Cold Spring - septiembre de 2023 - postindustrial/neofolk - CSR328CD
O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade
Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused
From Heel To Throat
A Kiss To Birth The Rotted Sun
Backwards Curse
Penitential March
Magic Without Tears
Pacing The Hollow
Feral Blood Vision
Cold Spring nos sorprende con un nuevo recopilatorio de uno de los conjuntos más inquietantes de postindustrial esotérico de las últimas décadas. Burial Hex delinea un estilo muy personal que abarca desde la música concreta hasta el ruido más hirsuto.
Clay Ruby ha convertido a Burial Hex en uno de los proyectos musicales más enigmáticos y eclécticos de la escena postindustrial actual. Este estadounidense se define por una incuestionable maestría a la hora de componer temas de factura oscura cargados de teatralidad y misticismo. En In Hiding vamos a hallar un conjunto de cortes contrastados entre sí, debido en cierta media a que estos han sido rescatados de distintas fuentes: desde recopilatorios en los que han colaborado diferentes artistas, hasta tonadas publicadas únicamente en plataformas digitales. Es por ello que tanto la idea como el sentimiento impreso en cada tema se distancia claramente tanto de su predecesor como del que le sigue. Sin embargo, el planteamiento estético va a ser un denominador común a lo largo del tiempo, ya que si algo comparten los nueve cortes que comprenden este CD, es su gusto por las atmósferas frías y la temática mágica.
Uno de los aspectos merecedores del más elevado de los encomios es la fabulosa capacidad de creación de este artista. Ruby utiliza una extensa paleta de sonidos que sabe trabajar con la calidad de un artesano experimentado, logrando crear unas atmósferas envidiables que rebosan matices muy elaborados. Es más que perceptible el cuidado que este artista imprime en cada momento de la vida de las tonadas, jugando constantemente tanto con la estética general como con las transiciones sonoras. El disco comienza de la misma forma en la que termina: exhalando oscuridad. Sin embargo, podemos apreciar que temas como “O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay” se decantan más por paisajes caliginosos y opacos, mientras que otros como “A Kiss To Birth The Rotted Sun” apuestan más por un sentimiento vivo cargado de ruido y disonancias. Todo ello sin desviarse de un planteamiento dominado por el claroscuro.
Cold Spring lanzó al mercado este disco en formato CD hace aproximadamente un año, por lo que todavía tienes oportunidad de conseguirlo. No deseches la posibilidad de disfrutar de un dechado de maestría y oscuridad industrial.
El producto final de una reunión de surrealistas tras decretar el fin del mundo
Creative Sources - Abril de 2024 - experimental - CS 818 CD
Daudin Eoquissiv
Formons
Ressilien
Tulse Dunn
Coepilice
“Mars Reveri” es uno de los discos más delirantes y lisérgicos que vas a poder echarte sobre la espalda este verano. Cinco genios de los sonidos desestructurados y la experimentación más genuina se dan cita para crear un disco definitivo que nada tiene que envidiar a los mejores momentos de Nurse With Wound. Hablamos de una genialidad absoluta que consigue atraparte a la primera escucha.
Mars Reveri es como un mal sueño dentro de otro. Escucharlo produce la misma sensación que masticar papel de aluminio. Es algo delirante y retorcido, perfectamente ejecutado y poseedor de una producción envidiable. Un viaje por el subconsciente de un asesino en serie, o del cerebro de un perro enjaulado sin comida durante todo el fin de semana. Es un disco realmente embarazoso, enfermizo, lisérgico e hipnótico, que sabe transfigurarse constantemente dentro de un vórtice de inestabilidad y caos taxativo. Es delicioso y elegante: sabe agobiarte, pero con clase; sopesando el punto en el que puedes llegar a estallar para que ese momento no se produzca, y la vida de su discurso pueda consumarse por completo.
La infinidad de recursos acústicos que se han utilizado para su confección es verdaderamente admirable. Aquí encontramos de todo: desde cuerda frotada hasta percutidla, pasando por un sinfín de materia analógica surgida de sintetizadores y mil y un lavados de pedales. La yuxtaposición sobre capas y la matemática aplicada que hace fluctuar las intensidades son muestras de garantía acerca de la consumada experiencia de este quinteto de ruidistas.
El colectivo que ha llevado a cabo la ejecución de esta colosal demostración de maestría está conformado por cinco músicos de diferentes procedencias: catalanes, bilbaínos y portugueses. Nombres tan reseñables como el colosal Miguel A. García, que es uno de los principales orgullos de este país dentro de la música experimental, o el también ecléctico y conocido Ernesto Rodrigues, fundador del sello que publica este disco, son nombres que todo amante de la improvisación musical debe conocer.
Cinco es el número de cortes que estructuran el trabajo. Cada uno de ellos se comporta de forma autónoma, pero complementando en cierta forma la esencia del anterior. Todos tienen en común el gusto por la oscuridad y los contextos embarazosos, la cacofonía y la detumescencia acústica lavada a base de conceptualizaciones de genética dadaísta. Un álbum que nada tiene que envidiar a productos realizados por grandes referentes de este estilo como Nurse With Wound.
Mars Reveri ha salido a la venta hace poco, y puede ser adquirido en la página del propio sello. Te animamos a que bucees en estas fabulosas composiciones y te dejes dominar por el poder del inconsciente.
Cold Spring - Enero de 2024 - dark ambient - CSR329CD
Downwards
Journey Through Underworlds
In The Distance
Mick Harris consolidó su faceta experimental en 1993 con el trabajo que hoy presentamos, Journey Through Underworlds. El exbaterista de Napalm Death ideó un disco de factura tenebrosa y gélida que sigue de cerca la experimentación de Nurse With Wound y el tenebrismo de Lustmord. Hablamos de una obra muy atractiva para los amantes del dark ambient clásico que vale la pena no pasar por alto.
Mick Harris es uno de esos matemáticos de la música que nunca ha dejado de crear trabajos sorprendentes independientemente de la faceta estilística en la que se centre. Su prolífica obra se ha manifestado a lo largo de las últimas décadas en innumerables proyectos entre los que destacan Defecation, el grindcore más salvaje en la mítica casete de Intestinal Infestation o su faceta más abstracta y experimental bajo el nombre de Lull.
Journey Through Underworlds es el segundo capítulo editorial de este planteamiento abstracto. El disco transita de principio a fin por un ideario cargado de oscuridad y bajas presiones. La calígine envuelve una atmósfera tétrica dominada por la quietud que ocasionalmente sabe mutar, redefiniéndose hacia cadencias rituales, tal y como podemos comprobar en su primer corte, “Downwards”. Las transiciones que se suceden son tan epatantes como elogiables, puesto que dotan a la composición de una viveza peculiar que la hace regenerarse. Por su parte, el secundo corte, “Journey Through Underworlds”, pretende ilustrarnos un viaje por el submundo. Podría ser perfecta para acompañar a la Divina Comedia de Dante, o como banda sonora de alguna obra de Patinir. El averno se ve ejemplificado por medio de la yuxtaposición de líneas de sonido opaco y atonal que saben generar contextos embarazosos. El silencio cumple una alianza formal que se mantiene en todo momento con el planteamiento conceptual, haciendo de la tonada algo fantástico. “In The Distance”, tema con el que se pone fin a esta obra, nos subsume en un entorno sombrío e implacable. El esquema se basa en una transición de intensidades cercanas al drone que se ven complementadas con destellos de ruido moldeado a base de reverberaciones y ecos, planteando un viaje mesmerizante que nos dirige de forma ineluctable a una pesadilla sin fin.
Lo más anecdótico de este disco es sin lugar a dudas su fecha de creación y el contexto que le circunda: 1993 era un año relativamente embrionario para el estilo dark ambient. Pocos artistas se habían subido al tren que conducía al infierno, entre ellos Lustmord, que tres años antes estaba presentando “Heresy”, obra de la que este álbum es a todas luces deudor. Asimismo, el surrealismo sonoro de Nurse With Wound también es palpable en el planteamiento de Journey Through Underworlds, sobre todo en lo relativo a los contrastes eidéticos y en los juegos con los diferentes entornos sonoros.
Aunque este álbum ha sido merecedor de distintas reediciones desde su fecha de publicación, muchas de ellas han sufrido la degradación ejercida por el tiempo, dejando el soporte completamente inservible. Es lo que los británicos vienen denominando con el término disc rot. Cold Spring ha tenido a bien resucitar esta obra ejemplar. Para ello se ha llevado a cabo una fabulosa labor de ecualización y masterización que hace que Journey Through Underworlds destelle en los picos del averno.
Recomendamos encarecidamente este trabajo. No te defraudará.
El 8 de octubre de 2022 tuvo lugar en el barrio barcelonés de Vallarca un festival tan demoledor como aplastante. Los proyectos Signatus, Catatonic State, Soma y Gyakusatsu se reunieron en la sala L’Antic Forn con la intención de desintegrar los oídos de los asistentes. El resultado fue más potente que una bomba de hidrógeno.
Los primeros segundos registrados en esta casete editada por el sello que se encargó de organizar este festival, Marbre Negre, nos sirven de contextualización: Latas de cerveza (sí, era cerveza. Sólo la cerveza suena así) abriéndose mientras que las primeras disonancias comienzan a proferir por los altavoces de la sala; alguna que otra conversación entrecortada por la expectación de lo que iba a acontecer termina diluyéndose entre un tsunami de ruido dirigido por el primero de los proyectos que actuaban, Signatus. Los próximos 12 minutos dan testimonio de la inefable brutalidad contenida en el ideario de esta banda: un impermeable muro de ruido se abalanza hacia los allí presentes ejerciendo una presión sonora de alta magnitud.
Tras semejante acometida, Catatonic State decide comenzar su actuación con una oscilación gradual de drone que va transformándose, mientras que los asistentes conversan amigablemente en catalán sobre planes secretos para dominar el mundo. Finalmente, el citado drone se extingue para dejar paso a una nube de ruido blanco que no llega a definirse muy bien en la grabación por causa de las altas frecuencias; sin embargo, nos deja imaginar de qué manera el artista proyecta la estructura atonal y la contingencia acústica que aquí se desarrolla. Un auténtica delicia.
Soma es uno de mis proyectos favoritos del panorama noise actual dentro de España. Me encanta cómo su frontman, David López Saludes, trabaja el ruido, litigándolo y desbocándolo sin ningún tipo de compasión con la intención de dar a luz un expresionismo cacofónico de alto standing. El cuarto de hora de espectáculo que queda registrado en esta cinta no tiene desperdicio alguno.
El punto final de este fantástico festival vino de la mano de Gyakusatsu, que además es la banda del responsable de este evento y a su vez de la casa discográfica Marbre Negre. Es por ello que le debemos mucho. Òscar es uno de los encargados de traer felicidad a nuestro espíritu en forma de disonancias agresivas, alaridos descontrolados, fluctuaciones desafinadas con premeditación y alevosía, y maldad cuidadosamente seleccionada. Sin lugar a dudas la guinda del pastel. Una lástima no haber podido estar allí presente para poder haber sentido las constantes punzadas de odio en forma de sonido, pero afortunadamente contamos con esta casete limitada a 50 ejemplares que todavía está disponible en el sello.
Desde NOmelody agradecemos y ensalzamos el esfuerzo que supone llevar a cabo festivales tan geniales como el aquí reseñado o el también catalán Death Cult Rising, que de forma periódica acerca fantásticos proyectos de industrial y derivaciones de este género al público peninsular.
Cold Spring - Marzo de 2024 - dark ambient - CSR334CD
Bryn Cader Faner
Boscawen Un
Bryn Celli Ddu
Y Meini Hirion
Pentre Ifan
Machrie Moor
Fernworthy
Avebury
Barclodiad-y-Gawres
Cashelkeelty
Llyn Y Cwn vuelve a sumergirnos en contextos inhóspitos y enigmáticos por medio del sonido. En esta ocasión, Ben Powell nos plantea un recorrido por el inquietante entorno que rodea a las primeras manifestaciones culturales del ser humano: los megalitos.
Quien conoce Llyn Y Cwn sabe de sobras que si hay que recurrir a un buen ejemplo de dark ambient, este proyecto se presta para servir de recurso. Ben Powell, alma mater del conjunto, plantea en cada uno de sus discos la descripción sonora de un contexto relacionado con paisajes naturales o escasamente alterados por la actividad humana. Todos ellos tienen un denominador común, y este es la quietud fusionada con el misterio y la oscuridad.
En esta ocasión, Llyn Y Cwn ha centrado su atención en los primeros monumentos ideados por el ser humano: los megalitos. Estas estructuras prehistóricas guardan una relación indisoluble con la muerte, ya que normalmente eran erigidas con fines funerarios.
Ambas evidencias han servido al proyecto como variables para poder formular un disco realmente apasionante: Megaliths propone un viaje de en torno a una hora de duración en el que vamos a poder experimentar sensaciones inefables.
Una vez más, Ben Powell ha recurrido para su ejecución a distintas grabaciones de campo registradas en el entorno en el que se centra la idea del disco. Todo ello es combinado con sonidos aislados provenientes de sintetizador, y tamizados por medio de reverberaciones y ecos. Lo que nace de esta idea es realmente convincente: Powell apuesta por el dark ambient más brumoso en el comienzo del disco para ir derivando hacia una fórmula más experimental, en la que ocasionalmente prevalecen las estructuras de sintetizador sobre las grabaciones de campo. De hecho, a partir del momento en el que ambos elementos se dan cita, el disco puede ser definido como un conato de armonización entre ambos, ya que la constate fluctuación de estos sobre el plano que conforma el silencio, hace del resultado final algo dinámico, que contrasta de manera estilosa con la quietud que suele definir al dark ambient. Ocasionalmente se recurre a estructuras en loop astutamente encofradas en el planteamiento general, las cuales saben desatar un sentimiento hermético y claustrofóbico, como es el caso de “Fernworthy”, su séptimo corte.
El disco destella por su interminable paleta de recursos sonoros. Escuchar Megaliths con atención y en profundidad implica necesariamente deleitarse con un sinfín de grabaciones de campo modeladas a la perfección, y a su vez combinadas por la mano de un maestro del género ambient. Muy recomendable para seguidores de iconos como Lustmord.
Al igual que el resto de su laudable discografía, Megaliths ha sido publicado por es sello británico Cold Spring en formato CD. La portada, como es usual en la estética del proyecto, nos muestra un registro gráfico en escala de grises del contexto en el que está basada la obra.
Llyn Y Cwn vuelve a convencernos una vez más. No lo pases por alto.
Dunkelheit Produktionen - Enero de 2024 - noise - DP166CD
El Síndrome De Saturno
Este Es El Rincón Más Oscuro De Mi Alma
Estertor
Donde Las Ideas De Una Generación Perdida Van A Morir
El proyecto catalán comandado por David López, Soma, contraataca con un impactante y nuevo trabajo compuesto por cuatro cortes devastadores. Además de que su título es un ejemplo de sinceridad en estado puro, “Me dais Mucho Asco”, puede ser considerado el disco más salvaje de su repertorio editorial.
No es la primera vez que David López Saludes, alma mater de SOMA, decide sincerarse con sus oyentes y expresar en el título de su disco lo que piensa de la sociedad. Puta Escoria Inmunda(2023) ya nos dejó bien claro que su opinión acerca del entorno andaba lejos de ser positiva. Ahora en Me dais Mucho Asco este proyecto catalán vuelve a manifestarnos de forma cristalina su juicio de valor sobre el contexto social en el que vive, y la inequívoca conclusión a la que ha llegado tras relacionarse con él.
Me dais Mucho Asco se encuentra andamiado por cuatro cortes fabricados a base de cemento armado. Hablamos de varias líneas de ruido por tema en forma de drones, lavadas a base de pedales de reverberación y distorsión, que se abalanzan unas sobre otras causando un caos absoluto sobre un oyente indefenso, sometido a un espectáculo sonoro tan sangriento como incisivo. El artista no deja huecos por los que pueda filtrarse el silencio o la compasión. Reviste de furia cada espacio disponible, condensando la desesperación acústica hasta hacerla palpable.
El denominador común de los cuatro temas es, sin lugar a dudas, la cacofonía. David sabe trabajar la misma de manera magistral, modulándola a su antojo con el fin de crear interesantísimos paisajes sonoros en los que reina de forma autócrata la abstracción. Podríamos definir Me dais Mucho Asco como una catarsis espiritual llevada a efecto con agente naranja, ya que el sonido desprendido del CD actúa como ácido que arrasa cualquier atisbo de vida en tu interior, dejando el contexto listo para empezar de nuevo.
Me Dais Mucho Asco es sin lugar a dudas uno de los lanzamientos más potentes y devastadores de SOMA. Ha sido publicado por el sello teutón Dunkelheit Produktionen, y su edición en formato CD está limitada a doscientos ejemplares numerados.
Si lo tuyo son las experiencias asoladoras, no pierdas la oportunidad de saborear detenidamente esta maravilla. Muy recomendable para amantes de Merzbow o Incapacitants.
Tras más de cuarenta años de carrera musical y una discografía impactante, el dúo ítalo-hispano, Esplendor Geométrico, regresa al mercado con un impactante trabajo entre manos: “Strepitus Rhythmicus” combina la cadencia fabril con diseños acústicos orientados a las sesiones de baile más lisérgicas. Hablamos de un álbum sorprendente de principio a fin.
La capacidad creativa de este mítico conjunto parece no cesar jamás. Si el año pasado Esplendor Geométrico nos sorprendía con la limitadísima edición compartida con De Fabriek,Disco Rojo, ahora este dúo formado por Arturo Lanz y Saverio Evangelista vuelve a ser noticia gracias a un nuevo y rotundo trabajo, Strepitus Rhythmicus.
Ejecutivamente hablando, la totalidad de los cortes que vertebran esta nueva oferta mantienen los esquemas compositivos por los que EG son mundialmente conocidos: Hablamos de estructuras cíclicas y envolventes que generan en el oyente una suerte de hipnosis, situándolo entre paisajes surrealistas salpimentados con una buena dosis de futurismo exacerbado. El resultado no te dejará indiferente. Esplendor geométrico nos vuelve a dejar sobre la mesa temas tan aplastantes como categóricos. Perfectos ejemplos de música electroacústica enclaustrados en una insensibilización estética que les hace ser algo único.
Lo más curioso y a su vez elogiable de Strepitus Rhythmicusquizá sea el equilibrio resultante a la hora de combinar temas netamente industriales y abstractos como “Revolución” con otros escorados hacia el ritmo más puro, tomando por ejemplos “Concesión” o “Gravitar Alrededor”. Este acusado contraste dota a Strepitus Rhythmicusde un interesante dinamismo que logra restar densidad a su resultado final, haciendo del álbum algo dinámico y de fácil escucha.
Huelga decir que la producción vuelve a destellar, alcanzando unos matices de sonido espectacularmente definidos, todo esto sin perder el talante hierático y fabril que define el estilo de estos pioneros de la música independiente hispana. Supone más que placer el hecho de apreciar la innumerable multitud de sonidos y grabaciones de campo que se dan cita en esta nueva propuesta. Hasta contamos con registros de voz del Metro de Madrid salpimentadas con fórmulas acústicas ancladas en el rhythm & noise.
Strepitus Rhythmicus está teniendo una acogida espectacular. En tan solo un mes se ha agotado la edición limitada en vinilo de color y en CD, esta última acompañada por un epatante directo. Sin embargo, todavía puedes hacerte con la edición regular en LP y en CD; a esta última se le han añadido dos temas extras: “Estático” y “Entorno”. Puedes conseguir un ejemplar en la página del sello, Geometrik.
Cold Spring - Diciembre de 2023 - ambient - CSR308CD
Sputnik es una película altamente inquietante cuyo lanzamiento se vio pospuesto por causa de la epidemia del COVID19. En ella se narran las desavenencias sufridas por un par de astronautas soviéticos tras su regreso a la Tierra después de realizar una serie de estudios en el espacio. ¿La Guerra Fría podría haberse complicado aún más si contásemos con la presencia de alienígenas en nuestro planeta? Oleg Karpachev da forma a una banda sonora potente en la que prevalece la esencia del dark ambient.
Como todos sabemos, el Sputnik fue el primer satélite espacial en surcar el espacio, además de ser también el nombre con el que bautizarían los futuros proyectos vinculados a esta empresa. Fue puesto en marcha durante 1957, y supuso un rotundo éxito para la hoy desaparecida Unión Soviética, hecho que significó un verdadero espaldarazo para los comunistas, por lo menos en lo referente a investigación astronómica.
El argumento de la película a la que pertenece esta epatante banda sonora que hoy analizamos es tan magnético como predecible: Unos astronautas viajan al espacio por causa de una misión estrechamente relacionada con la llamada carrera espacial que ambas potencias antagónicas (USA y URSS) llevaban a cabo desde finales de los cincuenta. Tras veinte años de continuas pruebas, en 1983, una nave soviética regresará a la Tierra con uno de sus tripulantes muerto, mientras que el otro, todavía con vida, comienza a presentar extraños síntomas que hacen colegir al resto del equipo de investigación la presencia de vida extraterrestre. El resto de la trama se puede sacar en conclusión: terror, constantes sobresaltos y tensión. Mucha tensión.
Evidentemente, un argumento de estas características exige una banda sonora en la que se combine magistralmente la quietud con la calma de forma muy contrastada, como si de un efecto de claroscuro se tratase. El compositor ruso Oleg Karpachev idea una increíble colección de temas que se complementa magistralmente con el guión que acabamos de escudriñar. En esta banda sonora prevalece la oscuridad y las pinceladas de estilo postindustrial, aderezadas con sorprendentes esquemas sonoros de cuerda y tajantes cadencias que se configuran desde la inestabilidad y el devenir acústico, musculándose hasta consolidar unas estructuras aplastantes.
Aunque el disco lanzado por Cold Spring podría pasar perfectamente por un trabajo de dark ambient, no debemos olvidar que este fue ideado para alimentar una trama visual, por lo que es del todo normal que ciertos planteamientos musicales o fórmulas de intensidad se repitan ocasionalmente, lo cual no resta calidad al producto.
Sputnik ha sido publicado en formato CD. Su portada nos muestra al malogrado personaje principal, ataviado con su traje de astronauta, el cual se ve amenazado por la siniestra sombra del alienígena que ha traído a nuestro planeta.
Oleg Karpachev ha realizado una fabulosa labor en esta banda sonora. Muy recomendable para los amantes de las atmósferas gélidas.
Kristófer Páll Viðarsson es el responsable de Aska, uno de los proyectos más enigmáticos del llamado angst-pop. Grandes trabajos como “Grátónar” o su reciente y aclamado lanzamiento con el sello de culto Galakthorrö “Út Við Sundin Grá” se encargan de certificarlo. Este artista islandés lleva ideando música desde antes de 2015. NOmelody tiene el honor de intercambiar impresiones con él, ahondando en su perspectiva musical y el futuro del proyecto. Dentro de poco estará actuando en el mayor festival de música alternativa oscura del planeta: el Wave Gotik Treffen.
1. ¿Cuándo empezaste a producir canciones bajo este nombre artístico? ¿Has tenido algún proyecto musical antes de esto?
Crecí escuchando heavy metal con mi padre. Recuerdo con cariño aquella época. Nunca olvidaré cuando me compró Seventh Son of a Seventh Son (1988) de Iron Maiden cuando tenía nueve o diez años. Sin embargo, me ordenó que me mantuviera alejado de “esos gritos sin sentido” sin importar nada. No hace falta decir que la situación se intensificó increíblemente rápido desde Iron Maiden hasta Cradle of Filth y, finalmente, el black y el death metal. Todavía trato de encontrar tiempo para Telepathic with the Deceased, Geist ist Teufel o Vampires of Black Imperial Blood de vez en cuando, pero el metal no suele ocupar un lugar destacado en mi lista de prioridades.
Dejé Vansköpun (2011) después de sólo un EP “Alsæla gegnum endurfæðingu”. Hay material inédito que nunca grabé. Dagur de Misþyrming me anima a grabarla de vez en cuando, ya que todavía tiene las partituras. Incluso se ofrece a hacer todo el trabajo de cuerdas por mí, ya que no he tocado la guitarra en diez años, pero tiene un tiempo limitado y no existe un deseo particular por mi parte. Aun así, sigo manteniendo una fuerte relación con la escena del black metal islandesa. De vez en cuando creo letras y una atmósfera sintetizada para amigos, bandas como Misþymring y Andavald, por ejemplo.
No es fácil determinar exactamente cuándo me di cuenta de que lo era la electrónica. Tal vez cuando escuché Black Celebration (1986) de Depeche Mode por primera vez en su totalidad, que sigue estando entre mis álbumes favoritos hoy en día a pesar de que no se compara con A Broken Frame (1982). Al menos me di cuenta de que lo que buscaba en mi música no era teatralidad sino tristeza, anhelo y mirada hacia adentro.
Aska fue conceptualizado a principios de 2013 con la idea de hacer ola de frío con énfasis en el frío. En ese momento también me estaba interesando más la poesía, y se me ocurrió la idea de experimentar con la palabra hablada. El álbum debut Grátónar se lanzó en Bandcamp en mayo de 2014. Aproximadamente un año después se lanzó un LP en el efímero sello islandés Ronja Records. Grátónar fue compuesto más o menos en guitarra, ya que no tenía experiencia con el teclado, pero podía mover datos MIDI de Guitar Pro a Reaper y secuenciar mi Minibrute de esa manera. Antes de darme cuenta había vendido mis dos guitarras, el ampli y todo lo relacionado con las cuerdas para financiar un secuenciador Telemark + Oberkorn de Analogue Solutions junto con la computadora de ritmo Tanzbär de MFB. Todavía extraño el equipo de Analogue Solutions, pero para financiar un sistema Eurorack decente todo tenía que desaparecer.
2. ¿Qué ha supuesto para ti fichar por el sello alemán Galakthorrö? ¿Crees que tu estilo se adapta bien a los patrones de esta legendaria marca de culto?
Al estar fuertemente inspirado en el catálogo versátil y único del sello, Galakthorrö es el entorno perfecto para no guardar nada. Durante un par de años, esperar la carta anual de Galakthorrö fue para mí lo más destacado del año. Roland y Karin son figuras influyentes, y confío en su criterio y consejo. La forma en que abordan la música con una estética única y decidida y con vulnerabilidad a través de la experimentación es algo a lo que aspiro. Hacen las cosas a su manera. Que Galakthorrö fuera completamente independiente fue algo que al principio me costó creer y que siempre he respetado.
3. ¿Qué exiges de tus composiciones? ¿Qué te inspira?
Siempre supuse que Aska ampliaría mi poesía con la electrónica para experimentar, y eso nunca ha cambiado. Trabajar en Aska puede resultar bastante agotador a veces, por lo que es importante que los poemas tengan suficiente espacio para respirar, ya que reflejan ese estado mental.
En cuanto a la inspiración, puede ser cualquier cosa, desde un recuerdo de la infancia, un comportamiento inesperado de un sintetizador, la poesía que estoy leyendo o lo que está pasando en mi vida en ese momento. Estar atrapado en mi cabeza, el amor y las relaciones con las personas, los arrepentimientos, vivir con un temor persistente hasta donde puedo recordar, los conceptos erróneos y siempre imaginar la peor conclusión posible en cada ocasión es algo de lo que saco… ansiedad y pánico. El desorden realmente crea un espacio mental creativo. Ideas no me han faltado desde que empecé con Aska, aunque trabajo bastante despacio. Los últimos años me ha inspirado especialmente la poesía del nórdico Tor Ulven, en particular su enfoque de la naturaleza, la condición humana y la soledad crónica. Si existe traducción en tu país, no lo pienses dos veces si te topas con uno de sus libros.
4. Tu trabajo debut con Galakthorrö es realmente impresionante. ¿Cómo surgió la idea? ¿Ha sido complicado ponerlo en práctica?
Muchas gracias, eso significa mucho para mí.
Út við sundin grá se traduce como «por el estrecho gris» y es un juego de palabras. Se basa en un antiguo dicho islandés sobre alguien que está «en el estrecho azul», o «að vera við sundin blá», que se refiere a estar cautivo en Kleppur, el hospital psiquiátrico islandés, situado en el estrecho de Viðeyjarsu. Es famoso por tratar mal a los pacientes, al igual que muchos asilos del pasado. Así surgió la idea del título del álbum: estar cautivo de la propia cabeza desagradable.
5. ¿Qué equipo sueles utilizar para crear tus composiciones?
Tengo algunos sintetizadores, pero el sistema Eurorack tiende a ser el núcleo de mi diseño de sonido, sin importar si se usa como una voz sustractiva estándar, un bucle de retroalimentación manipulado por un voltaje de control o cualquier cosa intermedia.
6. Pronto actuarás en el Wave Gotik Treffen de este año. Sin duda, uno de los festivales independientes más relevantes de toda Europa, y el más importante dentro del espectro oscuro. ¿Estás feliz? Dinos más sobre eso…
Estoy encantado de participar en Wave Gotik Treffen y tengo muchas ganas de que llegue el festival. Las actuaciones de Aska son pocas y espaciadas, por lo que el interés de Wave Gotik Treffen por mi música es muy especial para mí. La confianza en mí y en mi material me pareció hermosa, ya que no he actuado desde agosto de 2019 en Islandia.
7. ¿Cuáles son tus influencias musicales?
Tiendo a buscar música intensa y miserable.
8. ¿Tienes en mente hacer más conciertos?
Sí. Me tomé un largo descanso para concentrarme en la composición, pero ahora me siento listo para actuar, y he tratado de encontrar una configuración que pueda estar lista para configurar y manipular con una preparación mínima. Este año quedan varios festivales y espectáculos más. Considerad poneros en contacto conmigo si estáis interesados en que Aska actúe en vuestras ciudades.
9. ¿Cómo se ve el panorama industrial en Islandia?
Tengo una visión limitada de lo que sucede en Islandia en general, pero trato de mantenerme en contacto con mis amigos, muchos de los cuales son músicos fantásticos. Algunas de las bandas de olas que surgieron alrededor de 2013 todavía existen… algunas nuevas también. Þórir Georg y Júlía, que lanzaron mi álbum debut Grátónar, hace unos años hicieron un gran ruido industrial bajo el nombre de Roht. Espero que sigan funcionando.
10. ¿Algo más que añadir para los lectores de NOmelody?
Presta atención a las letras de los músicos que significan algo para ti si las ponen a tu disposición. Y considerad comprar el Kosmoloko 3, la nueva recopilación de bandas del sello alemán en la que participo.
Silent State Records - Abril de 2024 - ambient house / trance - SSR-LP-006
The Fires Of Ork I
The Fires Of Ork II
Gebirge
Talk To The Stars
The Facts Of Life
El sello teutón Silent State Recordings ha llevado a efecto la reedición de uno de los trabajos más enigmáticos de ambient house jamás creados. El primer álbum de The Fires Of Ork marcó impronta en la música de los noventa gracias a sus inefables atmósferas y su firme cadencia. Geir Jenssen y Pete Namlook crearon una obra perfecta que por fin es publicada en formato vinilo.
Para disfrutar un trabajo de estas características es, a mi parecer, imprescindible situarse por un momento en el contexto de su gestación. Hablamos de los albores de los noventa. Una época en la que el tecno comenzaba a morir de indigestión para dejar paso a ritmos mucho más profundos, mesmerizantes y lisérgicos. Bastante había llovido desde aquel “Memorabilia” de Soft Cell que daba el pistoletazo de salida al género posteriormente conocido como house.
Pete Namlook comenzaba a publicar bajo su recién creado sello Fax fantásticos trabajos que empezaban a romper moldes dentro de la escena alternativa, como fue el caso de Silence. Un año más tarde, en 1993, la casa discográfica sorprendía con un lanzamiento del mismo artista en colaboración con el músico noruego Geir Jenssen. Se presentaba exento de título, mostrando únicamente el nombre del proyecto: The Fires Of Ork.
El disco que hoy nos ocupa es la primera de las dos partes del trabajo conjunto de este par de genios. La segunda vio la luz siete años después del primer lanzamiento, y ambas se complementan a la perfección.
Para la ocasión, la discográfica encargada de relanzar esta genialidad, Silent State, ha decidido reordenar parcialmente los temas y dividir los mismos entre dos vinilos. La única alteración, acertada a mi parecer, ha sido fusionar los cortes “The Fires Of Ork I” y “The Fires Of Ork II” en una sola cara, a diferencia de la publicación original de Fax, que sitúa el primero al comienzo y el segundo al final. Dado que el segundo es claramente una continuación del primero, y que, sumando sus duraciones, el resultado es equivalente al de cualquiera de los otros tres temas que vertebran el álbum, la decisión está más que justificada. “The Fires Of Ork” es un tema de pulso firme y rítmico que sabe navegar con un estilo ejemplar entre paisajes inhóspitos conformados a base de una urdimbre acústica enigmática que acompaña a las bases de la mejor de las formas posibles, concibiendo ambientes en los que el oyente sabe sentirse cómodo y dejarse llevar por los senderos que marca la composición. La cuña de silencio que atraviesa ocasionalmente a la tonada se debe a la fusión de ambos temas.
“Gebirge” y “Talk To The Stars” certifican el hecho de que estamos ante un ejemplo perfecto de ambient house. Los entornos sonoros se expanden de forma irremediable e intranquilizadora, avanzando con sigilo hacia el oyente hasta que logran rodearlo. “Talk To The Stars” rompe usando una decidida fórmula rítmica perfecta para el contexto chill out. En algún momento podemos saborear la esencia de joyas como el “Love Secret Domain” (1991) de Coil en él.
El tema estrella de este titánico trabajo es “The Facts Of Life”, un tema que nos hace flotar en el éter. El ámbito sonoro que se formula es auténticamente onírico. La solución es lograda con aproximadamente cinco líneas de sonido. Las bases actúan de forma cíclica, dejando que una infinidad de golpes se vayan deformando dentro de la vorágine centrípeta creada por el movimiento que impulsa el paso del tiempo.
La edición en vinilo de esta obra se ha hecho esperar más de treinta años, pero por fin la tenemos entre las manos. Silent State Records no ha escatimado en gastos: la presentación del doble elepé resulta más que encomiable. El gramaje de los discos es tan amplio como la calidad de la música que en ellos se registra.
No pierdas la oportunidad de reservar una copia. La tirada ha sido limitada.
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