Люди На Холме – Nocturnus

Redefiniendo el neofolk

5_Estrellas

 

 

Este combo ruso cuyo nombre viene a ser traducido como “Gente en la Colina”, cultiva un atractivo estilo que anda a caballo entre el neofolk y la música neoclásica, sorprendiéndonos con una colección de cortes marcados por la esencia de Death In June o Sonne Hagal.

 

Poco sabíamos de Люди На Холме, un nutrido conjunto de músicos que elaboran un neofolk colmado de romanticismo y toques neoclásicos. Nocturnus es su segunda propuesta discográfica, y la verdad es que su escucha no deja indiferente al oyente.

Lo primero que nos llama la atención es la cuidada plasticidad del sonido -en cuyo comienzo se intenta emular el roce producido por los surcos del vinilo al pasar la aguja-, además de la ponderada delicadeza impresa en las melodías; muchas de ellas, incluyendo los registros vocales masculinos, se inspiran claramente en las directrices marcadas por pioneros de este estilo, como puedan ser Death In June o Forseti, o nuevas promesas del siglo XXI, pudiendo citar a Darkwood.

 

53111239_1032393200291496_7658888662658056192_n.jpg

 

Sin embargo, si por algo destaca Nocturnus es por su brillante genio a la hora de albergar una variada colección de cortes en los que se introduce un sinfín de instrumentación distinta, haciendo del repertorio algo muy dinámico y digerible.

Sabe salvar el único estigma que presenta el neofolk, y éste es la pertinente monotonía sonora producida por la incesante recurrencia a la cuerda frotada. Люди На Холме sabe salvar elegantemente este bache, planteando una fórmula precisa y equilibrada en la que se alternan temas a piano como el que se encarga de inaugurar el disco, “Elegia”, una embriagadora y solemne canción en la que la voz femenina riega de belleza al tiempo.

No conviene pasar por alto cortes como “На Крыльях Ночи (On The Wings Of The Night)” o “Пустые Гнёзда (Empty Nests)”, en donde el conjunto cimenta su maestría dentro de este género, fusionando la tradición nórdica con tejidos sonoros de espíritu luctuoso y pasional.

Aunque Nocturnus salió al mercado recientemente, Люди На Холме planteó este estupendo y vistoso catálogo de temas hace dos años, en 2017. Por suerte, el sello ruso COD noizes ha vuelto a trabajar con el conjunto tal y como ya hizo tiempo atrás de cara a la publicación de su trabajo debut Nordavind (2016), disco que se encarga de agregar una nueva y refrescante perspectiva al estilo neofolk, una proyección sonora que ahora, en Nocturnus, se ve perfilada.

Este trabajo ha sido publicado en formato CD. Se presenta encofrado en caja de plástico, y sus portadas han sido impresas en papel rugoso. Viene acompañado de letras e iconografía.

Nocturnus es una apuesta segura para todo amante del sonido neofolk.

 

 

Fernando O. Paíno

Viviankrist – “Morgenrøde”

Entre el ritmo y el ruido

4-estrellas

 

Cold Spring - Febrero de 2019 - noise electroacústico - CSR268CD

 

 

Viviankrist es el planteamiento en solitario de la nipona Vivian Slaughter, componente del grupo doom Gallhammer. “Morgenrøde” es su tercera propuesta editorial. Noise oscuro cargado de altibajos minimalistas y olas de presión.

 

Vivian Slaughter es una artista colmada de versatilidad y genio creativo. No solo por su proyecto de tintes black Gallhammer, en el que milita junto a Risa Egawa, sino también por esta inquietante y atractiva propuesta en solitario conocida con el nombre de Viviankrist, un proyecto que sabe situarse en el inconsciente más profundo de la electrónica.

 

No ha sido mucho el tiempo que ha transcurrido desde su primer lanzamiento compartido De Notre Bouche, tan solo un año. Sin embargo, la productividad de esta artista habla por sí sola. Morgenrøde es un disco complejo, salvaje, oscilante y muy sorprendente. En él se dan cita ocho temas blindados por la heterogeneidad y la intriga, en los que se funde el ruido con esquemas minimalistas, generando ritmos viciados que se adhieren a hilos de sonido encofrados en oscilación. Lo que de ello surge es algo muy dinámico y variable, conformando un trabajo fácil de escuchar donde se equilibran sensaciones de todo tipo.

 

 

49690913_310527719488711_2483374022104973312_n.jpg

 

 

Podemos encontrar quietud en temas como el que bautiza el disco, “Morgenrøde”, donde Vivian hilvana una vistosa colección de recursos melódicos de forma ordenada con la intención de estructurar un cosmos acústico grato y brillante, no obstante la artista no desaprovecha la oportunidad de aderezar sus temas con buenas cantidades de ruido abstracto, generando una atractiva mixtura de influencias dentro de la electrónica indeterminada. No hay más que pararse a escuchar el comienzo del disco: “Silent Soul” es toda una declaración de principios ruidistas que nos sirve de brújula para lo que a continuación se avecina. El tema que le sucede, “Spring Storm”, hace acopio de la semántica que encierra su nombre, definiendo esquemas sintéticos que se ven salpicados por efervescencias sonoras.

 

Cactus” posiblemente sea el corte que mejor defina el contenido de este disco. Ritmo hipnótico y helicoidal planteado en forma de loops que cuenta con el refuerzo de percusiones, aspecto que regala una buena dosis de potencia al corte, haciéndole ganar mucha complexión. Vivian Slaughter sabe plantear algo que se encuentra situado entre la ambigüedad rítmica y la experimentación cacofónica.

 

El sello británico Cold Spring se ha encargado de editar Morgenrøde. Su presentación se ha llevado a cabo en formato CD, optando por la edición digipak.

 

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Different State – “Enormous Components of Motor Unit Vol. 1”

El retorno de Different State

4-estrellas

 

 

Zoharum - Marzo de 2019 - post-industrial - ZOHAR 175-2

 

 

Motor Unit

Electricus

Knar/ Rank

Within

Mental

Additional Components

An Absolute Necessity

Effector

 

Different State es uno de los proyectos más longevos de música underground en Polonia. Hace ya décadas que se decantaron por los sonidos post-industriales, y su nuevo álbum, “Enormous Components of Motor Unit Vol. 1”, es un gran ejemplo de ambientación desensibilizada.

 

Different State puede ser entendido como uno de los grupos polacos de corte underground que, a pesar del paso del tiempo, se ha mantenido activo desde hace más de veinte años, variando su estética musical desde el rock hasta derroteros más industriales.

Su último lanzamiento, Enormous Components of Motor Unit Vol. 1, es un tremendo ejercicio de introspección musical. Marek Marchoff, dirigente indiscutible de este proyecto, configura una colección de temas tocados por las sensaciones oníricas, en los que se presentan ritmos calmados, cercanos en muchos momentos al pulso del trip-hop, pero a su vez condimentados con elementos repletos de abstracción, en los que se generan contextos brumosos y enigmáticos, muy cercanos a los planteados por Coil en alguno de sus últimos trabajos.

Aunque la gran parte de los temas que dan forma a Enormous Components of Motor Unit Vol. 1 son puramente instrumentales, Marchoff no pierde la oportunidad de contar con vocalistas femeninas en cortes como “Electricus”, a mi parecer, uno de los más apetitosos de todo el disco, o aportar su propia voz en la genial “Within”, donde se evoca un registro cercano a Sixth Comm.

 

 

R-13280668-1552934072-8415.jpeg.jpg

 

 

La nota predominante que viste a este nuevo disco es la oscuridad. Ocho piedras de obsidiana con las que Marchoff consigue consagrarse. De hecho, la madurez de Different State es claramente palpable en esta nueva propuesta publicada por el sello polaco Zoharum, ofreciéndonos un álbum muy personal y apetitoso. Vale la pena destacar ejercicios compositivos como “Mental” o “Additional Components”, en los que Marchoff se desenvuelve a la perfección, invocando estructuras sonoras altamente magnéticas, contundentes y sugestivas.

Otro aspecto muy atractivo de esta nueva propuesta de Different State ha sido su formato de presentación. Zoharum no ha dudado en ofrecernos algo muy original y vistoso: un ecopak de tres paneles con forma hexagonal. La verdad es que el producto como tal impresiona a simple vista, incitándonos directamente a saber más sobre él. Únicamente ha sido publicado en formato CD, y tan solo se han prensado 300 ejemplares.

Different State ha regresado cargado de fuerza tras más de seis años de silencio editorial. Enormous Components of Motor Unit Vol. 1 se erige como una de sus mejores propuestas discográficas hasta la fecha.

 

https://zoharum.bandcamp.com/album/enormous-components-of-motor-unit

 

Fernando O. Paíno

The New Blockaders – “Live At Sonic City”

Fiereza en directo

 

4

 

Cold Spring - Marzo de 2019 - noise - CSR261CD

 

Los británicos The New Blockaders ampliaron las fronteras del ruido hasta máximas insospechadas desde el principio de su carrera, hace ya casi cuarenta años. Jamás han cejado en su cometido, y prueba de ello la encontramos en este último CD registrado en directo. Casi tres cuartos de hora de acometividad ruidista.

 

Existen muchas formas distintas de entender y concebir el ruido, pero The New Blockaders se decantaron desde el origen por la más espontánea y visceral de todas: la ejecución del mismo de forma completamente manual e improvisada.

Algún otro artista como el ya desaparecido y siempre admirado por todos Z’ev cultivó durante mucho tiempo el mismo esquema conceptual, dejando anonadados a los asistentes que se acercaban a verle.

 

Lo más anecdótico de TNB es que, a pesar de que han transcurrido casi cuarenta años desde su creación, este dúo jamás ha modificado su forma de entender el sonido, cosechando una prolija discografía que reúne más de sesenta álbumes, muchos de ellos hacen las delicias de los coleccionistas del genero industrial.

 

413237965_640.jpg

 

Live At Sonic City es un magistral ejemplo para entender la fiereza de TNB. Un solo tema en directo registrado en el Sonic City Festival de Kortrijk, Bélgica, durante el año 2017. Este comienza con un discurso en piano para dar paso a la clásica y adorada apoplejía sonora que caracteriza a estos genios del ruido. En ella se codifican todo tipo de sensaciones sonoras magistralmente dimensionadas y ecualizadas, generando un fabuloso universo acústico marcado por el caos, la contingencia y la indeterminación. El puro y auténtico estilo de The New Blockaders se sigue poniendo sobre la mesa en este genial manifiesto editado por la casa británica Cold Spring records. Como dato anecdótico, podemos señalar que este espectáculo fue comisariado por Thurston Moore de los siempre únicos Sonic Youth.

 

Al tratarse de un registro en directo, el disco se ha visto complementado con un DVD que registra toda esta actividad mediante imágenes. Otra curiosa anécdota es que la propia banda sugiere la reproducción de este DVD sin sonido alguno para poder disfrutar de un cúmulo opcional de sensaciones.

 

Sea como fuere, una cosa está clara: No creo que exista en este planeta una banda que haya cultivado el caos sonoro de una manera tan incisiva y natural como TNB lo ha hecho, y la mejor forma de comprobarlo es remitiéndonos a pruebas en directo como esta. Un espectacular disco que ensalza la originalidad de estos pioneros del ruido más puro.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Unrest Productions: Indagando en la matriz del ruido.

Hoy charlamos con Martin, cabeza visible de Unrest Productions, un sello que poco a poco va ganando fuerza y respeto dentro de la plétora de discográficas más representativas del sonido industrial. Queríamos saber más sobre él, y no hemos dudado en preguntar a Martin acerca de su obra editorial. 

 

 

 

¿Cómo nació la idea de crear Unrest Productions?
Unrest nace del fracaso de un sello que llevábamos colectivamente un grupo de amigos en Malmö, la ciudad de la que soy originalmente. Estuve en contacto con Institut en ese momento, así que ambos empezamos a crear Unrest. Institut abandonó la música por completo y yo continué ejecutándola por mi cuenta.
Todo ello fueron los primeros pasos de Unrest. Nadie sabía o se preocupaba mucho por SHIFT, y ponderé los beneficios a largo plazo a la hora de tomar el control de las riendas yo mismo. No solo para presentar SHIFT de una manera seria y profesional, sino también para poder extenderlo a otras personas y proyectos serios. Me llevó algunos años de búsqueda antes de que surgiera un listado sólido de bandas.

En el Reino Unido durante aquel momento había mucho movimiento noise, y un power electronics simbólico un tanto extraño, pero casi nada genuinamente industrial. Todo esto había coexistido con cierta inquietud durante algunos años, pero el 2009/2010 se produjo un cambio de dirección. Decidí modificar la dinámica y centrarme en este género más despreciado. Ahora, diez años más tarde, hay tenemos un buen catálogo de bandas.
¿Cuál es tu idiosincrasia editorial?

Trabajar con artistas nuevos y, a menudo, totalmente desconocidos. Ha sido sorprendentemente fácil encontrar calidad en esta máxima. Una vez que Unrest fue ganando reputación como un sello que toma en serio a los nuevos artistas, las manifestaciones de alta calidad siguieron presentándose. En lugar de ser uno de los muchos sellos que siguen buscando nombres establecidos para crear su currículum, opté por relaciones de trabajo a largo plazo con nuevos proyectos, y hemos crecido juntos. ¡Unrest ha traído mucha sangre nueva al género industrial y estoy muy orgulloso de ese logro!

 

 

 

Kevlar 08 (1).jpg
KEVLAR

 

¿Qué le pides a un grupo que publique Unrest?
1. Ser amable. ¡Muy importante! No tengo tolerancia para los gilipollas. (risas)

2. Que sea dedicado, tenga enfoque y trabaje duro.

Si no fallan esas dos premisas, las posibilidades se abren.

También me producen una cierta urticaria las personas que me “ofrecen” su proyecto industrial o de PE, que también tienen un proyecto de metal oscuro, un proyecto lateral oscuro, otro de cold wave, y así sucesivamente. Joder que Quiero luchadores leales, no mercenarios! (risas)

Defiende algo, elige una posición, únete a la pandilla por la que estás dispuesto a matar o morir por acabar con la mediocridad. Porque si no lo haces, eso es lo que sucederá y no quiero el hedor de tu podrido cadáver creativo en mi sien.
Dentro del power electronics, ¿a qué le darías más prioridad, trabajar en un estudio o presentaciones en vivo?
En primer lugar, no tengo tanto interés en la llamada ola power electronics. Considero Unrest un sello industrial ante todo. Sé que las líneas de subgéneros musicales a veces son borrosas, pero es una distinción importante y un factor fundamental para diferenciar a Unrest de la mayoría de sellos. Continuamos con la tradición desde donde comenzó con Leichnschrei de SPK y asistimos a un renacimiento a través de bandas como Genocide Organ y otros alemanes durante los años 90 y hasta la década de 2000. En lo que a mí respecta, llevamos el listón hacia adelante desde el momento en el que se quedó sin vapor, en torno al cambio de milenio.

Regresando de nuevo a tu pregunta, los dos aspectos son diferentes, y presentan distintos desafíos. Ambos son importantes, pero eso no quiere decir que tengo un conflicto con un proyecto que no toque en vivo. ABSCHEU, por ejemplo, no lo hace, y no es menos importante . Esa es mi perspectiva como cabeza de Unrest.

Como SHIFT imprimo la misma importancia en ambos. En este momento SHIFT no está activo en directo, y el trabajo de estudio es lento e irregular. Sin embargo, eso está a punto de cambiar en el próximo año. Las cosas se están gestando aquí en el Reino Unido,  y hay necesidad de una respuesta.
¿Cuál es su opinión sobre el mercado y el consumo de este tipo de música en formato físico? ¿Hay suficiente demanda para mantener un sello discográfico?
La inestabilidad se financia y, a veces, tiene el exceso suficiente para cubrir otras cosas: comprar equipos para los artistas o pagarles, organizar eventos, cubrir viajes y alojamiento, etc. Teniendo en cuenta mi falta de interés en las conversaciones en general o la resistencia a diluir las cosas para atraerlas, diremos que no están naturalmente arraigadas en el género industrial. No me puedo quejar,  la popularidad podría ser mayor si me centrara en el synthpop o techno, o lo que sea que esté de moda en este momento, pero desprecio este tipo de estilos musicales. La vida es aburrida, vamos al trabajo, absorbemos la mierda (tanto física como mentalmente). Es un medio de supervivencia y, como la mayoría de las personas, lo acepto como una compensación por una existencia más cómoda, pero no hay necesidad de hacerlo dentro de tu creatividad. Mi creatividad no es un medio para ganarme la vida, por lo que no hay necesidad de comprometerse.

 

 

Abandon photo.jpg
SHIFT

 

 

¿Cuál es tu opinión sobre el movimiento industrial actual?
No veo un movimiento, veo pequeñas unidades autónomas diferentes, pero similares a las nuestras en todo el mundo, y algunas de ellas son amigos nuestros y colaboradores. No hay necesidad de citarlos, ellos saben quiénes son. Algunas personas nos siguen descartando, nos declaran irrelevantes, muertos, y sin embargo seguimos adelante. No tengo la intención de detenerme o disminuir la velocidad.
Unrest sigue prosperando. Todo ello en un país generalmente hostil a lo industrial, pero también operamos desde nuestro propio enclave autónomo y no prestamos mucha atención a lo que sucede afuera. Ciertamente no estamos controlados por el exterior, vivimos de acuerdo con nuestras propias reglas y esa es la belleza de todo esto. No queremos ninguna de las trampas ofrecidas a otros géneros. No hay una carrera que considerar, así que no hay necesidad de preocuparse por haber molestado a la policía, que es la norma en nuestro hemisferio occidental, especialmente si trabajas dentro del llamado sector de la cultura. Sucede fácilmente y muy rápido ahora. El verdadero industrial está libre de todo eso y, por lo tanto, suena más creativo.
El género industrial es por su propia naturaleza un arma de colisión con la sociedad y sus normas actuales. Siempre se encargó de causar contrariedad, lo que es un aspecto muy importante. Una visión dura de la vida, la humanidad y la existencia en general. No perder esto es absolutamente vital. A veces me pregunto cómo la generación más joven envuelta en algodón a la que han vendido el mito de la igualdad se desenvolverá dentro de este contexto. Hay mucho trabajo para las generaciones futuras, pero requerirá una gran cantidad de desprogramación. Espero que no seamos el final del camino.

 

 

 

¿Cómo ves el futuro de Unrest?
Hay grandes cambios por delante y se anunciarán cuando sea el momento adecuado.

Hay nuevos lanzamientos de STAB ELECTRONICS, y ABSCHEU, BLACK INSIGNIA y KEVLAR están a punto de ver la luz. Tal vez también lo nuevo de SHIFT, pero no estoy seguro de en qué momento exactamente. Hemos empezado a organizar eventos en vivo más pequeños aquí en el Reino Unido, y hay un par de fechas cerradas en el extranjero. Veremos por cuánto tiempo funcionan las cosas!

 

Reserva Espiritual de Occidente – Directo en Madrid (2019)

Madrid. 30 de marzo de 2019 - promotor: Humo - Palacio de la Prensa

 

Reserva Espiritual de Occidente volvió a certificar que se encuentra inserto dentro de la plétora de bandas hispanas más interesantes de estos últimos tiempos. El conjunto capitaneado por Svali y Wences Lamas ha ido moldeando con ayuda del paso del tiempo un estilo muy personal e intimista que coquetea abiertamente con el influjo del post-rock y ciertos destellos industriales, complementando todo ello con un sabor mediterráneo aportado por las líneas de trompeta.

Su último trabajo recientemente editado por el sello Humo, “El Cristo de La Atlántida”, se presentó ayer 30 de marzo en el icónico Palacio de la Prensa de Madrid. En esta ocasión, la banda madrileña jugaba en casa, no obstante este último detalle puede ser un arma de doble filo que acrecienta la tensión de los músicos al observar entre el publico un pelotón de rostros conocidos. Independientemente del apunte, el conjunto salió airoso de este reto, regalándonos una colección de cortes intensos y sentidos.

Tras la enigmática actuación de los también madrileños Somos La Herencia, el quinteto conformado por Fernando Bertola a la batería, David T. Ginzo al bajo, Javier Monreal como trompetista, Wences Lamas a la guitarra y Svali como entidad ideológica, demiurgo conceptual y hacedora de metafísica, conquistaban un escenario oscuro y desnudo. Ellos se encargarían de andamiarlo y ornamentarlo elegantemente a base de sonido, conformando impactantes y vistosas murallas acústicas engalanadas por medio de melodía que sobresalen por su interesante estética.

 

56300142_645348102597064_5988184884600897536_n.jpg

 

El repertorio se inauguraba con “Kybalion” y “La Nueva Sangre”, para dejar paso a cortes incluidos en su última propuesta, como “Cruz de un Niño”. Reserva Espiritual de Occidente se mostraba en plena forma, desafiando a las limitadas capacidades sonoras de la sala, que se comportaba de la misma forma que un elefante tratando de ser encorsetado. La potencia que el conjunto emana es tan salvaje y directa que los limitadores del equipo se resentían, pidiendo clemencia con las rodillas clavadas en el suelo.

Cela volvió a cautivarnos con sus ademanes y esa enigmática y agridulce voz que sólo ella puede entonar, ofreciendo al público mucho del repertorio contenido en “El Cristo de la Atlántida”. Invocaron cortes como “Tatenokai”, “Torre de Hércules” u “Obtención de la Sabiduría”. Esta dinámica nos permitió elaborar una analogía entre lo presentado en estudio y lo dispuesto en directo; y, la verdad, es que me quedo con la última premisa. Si REO destaca por algo es por saber envenenar el ambiente sin que nadie se percate de ello, subsumiendo a todos los asistentes en una opiácea nube eidética sobre la que Svali nos narra tragedias como si fuese un rapsoda. Por su parte, Wences nos impresionó con el único tema en el que canta dentro de este álbum, “Aquí Manda Dios”, certificando una vez más que REO no es un esquema preestablecido, sino que, como la vida en sí misma, está repleto de fluctuaciones marcadas por el deseo del destino, algunas buenas y otras no tanto, y que el hecho de superarlas les hace ser cada vez más fuertes.

 

https://reservaespiritualdeoccidente.bandcamp.com/album/el-cristo-de-la-atl-ntida

 

Fernando O. Paíno

Satori – “Psychopathology”

El Génesis de la furia

4-estrellas

 

COD Noizes - Febrero de 2019 - industrial - SHUM19

 

Temas 1-3 “Hammer Wielding Psychopath” CASSETTE 12TH junio 1984
Temas 4-9 “Whore Hammer” CASSETTE 1ST julio 1984
Temas 10-16 “The Final Blow” CASSETTE
Temas 17-18 inéditas
Temas 19-22 “Satori” CASSETTE noviembre 1984
Temas 23 “Power Of The Gun” CASSETTE julio 1985
Temas 24-26 Satori / Maylin Pact “The Friends Of Sinners” CASSETTE

 

Satori se encuentra dentro del listado de iconos del industrial británico más abstruso e insano. En “Psychopathology” se reúnen una ingente colección de temas pertenecientes a la primera etapa de este proyecto, así como de la andadura precedente bajo el nombre de Psychopath.

 

Dave Kirby nunca nos deja indiferentes. Adentrarse en la discografía de Satori implica necesariamente una reacción de sorpresa y admiración. Su legado editorial es más que sugerente, ofreciéndonos en cada una de sus entregas buenas cantidades de desarmonización acústica con las que el artista genera contextos atravesados por la tensión.

Satori es un proyecto con mucha solera. Su andadura musical comenzó allá por el ecuador de la década de los ochenta, editando su primera casete con el mítico sello Broken Flag, la casa de Ramleh. Ocho temas cortados por percusiones metálicas en las que se desarrollaban todo tipo de ambientes desoladores hundidos en la perturbación  que, además, encajaban de maravilla dentro del carácter editorial del ya desaparecido sello británico. A este primer lanzamiento le han sucedido una multitud de nuevas e interesantes propuestas que en cierta forma han ido evolucionando tanto en temática como en estética, ahogando en el olvido esa esencia raspante y hierática de sus primeros trabajos.

 

R-13246971-1550672519-7246.jpeg.jpg

 

Lo que el sello ruso COD noizes ha llevado a efecto puede ser considerado, cuanto menos, un favor para todos los fans del conjunto, ya que se ha encargado de aunar la casi desaparecida colección de cortes pertenecientes a las primeras demos y casetes, realizando un acertadísimo lavado de cara en lo que a masterización se refiere. De esta forma ahora podemos disfrutar de un legado que, o resultaba francamente difícil de conseguir, o directamente se daba por desaparecido.

En Psychopathology se han recogido nada menos que veintiséis temas correspondientes a una etapa muy oscura y experimental de Kirby, aquella en la que se daba a conocer bajo el nombre de Psychopath. Muchos de ellos fueron grabados durante el año 1984 y 85, por lo que éstos preceden en cronología a la ya comentada e infrecuente casete homónima de Broken Flag. Hay que fiscalizar que el contenido de estas primeras casetes es una auténtica revelación de la música experimental opresiva, no teniendo nada que envidiar a los primeros trabajos de NON o The Grey Wolves. El oyente experimentará una regresión contextual al escuchar el disco, rescatando la esencia del sonido magnético que se impregnaba en las grabaciones de casete y la magia que presenta la espontaneidad de todo primer trabajo de un músico.

Psychopathology es un talismán imprescindible para los seguidores del industrial más hermético. Ha sido publicado únicamente en formato CD y en él se han añadido dos temas inéditos pertenecientes a aquella genial etapa.

 

https://codmusicdistro.bandcamp.com/album/psychopathology

 

Fernando O. Paíno

Jowisz / H.ø.s.t – “Ages of Determination”

Evocando la guerra

3_estrellas

 

Spatha Production - Marzo de 2019 - martial/dark ambient - SP03

 

 

The Franco-Prussian War

A Child of Strasbourg

All Rats Know the Dance of Bayonets

Bad Omen

Siege 1944

Niedobschütz 1945

Wolfpack

 

Jowisz y H.ø.s.t proponen un trabajo compartido repleto de ambientes marciales en asociación directa con melodías lentas y telares de abstracción. “Ages of Determination” condensa la esencia luctuosa de estos dos proyectos polacos.

 

Polonia es un país en el que las bandas de martial industial tienen buen calado. Jowisz y H.ø.s.t son dos proyectos que comparten gustos, estilo e influencias, expresándolas cada uno a su manera.

En el caso de Jowisz, el artista recrea paisajes sonoros por medio del cut and paste de samples, emparejados con estructuras marciales que se sumergen en tintes de industrial. Las cuatro propuestas que esta banda encierra en el CD son rotundas y oscuras. Están atravesadas por la esencia de la guerra, y en ellas se confeccionan contextos ennegrecidos que se iluminan con apuntes vocales. Jowisz es partidario de idear melodías magnéticas de talante oscuro y decadente con las que es fácil verse atrapado y poder hacerse una idea de lo que su discografía esconde. “All Rats Know The Dance Of Bayonets” puede ser una de las ofertas más apetitosas de este repertorio.

 

15726408_949226501877173_4018954763318261250_n.jpg

 

Para H.ø.s.t el dark ambient es un ingrediente mucho más referido. Sus títulos, al igual que los de Jowisz, invitan al recuerdo de periodos y escenarios de contextos bélicos. H.ø.s.t se encarga de ambientarlos de forma muy personal: no duda en dibujar un escenario acústico donde reina la quietud y la sensación de desamparo. “Wolfpack” posiblemente sea el tema de esta selección con el que el artista consigue consagrarse. En él se disparan líneas de drone ambiental y etéreo que sufren oscilaciones en un ejercicio lento y sinuoso, conformando una materia acústica lúgubre.

Ages of Determination” ha sido presentado en CD por el sello polaco Spatha Production, con el que Jowisz lanzó anteriormente un larga duración, Trench Rat’s Banquet. Ha sido limitado a cien unidades y presentado en caja de plástico.

 

Fernando O. Paíno

 

 

 

 

Viviseccionando a Miguel Souto

Miguel Souto es una de las cabezas visibles más representativas del sonido experimental extremo en España. Responsable de un buen número de proyectos entre los que destellan Sudaria o Lacrimi si Sfinti, este gallego nos cuenta el cómo y el por qué de su música. 

-

¿Podrías hablarnos un poco de tu trayectoria musical? ¿Cómo y por qué comenzaste a hacer música? ¿Qué te llevó a escorarte hacia el experimental oscuro?

Mis inicios en la música no encierran ningún misterio y son como los de cualquier otro. Sobre los 14-15 años empecé a tocar la guitarra. Estuve yendo a clases durante cosa de un año, pero allí me aburría bastante y seguí por mi cuenta. Convertirlo en una rutina era demasiado tedioso para mí, y además detestaba el rollo de aprenderte canciones de otros, etc. Me recuerdo componiendo cosas desde el principio. Compuse mucha basura.

Toqué la guitarra, el bajo y grité en distintas bandas montadas con chavales de mi zona. Aunque no me entusiasma cantar, por A o por B acababa siempre asumiendo yo ese rol. Mi primera banda sonaba a una quimera extraña y pobre de punk, grunge y heavy. Luego toqué la guitarra con unos chavales que querían hacer algo al estilo Guns n’ Roses. No duró mucho tiempo. Estuve un tiempo tocando primero el bajo y luego la guitarra en una banda de thrash llamada Implosion. También metía algunas voces. Luego formamos Kill As One. Empezó como una banda thrash pero tocamos palos muy diversos hasta que nos asentamos en una especie de black/thrash/death y nos cambiamos el nombre a Arkaik Excruciation. Kill As One pasó por muchas fases, entre ellas una en la que no parábamos de dar conciertos, y otras menos activas. Sobre 2012-2013 estuve un tiempo tocando con chavales que estudiaban Sonido conmigo en una banda en la que mezclábamos algo así como sludge, hardcore y screamo que habíamos bautizado como Río Bravo y le pusimos la etiqueta muy seria de western screamo.

Durante los inicios de Arkaik Excruciation me di cuenta de que podía hacer cosas yo solo, y que esa forma de operar también tenía su encanto. Me empecé a enfrascar con cosas que nunca había hecho… Nacieron proyectos como Scythe o TDA. Empecé a conectar cacharros unos a otros, me compré una grabadora que pronto llené con grabaciones de campo. Mis intereses musicales se empezaron a abrir cada vez más, y descubrí gente que hacía cosas que nunca hubiera imaginado. Realicé muchas pruebas y saqué mucho material, quizá, montonero. Todo esto fue derivando poco a poco en la idea de hacer música con mi propio nombre. Una idea que al principio no me gustaba mucho pero que cada vez se hacía más atractiva. Creo que al final fue una buena elcección. Supongo que esto que acabo de contar explica mi deriva “experimental” (si es que esta etiqueta sigue teniendo validez hoy en día). Por otra parte, esa “oscuridad” que mencionas supongo que tiene que ver con mi bagaje en el metal extremo.

thumbnail_IMG_3732.jpg

Eres un artista que trabaja de forma paralela en varios proyectos, además de cultivar tu faceta en solitario. Háblanos un poco de todo ello.

Siguiendo un poco con lo anterior debo añadir que es siempre todo un tanto espontáneo. Dedico poco tiempo a planear y el máximo posible a actuar. Cuando planeas te pierdes en un limbo de reflexiones e ideas que puede que nunca se lleguen a llevar a cabo. Dedico más tiempo a hacer música que a cualquier otra cosa. Enviar promos me da pereza y me siento sucio al promocionarme y contactar con sellos. No es nada moral ni de ética underground ni nada por el estilo. Es una sensación que no controlo. Supongo que será el síndrome del impostor ese del que tanto se habla ahora o algo así. Solo que sin fama, sin éxito, sin dinero y sin nada de nada. En fin, compaginar proyectos no se me hace difícil, no tengo que hacer tal cosa. No tengo que compaginar nada. Hago siempre las cosas según vienen. No obstante, debo admitir que cada vez tengo menos tiempo del que me gustaría para la música y es una pena. Tengo mucho material decente sin editar y otro tanto sin terminar.

Tu sonido resulta fantástico, entre otras muchas razones, porque logra subsumirnos en estados de presión y asfixia. ¿Qué es lo que te lleva a idear música tan extremadamente personal de forma angustiosa y febril?

No lo sé. Como te digo es siempre todo bastante espontáneo y supongo que tendrá mucho que ver con mi forma de ser. Muchas veces me absorbe la idea de crear algo monótono, con poco cambio y emotividad cero. Cenizo, hecho sin pasión. Y supongo que eso puede acabar derivando en lo que mencionas. Me gustan las cosas con poco cambio. La idea de un torrente o flujo musical constante el cual puede ser extendido durante horas en bucle en cualquier tipo de espacio con el objetivo de alterarlo, cambiarlo, creando un espacio de realidad divergente –y no tanto un artificio–; un organismo vivo a través de la música, el espacio y las personas que deciden situarse allí e interactuar y recibir esas coordenadas espaciales y auditivas, sea de forma activa o pasiva. En esta línea, la referencia más clara podría ser el disco de Lacrimi și Sfinți. Quizá esto que cuento y de la forma en la que lo cuento suena demasiado cerebral pero no lo es. Como decía, suele ser bastante espontáneo. Soy una persona algo impulsiva creando. Cuando tengo una idea y empiezo a perseguirla, no puedo parar. Supongo que mi forma de sonar dice algo sobre mí.

A la hora de elegir y trabajar: ¿te decantas por lo digital o lo analógico?

No soy ningún purista pero me encanta el equipo analógico, es más sensitivo. Sea como fuere no tengo mucho equipo, ni analógico ni digital. Trabajo con poco. No por decisión activa, sino por falta de pasta.

Uno de mis trabajos favoritos de tu repertorio es tu colaboración con Miguel A. García, The Lurking Fear. Un disco que no he parado de disfrutar desde que tuve la ocasión de descubrirlo. ¿Cómo surgió esta alianza con Miguel?

Todo el mérito es de Mikel. Él me pasó un montón de material que había grabado (te estoy hablando de unos cuantos gigas de material excelente) y yo lo fui seleccionando, editando, mezclando… Cuando empezó a tomar forma se lo pasé… Añadimos más capas cada uno y discutimos ideas hasta que se llegó a una versión final. Personalmente es un disco que me gusta mucho, me alegra que tengas esa impresión. Adelanto que hay dos temas por ahí, descartados del disco, que puede que vean la luz en formato cinta, puede que con una tercera mano añadiendo más capas a la formula.

¿Tienes a la vista algún concierto para este 2019?

El pasado 26 de enero Àlex de III Arms me organizó un concierto en Barcelona con Noir Noir y Gyakusatsu, más una exposición de grabados de la maravillosa Sara García Pérez en la sala Meteoro. Por el momento no hay más conciertos planeados para este año.

¿Cuál es tu opinión acerca del panorama industrial en nuestro país? Crees que la música independiente de experimentación ruidista está consiguiendo hacerse hueco dentro del mainstream, o que todavía sigue siendo considerada la oveja negra de la familia?

No tengo una opinión marcada, ni me paro mucho tiempo a pensar en esas cosas. Cualquier cosa que te pueda decir pecará de ambivalente.

Mi sello, Anoxia Records, nació un poco con la idea de tratar de mover esta música en otros círculos más allá del ruido extremo. Una estupidez por mi parte. Además, llevo bastante tiempo dudando sobre el sentido de seguir insistiendo en sacar trozos de plástico (muy bonitos eso sí) con música grabada encima que acabarán en el cajón de 4 colegas y poco más. No sé ni siquiera si tiene sentido seguir haciendo música. De hecho lo dudo bastante. Pero al final acabas cayendo, no puedes evitarlo. La distinción entre alta cultura y la baja cultura me parece una estupidez. La palabra “contracultura” me produce urticaria y las barreras de género, estilo, etc. me parecen de otra época. Pero da igual la visión que tenga sobre las cosas, las cosas son como son y siempre voy a estar limitado por quien soy y mis capacidades. Supongo que sí que hay algo así como “mainstream” aunque odie esa división. Es estúpido pensar que la popularidad de algo pueda definir su forma y su contenido. Lo triste es, que pese a estúpido, es así. Y eso es prueba de lo idiotizados que estamos. Se nos ha enseñado lo que es música y lo que no. Hemos absorbido como “naturales” todo tipo de abstracciones formales, y hemos olvidado los ruidos de nuestro día a día. Aún encima, casi todas las bandas suenan iguales, da igual el género o su estatus (mainstream o underground). Y no creo que yo sea una excepción ni mucho menos.

Háblanos de tus influencias. ¿Cuáles son tus discos de mesilla de noche?

Como te decía, vengo del metal extremo y supongo que este bagaje influye de alguna manera en mi producción más “experimental”. El salto del metal a territorios más experimentales no se produjo en ningún momento de forma lineal o arborescente ni de forma instantánea. Fue un salto lento y sutil que se movía en todas las direcciones. Mis influencias filosóficas y formales a la hora de crear ruido incluyen artistas y autores como John Cage, Eliane Radigue, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young, Else Marie Pade, SPK, Skullflower, la filosofía elaborada por los filósofos franceses Deleuze y Guattari, los textos de Sade, Bataille, Artaud, Panero, Pizarnik, Agustini, Cioran, Ligotti, Mainländer o Sylvia Plath. Y aunque intento que todo esto no me limite, supongo que siempre están ahí.

¿Planeas algún lanzamiento en los próximos meses?

Si todo va bien, sí. Unos cuantos. Para bien o para mal. El primero será una cinta titulada “Lilith” con tres piezas para piano y electrónica que sacaré con Anoxia. También sacaré con mi sello una cinta a Damien De Coene que promete bastante. Serán ediciones especiales y limitadas.

Crea un sitio web o blog en WordPress.com

Subir ↑