Aural Hypnox – “Underworld Transmissions”

Reuniendo los seis portales mágicos

4-estrellas

 

Aural Hypnox – Octubre de 2019 – dark ambient/ritual – sr

 

 

Seance I / 2013 (November 2013)

Seance I / 2014 (January 2014)

Séance II / 2014 (March 2014)

Séance III / 2014 (April 2014)

Séance IV / 2014 (July 2014)

Séance I / 2015 (January 2015)

 


El inquietante sello finlandés Aural Hypnox reedita en formato CD el primer compendio ritualista de su catálogo. “Underworld Transmissions” reúne la totalidad de una enigmática trilogía definida por la oscuridad y el misticismo.

 

Aural Hypnox es una de las pocas discográficas que a pesar de su marcada lobreguez estética, centellea por encima de otras debido a su acusada integridad y su segmentado estilo. Hoy celebramos la reedición de uno de sus trabajos más inaccesibles, la trilogía Underworld Transmissions. Esta propuesta vio la luz originariamente en el bienio 2014-15 , para ello el sello decidió fabricar una pequeña tirada de tan solo cincuenta copias por entrega. Pocos fueron los afortunados que pudieron hacerse con ellas, y debido al paso del tiempo y la justificada notoriedad que esta casa ha ido ganando, las casetes se han convertido en unas cotizadas e infrecuentes piezas de coleccionismo. Afortunadamente, Aural Hypnox ha decidido rescatar este material y relanzarlo en una edición compacta y más extensa, 150 copias, optando en esta ocasión por el formato CD.

 

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Una vez más, y desde una perspectiva tangible o cósica, Aural Hypnox ofrece un producto diseñado con mimo y elegancia. A esta nueva edición se le ha implementado todo el artwork contenido en la trilogía original. Su contenido reúne las seis sesiones privadas que los distintos miembros que vertebran el colectivo Helixes decidieron realizar en las frías noches de Oulu, al norte de Ostrobothnia. Evidentemente hablamos de música dark ambient de talante ritual exenta de complementación lírica que sobresale por su angular sobriedad, muy en la onda de proyectos anteriores como Metgumbnerbone, Lustmord o Ain Soph. Y es que Aural Hypnox ha sabido recoger un legado estético muy concreto y centrado que se ha desarrollado bastante poco en la historia de la nueva música.

En los seis capítulos que estructuran este prontuario vamos a encontrar una buena colección de líneas de drone y ruido atonal urdidas por el misterio con las que se dibujan paisajes desoladores y horizontes apocalípticos cargados de una extraña y mórbida belleza.

Esta nueva edición de Underworld Transmissions se presenta como una excelente oportunidad para redescubrir este impactante material que había quedado sepultado en el olvido, y que ahora se alza con fuerza. Desde NOmelody te recomendamos que te dejes sorprender por esta genial declaración de principios.

 

 

Fernando O. Paíno

 

 

Kollaps – “Mechanical Christ”

 

 

Asfaltando cementerios

4-estrellas

 

Cold Spring – Mayo de 2019 – industrial - CSR269

 

Si sientes pasión por los sonidos pulsados y aplastantes, Kollaps es definitivamente tu nueva banda de referencia. Este conjunto australiano presentó este año su segundo larga duración, “Mechanical Christ”, un álbum hermético y directo en el que se combina el ritmo y la vehemencia vocal con la rabia industrial.

 

A pesar de la escasa andadura de esta banda, tan solo cuatro años, Kollaps ha sabido ganar en poco tiempo una notoriedad que les ha llevado a recorrer toda Europa presentando su último trabajo Mechanical Christ.

El estilo del conjunto australiano se encuentra directamente influido por los primeros trabajos de Swans, centrando su atención en Greed, Holy Money o Public Castration Is a Good Idea, en los que hallábamos sin dificultad alguna grades descargas de presión, sonidos asfixiantes que se abrazan de manera intermitente al silencio y voces tamizadas por el hieratismo y la apatía. Mechanical Christ tiene mucho de esto, y prueba de ello la encontramos en cortes tan bien logrados como “Blood Premonitions”, en el que casi podemos saborear ese gusto por la angustia. El disco en su totalidad no deja lugar al optimismo. Kollaps tenía muy claro desde el principio la idea que quería desarrollar y no ha dudado un segundo en llevarla a cabo.

A diferencia de la banda anteriormente citada, Kollaps se declina por introducir en gran parte de su repertorio líneas de drones producidos por sintetizador, como podemos comprobar en “Traducer“, aportando de esta forma una coacción sonora que oprime de forma inexorable al oyente. Y es que los juegos de percusión realizados con instrumentos customizados por los propios miembros a base de material de fábrica, contando con muelles, resortes y placas de metal, es un recurso decisivo que dota de mucha personalidad a su música.

 

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Cierto es que el planteamiento en estudio de Mechanical Christ difiere notablemente de su ejecución en directo. En estudio la banda logra sonar mucho más oscura e intimista que sobre el escenario, donde alcanzan un paroxismo que se contagia entre el público.

Conviene destacar temas tan recomendables como “Love Is a War”, con el que clausuran el álbum. Una tonada que juega con intervalos acústicos atragantados por bloques de pura exasperación que no para de escalar en intensidad.

Este genial trabajo ha sido editado por la casa británica Cold Spring en dos ediciones diferentes, vinilo y CD, y todavía puedes encontrarlo disponible en el catálogo del sello.

 

 

Fernando O. Paíno

Desmultiplicando la extraterritorialidad

 

AM NOT es una de las grandes sorpresas que la música industrial ha recibido en los últimos años. Nos hemos puesto en contacto con Tamon Miyakita, alma mater del proyecto, para que nos hable un poco acerca del trasfondo conceptual que encierra su último trabajo Extraterritoriality, seis cortes presentados en una casete repleta de perfectos ejemplos de post-industrial con tintes power electronics. Un impactante trabajo publicado por Unrest Productions.

 

 

 

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¿Cuál es el enfoque que esconde Extraterritoriality? ¿Por qué has elegido ese término para presentar el trabajo?

La “extraterritorialidad” sirve para referirse a una especie de estado de excepción o inmunidad diplomática, generalmente otorgada a diplomáticos; por lo que es una especie de “estado” que permite a una persona trascender la jurisdicción legal, o ser como un extraño con derechos excepcionales en el extranjero. Aquí he intentado aplicar el concepto sobre la influencia y el control extranjero más allá de las fronteras físicas.

La cara A trata sobre el Reino Unido y su crisis actual.

Por un lado, está la fantasía de que Gran Bretaña consigue escapar con el fin de transformarse en algo más grande, y cómo esto se ha convertido en una especie de religión o mera manía para algunos. También se expone el poder que tiene Inglaterra entre los estados más pequeños del Reino Unido (Gales, Escocia, Irlanda), su profunda influencia, y de qué forma se mantiene.

Una vez vi un documental sobre expatriados británicos que viven en España. Un anciano salía diciendo algo como: “los británicos nunca serán extranjeros vayan donde vayan”, Esta declaración describe perfectamente el pensamiento general: se han otorgado una especie de jurisdicción global. El mundo es suyo. Eso es más o menos de lo que tratan las dos primeras pistas ,“Cleansing Violence” y “Better Together”.

Ever get the feeling you’ve been cheated” es más sobre la extrañeza de la situación en la que se encuentra el Reino Unido. La atrofia, el colapso de la razón y la pérdida de dirección. Los samples que he utilizado para hacer el tema son del golpe kirsty mcoll pop “Una Nueva Inglaterra “. Los ralenticé, mezclándolos con otras muestras de voz sacadas de un documental de la década de 1970 sobre la inmigración a las áreas de clase trabajadora blanca. Supongo que se trata más bien de un cierto tipo de clase inglesa de mentalidad pequeña, y cómo esta gente no ha cambiado nada.

 

 

 

Me pareció distinguir en el último sample de este tema –Ever get the feeling you’ve been cheated“- la voz de Johnny Rotten diciendo en forma de despedida esa misma frase a su público en el último concierto que Sex Pistols dio en USA antes de separarse en 1978…

Johnny Rotten… Él mismo es pro brexit, y precisamente utilicé el sample al que te refieres para señalar que todos han sido engañados por algo, ya sea un sueño nacionalista o el derecho a elegir lo contrario.

 

 

¿Cómo describirías el sonido de AM NOT en este nuevo trabajo?

No estoy seguro de cómo definir el sonido global en este trabajo. Como dije recientemente en una entrevista, no veo límites en lo referente al estilo que debemos llevar: La música industrial trata sobre una cierta forma de explorar ideas y acercarse al sonido y la imagen. Esta cinta está destinada a complementar la casete anterior, Incursions (2018), que publicó el sello Zaetraom, y pretende atar algunos cabos sueltos, y ampliar a su vez un poco algunos de los aspectos que su contenido esconde. Cuenta también con una revisión de “Come Home“, uno de los cortes encerrados en el LP que Tesco Organisation editase hace un par de años.

El rema que cierra Extraterritoriality es bastante sencillo, utilicé un sample del Dalai Lama en el que hablaba de la absurda situación que vive el estado chino, el cual le ordena reencarnarse en respuesta de propio Estado, anunciando que no volverá nuevamente después de que su cuerpo muera. Con ejemplos de este tipo podemos más que apreciar el tremendo hambre de poder de China, un hambre que atraviesa hasta lo más trascendental.

 

 

 

 

Halo Manash – “Unetar”

Una nueva y misteriosa aparición de Halo Manash

5_Estrellas

Aural Hypnox - Octubre de 2019 - dark ambient/ritual - AHUE08

 

Unetar

Valveesta

Tulitania

 

El proyecto ritual finlandés Halo Manash vuelve a manifestarse con la intención de ofrecernos la música más sepulcral y oscura que puedas concebir. Sonidos que emanan de flautas de hueso y sintetizadores programados para generar atmósferas asfixiantes.

 

Escuchar cualquier trabajo de Halo Manash implica sumergirse en contextos inhóspitos, fríos y adustos. Este proyecto finlandés concibe sus obras como puros y auténticos rituales envueltos en la más absoluta oscuridad. Unetar, su último trabajo, vuelve a ejemplificar a la perfección esa devoción y seriedad por los sonidos taxativos teñidos de negro y orientados a la meditación.

 

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Los poblados bosques de Ostrobotnia, una región costera de Finlandia limitada por el Golfo de Botnia, fueron la ubicación elegida para realizar la grabación de la mayor parte de este disco hace ya nada menos que trece años. Un registro auditivo que ha pasado un largo proceso de hibernación hasta que ha visto la luz. El proyecto fue cauteloso en todos sus detalles, hasta para elegir el día en el que éste fue grabado, nada menos que el 9 de marzo, momento en el que se produjo el eclipse solar que tiñó de negro al planeta durante unos momentos.

El primero de los temas principales que se encapsulan en este CD, “Unetar” nos habla mediante sonidos de ese triunfo de la oscuridad sobre la luz. Soliloquios de flautas en constante intermitencia y escalas conforman paisajes absolutamente desoladores y yermos, más desesperanzadores que la sonrisa del diablo. Por su parte “Valveesta” se muestra mucho más experimental que su predecesora, pero igualmente oscura. En esta ocasión, las líneas de graves crean una irremediable tensión sobre las que voces espectrales comienzan a caminar de forma trémula pero segura. Los sonidos de gongs y el tintineo de los cuencos son los encargados de dirigir la secuencia hacia las profundidades de lo no nombrado jamás.

En principio, el trabajo ha sido concebido en formato casete de esta manera, exponiendo una perspectiva calculada. En la edición CD se ha decidido añadir un tema extra que conjuga de manera muy convincente con sus vecinos. “Tulitania” es casi coetánea a las anteriores, y vio la luz en un recopilatorio editado en 2007. Una muestra perfecta de cohesión atmosférica en la que Anti Ittna H nos demuestra lo bien que sabe jugar con la presión y los intervalos de matices. Fascinante y absorbente al mismo tiempo.

Una vez más, las ediciones planteadas por el sello Aural Hypnox destacan por su originalidad y mórbida belleza. El disco se presenta en formato de single de 7”, acompañado de postales y descarga digital.

 

Fernando O. Paíno

FUTURO DE HIERRO – “Paso en el Vacío”

Un acto de fe

5_Estrellas

Màgia Roja - Junio de 2017 - industrial/noise - MR013

 

A Veces Somos Uno

Paso en el Vacío

No Hay Final

No et pots fer enrere

 

 

El proyecto catalán Futuro de Hierro lanza una acometida directa con su segundo trabajo en estudio “Paso en el Vacío”. Cuatro temas contundentes, cincelados por la electroacústica y anegados por el ruido más raspante. Impactante y muy recomendable.

 

Futuro de Hierro es otra nueva propuesta nacida en los condados catalanes que te deja sin palabras cuando escuchas su sonido. Y es que su responsable, Víctor Hurtado Torres, sabe cómo conjugar ritmos oxidados con escapes de disonancias moduladas y voces en herencia de los primeros Throbbing Gristle, haciendo de este nuevo disco algo único y muy atractivo.

Paso en el Vacío comienza con “A Veces Somos Uno” el cual hereda rasgos de bandas como Hypnoskull, pero mostrando una personalidad completamente distinta. Su estética puede acercarse de forma eventual a los primeros trabajos de Whitehouse en lo que a formas cacofónicas respecta, sobre todo si atendemos a discos como Erector (1981) o Total Sex (1980).

El segundo tema, que además da nombre al disco, “Paso en el Vacío”, se posiciona entre la calma y la oscuridad. En este punto explota la vehemencia lírica de Víctor, socavando nuestra voluntad a base de pedradas líricas.

 

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La cara B encierra dos inquietantes planteamientos. “No Hay Final” quiere acercarse a su predecesora, “Paso en el Vacío”. En ella podemos encontrarnos de nuevo con el influjo vocal de Genesis P. Orridge, guiado por una línea de loops que sirven de escalones, y una barandilla melódica adaptada a éstos. El corte evoluciona con elegancia, ganando cuerpo según se va consumiendo el tiempo.

No et pots fer enrere” se encarga de clausurar este cinco tenedores. Descubrimos un corte rítmico y sólido que puede rememorarnos la primera etapa de Esplendor Geométrico, aquella en la que todavía grababan en casete. Víctor no se queda ahí, y sabe complementar este armazón sonoro con una cuidada pero hiriente dosis de ruido que se acopla magistralmente a la estructura, ofreciéndonos algo salvaje y preciso al mismo tiempo. El tema enamora a la primera escucha, y lo alza como una de las bandas más punteras dentro del panorama ruidista barcelonés.

Futuro de Hierro ha sido un gran descubrimiento. Es motivo de orgullo contar con proyectos de este tipo dentro de la península, y desde NOmelody deseamos que su éxito esté a la altura de su sobresaliente calidad.

Paso en el Vacío ha sido publicado por el sello Màgia Roja en dos ediciones distintas, vinilo negro limitado a 201 ejemplares, y una tirada restringida a 99 unidades en un precioso color dorado.

 

 

Fernando O. Paíno

ORFEON GAGARIN – “Voces a 45”

Geometrik - Mayo de 2019 - experimental - GR2146

 

El regreso de Orfeon Gagarin

4-estrellas

 

Para Comprender El Átomo

Un Hublot Pour Voir La Terre

Carbono 14

Electrolytic Godspell

Interpentecostal Headling

Capri Horses In Pal Secam

Instrumentos Básicos (Live Version)

Kranken Cafe

Torres Quevedo

 

Miguel Ángel Ruiz es uno de los artistas de música experimental más polifacéticos de España, y Orfeon Gagarin es su proyecto más laureado. Geometrik records lanza al mercado la última propuesta de este guerrero sónico, “Voces a 45”. Nueve temas atravesados por un consistente halo electroacústico.

 

Dentro de la embrionaria escena industrial que se gestó en nuestro país durante la década de los ochenta, Orfeon Gagarin destaca como uno de los proyectos más representativos del género junto a Esplendor Geométrico o Francisco López. A diferencia de estos, Orfeon Gagarin apostó desde el principio de su andadura musical, allá por 1986, por un sonido salpicado por la experimentación en el que se entremezcla la músique concrète con los paisajes rítmicos de tonalidad difusa. Ahora, en 2019, el artista retoma su actividad editorial tras nada menos que veinticinco años de silencio con la presentación de Voces a 45, una fabulosa colección de cortes que certifican la maestría de Ruiz en la materia.

 

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Para Comprender El Átomo” es el tema encargado de abrir el disco. En él descubrimos ritmos cercanos al chill out fundidos con pinceladas de experimentación disonante que se encargan de conformar un microcosmos único, frío pero confortable. Por su parte, “Un Hublot Pour Voir La Terre” nos muestra un talante mucho más complaciente y apacible que su predecesora, en ella se desenvuelven melodías engendradas a base de sintetizador que reposan sobre capas de indeterminación acústica, obteniendo un resultado fabuloso.

Conviene destacar genialidades de la talla de “Electrolytic Godspell”, corte en el que un ritmo rasgado y ferruginoso presenta la salida a unas melodías audaces vestidas por el sabor del krautrock de los 70.

Posiblemente, nuestro corte favorito se esconda por la segunda cara de esta preciosa primera edición en vinilo blanco. “Instrumentos Básicos” es un maravilloso ejemplo de cadencia situacional de corte futurista muy próxima al último sonido planteado por Esplendor Geométrico, pero sin llegar a cogerlo de la mano. Un maravilloso ejemplo de diversidad acústica ensamblada con una maestría singular y única.

Voces a 45 supone el bien avenido regreso de un proyecto indispensable para definir la música experimental hispana, y es que Orfeon Gagarin es por derecho propio un referente obligado dentro de este género, aunque no haya gozado de la misma notoriedad que alguno de sus coetáneos.

Este trabajo ha sido publicado en dos ediciones diferentes, la ya comentada en vinilo blanco limitada a 250 copias, de las cuales cien de ellas se venden exclusivamente en Rotor discos, la tienda del sello Geometrik comandada por Andrés Noarbe. Está última edición contiene como punto de distinción el mismo disco en formato CD, al cual se le han añadido cuatro temas extras.

 

Fernando O. Paíno

Nuevas ediciones de ESSENCE! en vinilo

 

 

El proyecto británico Death In June anuncia un par de nuevas ediciones en formato vinilo de su último trabajo ESSENCE! El nuevo registro cromático elegido ha sido el vinilo de camuflaje en estilo splatter, limitado a 300 copias, y otra edición en violeta oscuro restringida a 700 unidades.

 

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ESSENCE! es un disco que nos ofrece una perspectiva muy personal sobre Douglas Pearce y su entorno actual, sobre las causas que se han encargado de forjar un sentimiento manifestado en auténtico elixir sonoro. Once temas que sirven al artista de diario de guerra. En ellos se ven reflejadas sus inquietudes, sus miedos, sus triunfos y sus tragedias de una forma única que solo DEATH IN JUNE es capaz de desarrollar.

Queríamos saber más sobre el porqué de ESSENCE!, y para ello hemos charlado con Douglas P, responsable directo de DEATH IN JUNE, que nos adentra en el interior de la personalidad de este último y definitivo trabajo.

 

¿Qué representa ESSENCE! para DEATH IN JUNE y su discografía?

“En ESSENCE! he tratado de encapsular musicalmente todo lo que había engrandecido y definido a DEATH IN JUNE durante su largo viaje de existencia desde 1981. La verdad es que no fue algo tan fácil de llevar a cabo como parece a primera vista, ya que al principio de la grabación hubo un considerable proceso de eliminación en el que me encargué de descartar mucha música que sonaba demasiado obvia y no reflejaba el “ahora” del proyecto. Necesitaba más sutileza, y creo que de forma eventual la encontré a medida que el álbum se fue desarrollando, y como de costumbre, terminó declarando su propia fuerza de vida, la cual siempre supone una especie de revelación para mí.

 

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¿Qué función desarrolla ESSENCE! dentro de la autobiografía del conjunto, un capítulo más o un rotundo epílogo?

Dentro del canon completo de la obra de DEATH IN JUNE y después de once meses desde su lanzamiento, podríamos fiscalizar que podría ser concebido como el álbum que marca el punto y final de la banda. No hay nada especial en el horizonte que puede sugerir otra perspectiva. En este momento ESSENCE! tiene para mí un sentimiento de finalidad. Sin embargo he tenido este mismo sentimiento años atrás, especialmente cuando publiqué The Wall Of Sacrifice (89) hace treinta años. Sin embargo, a veces, las cosas cambian; y cuando todo parece perdido sucede algo inesperado, entonces…

 

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¿Podrías describirme la estructura de voluntad que te impulsó a crear ESSENCE! y cómo se ve representada en este trabajo?

Netamente, ESSENCE! representa mi vida y el momento en el que me encuentro a los sesenta años de edad, en el otoño de mi existencia. No puedo decir que mis sesenta hayan sido años felices! Pero puedo mirar hacia atrás en una vida de grandes logros y ambiciones donde todos mis sueños se han hecho realidad. Mi vida profesional y sentimental ha sido exitosa, especialmente durante los últimos veinte años; sin embargo estos últimos meses han sido oscuros para mí, y las letras de ESSENCE! reflejan en más de una ocasión el contexto en el que me he visto atrapado.

 

 

Texto: Fernando O. Paíno

 

 

DARK MAD 2019

DARK MAD: UN ECLIPSE EN PINTO

 

La sala Groove de Pinto (Madrid) recibió la semana pasada a hordas de amantes del sonido oscuro en todas sus facetas. Nada menos que treinta conciertos repartidos en dos días tuvieron lugar en la primera convocatoria de un festival que ya ha creado nombre propio: Dark Mad.

 

Los días 25 y 26 de octubre tuvo lugar en un punto tan recóndito de la geografía madrileña como es Pinto lo que, sin lugar a dudas, puede ser entendido como el festival más importante de música oscura que se ha celebrado jamás en España. Dark Mad ha sorprendido por muchas razones, casi todas ellas positivas. Comenzando por el reducido precio de su entrada, que a pesar de los graduales incrementos según iban añadiéndose bandas al cartel, nunca superó los 55 euros, coste más que asequible para dos días de festival; continuando con el repertorio del cartel, que abarcaba una nutrida variedad de formaciones pertenecientes a todas las etapas y estilos de la subcultura oscura; y, para finalizar, debemos elogiar el meritorio trabajo de la organización al desenvolverse con tanta soltura y profesionalidad dentro de lo que era la primera edición de un festival casi embrionario, no teniendo mucho que envidiar a lo que se viene celebrando puertas afuera.

Posiblemente el viernes fuera el día más atractivo para nuestra perspectiva musical debido al gran número de bandas con inclinaciones industriales que se daban cita. Flash Zero abría el cartel, sin embargo fue prácticamente imposible verles debido a un inesperado factor coyuntural relacionado con la accesibilidad al recinto. Algo similar ocurrió con la actuación de Crvor Martyrium celebrada paralelamente en el escenario alternativo.

Leaether Strip ofreció un espectáculo inyectado en energía y ritmo que contagió a los asistentes. Los británicos The Cassandra Complex demostraron que aún se encuentran en plena forma. No es fácil disfrutar de un concierto de esta genial y mítica formación, ya que desde hace unas décadas se prodigan poco.

 

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Otra referencia de finales de los ochenta que dejó bien claro que todavía tiene mucho que ofrecer fue Signal Aout 42. Este año presentaba su último trabajo Insurrection, y Dark Mad fue una oportunidad perfecta para desarrollar en directo alguno de los temas que esconde el disco. Por su parte, los catalanes Larva regalaban una generosa descarga de EBM salpimentada con ruido en el escenario paralelo.

 

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Covenant era uno de los platos fuertes del festival, y aunque ha tocado en innumerables ocasiones dentro de nuestro país, estos suecos siempre consiguen crear una incontenible expectación. El repertorio elegido incluyó un buen número de grandes éxitos que se vieron parcialmente desmerecidos por problemas con el sonido. Más allá de esta inesperada circunstancia, la banda demostró su colmada profesionalidad sorteando la adversidad de la mejor de las formas posibles.

 

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The Horrorist fue, desde nuestro punto de vista, lo mejor del primer día. Oliver Chesler salió al escenario engulléndose al público. Nos regaló una trepidante colección de temas ásperos en los que se combinaba el industrial más primigenio con la genética EBM. El neoyorquino dejaba entrever el influjo de Boyd Rice tanto en letras como en entonación.

 

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El broche de oro del día lo pusieron los belgas A Split Second, que realizaron un repaso a su legado discográfico, y el siempre sorprendente Ancient Methods.

 

La selección de artistas del sábado estaba más escorada hacia sonidos góticos de guitarra y synth pop. Otro aspecto positivo de esta propuesta, indudablemente, ya que de esta manera se abarca la heterogeneidad estilística que el mundo dark puede llegar a presentar; sin embargo no son objeto de análisis dentro de los parámetros de NOmelody. No obstante, no podemos finalizar esta crónica sin elogiar las increíbles actuaciones de Fields Of The Nephilim, Love Is Colder Than Death, Apoptygma Berzerk, o especialmente, los italianos Kirlian Camera, que debido a un inesperado contratiempo se vieron retrasados en cartel, aunque su genial directo se encargó de curar cualquier tipo de herida abierta.

 

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Por todo ello podemos decretar que esta primera edición de Dark Mad ha sido un rotundo éxito. No solo por el hecho de materializar una idea ya de por sí arriesgada, sino por todo lo que deriva de ella, que quizá sea lo más valioso: el hecho de aunar a seguidores de todos los puntos de la península y de fuera de ella, demostrando una vez más que, aunque un tanto estático, el movimiento oscuro continúa activo en nuestro país.

 

Fernando O. Paíno

Fotos: K.W.

PLACEBO EFFECT, FÏX8:SËD8 Y PYRROLINE EN MADRID

Sala 0 - Palacio de la Prensa, Plaza del Callao, 4, Madrid - 9 de noviembre 2019 - Puertas 18:00

 

En unas semanas estará tocando en Madrid uno de los nombres inolvidables del dark wave y dark electro alemán: PLACEBO EFFECT. Les acompañarán dos de los grupos más emblemáticos del nuevo dark electro denso, complejo y rítmico – FÏX8:SËD8 y PYRROLINE

 

Placebo Effect es una de las bandas más importantes del movimiento dark electro alemán de finales de los 80 hasta mediados de los noventa. Fundados en 1989, tuvieron su apogeo en los albores de los 90, y aunque se separaron en 1995, siguieron dando conciertos puntuales, incluso después del fallecimiento de uno de sus miembros, Achim Windel, en 2016. Uno de las actuaciones más sonadas de los últimos años ha sido precisamente junto a Fïx8:Sëd8 y Pyrroline el 26 de mayo de 2018 en Das Bett en Frankfurt.

Placebo Effect siguen siendo uno de los abanderados del old school dark electro, deleitando a nuevos y antiguos fans con temas como “Move”, “Galleries of Pain” o “Slashed Open”. Elegancia oscura, una puesta en escena de lo más tétrica y ritmos que obligan a bailar.

 

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Fïx8:Sëd8

 

Fïx8:Sëd8 es uno de los grupos líderes de la nueva hornada dark electro alemána. Después de editar dos discos de forma independiente, Martin Sane, creador del concepto y la música de Fïx8:Sëd8, fichó por Dependent Records, arrasando con su tercer álbum Foren6. En Mayo de 2019 se publicó su laureado cuarto disco, Warning Signs, el cual ha recibido excelentes críticas. En directo nos espera un show oscuro, intenso y envolvente que no deja indiferente a nadie.

 

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Pyrroline es el segundo proyecto de Arnte y Schmoun, que ya se dieron a conocer con los excelentes Nordschlacht. Su tercer disco “In The Dawn Of Freedom“, editado en 2017, es una combinación magistral de ambientes oscuros y majestuosos con contundentes beats, mezcla que saben transportar a la perfección a sus impresionantes directos.

 

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COMPRA DE ENTRADAS:

Entradas a la venta a través de mutick.com y eventbrite.com y en formato físico ya disponibles en Diskpol, Rara Avis y Unterwelt (todos en Madrid).

Entradas a la venta a través de mutick.com y eventbrite.com y en formato físico ya disponibles en Diskpol, Rara Avis y Unterwelt (todos en Madrid).

Mutick (https://mutick.com/events/entradas-concierto-placebo-effect-madrid-madrid)

-Eventbrite (https://www.eventbrite.es/e/entradas-dark-electronic-invasion-pt1-placebo-effect-fix8sed8-pyrroline-73076147725)

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