un planteamiento dominado por el claroscuro. 

Cold Spring lanzó al mercado este disco en formato CD hace aproximadamente un año, por lo que todavía tienes oportunidad de conseguirlo. No deseches la posibilidad de disfrutar de un dechado de maestría y oscuridad industrial. 

Fernando O. Paíno

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Miguel A. García, Abdul Moimême, AlexReviriego, Ernesto Rodrigues, Carlos Santos – “Mars Reveri”

El producto final de una reunión de surrealistas tras decretar el fin del mundo


Creative Sources - Abril de 2024 - experimental - CS 818 CD

Daudin Eoquissiv

Formons

Ressilien

Tulse Dunn

Coepilice

“Mars Reveri” es uno de los discos más delirantes y lisérgicos que vas a poder echarte sobre la espalda este verano. Cinco genios de los sonidos desestructurados y la experimentación más genuina se dan cita para crear un disco definitivo que nada tiene que envidiar a los mejores momentos de Nurse With Wound. Hablamos de una genialidad absoluta que consigue atraparte a la primera escucha. 

Mars Reveri es como un mal sueño dentro de otro. Escucharlo produce la misma sensación que masticar papel de aluminio. Es algo delirante y retorcido, perfectamente ejecutado y poseedor de una producción envidiable. Un viaje por el subconsciente de un asesino en serie, o del cerebro de un perro enjaulado sin comida durante todo el fin de semana. Es un disco realmente embarazoso, enfermizo, lisérgico e hipnótico, que sabe transfigurarse constantemente dentro de un vórtice de inestabilidad y caos taxativo. Es delicioso y elegante: sabe agobiarte, pero con clase; sopesando el punto en el que puedes llegar a estallar para que ese momento no se produzca, y la vida de su discurso pueda consumarse por completo. 

La infinidad de recursos acústicos que se han utilizado para su confección es verdaderamente admirable. Aquí encontramos de todo: desde cuerda frotada hasta percutidla, pasando por un sinfín de materia analógica surgida de sintetizadores y mil y un lavados de pedales. La yuxtaposición sobre capas y la matemática aplicada que hace fluctuar las intensidades son muestras de garantía acerca de la consumada experiencia de este quinteto de ruidistas. 

El colectivo que ha llevado a cabo la ejecución de esta colosal demostración de maestría está conformado por cinco músicos de diferentes procedencias: catalanes, bilbaínos y portugueses. Nombres tan reseñables como el colosal Miguel A. García, que es uno de los principales orgullos de este país dentro de la música experimental, o el también ecléctico y conocido Ernesto Rodrigues, fundador del sello que publica este disco, son nombres que todo amante de la improvisación musical debe conocer. 

Cinco es el número de cortes que estructuran el trabajo. Cada uno de ellos se comporta de forma autónoma, pero complementando en cierta forma la esencia del anterior. Todos tienen en común el gusto por la oscuridad y los contextos embarazosos, la cacofonía y la detumescencia acústica lavada a base de conceptualizaciones de genética dadaísta. Un álbum que nada tiene que envidiar a productos realizados por grandes referentes de este estilo como Nurse With Wound.

Mars Reveri ha salido a la venta hace poco, y puede ser adquirido en la página del propio sello. Te animamos a que bucees en estas fabulosas composiciones y te dejes dominar por el poder del inconsciente. 

https://creativesources.bandcamp.com/album/mars-reveri

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Lull – “Journey Through Underworlds”

Cruzando la Laguna Estigia

Cold Spring - Enero de 2024 - dark ambient - CSR329CD

Downwards

Journey Through Underworlds

In The Distance

Mick Harris consolidó su faceta experimental en 1993 con el trabajo que hoy presentamos, Journey Through Underworlds. El exbaterista de Napalm Death ideó un disco de factura tenebrosa y gélida que sigue de cerca la experimentación de Nurse With Wound y el tenebrismo de Lustmord. Hablamos de una obra muy atractiva para los amantes del dark ambient clásico que vale la pena no pasar por alto. 

Mick Harris es uno de esos matemáticos de la música que nunca ha dejado de crear trabajos sorprendentes independientemente de la faceta estilística en la que se centre. Su prolífica obra se ha manifestado a lo largo de las últimas décadas en innumerables proyectos entre los que destacan Defecation, el grindcore más salvaje en la mítica casete de Intestinal Infestation o su faceta más abstracta y experimental bajo el nombre de Lull.

Journey Through Underworlds es el segundo capítulo editorial de este planteamiento abstracto. El disco transita de principio a fin por un ideario cargado de oscuridad y bajas presiones. La calígine envuelve una atmósfera tétrica dominada por la quietud que ocasionalmente sabe mutar, redefiniéndose hacia cadencias rituales, tal y como podemos comprobar en su primer corte, “Downwards”. Las transiciones que se suceden son tan epatantes como elogiables, puesto que dotan a la composición de una viveza peculiar que la hace regenerarse. Por su parte, el secundo corte, “Journey Through Underworlds”, pretende ilustrarnos un viaje por el submundo. Podría ser perfecta para acompañar a la Divina Comedia de Dante, o como banda sonora de alguna obra de Patinir. El averno se ve ejemplificado por medio de la yuxtaposición de líneas de sonido opaco y atonal que saben generar contextos embarazosos. El silencio cumple una alianza formal que se mantiene en todo momento con el planteamiento conceptual, haciendo de la tonada algo fantástico. “In The Distance”, tema con el que se pone fin a esta obra, nos subsume en un entorno sombrío e implacable. El esquema se basa en una transición de intensidades cercanas al drone que se ven complementadas con destellos de ruido moldeado a base de reverberaciones y ecos, planteando un viaje mesmerizante que nos dirige de forma ineluctable a una pesadilla sin fin. 

Lo más anecdótico de este disco es sin lugar a dudas su fecha de creación y el contexto que le circunda: 1993 era un año relativamente embrionario para el estilo dark ambient. Pocos artistas se habían subido al tren que conducía al infierno, entre ellos Lustmord, que tres años antes estaba presentando “Heresy”, obra de la que este álbum es a todas luces deudor. Asimismo, el surrealismo sonoro de Nurse With Wound también es palpable en el planteamiento de Journey Through Underworlds, sobre todo en lo relativo a los contrastes eidéticos y en los juegos con los diferentes entornos sonoros.

Aunque este álbum ha sido merecedor de distintas reediciones desde su fecha de publicación, muchas de ellas han sufrido la degradación ejercida por el tiempo, dejando el soporte completamente inservible. Es lo que los británicos vienen denominando con el término disc rot. Cold Spring ha tenido a bien resucitar esta obra ejemplar. Para ello se ha llevado a cabo una fabulosa labor de ecualización y masterización que hace que Journey Through Underworlds destelle en los picos del averno. 

Recomendamos encarecidamente este trabajo. No te defraudará. 

Fernando O. Paíno

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Marbre Negre Fest I – “Marbre Negre Fest I”

UN TESTIMONIO TRITURADOR

Marbre Negre - Abril de 2024 - noise - MN178

El 8 de octubre de 2022 tuvo lugar en el barrio barcelonés de Vallarca un festival tan demoledor como aplastante. Los proyectos Signatus, Catatonic State, Soma y Gyakusatsu se reunieron en la sala L’Antic Forn con la intención de desintegrar los oídos de los asistentes. El resultado fue más potente que una bomba de hidrógeno.

Los primeros segundos registrados en esta casete editada por el sello que se encargó de organizar este festival, Marbre Negre, nos sirven de contextualización: Latas de cerveza (sí, era cerveza. Sólo la cerveza suena así) abriéndose mientras que las primeras disonancias comienzan a proferir por los altavoces de la sala; alguna que otra conversación entrecortada por la expectación de lo que iba a acontecer termina diluyéndose entre un tsunami de ruido dirigido por el primero de los proyectos que actuaban, Signatus. Los próximos 12 minutos dan testimonio de la inefable brutalidad contenida en el ideario de esta banda: un impermeable muro de ruido se abalanza hacia los allí presentes ejerciendo una presión sonora de alta magnitud. 

Tras semejante acometida, Catatonic State decide comenzar su actuación con una oscilación gradual de drone que va transformándose, mientras que los asistentes conversan amigablemente en catalán sobre planes secretos para dominar el mundo. Finalmente, el citado drone se extingue para dejar paso a una nube de ruido blanco que no llega a definirse muy bien en la grabación por causa de las altas frecuencias; sin embargo, nos deja imaginar de qué manera el artista proyecta la estructura atonal y la contingencia acústica que aquí se desarrolla. Un auténtica delicia. 

Soma es uno de mis proyectos favoritos del panorama noise actual dentro de España. Me encanta cómo su frontman, David López Saludes, trabaja el ruido, litigándolo y desbocándolo sin ningún tipo de compasión con la intención de dar a luz un expresionismo cacofónico de alto standing. El cuarto de hora de espectáculo que queda registrado en esta cinta no tiene desperdicio alguno. 

El punto final de este fantástico festival vino de la mano de Gyakusatsu, que además es la banda del responsable de este evento y a su vez de la casa discográfica Marbre Negre. Es por ello que le debemos mucho. Òscar es uno de los encargados de traer felicidad a nuestro espíritu en forma de disonancias agresivas, alaridos descontrolados, fluctuaciones desafinadas con premeditación y alevosía, y maldad cuidadosamente seleccionada. Sin lugar a dudas la guinda del pastel. Una lástima no haber podido estar allí presente para poder haber sentido las constantes punzadas de odio en forma de sonido, pero afortunadamente contamos con esta casete limitada a 50 ejemplares que todavía está disponible en el sello.

Desde NOmelody agradecemos y ensalzamos el esfuerzo que supone llevar a cabo festivales tan geniales como el aquí reseñado o el también catalán Death Cult Rising, que de forma periódica acerca fantásticos proyectos de industrial y derivaciones de este género al público peninsular. 

Fernando O. Paíno

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Llyn Y Cwn – “Megaliths”

EL ENTORNO DEL TÓTEM DE PIEDRA

Cold Spring - Marzo de 2024 - dark ambient - CSR334CD

Bryn Cader Faner

Boscawen Un

Bryn Celli Ddu

Y Meini Hirion

Pentre Ifan

Machrie Moor

Fernworthy

Avebury

Barclodiad-y-Gawres

Cashelkeelty

Llyn Y Cwn vuelve a sumergirnos en contextos inhóspitos y enigmáticos por medio del sonido. En esta ocasión, Ben Powell nos plantea un recorrido por el inquietante entorno que rodea a las primeras manifestaciones culturales del ser humano: los megalitos. 

Quien conoce Llyn Y Cwn sabe de sobras que si hay que recurrir a un buen ejemplo de dark ambient, este proyecto se presta para servir de recurso. Ben Powell, alma mater del conjunto, plantea en cada uno de sus discos la descripción sonora de un contexto relacionado con paisajes naturales o escasamente alterados por la actividad humana. Todos ellos tienen un denominador común, y este es la quietud fusionada con el misterio y la oscuridad. 

En esta ocasión, Llyn Y Cwn ha centrado su atención en los primeros monumentos ideados por el ser humano: los megalitos. Estas estructuras prehistóricas guardan una relación indisoluble con la muerte, ya que normalmente eran erigidas con fines funerarios.

Ambas evidencias han servido al proyecto como variables para poder formular un disco realmente apasionante: Megaliths propone un viaje de en torno a una hora de duración en el que vamos a poder experimentar sensaciones inefables. 

Una vez más, Ben Powell ha recurrido para su ejecución a distintas grabaciones de campo registradas en el entorno en el que se centra la idea del disco. Todo ello es combinado con sonidos aislados provenientes de sintetizador, y tamizados por medio de reverberaciones y ecos. Lo que nace de esta idea es realmente convincente: Powell apuesta por el dark ambient más brumoso en el comienzo del disco para ir derivando hacia una fórmula más experimental, en la que ocasionalmente prevalecen las estructuras de sintetizador sobre las grabaciones de campo. De hecho, a partir del momento en el que ambos elementos se dan cita, el disco puede ser definido como un conato de armonización entre ambos, ya que la constate fluctuación de estos sobre el plano que conforma el silencio, hace del resultado final algo dinámico, que contrasta de manera estilosa con la quietud que suele definir al dark ambient. Ocasionalmente se recurre a estructuras en loop astutamente encofradas en el planteamiento general, las cuales saben desatar un sentimiento hermético y claustrofóbico, como es el caso de “Fernworthy”, su séptimo corte. 

El disco destella por su interminable paleta de recursos sonoros. Escuchar Megaliths con atención y en profundidad implica necesariamente deleitarse con un sinfín de grabaciones de campo modeladas a la perfección, y a su vez combinadas por la mano de un maestro del género ambient. Muy recomendable para seguidores de iconos como Lustmord.

Al igual que el resto de su laudable discografía, Megaliths ha sido publicado por es sello británico Cold Spring en formato CD. La portada, como es usual en la estética del proyecto, nos muestra un registro gráfico en escala de grises del contexto en el que está basada la obra.

Llyn Y Cwn vuelve a convencernos una vez más. No lo pases por alto.

Fernando O. Paíno

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SOMA – “Me Dais Mucho Asco”

SINCERIDAD AFILADA

Dunkelheit Produktionen - Enero de 2024 - noise - DP166CD

El Síndrome De Saturno

Este Es El Rincón Más Oscuro De Mi Alma

Estertor

Donde Las Ideas De Una Generación Perdida Van A Morir

El proyecto catalán comandado por David López, Soma, contraataca con un impactante y nuevo trabajo compuesto por cuatro cortes devastadores. Además de que su título es un ejemplo de sinceridad en estado puro, “Me dais Mucho Asco”, puede ser considerado el disco más salvaje de su repertorio editorial.

No es la primera vez que David López Saludes, alma mater de SOMA, decide sincerarse con sus oyentes y expresar en el título de su disco lo que piensa de la sociedad. Puta Escoria Inmunda(2023) ya nos dejó bien claro que su opinión acerca del entorno andaba lejos de ser positiva. Ahora en Me dais Mucho Asco este proyecto catalán vuelve a manifestarnos de forma cristalina su juicio de valor sobre el contexto social en el que vive, y la inequívoca conclusión a la que ha llegado tras relacionarse con él. 

Me dais Mucho Asco se encuentra andamiado por cuatro cortes fabricados a base de cemento armado. Hablamos de varias líneas de ruido por tema en forma de drones, lavadas a base de pedales de reverberación y distorsión, que se abalanzan unas sobre otras causando un caos absoluto sobre un oyente indefenso, sometido a un espectáculo sonoro tan sangriento como incisivo. El artista no deja huecos por los que pueda filtrarse el silencio o la compasión. Reviste de furia cada espacio disponible, condensando la desesperación acústica hasta hacerla palpable. 

El denominador común de los cuatro temas es, sin lugar a dudas, la cacofonía. David sabe trabajar la misma de manera magistral, modulándola a su antojo con el fin de crear interesantísimos paisajes sonoros en los que reina de forma autócrata la abstracción. Podríamos definir Me dais Mucho Asco como una catarsis espiritual llevada a efecto con agente naranja, ya que el sonido desprendido del CD actúa como ácido que arrasa cualquier atisbo de vida en tu interior, dejando el contexto listo para empezar de nuevo. 

Me Dais Mucho Asco es sin lugar a dudas uno de los lanzamientos más potentes y devastadores de SOMA. Ha sido publicado por el sello teutón Dunkelheit Produktionen, y su edición en formato CD está limitada a doscientos ejemplares numerados. 

Si lo tuyo son las experiencias asoladoras, no pierdas la oportunidad de saborear detenidamente esta maravilla. Muy recomendable para amantes de Merzbow o Incapacitants.

https://dunkelheitprod.bandcamp.com/album/me-dais-mucho-asco

Fernando O. Paíno

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ESPLENDOR GEOMÉTRICO – “Strepitus Rhythmicus”

EL RITMO SIDEROMETALÚRGICO

Geometrik - Abril de 2024 - industrial - GR2160

Compensación

Concesión

Nueva Industria

Metro Sur

Revolución

Regreso

Entelequia

Cuántico

Gravitar Alrededor

Estático

Entorno

Tras más de cuarenta años de carrera musical y una discografía impactante, el dúo ítalo-hispano, Esplendor Geométrico, regresa al mercado con un impactante trabajo entre manos: “Strepitus Rhythmicus” combina la cadencia fabril con diseños acústicos orientados a las sesiones de baile más lisérgicas. Hablamos de un álbum sorprendente de principio a fin.

La capacidad creativa de este mítico conjunto parece no cesar jamás. Si el año pasado Esplendor Geométrico nos sorprendía con la limitadísima edición compartida con De Fabriek, Disco Rojo, ahora este dúo formado por Arturo Lanz y Saverio Evangelista vuelve a ser noticia gracias a un nuevo y rotundo trabajo, Strepitus Rhythmicus.

Ejecutivamente hablando, la totalidad de los cortes que vertebran esta nueva oferta mantienen los esquemas compositivos por los que EG son mundialmente conocidos: Hablamos de estructuras cíclicas y envolventes que generan en el oyente una suerte de hipnosis, situándolo entre paisajes surrealistas salpimentados con una buena dosis de futurismo exacerbado. El resultado no te dejará indiferente. Esplendor geométrico nos vuelve a dejar sobre la mesa temas tan aplastantes como categóricos. Perfectos ejemplos de música electroacústica enclaustrados en una insensibilización estética que les hace ser algo único.  

Lo más curioso y a su vez elogiable de Strepitus Rhythmicus quizá sea el equilibrio resultante a la hora de combinar temas netamente industriales y abstractos como “Revolución” con otros escorados hacia el ritmo más puro, tomando por ejemplos “Concesión” o “Gravitar Alrededor”. Este acusado contraste dota a Strepitus Rhythmicus de un interesante dinamismo que logra restar densidad a su resultado final, haciendo del álbum algo dinámico y de fácil escucha. 

Secondary, 5 of 6

Huelga decir que la producción vuelve a destellar, alcanzando unos matices de sonido espectacularmente definidos, todo esto sin perder el talante hierático y fabril que define el estilo de estos pioneros de la música independiente hispana. Supone más que placer el hecho de apreciar la innumerable multitud de sonidos y grabaciones de campo que se dan cita en esta nueva propuesta. Hasta contamos con registros de voz del Metro de Madrid salpimentadas con fórmulas acústicas ancladas en el rhythm & noise.

Strepitus Rhythmicus está teniendo una acogida espectacular. En tan solo un mes se ha agotado la edición limitada en vinilo de color y en CD, esta última acompañada por un epatante directo. Sin embargo, todavía puedes hacerte con la edición regular en LP y en CD; a esta última se le han añadido dos temas extras: “Estático” y “Entorno”. Puedes conseguir un ejemplar en la página del sello, Geometrik.

https://esplendorgeometrico.bandcamp.com/album/strepitus-rhythmicus

Fernando O. Paíno

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Oleg Karpachev – “SPUTNIK”

LA CARRERA ESPACIAL SE COMPLICA

Cold Spring - Diciembre de 2023 - ambient - CSR308CD

Sputnik es una película altamente inquietante cuyo lanzamiento se vio pospuesto por causa de la epidemia del COVID19. En ella se narran las desavenencias sufridas por un par de astronautas soviéticos tras su regreso a la Tierra después de realizar una serie de estudios en el espacio. ¿La Guerra Fría podría haberse complicado aún más si contásemos con la presencia de alienígenas en nuestro planeta? Oleg Karpachev da forma a una banda sonora potente en la que prevalece la esencia del dark ambient. 

Como todos sabemos, el Sputnik fue el primer satélite espacial en surcar el espacio, además de ser también el nombre con el que bautizarían los futuros proyectos vinculados a esta empresa. Fue puesto en marcha durante 1957, y supuso un rotundo éxito para la hoy desaparecida Unión Soviética, hecho que significó un verdadero espaldarazo para los comunistas, por lo menos en lo referente a investigación astronómica.

El argumento de la película a la que pertenece esta epatante banda sonora que hoy analizamos es tan magnético como predecible: Unos astronautas viajan al espacio por causa de una misión estrechamente relacionada con la llamada carrera espacial que ambas potencias antagónicas (USA y URSS) llevaban a cabo desde finales de los cincuenta. Tras veinte años de continuas pruebas, en 1983, una nave soviética regresará a la Tierra con uno de sus tripulantes muerto, mientras que el otro, todavía con vida, comienza a presentar extraños síntomas que hacen colegir al resto del equipo de investigación la presencia de vida extraterrestre. El resto de la trama se puede sacar en conclusión: terror, constantes sobresaltos y tensión. Mucha tensión.

Evidentemente, un argumento de estas características exige una banda sonora en la que se combine magistralmente la quietud con la calma de forma muy contrastada, como si de un efecto de claroscuro se tratase. El compositor ruso Oleg Karpachev idea una increíble colección de temas que se complementa magistralmente con el guión que acabamos de escudriñar. En esta banda sonora prevalece la oscuridad y las pinceladas de estilo postindustrial, aderezadas con sorprendentes esquemas sonoros de cuerda y tajantes cadencias que se configuran desde la inestabilidad y el devenir acústico, musculándose hasta consolidar unas estructuras aplastantes. 

Aunque el disco lanzado por Cold Spring podría pasar perfectamente por un trabajo de dark ambient, no debemos olvidar que este fue ideado para alimentar una trama visual, por lo que es del todo normal que ciertos planteamientos musicales o fórmulas de intensidad se repitan ocasionalmente, lo cual no resta calidad al producto. 

Sputnik ha sido publicado en formato CD. Su portada nos muestra al malogrado personaje principal, ataviado con su traje de astronauta, el cual se ve amenazado por la siniestra sombra del alienígena que ha traído a nuestro planeta. 

Oleg Karpachev ha realizado una fabulosa labor en esta banda sonora. Muy recomendable para los amantes de las atmósferas gélidas.

Fernando O. Paíno

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