Basarabian Hills – “Groping In A Misty Spread”

Atravesando la bruma

4-estrellas

COD music - Noviembre de 2018 - dark ambient - COD17

 

Morning Hoarfrost

Groping In A Misty Spread

Snowflakes

Crows

 

Surgidos de la acusada orografía moldava, Basarabian Hills plantea en “Groping In a Misty Spread” cuatro cortes dominados por la quietud ambiental en los que podemos descubrir escuetas reminiscencias emparentadas con el black metal.

 

 

Basarabian Hills es un ejemplo más de aquella enigmática transición que, ocasionalmente, algunas bandas que cultivaban sonidos black metal experimentaron, declinando su estilo hacia campos más etéreos y melódicos.

Posiblemente, y para no rizar demasiado el rizo, el ejemplo más arquetípico de esta derivación estilística lo encontraríamos en el soberbio Filosofem (1995) de Burzum, donde se emparejaban tonadas estrictamente ásperas y punzantes con otras más melódicas y calmadas, demostrando de esta forma que la potencialidad creativa de un conjunto no debe ser encerrada en un único estilo por miedo a provocar una muerte por asfixia.

 

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Groping In a Misty Spread es un disco centrado claramente en la experimentación ambiental de corte melódico. Hablamos de cuatro canciones con una línea argumental bastante similar entre sí en las que se plantean rutas melódicas realizadas a base de sintetizador.

La idea del conjunto ha sido combinar la oscuridad con un cierto romanticismo bucólico que nos evoca de forma directa la naturaleza más inhóspita. Las formas vocales pasan al olvido, aunque logran manifestarse de manera muy puntual en forma de suspiros y otro tipo de estructuras carentes de significación semántica. Hablamos de un disco perfecto para acompañar a los momentos de sosiego en donde la oscuridad hace acto de presencia de forma comedida y elegante.

Su publicación original tuvo lugar en el año 2016, y ha gozado de distintas reediciones. La que hoy presentamos ha sido realizada por primera vez en formato CD, potenciando en cierta forma la calidad de sonido que albergaba el disco. Para ello la casa rusa Der Schwarze Tod, focalizada en la publicación de bandas de black metal, ha unido sus fuerzas con una discográfica bastante más ecléctica en lo que a estilos musicales se refiere, como es COD music, para resucitar la estela nigromántica encapsulada en este álbum.

 

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/groping-in-a-misty-spread

 

Fernando O. Paíno

 

El interior del Muro del Sacrificio

Entrevistamos a Douglas P. de Death In June con motivo de la reedición en CD de The Wall Of Sacrifice, en la que también se incluye un vinilo limitado en 7″ disponible en varios colores. Ésta ha sido llevada a cabo por el sello Steel Work Maschine.

 

Ahora se cumplen treinta y un años de la publicación de uno de los trabajos más enigmáticos de la carrera de Death In June, The Wall Of Sacrifice. Hablamos de un disco infrecuente y agridulcemente atractivo en todas sus facetas.

Para empezar, el título del álbum no se gestó en la vigilia, sino dentro de los sueños del propio Douglas Pearce. El artista tuvo una ensoñación que se extendió intermitentemente a lo largo de tres noches seguidas. En la tercera noche fue conducido a una casa que ya había aparecido someramente en los dos sueños anteriores. Al entrar en ella, subió a una habitación cuyas paredes estaban exentas de yeso. En su lugar había una dura capa de hielo que recubría otra de sangre congelada.

The Wall Of Sacrifice es uno de los álbumes de Death In June en el que se cuenta con la participación de un gran número de músicos cercanos a Douglas, pudiendo destacar a Boyd Rice, David Tibet, Rose McDowall o Andrea James entre otros.

El contenido de The Wall Of Sacrifice puede ser considerado uno de los más heterogéneos de toda la carrera de la banda. Dentro de él se entremezclan cortes netamente experimentales, cercanos al sonido post-industrial, como “The Wall Of Sacrifice”, que se encarga de dar nombre al álbum -quince minutos de presión contextualizada en las postrimerías de la primera mitad del siglo pasado- o “Heilige Leben” –en el que se escucha de fondo la voz de Rose McDowall- sin olvidar “Death Is a Drummer”, con otros mucho más armónicos y estructurados, pudiendo destacar clásicos como “Giddy Giddy Carousel”, “Hullo Angel” o la siempre epatante “Fall Apart”.

Cabe destacar a su vez las geniales colaboraciones con Tibet y Rice materializadas en “Bring In The Night”, así como en “In Sacrilege”, en la que cuenta únicamente con el primero de ellos.

Ahora, echando la vista atrás, el propio Douglas nos comentaba que The Wall Of Sacrifice supuso un momento crucial en la carrera de Death In June. “En 1988, cuando comencé a escribir y grabar los primeros esbozos del trabajo, pensaba que sería el álbum que pondría punto y final a la carrera del proyecto. Me encontraba destrozado tanto mental como físicamente, y sentía que había llevado el proyecto lo más lejos que había podido. Notaba que The Wall Of Sacrifice iba a ser mi Metal Machine Music con el que claudicase mi carrera y dijese definitivamente ¡Adiós!

Evidentemente, desconocía el devenir que me guardaba el futuro; pero poco después de su lanzamiento en 1989 y con el dinero que había ganado gracias a él decidí ir por primera vez a Australia para reflexionar profundamente sobre mi vida y mi trabajo, y todo cambió para mí a partir de aquel momento… Por lo que ahora me pregunto: ¿Fue mi álbum salvador?”

 

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Foto cedida por Douglas P.

 

Otra de las cuestiones que no queríamos pasar por alto en la redacción de NOmelody fueron los extraños sucesos y la nutrida colección de anécdotas que acompañan a la grabación de este disco. Douglas nos cuenta: “ Hay muchos incidentes y anécdotas que sazonan este álbum desde el principio hasta el final, pero de todas ellas hay tres que inmediatamente me vienen a la mente.

La primera se produjo durante el primer día de grabación en el nuevo estudio. Un sitio en el que nunca antes había trabajado. Se llamaba The Greenhouse. Mientras atravesábamos un viejo lugar donde antaño se almacenaban bombas y que años más tarde se había convertido en un parking local, una niña se acercó a mí dando saltos mientras cantaba lo que en ese preciso momento decidí que serían las palabras con las que abriría el disco “ Primero tomas un corazón y luego lo destrozas”. Lo repetía sin parar, una y otra vez, incesantemente… Ni siquiera estoy seguro a día de hoy si ella realmente existió, ya que fue un hecho tan extraño… o si realmente estas fueron las palabras que salieron de su boca, pero de forma automática estas fueron las palabras que dieron forma a la introducción de The Wall Of Sacrifice.

La segunda de las anécdotas se encuentra en los días en los que observaba a través de las ventanas del estudio a un halcón cazar gorriones que había en el tejado del edificio. En lugar de volar tras ellos, en realidad corrió detrás de los pequeños pájaros, que se escondían en las canaletas del techo y en las pequeñas grietas que el paso del tiempo había ocasionado en el edificio. Estaba asistiendo a una demostración de “caza salvaje” muy urbana en la que tanto el cazador como la presa habían adaptado su comportamiento. Fue muy extraño, y me complace anunciar que nunca vi al halcón atrapar a un solo gorrión.

La última de estas anécdotas se corresponde con la última noche de grabación, cuando estábamos mezclando los temas “Death Is A Drummer” y “The Wall Of Sacrifice”. Estaba allí solo con Geff Rushton (John Balance de Coil). Según avanzaba la noche y el trabajo él comenzó a sentirse realmente incómodo debido a la inquietante atmósfera que se estaba gestando en el estudio. Llegó un momento en el que no pudo soportarla y se marchó del local. Yo estaba realmente encantado, ya que la mezcla estaba quedando estupendamente, y las pistas sonaban a la perfección, pero él desapareció en un abrir y cerrar de ojos. Era muy extraño verlo tan perturbado.”

The Wall Of Sacrifice ha sido reeditado en formato CD. En esta ocasión el disco viene acompañado de tres remixes y de un 7” en el que se incluyen dos cortes: “Fall Apart” y “Giddy Giddy Carousel + In Sacrilege (Abandon Tracks Mix 2002)

 

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Se han prensado tres ediciones distintas que difieren en el color del vinilo, y están disponibles en el siguiente enlace:

https://www.steelwork.fr/death-in-june/2646-death-in-june-the-wall-of-sacrifice-plus-cdcolour-7-smr018.html

 

 

 

Fernando O. Paíno

“Вароша”

 

 

Un homenaje al conflicto de Chipre



UIS - Julio de 2019 - post-industrial - sr

 

H.C.N – Divide Et Impera

Jericho Trumpet – Mortyrium

Ajuleg & Irm – Турецкий Марш

Arbeitsunfall – Intrusion

Black Spring – Poem No2

Kerem Ergener – Kahpe

Ультраполярное Вторжение – Старые Ножи Ещё Остры

Matriarchy Roots – Призраки Прошлого

Qamat is-sa’atu – Османская Пощечина

Grёzoblazhenstvie – Заживо

Faintin’ Goats – Head Back

Krrau – Μολὼν λαβέ

Grim Machine – Lapithos

Theotokos – Psalm 33

Blue Dervish – Ένωσις

 

Вароша es un trabajo en el que se dan cita distintos artistas y formaciones provenientes de países como Grecia, Rusia, Italia, Turquía o Chipre, y que tiene como finalidad homenajear el cuarenta aniversario de aquella truculenta disputa territorial sucedida en la isla de Chipre.

La etapa descolonizadora acontecida durante el ecuador del siglo XX ha sido uno de los episodios más traumáticos de cara a la redefinición de la identidad nacional de ciertos territorios y sus habitantes, implicando, cómo no, tanto cultura como religión. Chipre presentó uno de los casos más paradigmáticos de este proceso descolonizador, un desarrollo tortuoso que todavía no ha quedado del todo solucionado a pesar del paso del tiempo y los intentos reformadores. El título de este trabajo, Вароша, hace referencia al distrito de  la ciudad chipriota de Famagusta, situada en la República Turca del Norte de Chipre, que fue invadida por los turcos en 1974.

El sello ruso UIS no ha pasado por alto la oportunidad de rendir un merecido homenaje a este conflicto en una casete recopilatoria que recoge temas de bandas con inclinaciones post-industriales.

 

 

El trabajo comienza con la abstracción ambiental de tinte industrial ideada por H.C.N en su tema “Divide Et Impera” para continuar con ofertas escoradas hacia el sonido de los primeros Der Blutharsch, como sucede con Jericho Trumpet en su corte “Mortyrium”. Evidentemente, las reminiscencias folks hacen acto de presencia en plena fusión con sintetizadores, presentadas por los rusos Ajuleg & Irm en su corte “Турецкий Марш”.

Sorprende igualmente la inclusión de proyectos más inclinados hacia tendencias como el Dub que son salpicadas de flujo industrial y representadas por Arbeitsunfall con su tema “Intrusion”, uno de los más interesantes de todo el compendio.

Las bandas que ponen el punto final a la primera cara, Black Spring, Kerem Ergener, Ультраполярное Вторжение y Matriarchy Roots tienen en común el gusto por los temas raspantes y hieráticos en los que se pondera el industrial más clásico con exacerbaciones power electronics y líneas de spoken words.

La segunda cara mantiene candente ese nervio ecléctico, combinando bandas de industrial rítmico como Qamat is-sa’atu o Grёzoblazhenstvie con otras cercanas al cyber punk industrial, destacando la presencia del proyecto italiano Faintin’ Goats que participa con su convincente “Head Back”.

Agrupaciones como Krrau o Grim Machine plantean sus temas desde una perspectiva más historicista, recurriendo a la memoria del país para rendir culto a distintos personajes que han forjado leyendas dentro de él. Conviene destacar igualmente el proyecto de dark ambient Theotokos, al igual que la perspectiva EDM lanzada por el multiinstrumentista ruso Alexey Nozhnov en su proyecto Blue Dervish.

 

Вароша es una fantástica oportunidad para descubrir bandas que tienen mucho que ofrecer dentro de los lindes del segmento industrial.

 

https://uislabel.bandcamp.com/album/uis-11

 

Fernando O. Paíno

Coil – “Stolen & Contaminated Songs”

Reencarnando clásicos

5_Estrellas

 

Cold Spring - Noviembre 2019 - experimental - CSR276

 

 

Futhur

Original Chaostrophy

Who’ll Tell?

Omlagus Garfungiloops

Inkling

Love’s Secret Domain

Nasa-Arab

Who’ll Fall?

The Original Wild Garlic Memory

Wrim Wram Wrom

Corybantic Ennui

Her Friends The Wolves

Light Shining Darkly

 

Stolen & Contaminated Songs es un trabajo que la desaparecida banda británica Coil ideó íntegramente como fondo de rescate de versiones descartadas y cortes infrecuentes pertenecientes a su anterior lanzamiento Love’s Secret Domain (1991). Un disco inquietante que nos otorga una perspectiva completamente diferente sobre canciones que cimentaron las bases de la experimentación y el movimiento acid de los noventa.

 

 

El sello británico Cold Spring es una vez más el encargado de aunar material infrecuente o desaparecido de una de las bandas más relevantes de música experimental de las últimas décadas. Stolen & Contaminated Songs fue un trabajo que originalmente solo se comercializó en formato CD, utilizando a la ya desaparecida distribuidora World Serpent como canal de difusión.

 

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Al parecer, ni Balance ni Christopherson –aunque durante esta etapa también se encontraban dentro del barco Danny Hyde y Stephen Thrower- quisieron desechar las matrices de ensayo de una colección de cortes que con el paso del tiempo se convertirían en referentes inexcusables de la música experimental, y es por ello que el disco vio la luz tan solo un año después de que lo hiciese Love’s Secret Domain. Este modus operandi de Coil no era algo novedoso, ya que el grupo decidió hacer algo parecido con Gold Is The Metal (1987), incluyendo en él una colección de temas descartados pertenecientes al clásico Horse Rotorvator (1986)

Stolen & Contaminated Songs supone un ejemplo perfecto de la inconmensurable creatividad de este elenco de artistas. Cómo y de qué forma Coil sabe estructurar mil y un mundos acústicos de la más diversa índole en los que distintas técnicas y estilos se dan cita.

El disco, a diferencia de la obra seminal, es casi totalmente instrumental, auque eventualmente se cuenta con registros líricos. Un álbum para perderse en ensoñaciones tan bizarras como impactantes. Ejemplos de la maestría encerrada en Stolen & Contaminated Songs podemos hallarlos en cortes como “Nasa Arab”, uno de mis favoritos si tuviese que evaluar la producción discográfica de Coil a nivel global. También merece la pena deleitarse con “Omlagus Garfungiloops” o la abstracción encapsulada en “Wrim, Wram, Wrom”.

Cold Spring ha decidido hacer un gran favor a los miles de fans de este conjunto, ya que por primera vez Stolen & Contaminated Songs ha sido reeditado en formato vinilo, presentado en varias versiones en las que difiere el color de los discos. Actualmente todas ellas se encuentran agotadas con la única excepción de la estándar en vinilo negro.

No pierdas la oportunidad de completar tu discografía de Coil con gemas como esta.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Nemuer – “Urdarbrunnr”

El pozo de Urd

5_Estrellas

Autoproducido - octubre de 2019 - dark folk - sr

 

Ymir’s Death

Snýsk Jörmungandr

Hel

Binding of Fenrir

Odin’s Quest for Wisdom

Freyr’s Lovesickness

Naglfar (Waltz of the Dead)

Heimdallr Blows Gjallarhorn

Yggdrasil Trembles

The Allfather Dies

Thor’s Final Battle

Surtr’s Flames

 

El proyecto checo Nemuer engrandece su legado editorial con una impresionante propuesta bajo el brazo. “Urdarbrunnr” perfila un folk pagano oscuro y contundente, repleto de guiños a la brujería y recreaciones acústicas de contextos bucólicos a media noche. Otro disco excelente de este cuarteto.

Nemuer es un conjunto que, desde su formación en 2014, ha tenido muy claro cuál era la perspectiva que quería definir y cómo debía presentarla. La banda apuesta por recrear atmósferas místicas en las que la magia y la brujería tienen mucho que decir. El uso de instrumentación pagana y voces cavernosas tanto masculinas como femeninas, aporta al resultado un sabor desafiante y amargo que les hace destacar, posicionándose dentro del estilo marcado por conjuntos como Wardruna, The Moon And The Nightspirit o Heilung, pero sin perder de vista a bandas más referenciales, como pueda ser Dead Can Dance.

El secreto de esta fórmula radica en la marcada cadencia de percusión atávica, fundamentada en timbales y tambores de piel de cuero. Las baquetas se encargan de fracturar de forma impasible el silencio, marcando ritmos muy firmes que son ideados de la misma manera que las rutas medievales, con un objetivo fijo al que conduce la fe. Sin embargo, las creencias de Nemuer se encuentran más escoradas hacia la naturaleza y lo animista que hacia lo metafísico. La banda expone el misticismo ancestral que encierra el origen de las primeras sociedades de una manera ejemplar. Logran recrear horizontes musicales muy aptos en donde las historias de mitos olvidados por el hombre vuelven a tomar forma.

 

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Tras tres colosales trabajos previos que analizaban desde las primeras creencias hasta algún relato de Lovecraft, este proyecto checo nos vuelve a sorprender con una propuesta rotunda, mucho más oscura que las anteriores. Urdarbrunnr está constituido por doce temas en los que reina el misterio y la energía. Las melodías se han oscurecido mucho más, haciendo de temas como “Hel” o “The Allfather Dies” auténticas delicias de música épica. Urdarbrunnr destaca por su pureza acústica y su ejemplar planteamiento compositivo, creando temas únicos que destellan por su inefable lobreguez.

Al igual que ocurrió con sus anteriores discos, Nemuer apuesta por la autoedición en CD. Urdarbrunnr ha sido presentado en formato digipak y viene acompañado de un libreto de doce páginas, una dedicada a cada corte del disco.

Desde NOmelody te animamos a descubrir a Nemuer si todavía no lo has hecho. Convendrás con nosotros en que hablamos de una de las mejores ofertas de folk oscuro a nivel internacional.

https://nemuer.bandcamp.com/album/ur-arbrunnr

 

Fernando O. Paíno

 

El folklore ruidista de Lume

Faino ti Mesmo es un disco único en su especie. Tomando como eje la música tradicional gallega, Lume consigue dar forma un brillante puñado de canciones en las que se fusionan mantos de ruido con psicodelia, conformando algo vivo e impresionante. Un disco con carácter y alma propia que sabe distanciarse de manera muy elegante de los convencionalismos. Hablamos con Eloy Platas, creador de todo este universo sonoro.

 

¿Cómo surgió la idea de crear Lume?

 

Surgió en la primavera de 2016. Por aquel entonces yo tenía un proyecto llamado Propaganda Tres que, aunque se basaba en el noise, rápidamente empezó a coger otras formas y a mezclarse con otros estilos. El resultado fue que los cds y maquetas que realizaba eran imposibles de llevar a directo por un músico solo debido a la instrumentación y a los arreglos que les hacía en estudio y los conciertos acabaron siendo muy distintos a los discos. Debido a eso sentí que el proyecto estaba roto y decidí echarle el cerrojo. Por otro lado, temáticamente la evolución de Propaganda Tres iba en dirección a lo atávico, a la identidad personal sobre la social, a las raíces, a una búsqueda desde y hacia el interior de uno mismo. Y estaba harto de toda la imaginería oscura y a veces perversa que se asocia a la escena noise. Que no la rechazo en absoluto, pero me parece demasiado limitante y mañida. Además empecé a plantearme si la música que estaba haciendo era realmente mía o si simplemente estaba copiando cánones ajenos. Estaba harto de de formas establecidas, harto de la tremenda invasión cultural a la que llevamos sometidos desde hace 100 años, harto de las influencias anglosajonas. Quería realizar música que pudiera identificar como propia, con identidad y que al mismo tiempo fuese coherente con lo que ya había hecho antes. Y lo que buscaba lo tenía delante de mí, la música gallega, el cancionero que aprendí de niño, el que cantaba y canta mi familia y mis vecinos. Coger esas canciones y hacerlas a mi manera, claro, desde una óptica e instrumentación contemporánea.

 

 

 

Escuchar tu disco resulta un verdadero placer. Sobre todo por la gran cantidad de estilos que se funden de forma elegante y cohesionada. Háblanos del proceso de obtención del sonido que andabas buscando.

 

Desde el principio vi claro que tenía que basarse en la austeridad de medios. Fue elección personal y no por necesidad . Al empezar Lume tenía un arsenal de sintetizadores, cajas de ritmo y aparatos y era el típico entusiasta de los equipos . Los veneraba y los mitificaba. Pero a medida que iba avanzando musicalmente e investigando en la música tradicional me di cuenta de que eso era un estorbo, un error y que la respuesta era todo lo contrario. Vendí la gran mayoría y me dispuse a hacer borrón y cuenta nueva.

Así, los primeros conciertos fueron con un micro, una guitarra, un looper, pedales de distorsión que usaba en loops de feedback y un palo de madera. Luego vi la necesidad de incorporar ritmos, pues aprendí que la música (y la vida) es primero ritmo, luego melodía y luego armonía, así que incorporé cunchas y pandeireta galega, y a la par que hacía actuaciones deLume estudié percusión tradicional.

De ese modo empecé a dar conciertos durante dos años donde literalmente fui construyendo las canciones y explorando las posibilidades que tenía en directo. Fue una época de investigación, ensayo y error, pero con público, lo que me permitió ver qué ideas funcionaban y cuales no. Seleccioné las que me parecieron buenas y grabé el disco.    A día de hoy utilizo la misma instrumentación, centralizando los instrumentos en un ordenador que uso de looper, sampler y procesador de efectos todo en uno para ahorrar espacio. Además soy uno a cargar equipo, cuantas menos cosas a carretar, mejor.

 

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Indudablemente, consigues darle una ingeniosa vuelta de tuercas a la música tradicional de tu tierra. ¿Qué te impulsó a ello?

 

Quizá sin querer ya he contestado a esto más arriba, me impulsó la necesidad de hacer música propia, honesta, coherente conmigo mismo y con la trayectoria que llevaba. Mirando al futuro pero abrazando el pasado, con identidad y sin complejos.

Pero ojo, no creo que lo haya logrado aún, siento que he avanzado en buena dirección, pero esto es un proceso que continúa, aún no he conseguido lo que quiero hacer y desarrollar. De una forma u otra hay Lume para mucho, mucho rato, esto es solo la primera piedra.

 

Esta pregunta es la oveja negra de todo el que se preste a ser un periodista musical decente; pero a ti tengo que hacértela, ya que tu marcado eclecticismo musical te sirve de carta de presentación. ¿Cuáles son tus cinco discos favoritos?

 

Bufff… ¡la pregunta de la respuesta imposible!. ¡No tengo cinco discos favoritos, tengo chopocientos!. Es imposible elegir. Como a ti y seguramente también al lector de estas lineas me apasiona la música y cada disco es un tesoro. Pero como pides cinco te puedo decir ahora mismo que The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, Last Rights de Skinny Puppy, Wish de The Cure, Ahí ven o maio de Luis Emilio Batallán y Katodivaihe o cualquier otro de Pansonic. Y el Hippjokk de Hedningarna. Pero vaya, me lo preguntas dentro de cinco minutos y te digo otros cinco o seis distintos. Si la música te dice algo es que es buena, el género musical no importa.

 

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Faino ti Mesmo ha salido a la venta en formato vinilo. Háblanos del proceso de gestación y quiénes han colaborado en la idea.

 

Para la grabación me asistió mi amigo Edu N’gongo y lo grabamos en varias sesiones a partir de la festividad de Samaín del año 2018 en los estudios T-37. La mezcla la realicé yo en los estudios Linneo Dos y la masterización corrió a cargo de mi amigo Ángel Álvarez en los estudios Sonoplan.

La idea original era sacarlo solo en cd e internet, pero varios sellos se animaron a editarlo conjuntamente y entre todos hemos podido sacarlo también en vinilo. Así que para la edición he tenido la suerte de contar con Contubernio Records, Batir Records, Ferror Records, Sonoplan y LuscoFusco Records. Juntarlos a todos fue más fácil de lo esperado y hacerlo así es desde luego mucho más divertido y enriquecedor. La unión es fuerza.

El disco acaba de salir este 1 de diciembre y a partir del 10 de enero empezamos con la promo fuerte con la esperanza de llevar Lume a los oídos de cualquiera al que le pueda interesar.

 

 

 

Háblanos de tus próximos directos y cómo planteas el proyecto sobre el escenario.

 

Lume estará en directo allá donde sea llamado promocionando el disco durante todo el año que viene como mínimo antes de realizar otra grabación. Los conciertos son de dos tipos: el “normal”, con amplificación, donde doy rienda suelta a toda la electricidad asociada con el proyecto y el “acústico” para sitios donde haya poca o ninguna amplificación, donde utilizo sobre todo instrumentos acústicos. Esos son los dos tipos de conciertos que vengo haciendo hasta ahora y están funcionando los dos. La idea es seguir haciéndolos durante todo el invierno y primavera e ir desarrollando una escenografía que lo acompañe para cerrar cuantas más fechas pueda de cara al verano. A corto medio plazo está también la intención de intentar mover Lume por otros países. Me interesa mucho la escena portuguesa y de otras partes de Europa. Lume funciona fuera de Galicia y creo que también lo puede hacer fuera de España. Por intentarlo que no quede.

 

 https://batirrecords.bandcamp.com/album/lume-faino-ti-mesmo

 

 

 

 

Aural Hypnox – “Underworld Transmissions”

Reuniendo los seis portales mágicos

4-estrellas

 

Aural Hypnox – Octubre de 2019 – dark ambient/ritual – sr

 

 

Seance I / 2013 (November 2013)

Seance I / 2014 (January 2014)

Séance II / 2014 (March 2014)

Séance III / 2014 (April 2014)

Séance IV / 2014 (July 2014)

Séance I / 2015 (January 2015)

 


El inquietante sello finlandés Aural Hypnox reedita en formato CD el primer compendio ritualista de su catálogo. “Underworld Transmissions” reúne la totalidad de una enigmática trilogía definida por la oscuridad y el misticismo.

 

Aural Hypnox es una de las pocas discográficas que a pesar de su marcada lobreguez estética, centellea por encima de otras debido a su acusada integridad y su segmentado estilo. Hoy celebramos la reedición de uno de sus trabajos más inaccesibles, la trilogía Underworld Transmissions. Esta propuesta vio la luz originariamente en el bienio 2014-15 , para ello el sello decidió fabricar una pequeña tirada de tan solo cincuenta copias por entrega. Pocos fueron los afortunados que pudieron hacerse con ellas, y debido al paso del tiempo y la justificada notoriedad que esta casa ha ido ganando, las casetes se han convertido en unas cotizadas e infrecuentes piezas de coleccionismo. Afortunadamente, Aural Hypnox ha decidido rescatar este material y relanzarlo en una edición compacta y más extensa, 150 copias, optando en esta ocasión por el formato CD.

 

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Una vez más, y desde una perspectiva tangible o cósica, Aural Hypnox ofrece un producto diseñado con mimo y elegancia. A esta nueva edición se le ha implementado todo el artwork contenido en la trilogía original. Su contenido reúne las seis sesiones privadas que los distintos miembros que vertebran el colectivo Helixes decidieron realizar en las frías noches de Oulu, al norte de Ostrobothnia. Evidentemente hablamos de música dark ambient de talante ritual exenta de complementación lírica que sobresale por su angular sobriedad, muy en la onda de proyectos anteriores como Metgumbnerbone, Lustmord o Ain Soph. Y es que Aural Hypnox ha sabido recoger un legado estético muy concreto y centrado que se ha desarrollado bastante poco en la historia de la nueva música.

En los seis capítulos que estructuran este prontuario vamos a encontrar una buena colección de líneas de drone y ruido atonal urdidas por el misterio con las que se dibujan paisajes desoladores y horizontes apocalípticos cargados de una extraña y mórbida belleza.

Esta nueva edición de Underworld Transmissions se presenta como una excelente oportunidad para redescubrir este impactante material que había quedado sepultado en el olvido, y que ahora se alza con fuerza. Desde NOmelody te recomendamos que te dejes sorprender por esta genial declaración de principios.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Kollaps – “Mechanical Christ”

 

 

Asfaltando cementerios

4-estrellas

 

Cold Spring – Mayo de 2019 – industrial - CSR269

 

Si sientes pasión por los sonidos pulsados y aplastantes, Kollaps es definitivamente tu nueva banda de referencia. Este conjunto australiano presentó este año su segundo larga duración, “Mechanical Christ”, un álbum hermético y directo en el que se combina el ritmo y la vehemencia vocal con la rabia industrial.

 

A pesar de la escasa andadura de esta banda, tan solo cuatro años, Kollaps ha sabido ganar en poco tiempo una notoriedad que les ha llevado a recorrer toda Europa presentando su último trabajo Mechanical Christ.

El estilo del conjunto australiano se encuentra directamente influido por los primeros trabajos de Swans, centrando su atención en Greed, Holy Money o Public Castration Is a Good Idea, en los que hallábamos sin dificultad alguna grades descargas de presión, sonidos asfixiantes que se abrazan de manera intermitente al silencio y voces tamizadas por el hieratismo y la apatía. Mechanical Christ tiene mucho de esto, y prueba de ello la encontramos en cortes tan bien logrados como “Blood Premonitions”, en el que casi podemos saborear ese gusto por la angustia. El disco en su totalidad no deja lugar al optimismo. Kollaps tenía muy claro desde el principio la idea que quería desarrollar y no ha dudado un segundo en llevarla a cabo.

A diferencia de la banda anteriormente citada, Kollaps se declina por introducir en gran parte de su repertorio líneas de drones producidos por sintetizador, como podemos comprobar en “Traducer“, aportando de esta forma una coacción sonora que oprime de forma inexorable al oyente. Y es que los juegos de percusión realizados con instrumentos customizados por los propios miembros a base de material de fábrica, contando con muelles, resortes y placas de metal, es un recurso decisivo que dota de mucha personalidad a su música.

 

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Cierto es que el planteamiento en estudio de Mechanical Christ difiere notablemente de su ejecución en directo. En estudio la banda logra sonar mucho más oscura e intimista que sobre el escenario, donde alcanzan un paroxismo que se contagia entre el público.

Conviene destacar temas tan recomendables como “Love Is a War”, con el que clausuran el álbum. Una tonada que juega con intervalos acústicos atragantados por bloques de pura exasperación que no para de escalar en intensidad.

Este genial trabajo ha sido editado por la casa británica Cold Spring en dos ediciones diferentes, vinilo y CD, y todavía puedes encontrarlo disponible en el catálogo del sello.

 

 

Fernando O. Paíno

Desmultiplicando la extraterritorialidad

 

AM NOT es una de las grandes sorpresas que la música industrial ha recibido en los últimos años. Nos hemos puesto en contacto con Tamon Miyakita, alma mater del proyecto, para que nos hable un poco acerca del trasfondo conceptual que encierra su último trabajo Extraterritoriality, seis cortes presentados en una casete repleta de perfectos ejemplos de post-industrial con tintes power electronics. Un impactante trabajo publicado por Unrest Productions.

 

 

 

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¿Cuál es el enfoque que esconde Extraterritoriality? ¿Por qué has elegido ese término para presentar el trabajo?

La “extraterritorialidad” sirve para referirse a una especie de estado de excepción o inmunidad diplomática, generalmente otorgada a diplomáticos; por lo que es una especie de “estado” que permite a una persona trascender la jurisdicción legal, o ser como un extraño con derechos excepcionales en el extranjero. Aquí he intentado aplicar el concepto sobre la influencia y el control extranjero más allá de las fronteras físicas.

La cara A trata sobre el Reino Unido y su crisis actual.

Por un lado, está la fantasía de que Gran Bretaña consigue escapar con el fin de transformarse en algo más grande, y cómo esto se ha convertido en una especie de religión o mera manía para algunos. También se expone el poder que tiene Inglaterra entre los estados más pequeños del Reino Unido (Gales, Escocia, Irlanda), su profunda influencia, y de qué forma se mantiene.

Una vez vi un documental sobre expatriados británicos que viven en España. Un anciano salía diciendo algo como: “los británicos nunca serán extranjeros vayan donde vayan”, Esta declaración describe perfectamente el pensamiento general: se han otorgado una especie de jurisdicción global. El mundo es suyo. Eso es más o menos de lo que tratan las dos primeras pistas ,“Cleansing Violence” y “Better Together”.

Ever get the feeling you’ve been cheated” es más sobre la extrañeza de la situación en la que se encuentra el Reino Unido. La atrofia, el colapso de la razón y la pérdida de dirección. Los samples que he utilizado para hacer el tema son del golpe kirsty mcoll pop “Una Nueva Inglaterra “. Los ralenticé, mezclándolos con otras muestras de voz sacadas de un documental de la década de 1970 sobre la inmigración a las áreas de clase trabajadora blanca. Supongo que se trata más bien de un cierto tipo de clase inglesa de mentalidad pequeña, y cómo esta gente no ha cambiado nada.

 

 

 

Me pareció distinguir en el último sample de este tema –Ever get the feeling you’ve been cheated“- la voz de Johnny Rotten diciendo en forma de despedida esa misma frase a su público en el último concierto que Sex Pistols dio en USA antes de separarse en 1978…

Johnny Rotten… Él mismo es pro brexit, y precisamente utilicé el sample al que te refieres para señalar que todos han sido engañados por algo, ya sea un sueño nacionalista o el derecho a elegir lo contrario.

 

 

¿Cómo describirías el sonido de AM NOT en este nuevo trabajo?

No estoy seguro de cómo definir el sonido global en este trabajo. Como dije recientemente en una entrevista, no veo límites en lo referente al estilo que debemos llevar: La música industrial trata sobre una cierta forma de explorar ideas y acercarse al sonido y la imagen. Esta cinta está destinada a complementar la casete anterior, Incursions (2018), que publicó el sello Zaetraom, y pretende atar algunos cabos sueltos, y ampliar a su vez un poco algunos de los aspectos que su contenido esconde. Cuenta también con una revisión de “Come Home“, uno de los cortes encerrados en el LP que Tesco Organisation editase hace un par de años.

El rema que cierra Extraterritoriality es bastante sencillo, utilicé un sample del Dalai Lama en el que hablaba de la absurda situación que vive el estado chino, el cual le ordena reencarnarse en respuesta de propio Estado, anunciando que no volverá nuevamente después de que su cuerpo muera. Con ejemplos de este tipo podemos más que apreciar el tremendo hambre de poder de China, un hambre que atraviesa hasta lo más trascendental.

 

 

 

 

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